XV Festival de Jazz de Las Condes

FESTIVAL DE JAZZ DE LAS CONDES CUMPLE 15 AÑOS CON VERSIÓN ONLINE

  • Rami Attallah, de Egipto; el saxofonista Sax Gordon y los cantantes Tia Carroll y Lorenzo Thomson, de Estados Unidos, junto a destacados artistas nacionales, como Christian Gálvez, Alejandro Espinoza, Seis a la Dixie y Andrea D’Arriaran, entre otros, conforman la parrilla programática.
  • El encuentro se transmitirá a través de www.culturallascondes.cl y canal YouTube de la Corporación Cultural de Las Condes.  

Con estrellas internacionales, como el saxofonista Sax Gordon y los cantantes Tia Carroll y Lorenzo Thomson, de Estados Unidos, y la banda egipcia liderada por Rami Attallah, y una selección de destacados artistas nacionales, se realizará el XV Festival de Jazz de Las Condes, un panorama ya tradicional en la comuna. 

El encuentro -que busca acercar al público masivo a figuras de renombre mundial del género- es organizado por la Corporación Cultural de Las Condes y producido por el trompetista Cristián Cuturrufo, y en esta oportunidad, debido a las restricciones impuestas por la pandemia, se transmitirá en forma online. 

La invitación es para los días viernes 5, sábado 6 y domingo 7 de febrero, a las 20:00 horas, a través de www.culturallascondes.cl y el canal YouTube institucional, con acceso liberado. 

Como teloneros estarán las bandas de jazz de los colegios Leonardo da Vinci y Simón Bolívar, de Las Condes (viernes 5 y sábado 6), y Concepción Big Band (domingo 7). 

Viernes 5 de febrero

  • Cuarteto integrado por Christian Gálvez, bajista y compositor chileno; Alejandro Espinoza, batería; Hengcoo Ortega, saxofón, y Natalia Quintana, voz y percusión.  
  • Tia Carroll, de Estados Unidos, una de las cantantes de R&B más destacadas hoy a nivel mundial, comparada incluso con legendarias cantantes como Etta James, Tina Turner y Koko Taylor, lidera una importante banda de blues. 

Sábado 6 de febrero 

  • Rami Attallah Cuarteto. El pianista, compositor y arreglador egipcio Rami Attallah, fundador de la escuela The Music Hub, se presenta junto a Ehab Tass, bajo; Fouad Afra, batería, y Mina Nashaat, saxofón. Ha lanzado dos álbumes, Shokran Jazzilan y A conversation, y ha actuado en más de veinte festivales internacionales.  
  • Seis a la Dixie. La agrupación, formada hace más de 17 años al interior del Club de Jazz de Santiago, cultiva el estilo Dixieland, uno de los más alegres, festivos y tradicionales del jazz norteamericano, y es liderada por Claudio Zamorano, trompeta. 

Domingo 7 de febrero

  • Andrea D’Arriaran Cuarteto. Junto al pianista belga Jasper Huysentruyt Trío, la cantante presenta un romántico repertorio de blues, bossa nova y ritmos pop. 
  • Lorenzo Thompson. Nacido en Mississippi, el cantante norteamericano está formado en la tradición del blues eléctrico de Chicago, donde se crió, moderno, ágil y con un suave toque soul en la voz. 
  • Sax Gordon, uno de los saxofonistas más solicitados de la escena internacional, con seis discos como solista y una amplia carrera junto a leyendas del blues como Luther Johnson y Champion Jack Dupree. El músico norteamericano se ubica en la tradición del blues de Chicago. 

XV FESTIVAL DE JAZZ DE LAS CONDES

Viernes 5, sábado 6 y domingo 7 de febrero, 20:00 horas

www.culturallascondes.cl
Canal YouTube Corporación Cultural de Las Condes

Acceso liberado

«Historia de un barrio. El Golf, 90 años»

Partió como un experimento rupturista y llegó a ser considerado uno de los barrios mejor planificados del continente. Con la intención de constituirse en una “ciudad jardín”, El Golf reemplazó las fachadas continuas típicas de la capital por “chalets” y “bungalows”, a semejanza de algunos barrios norteamericanos o europeos, donde las casas dialogan con el entorno.

