«Same same, but diferente»

Caiozzama, desde su formación de fotoperiodista, ha trabajado constantemente con la cotidianidad, con el fin de reflexionar sobre los últimos sucesos. Same Same but diferente nos invita a reírnos del mundo en el que vivimos usando el lenguaje de masas para ensamblar una sátira. En su obra se presenta con ironía el tópico, elevando muchas veces el carácter de este hasta lo ridículo, logrando que el recurso de figuras religiosas junto a elementos de la contingencia nos interpela directamente, preguntando a quien le “prendemos velas” en el periodo actual; ¿A alguna gran potencia mundial? ¿A la sociedad de consumo? ¿A una empresa? ¿A una red social? ¿A un like?

En la calle, las obras de Caiozzama se construyen mediante el paste up, obras que se completa en la calle, sin preparación del soporte y nutriéndose por el contexto en el que se emplaza. En esta ocasión, el artista toma la decisión de reinterpretar sus obras mediante el collage, tomando elementos de sus trabajos anteriores, “cortandolos” del street Art y pegandolos en la galería.

El collage como técnica unifica elementos des-contextualizándolos, busca que tomemos distancia de la contingencia, para emplear una crítica a la sociedad de consumo. La reinterpretación del paste up a collage se presenta como una oportunidad de inmortalizar lo hecho en la calle, y a su vez, de recontextualizarlo dentro de la galería. Esta operación nos obliga a pensar como la calle entra a la galería, mientras la galería cuestiona los límites del soporte. Finalmente, nos queda por reflexionar cómo la institución se ve cuestionada al traer el street Art dentro de una galería.

Texto: Benjamín Arancibia

«Éxodo, trozos de ausencia» + «El cielo recuerda con odio la herida del relámpago» + «Alqui-Mía. De barro y oro»

Éxodo, trozos de ausencia
Fotografía y técnica mixta

El paisaje como espacio biográfico es el eje central de la ÉXODO, TROZOS DE AUSENCIA, muestra en la que Patricia Astorga se vale de fotografías en blanco y negro, que se transforman al incorporar la luz como dispositivo activo de la realidad. Mediante tecnología y basada en su historia familiar, relaciona Chile y Escocia, señalando que ambos lugares se encuentran a similar distancia de los polos. De esta manera, 56° de latitud Sur y 56° de latitud Norte se encuentran, poniendo de manifiesto sus similitudes estéticas y sociales.

Ése es el punto de partida de esta original exposición interactiva. Para elaborar su propuesta, la artista incorpora el collage como lenguaje plástico, estructurado a partir de fragmentos que registran pequeñas historias, acontecimientos y cambios culturales que suceden en el mundo y en nuestro país.

En el Estrecho de Magallanes y sus bordes agrestes relata una historia de navegantes y penurias que muchas veces terminó en muertes. Sólo los destellos de los faros significaban vida y la esperanza de un nuevo mundo. En el otro extremo, los territorios gaélicos de Escocia, desde donde llegaron aventureros a estas orillas que finalmente hicieron su patria.

“El público podrá interactuar con la muestra, porque las fotos están en una caja con un dimmer que permite regular la luz y van apareciendo distintas figuras. Es una propuesta innovadora desde lo técnico, pero además hay un proceso artístico muy original”, señala su autora.

Patricia Astorga McIntyre. Licenciada en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile, 1991, ha continuado su investigación artística con una residencia en el Centro Cultural Espacio O a cargo de Arturo Duclós y actualmente cursa un Diplomado en Teoría del Arte en la Universidad Católica.

Ha expuesto en Chile y el extranjero, en galerías en Nueva York, Milán y París, en esta última en la galería Mamia Bretesché, el 2017, en conmemoración de los 100 años del natalicio de Violeta Parra. Además, ha participado en Bienales como la II Bienal de Palermo, Italia, y la Bienal de Arte de Barcelona. Sus obras han sido llevadas por AC Contemporary Art a Medellín, Colombia y a Miami bajo la Feria Aqua Art Miami y Wynwood Art. Ha participado también en la prestigiosa Feria Internacional de Arte Contemporáneo SCOPE, Basilea, Suiza, entre otros.

El cielo recuerda con odio la herida del relámpago
Pintura y collage

La frase del poeta Jorge Teillier El cielo recuerda con odio la herida del relámpago da título a la muestra de técnica mixta que presenta el artista visual Rodrigo Alvarado, en nuestro Centro Cultural, El singular nombre hace referencia a que dicha frase “fue la chispa que encendió el fuego para crear, cerquita de la hoguera una serie de piezas nuevas en torno a la poesía plástica”, como señala Alvarado.

Su trabajo refleja el cruce entre lo académico y lo espontáneo y a menudo utiliza elementos de uso cotidiano, encontrados incluso entre escombros. Lo suyo es poesía visual, armada con rigor a la manera de un collage y fiel a sus orígenes plásticos, donde la pintura y el grabado ocupan los lugares relevantes.

“Siempre me he reconocido como un pintor realista, porque en esencia hablo del hombre y sus circunstancias. El drama humano universal es el motor de mi trabajo. Mi forma de expresarme es siempre con elementos ajenos al mundo del arte. Busco entre escombros muchas veces, e intento crear lo que sería la mezcla entre pintura académica y los rayados de un baño público”, expresa.

Y agrega:

“Es en esa extraña mezcla donde me siento cómodo, es en tierra de nadie donde nace mi mejor arte y es así justamente -aludiendo de nuevo a Tellier- ‘donde nace el fuego interno que crea grandes incendios forestales’”.

En 2010, el crítico Pablo Hermann, director del centro cultural OKK RAUM 29, de Berlín, Alemania, se refirió a su obra de esta manera: “Alvarado es uno de los pocos seres que conozco capaces de transformar desechos y falacias aplicadas en estética y cultura del más alto nivel, siendo un mago en el lenguaje crítico, en mi opinión y en la de varios trabajadores culturales de mi país. Alvarado es uno de los representantes más importantes de la poesía plástica universal dentro de la pintura contemporánea”.

Rodrigo Alvarado (1976). Licenciado en Artes plásticas de la Universidad Finis Terrae, obtiene reconocimientos por su obra, como el Primer premio de Grabado en el Concurso Nacional de Grabado, organizado por Galería Ana María Matthei, en 2000, que lo motiva a estudiar en el Taller Experimental de gráfica de La Habana, Cuba, entre 2001 y 2002. El diario El Mercurio lo reconoce como el artista joven más influyente del año 2006.

Exhibe en prestigiosas galerías en Chile y en el extranjero. En 2018 representó a Chile en un afamado evento en Berlín, invitado por la galería OKK-Raum 29. Participa en la feria Art Week Miami, diciembre 2017 y 2018. Su obra se encuentra en colecciones privadas en Chile, Europa y Estados Unidos, así como en el Palacio de La Moneda.

Alqui-Mía. De barro y oro
Escultura cerámica

Reconocida como uno de los nombres fundamentales de la cerámica contemporánea chilena, Ximena Ducci presenta la exposición Alqui-Mía. De barro y oro, en nuestro Centro Cultural. Con esta muestra, la autora da un giro a su inconfundible imaginario incorporándole elementos disonantes, alejados por completo de su ascetismo visual. Es decir, sus arquetípicas casas se trasladan a la escena pop y tensionan los límites entre escultura y objeto.

Su propuesta se vale de un riguroso proceso, que incluye quemas reductivas a 1300°, más un tercer fuego de oro. Como integrante del mítico taller Huara Huara desde hace más de 20 años, posee un amplio dominio técnico, sin embargo, la incorporación de un elemento foráneo, le otorga un grado aún mayor a la dificultad implícita en la cerámica.

“Tuve que pedir permiso a mi apreciado barro, amigo de camino por tantos años, para que se prestara a perder, en parte, su habitual presencia cerámica y su calidad térrea, y me acompañara en este viaje de convertir el barro en oro”, señala Ducci.

En esta muestra hay mucho de reflexión e ironía, e incluso el montaje -que contempla algunas cúpulas de vidrio- cuestiona el uso de los símbolos y el valor sobredimensionado que otorgamos a ciertos materiales. Como dice un proverbio chino “El barro se endurece al fuego, mientras el oro se ablanda”.