Hoy 90 años después de los primeros loteos de los terrenos que dan origen al barrio, impulsado por dos mujeres visionarias, Loreto Cousiño y Elena Errázuriz, presentamos la exposición HISTORIA DE UN BARRIO, que se divide en cinco temas:

1) Origen del barrio
2) Desarrollo y consolidación del barrio
3) Instituciones y espacios destacados
4) Cambios y nueva configuración urbana
5) Imágenes en contraste

El eje central de El Golf es la intersección de las calles Apoquindo y Gertrudis Echenique y, es justamente en ese lugar, donde se construyeron las primeras edificaciones. Loreto Cousiño vivió en la casa que hoy pertenece a la Embajada de España y Elena Errázuriz lo hizo en la actual residencia del Embajador de Inglaterra.

De eso ha pasado ya casi un siglo y, a pesar de las transformaciones y cambios sistémicos, el barrio sigue conservando su espíritu inicial y es considerado uno de los mejores lugares para vivir en Santiago. Es por ello que la muestra, organizada por un grupo de vecinos de El Golf Sur, con la colaboración del Centro de Extensión de la Cámara Chilena de la Construcción y el patrocinio de Archivo En Terreno, da cuenta de su historia y reúne fotografías de diferentes archivos (muchos familiares), obtenidos de manera colaborativa, que ilustran cómo en poco tiempo un espacio rural se convirtió en un ejemplo de urbanismo, de gran valor arquitectónico y patrimonial y que ha contribuido a mejorar la calidad de vida.

Proyecto patrocinado por Ley de Donaciones Culturales

14 de enero al 14 de marzo / Apoquindo 3300.

«Santiago. Plaza de Armas»

Muestra en el MUI

 “SANTIAGO. PLAZA DE ARMAS”: UN VIAJE EN EL TIEMPO POR UNO DE LOS HITOS DE NUESTRA CAPITAL  

  • La exposición conjunta entre el Museo Interactivo de Las Condes (MUI) y el Museo Histórico Nacional es un recorrido del emblemático lugar, desde sus inicios hasta hoy, a través de diversas fotografías, grabados y pinturas.
  • Se puede visitar, con entrada liberada, hasta el 29 de febrero.

El Museo Interactivo de las Condes (MUI) y el Museo Histórico Nacional se unen en la exposición SANTIAGO. PLAZA DE ARMAS, donde se exhiben, de manera gratuita y hasta el 29 de febrero, diversas fotografías, grabados y pinturas que dan cuenta de la evolución de este emblemático espacio desde sus inicios a nuestros días.

La exposición tiene por objetivo invitar al público a un recorrido visual a través de la historia de la Plaza de Armas. Este viaje se inicia en su fundación durante tiempos incaicos, y termina en su estado actual como centro de nuestra trama urbana metropolitana. 

La muestra es un viaje en el tiempo a través de imágenes y textos que buscan rescatar la geografía y su arquitectura; las costumbres, ocupaciones y vivencias que hacen del centro de Santiago un espacio representativo de nuestra cultura e historia. 

La historia de la Plaza de Armas es narrada a través de tres niveles que van desde lo alto de sus techos, las fachadas de sus edificios llegando al nivel del suelo y quienes habitan la Plaza. Cada uno de estos niveles cuenta momentos de la historia del lugar a escalas diversas desde sus orígenes hasta como la conocemos hoy. 

Una exposición imperdible que marca el puntapié inicial de una interesante alianza entre el MUI y el Museo Histórico Nacional con un objetivo común claro: educar a través de la cultura. Para recorrer en familia y aprender más de nuestros espacios e historia en común.

Más información en www.mui.cl

28 de enero de 2019 al 29 de febrero 2020 / Museo Interactivo Las Condes, MUI. Isidora Goyenechea 3400, Metro El Golf / 22 963 71 80 / Martes a viernes, 10:00 a 19:30 horas; Sábados y domingos, 11:00 a 19:30 horas / Entrada Liberada

«Same same, but diferente»

Caiozzama, desde su formación de fotoperiodista, ha trabajado constantemente con la cotidianidad, con el fin de reflexionar sobre los últimos sucesos. Same Same but diferente nos invita a reírnos del mundo en el que vivimos usando el lenguaje de masas para ensamblar una sátira. En su obra se presenta con ironía el tópico, elevando muchas veces el carácter de este hasta lo ridículo, logrando que el recurso de figuras religiosas junto a elementos de la contingencia nos interpela directamente, preguntando a quien le “prendemos velas” en el periodo actual; ¿A alguna gran potencia mundial? ¿A la sociedad de consumo? ¿A una empresa? ¿A una red social? ¿A un like?

En la calle, las obras de Caiozzama se construyen mediante el paste up, obras que se completa en la calle, sin preparación del soporte y nutriéndose por el contexto en el que se emplaza. En esta ocasión, el artista toma la decisión de reinterpretar sus obras mediante el collage, tomando elementos de sus trabajos anteriores, “cortandolos” del street Art y pegandolos en la galería.

El collage como técnica unifica elementos des-contextualizándolos, busca que tomemos distancia de la contingencia, para emplear una crítica a la sociedad de consumo. La reinterpretación del paste up a collage se presenta como una oportunidad de inmortalizar lo hecho en la calle, y a su vez, de recontextualizarlo dentro de la galería. Esta operación nos obliga a pensar como la calle entra a la galería, mientras la galería cuestiona los límites del soporte. Finalmente, nos queda por reflexionar cómo la institución se ve cuestionada al traer el street Art dentro de una galería.

Texto: Benjamín Arancibia

«Robert Doisneau. La belleza de lo cotidiano»

La belleza de lo cotidiano
Fotografía

El beso del Hotel de Ville, de 1950, es una de las fotografías más populares de la historia y un ícono por excelencia de la ciudad de París. Aunque ha sido motivo de investigaciones y polémicas, y hasta hoy se discute la manera en que fue captada, es sin duda  un símbolo de la posguerra europea.

Esta famosa imagen en blanco y negro integra la gran exposición de Robert Doisneau (1912-1994), uno de los más reconocidos fotógrafos del siglo XX, que la Corporación Cultural de Las Condes trae a Chile, con la gestión de Verónica Besnier y el apoyo del Instituto Francés de Chile y la Cámara Franco Chilena.

En el marco de la exposición se exhibirá el martes 5 de noviembre, a las 19:00 horas, el documental Robert Doisneau, le révolté du merveilleux, realizado por su nieta Clémentine Deroudille en 2016. La cinta de 77 minutos contextualiza la magnitud de la figura de Doisneau en el mundo de la fotografía y presenta facetas desconocidas de su vida y su obra.

La muestra ROBERT DOISNEAU. LA BELLEZA DE LO COTIDIANO –que se presenta en el Centro Cultural Las Condes- reúne en un mismo espacio varias de las obras más emblemáticas del artista, uno de los fotógrafos urbanos con mayor sensibilidad para captar la belleza efímera de lo cotidiano, y otras muy poco vistas que descubrirán una faceta inesperada y desconocida.

El conjunto de más de cien fotografías realizadas entre 1929 y 1973, ha sido preparado especialmente por su hija Francine Deroudille, con los fondos de la colección Atelier Robert Doisneau, y contempla dos series, La belleza de lo cotidiano y Palm Springs, que demuestran su versatilidad y ayudan a conocer mejor la obra de una de las figuras cumbre de la fotografía francesa, quien se empeñaba en mostrar la vida no como es, sino como a él le hubiera gustado que fuera.

La primera parte de la exposición, La belleza de lo cotidiano comprende 80 fotografías en blanco y negro, gran parte de ellas originales de la época e incluso copiadas por el propio autor. Se exhiben las emblemáticas El beso del Hotel de Ville, Mademoiselle Anita, El ingeniero en un gasómetro, La familia del lavandero o Los panes de Picasso y otras hasta hoy nunca vistas por el público o muy poco difundidas.