Ducci también, explica el uso de “la casa” como objeto que cruza toda la muestra: “… es un símbolo del reposo, del consuelo y de lo íntimo, se manifiesta como reflejo del ‘hogar interior’ que todos anhelamos enriquecer. Lo esencial en cada uno: el sueño humano de encuentro, refugio y paz”. Respecto del título, Alqui-mía. De barro y oro, y que hace referencia a la antigua creencia de la posibilidad de transmutar la materia, señala que con el oro espera que “la ‘casa’, quede convertida en un símbolo de más síntesis y luz”.

Ximena Ducci Budge (1955) estudió Licenciatura en Arte en la Universidad Católica de Chile. Desde hace más de 20 años, es integrante del Taller Huara Huara, y editora de la Revista Esteka de Cerámica Contemporánea. Participa en numerosas exposiciones colectivas y exhibe de forma individual en 2009, en la Galería La Sala.

Sábado 3 al Domingo 25 de agosto de 2019 / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas / Av. Apoquindo 6570. Metro Hernando de Magallanes.

«RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano»

En 2013, UNESCO declaró como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad a cuatro fiestas religiosas italianas (Santa Rosa di Viterbo, Festa dei Gigli di Nola, Varia de Palmi y Faradda di candareri de Sassari), que utilizan colosales estructuras procesionales, las famosas Máquinas al Hombro. Ése es el punto de partida de RACCONTI (IN)VISIBILI, la muestra internacional de arte contemporáneo italiano que llega a Chile para iniciar aquí un recorrido por Latinoamérica, incluyendo Argentina y México.

Concebida como un viaje multisensorial al corazón y al alma de Italia, la exposición –promovida por el Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, con la curaduría de Micol Di Veroli y Dominique Lora, y patrocinada por la Embajada de Italia en Chile- se presenta en nuestro Centro Cultural. También colabora en esta exposición Alessia Autuori, quien fuera curadora de la exitosa muestra Occhio Mobile, de arte cinético italiano, que se exhibió en 2014 en las mismas salas de exposición.

RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano reúne piezas procedentes del Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, en especial maquetas, modelos a escala y audiovisuales de las Máquinas al Hombro, y obras de quince destacados artistas italianos contemporáneos, que en su producción se han interesado en temáticas inspiradas en la identidad y patrimonio histórico. Se trata de pinturas, instalaciones, collages, esculturas, fotografías, cerámicas y videos, que reinterpretan dicha tradición, demostrando que lo contemporáneo es un lenguaje cuyas raíces se pierden en la historia. Es decir, el arte, pasado, presente y futuro se funden en una sola obra.

El itinerario se realiza dentro de un entorno audiovisual –de carácter inmersivo con cámaras oscuras y lluvia de sonido- creado por los documentales de Francesco De Melis en las procesiones católicas más famosas de la tradición italiana, como la loca carrera del Ceri di Gubbio; el culto de la Madonna del Soccorso, una estatua de mármol de los años 1500 que navega por las calles de Sciacca sobre los hombros de ciento cincuenta marineros descalzos; la danza de los ocho obeliscos de Nola con su música ensordecedora; el impresionante transporte de la «Varia di Palmi» en honor a Nuestra Señora de la Sagrada Carta; el colorido y animado Descenso de los Candelabros de Sassari; el asombroso transporte de la Máquina de Santa Rosa, una torre de 30 metros de altura, sobre los hombros de 100 hombres en honor al santo patrón de Viterbo.

Del museo romano llegan modelos a escala de diferentes estructuras procesionales que alguna vez se usaron en las mencionadas fiestas. Estas estructuras, que asombran por su complejidad y formato, son fabricadas durante todo un año, y si alguna vez utilizaron maderas y materiales nobles para su construcción, hoy se valen de fibra de vidrio y metal, aprovechando los beneficios de la nueva tecnología.

Los artistas contemporáneos en tanto representan a cabalidad el estado actual del arte, donde las fronteras entre una y otra disciplina son cada vez más difusas, permitiendo la experimentación y el diálogo. Participan Giampaolo Bertozzi (1957) & Stefano Dal Monte Casoni(1961); Tommaso Cascella (1951); Flavio Favelli (1967); Dario Ghibaudo (1951); Silvia Giambrone (1981); Maria Lai (1919-2013); Francesco Lauretta (1964); Davide Monaldi (1983); Luana Perilli (1981); Rosaria Bosso (Roxy in the box); Marinella Senatore (1977); Giuseppe Stampone (1974); Sergio Tumminello (1974); Angelo Marinelli (1979), y Zaelia Bishop (1977).