Son imágenes esenciales que resumen su obra fotográfica, como los retratos de la periferia gris, las fábricas, algunos niños solitarios o rebeldes, la guerra en el flanco de la Resistencia, el trabajo o las fiestas de un pequeño pueblo parisino, las escapadas a la campiña francesa, el reencuentro fugaz entre artistas, la gente del espectáculo, el mundo de la moda…

Aunque cada imagen se inscribe en una realidad tangible, la selección muestra un mundo que ya nada tiene que ver con lo real. “El que compartimos con él y el misterio que dibujaba era infinitamente más interesante. Todos  los personajes que aparecen en las fotografías, algunos de los cuales conocíamos bien, se perdieron en su poética particular hasta llegar a un mundo totalmente imaginario”, expresa Francine.

En este conjunto resaltan dos fotomontajes de gran formato, en los que se percibe con fuerza y claridad la inclinación del fotógrafo por captar la intimidad cotidiana de las personas: El puente de las Artes y La casa de los inquilinos.

A su vez, Palm Springs es una sorprendente e irónica producción realizada en 1960, que incorpora el color y un lenguaje cercano al pop, y que fue recuperada por la familia Doisneau recién hace una década. Se trata de un reportaje, solicitado por la revista Fortune, a la construcción de campos de golf en Palm Springs, refugio de jubilados americanos adinerados en el desierto de Colorado, que sirvió al autor para inmortalizar de forma divertida un “planeta artificial repintado de suaves colores”. Una mirada satírica a la sociedad del lujo.

El fotógrafo

Nacido en 1912 en Gentilly, cerca de París, ROBERT DOISNEAU se formó inicialmente como litógrafo y grabador. Su carrera como fotógrafo comienza a principios de los años 30 de la mano del artista André Vigneau, a quien asistía en su taller de pintura, escultura y fotografía.

Desde 1934 hasta 1939 trabajó como fotógrafo profesional para la empresa Renault en Billancourt. En 1939 toma la decisión de tomar sus imágenes de manera independiente y dedicarse al fotoperiodismo incorporándose a Rapho. Fue el año que estalló la Segunda Guerra Mundial, por lo que tuvo que abandonar su sueño y alistarse en el ejército francés. Estuvo allí hasta el final de la guerra, colaborando en el bando de la Resistencia.

Su primer libro, un proyecto conjunto con Blaise Cendrars, La Banlieu de Paris (Las afueras de París), se publicó en 1949, al mismo tiempo que iniciaba su trabajo como “freelance” para la revista Vogue. El éxito fue inmediato, sus fotos se hicieron famosas en todo el mundo y Doisneau se convirtió, quizás sin ni siquiera desearlo, en el “retratista” de una ciudad, París, y de un mundo, en parte real y en parte inventado por él, en el que sería hermoso vivir.

Hasta 1994, año de su fallecimiento, vivió con su cámara Rolleiflex como constante compañera, lleno de curiosidad hacia este pequeño teatro en el que desempeñaba el papel de actor.

Como señala su hija Francine, “fotografiaba el mundo tal y como hubiera deseado que fuera. Era un narrador. Su proceder artístico, de vocación más instintiva que intelectual, daba voluntariamente la espalda a toda sofisticación formal y dejaba intervenir al azar como actor de pleno derecho”.

8 de octubre al 8 de diciembre de 2019
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.

«Geometrías»

La Scuola Italiana y su Centro Cultural, inaugurarán el jueves 26 de septiembre a las 19:30 Hrs., la exposición “Geometrías”, esculturas del artista Carlos Vidal Carvacho.

La exposición será exhibida en la Sala Terracota (Avda. Las Flores 12.707, San Carlos de Apoquindo) desde el 26 de septiembre al 29 de noviembre, de lunes a viernes de 8:00 a 17:00 Hrs. Entrada liberada.

La propuesta artística de Carlos Vidal Carvacho (Santiago de Chile, 1982), reflexiona sobre el potencial expresivo de la materialidad y su volumen, a través de un lenguaje abstracto semejante al arte óptico y cinético, con claras influencias de creadores como Wucius Wong, Lygia Clark o la chilena Matilde Pérez, y también la aplicación de principios matemáticos que están presentes en la geometría de la naturaleza, las que fueron estudiados por el matemático renacentista italiano Luca Pacioli en su tratado “De divina proporzione” (1509).

Las obras de este artista y que conformarán esta muestra están concebidas como cuadros modulares, utilizando el cobre como material basal en la elaboración de ellas, recordándonos además la importancia que tiene este recurso natural en la economía chilena, creando sobrerrelieves que a modo de fractales metálicos exhiben composiciones geométricas de forma simétrica y armónica en el espacio.

«El jardín de las esculturas 2019»

Gracias a la gran acogida por parte del público en sus versiones anteriores, la Dirección de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello invita a la tercera edición de la exposición “El jardín de las esculturas”.

Esta muestra colectiva de escultores contemporáneos chilenos estará instalada en los jardines de la Casona de las Condes y contará con piezas de Marcela Romagnoli, Soledad Ramsay, Maya Estrada, Felipe Loyola, Daniel Báez, María Angélica Echavarri, Fernanda Cerda, Soledad Vial, Sebastián Ihnen y José Miguel Cárcamo.

¿Cuándo? Desde jueves 5 de septiembre al 5 de noviembre. De lunes a domingo de 9:00 a 18:00horas ¿Donde? Campus Casona de Las Condes.  Fernández Concha 700, Las Condes. ENTRADA LIBERADA

Expositores:

Marcela Romagnoli Artista visual y escultora, estudió Arte con mención escultura en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde fue alumna del escultor Roberto Pohlhammer.  En 2000 fue directora de la Sociedad de Escultores de Chile SOECH y se hizo cargo del proyecto Taller Abierto en el Parque Municipal de La Reina. Tiene numerosas distinciones como: el Primer Premio Escultura Monumental “Unidos”, del edificio CCU y el Primer Premio Escultura Monumental “Árbol de la Vida”, de la Clínica Alemana, entre otras.

Soledad Ramsay Artista visual y escultora, titulada de la Universidad de Chile con distinción máxima. Ha obtenido varios reconocimientos como: Primer lugar en Neltume (simposio de escultura en madera); Segundo lugar en Museo Nacional de Bellas Artes (concurso de escultura nacional, homenaje a Marta Colvin); Tercer lugar en concurso comuna La Reina (homenaje a detenidos desaparecidos), entre otros. En su corta carrera ya ha participado en diferentes simposios de escultura, en ciudades como Puerto Natales, Neltume, Coyhaique, Santiago, Quillota, Santa Cruz (Bolivia) y Yukuhashi (Japón).

Maya Estrada Escultora y fotógrafa, diplomada en Estudios de Arte, mención Figura Humana, y Diplomada en Escultura, Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Maya Estrada basa su obra en dos concepciones antagónicas, velocidad y pausa, unidas en el paisaje construido por la figura humana. Ha realizado registros fotográficos en EE.UU , México, Italia y en Chile, además de exposiciones desde el año 2005, destacando el Centro Cultural Gabriela Mistral, Fundación Teléfonica, Circo Arte, entre otros.

Felipe Loyola Licenciado en Artes Visuales de la Universidad Finis Terrae, con mención en escultura el año 2016. Desarrolla su obra en materiales cementícios y  geopoliméricos, utilizando técnicas de moldaje y vaciado. La obra de Felipe Loyola se ocupa de la dinámica visual determinada por las direcciones de los planos en el espacio.

Daniel Báez Licenciado en arte de la Universidad de Chile y titulado de escultor con distinción máxima en la misma casa de estudios el año 2005. Desde 1998 a la fecha ha desarrollado su trabajo artístico participando en exposiciones colectivas e individuales, tanto en Chile como en el extranjero. Ha participado en el III Simposio de Escultores Casona Nemesio Antúnez y la muestra “Bajo el encanto de la madera”, resultado del “I Encuentro de Escultura Roberto Pohlhammer”.