12 de junio al 28 de julio de 2019
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Av. Apoquindo 6570.

«Future Species»

Desde el jueves 25 de octubre hasta el viernes 30 de noviembre, en la Sala de Arte CCU, se podrá visitar “Future Species”, una exposición del artista chileno Axel Ríos, quien, a través de grandes lienzos que representan animales, como vacas y pájaros, propone la temática de la desaparición de ciertas especies, como un borrado y un proceso que nos lleva a un estado crítico.

Esta exposición es la continuación de un trabajo presentado por el artista en la Galería Isabel Croxatto, donde se relata el cambio y la desaparición de las especies y el territorio desde una perspectiva única.

Axel Ríos vive actualmente en la costa oeste de Noruega, y está expuesto a una nueva realidad en los paisajes pastorales de Haugalandet, región escasamente poblada, con pequeñas ciudades y pueblos ubicados en los fiordos de ese país, realidad que también es representada en sus obras.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU
La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

Horario: lunes a viernes entre las 10:00 y 18:30 horas.

Expo Bautista 17/04: «Gestualidad x 3»

Este martes 17 de abril desde las 20:00 hrs, podrás disfrutar de una selección de obras de los artistas Sebastián Errázuriz R., Ana Bravo y Paulo Toledo.

La muestra está compuesta por collages, fotografías y pinturas de estos tres artistas que los une su gestualidad y trabajo de color.

S.E.R, músico y artista visual, retrata fotografías utilizando la saturación de colores, creando diferentes atmósferas por medio del trabajo digital; Ana Bravo, artista visual, presenta una serie de pinturas en diferentes formatos, basándose en el paisaje abstracto y la pintura minimalista y Toledos, pintor, presenta una serie de pinturas con técnica mixta y collage, utilizando colores fuertes, iconografías y juego de planos.

La curatoría está a cargo de la artista visual y fotógrafa Macarena Álvarez.

Los asistentes podrá degustar del cocktail inaugural.

17 de Abril al 13 de Mayo 2018

Lunes a domingo de 12:30 a 00:00 hrs.

Galería Bautista | Nueva Costanera 3950 | Vitacura

«Mesopotamia»

D21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia (Metro Los Leones) / Lunes a viernes de 11 a 19 hrs. sábado de 11 a 15 hrs.

Claudia Donoso presentará en D21 Proyectos de Arte, MESOPOTAMIA, muestra compuesta de collages y textos.

A partir del viernes 23 de marzo hasta el jueves 26 de abril del 2018, se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición Mesopotamia de Claudia Donoso, compuesta de collages y textos enmarcados.

A través de la técnica del collage, Claudia Donoso compone diversas imágenes, asociando y vinculando elementos extraídos de revistas, enciclopedias, publicaciones de arte y fotografía, entre otros. Se trata de fragmentos que recorta y pega, componiendo nuevos retratos, cuerpos, paisajes, objetos, animales e insectos. Son ilustraciones provenientes de varios tipos de impresos las que articulan un extravagante imaginario. Su trabajo visual se encuentra estrechamente vinculado con la escritura por lo que en la exposición Mesopotamia los collages dialogan con breves fragmentos literarios de su autoría.

Sobre la artista

Claudia Donoso (Santiago, 1955), estudió periodismo en la Universidad de Chile y desarrolló su carrera como reportera gráfica y luego como periodista cultural, en revistas como Hoy, Apsi, Paula y Cosas. El año 2012 expuso por primera vez sus trabajos visuales en la galería Casa E de Valparaíso. Es autora de Insectario Amoroso, novela publicada por Editorial Sudamericana el año 2004 y reeditada por Ediciones UDP en 2015.

«Universo de Lolita»

Lunes a viernes, 11 a 19 horas.

La muestra, realizada en técnica de Collage, invita a elevarse y perderse en este universo, donde las mujeres son las protagonistas del relato del autor.