María Angélica Echavarri La carrera escultórica de María Angélica Echavarri tiene décadas en constante desarrollo hacia la síntesis de formas y conceptos. La evolución y la búsqueda se reflejan tanto en el contenido formal como en el uso de diferentes materiales como el mimbre, cera, cobre, piedra, acero inoxidable y bronce en el caso de las esculturas ubicadas en plazas y calles de distintas ciudades y regiones del país. Ha ganado concursos a nivel nacional, todos estos para obras monumentales en espacios públicos del país. Entre las más recientes están “ofrenda” en parque araucano, “emprendimiento” en Costanera Center, “hombre y espuela” en la Alameda de linares.

Fernanda Cerda Licenciada en arte con mención en Escultura de la Universidad Católica de Chile. Su obra gira en torno al hombre como expresión física y su relación con la naturaleza. Entre sus trabajos se encuentran la realización del Monumento en bronce de los hermanos Gatica en Rancagua, y la obra “Recurso Humano” como parte del proyecto Bicentenario del Museo Parque de las Esculturas en Providencia. Además ha realizado obras para ser enviadas a EEUU y Panamá.

Soledad Vial Licenciada en artes con mención Escultura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha expuesto en numerosas muestras colectivas e individuales, tanto en Chile como el extranjero.

Sebastian Ihnen Desde su infancia demuestra un claro interés por el arte y desarrolla sus primeros pasos como escultor, siendo ayudante en el Taller de la Buganvilia de Palolo Valdés. Su principal inspiración es la naturaleza. Ha realizado exposiciones colectivas en ciudades como Rancagua, Santiago, Osorno y Valparaíso.

José Miguel Cárcamo Ayudante de Lily Garafulic durante 4 años entre 1990-1993. Socio Integrante SOECH. Sus esculturas se encuentran en diversas galerías de arte, como Isabel Aninat y Arte Actual, en la Estación Mapocho, en la Galería Parque de las Esculturas, Instituto Cultural de Providencia y en el Edificio Consistorial de la Municipalidad de Ñuñoa, entre otros.

Presentación del libro «La luz de la conciencia»

Autor y músico argentino visita Santiago para presentar su reciente publicación

Lucas Cervetti es autor de La luz de la conciencia, libro publicado por Kōan, editorial independiente de Barcelona, especializada en autoconocimiento y desarrollo personal. Tras una experiencia cercana a la muerte el año 2007 con apenas 20 años, la vida de Lucas cambió radicalmente. En tan solo unos minutos, mientras su corazón dejó de latir, Lucas vivenció y comprendió el sentido de su vida, desde su elección de nacer en Argentina, elegir a sus padres, hermanos y amigos, y su capacidad y amor por la música.  En su libro nos habla desde el corazón para acompañarnos en el proceso ha­cia el amor incondicional y la libertad, para ayudarnos a recordar nuestra esencia y despertar.

Para vivir con plenitud debemos poner el ego al servicio del corazón y del alma, escuchar nuestro interior: éste es el camino de la evolución, nos dice Lucas Cervetti, y en La luz de la conciencia nos enseña a re­correrlo, a llegar hasta nuestro corazón y nuestra alma, a liberarnos de las ataduras de las creencias inconscientes para que nos reconozcamos como únicos creadores de nuestro pasado, nuestro presente y nuestro futuro.

 “Si fluimos sinceramente con nuestro sentir, siempre conectados con el aquí y el ahora, podemos confiar en que lo que nos depara el Universo, por sincronía, llegará a nuestra vida en el momento preciso”, dice Lucas, quien además es compositor de 7 discos, cuyos temas están afinados en una frecuencia de 432 Hz. Esta afinación tiene injerencia directa en nuestro cuerpo, especialmente en el equilibrio de los chakras.

En este inspirador libro, Lucas Cervetti expone de manera sencilla y directa algunos de los conceptos funda­mentales de la espiritualidad: los niveles de conciencia, las leyes universales y los guías espirituales, entre otros. ¿Estás preparado para conectar con tu corazón?

El viernes 30 de agosto a las 19:00 horas, Lucas Cervetti presentará La luz de la conciencia en la librería Truman, ubicada en el local 9 del centro comercial Apumanque en Santiago. Participará también en una actividad del Centro Madre Tierra el sábado 31 de agosto.

Lucas Cervetti es pianista, compositor, escritor y conferenciante. Estudió composición musical y piano; pero por encima de todo se dedicó a sentir, a redescubrirse y a seguir comprendiendo nuestra naturaleza. Sus álbumes musicales son utilizados en numerosos lugares del mundo como instrumento para la sanación, la creación, la introspección y la concentración en actividades como el yoga y la meditación. Actualmente imparte charlas, talleres y conciertos abordando en profundidad los misterios del Ser.

Más información en www.lucascervetti.com y @lucas.cervetti.

«Duro de morir» + «Del espacio pictórico» + «Topografía del alma» + «Lámparas de Chile»

Duro de morir
Fotografía

Mediante el contacto del fotógrafo chileno Max Donoso y la gestión de la Embajada del Perú, presentamos el trabajo de una de las autoras jóvenes más relevantes de Latinoamérica. Heredera del gesto y la particular mirada del gran Martín Chambi, la fotógrafa peruana Sharon Castellanos nos introduce en su contexto cultural y otorga nuevas lecturas a la realidad cotidiana, priorizando el lirismo por sobre cualquier enfoque registral.

La mayoría de las imágenes fueron captadas en varias comunidades de Cusco. Otras se tomaron en comunidades de las sierras de Perú y en la periferia de Lima, su ciudad natal. En sus retratos, los paisajes, ceremonias y detalles de la vida cotidiana parecen querer transformar la realidad en algo diferente, en algo más.

La serie que la introduce en Chile está conformada por imágenes que siguen la línea entre metáfora, misterio y una fantasía subliminal para evocar el espíritu y la atmósfera de las comunidades ubicadas en las alturas de los Andes Peruanos. El corpus no presenta una narrativa literal, de modo que la historia y el contexto pierden peso sobre el uso documental de las imágenes frente al poético.

“Duro de morir”, el título del proyecto, se debe a un mensaje que aparece en una de las fotografías (un letrero en la parte trasera de una camioneta de transporte) y al mismo tiempo, es una forma retórica de calificar la resistencia espiritual de los habitantes de estas tierras.

Sharon Castellanos (1989, Lima, Perú) trabajó cuatro años como reportera gráfica para un diario de cobertura nacional y un año como corresponsal para el mismo diario en la región Cusco (2014). Desde 2015 se desempeña como fotógrafa freelance colaborando con varios medios y desarrollando proyectos en comunidades rurales en el sur del Perú.

En 2017, fue parte de SMArt, un programa de residencias artísticas enfocado en los desafíos de las regiones de montaña en el Cantón del Valais (Suiza), durante tres meses. En 2018, seleccionada para participar en la 25° edición del Joop Swart Masterclass,  organizado por la fundación World Press Photo en Ámsterdam, Holanda.

Sus fotos han sido publicadas en The New York Times Lens blog, GEO Magazine (Alemania), Witness, Artsy, L’Alpe (Francia), Life Force Magazine, Index.hu Nagykép (Hungría), Global Water Partnership Sudamérica, Walliser Bote, Le Nouvelliste, Regional Zeitung (Suiza) y en medios locales como El Comercio, Revista Somos, Revista H y La República.

Del espacio pictórico
Pintura y grabado digital

Del espacio pictórico se titula la nueva muestra del pintor Robinson Mora, de dilatada trayectoria, que se presenta en nuestro Centro Cultural. En ella, se aprecia su inconfundible pintura, gestada bajo los postulados de la geometría abstracta, pero por primera vez muestra sus exploraciones en el grabado digital, técnica que se ajusta a la perfección a su lenguaje e imaginario visual.

En esta entrega se aprecia la madurez alcanzada por la obra de Mora durante su larga estadía en la ciudad de Coyhaique. Es allí donde, imbuido por la luz, incorpora efectos lumínicos a su obra, transformándola en verdaderas evocaciones del paisaje austral.

Como explica el propio autor, la muestra presenta dos grupos de obras: el primero, constituido por el trabajo pictórico desarrollado en los años recientes, “con énfasis en los últimos cinco, integrado por cuadros realizados con la técnica de óleo sobre tela, realizaciones que son resultado de la evolución progresiva de una labor artística iniciada en 1967”.

El segundo grupo es el que presenta su incursión en el grabado digital con imágenes que re-tratan pinturas del autor, usando el computador para sugerir nuevas variantes de las obras iniciales, elaboradas ahora en el continente del papel.

Robinson Mora Montecino (Linares, 1947) estudia Artes Plásticas en la Universidad de Chile entre los años 1965 y 1969. Cursando el tercer año de estudio, es seleccionado para participar en el Salón CAP 1967, concurso que se realizaba en el Museo de Arte Contemporáneo en su sede de la Quinta Normal, siendo su primera exposición pública, hace ya 52 años. Desde entonces, su obra ha estado presente en numerosas muestras individuales y colectivas, tanto en Chile como en el extranjero, destacando dos exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Durante su trayectoria ha recibido más de veinte premios y distinciones, entre ellos el Premio del Círculo de Críticos de Arte, otorgado en 1980. La mayor parte de su obra la ha producido en Región de Aysén, Patagonia Chilena, en cuya ciudad capital Coyhaique, residió desde 1971 a 2015, compartiendo su tiempo entre su actividad pictórica y la docencia en la educación secundaria. Actualmente reside en Viña del Mar y sus exposiciones recientes han sido una individual en la Galería Casaplan, de Valparaíso, el 2018, y una colectiva en el Bodegón Cultural de Los Vilos, este año.

Topografía del alma
Pintura sobre acrílico

Hace algunos años, Paula Swinburn asombró al público con sus investigaciones sobre la mancha. Es decir, con obras que a simple vista podrían relacionarse con el action painting, pero que en profundidad denotan un absoluto control, sólo posible de encontrar en autores con su eximio rigor y oficio.

Hoy vuelve a sorprendernos con TOPOGRAFÍA DEL ALMA, que presentamos en el Centro Cultural, porque sus investigaciones la llevan a eliminar el soporte e instalar sus manchas en superficies translúcidas, descubriendo el “revés de la trama”. Es decir, su pintura, literalmente, se vuelve bidimensional y entrega aún mayores significados.

Como explica el artista visual Cristián Silva, las obras poseen literalmente dos caras: un verso y un anverso. En términos expresivos se mueven en dos flancos: el de la espiritualidad, la intuición y los sentimientos, por un lado, y el de la materia y la fisicalidad, por el otro.

“Más allá de su presencia exuberante y generosa, de la seducción ejercida por sus superficies y coreografías de texturas, saturaciones, transparencias, brillos y opacidades, más allá de la oscilación lúdica entre lo micro y lo macro, cada pintura de Paula Swinburn constituye una especie de gran santuario de alusiones”, señala Silva.

Y agrega: “Como si fuesen cortes geológicos (de un espacio diferente al nuestro), éste es un arte de opulencia, de opalescencia, de iridiscencia, de espectros, apariciones y alucinaciones, de energía cósmica, de infiltraciones expansivas, de leche de las galaxias y sangre de dragón, del sendero sagrado que la diosa Iris va dejando a su paso”.

Paula Swinburn (1964) es Licenciada en Artes de la Universidad de Chile. Se perfeccionó en un curso de Estética de la Universidad Católica. Tomó cursos de pintura con Teresa Gacitúa y más tarde profundizó en la escultura con Francisco Gacitúa y en la fotografía con Luis Poirot.

Ha exhibido en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en Galería Artespacio, Centro Cultural Estación Mapocho, Universidad de Talca y en Centro Cultural Las Condes. Seleccionada en el concurso Artistas Siglo XXI de la Universidad Católica, 2007 y 2008, y por la Asociación de Críticos de Arte de Chile en la muestra “13 x 13 Voces Emergentes”.

Lámparas de Chile
Diseño

La arquitecta Mitsue Kido y la diseñadora Paula Corrales presentan LÁMPARAS DE CHILE, muestra que pone en valor técnicas artesanales de la Región del Maule, a través del diseño de objetos contemporáneos, en este caso, luminarios. La exhibición, fruto del trabajo de seis meses con artesanos, busca además abrir nuevas redes de comercialización y difusión.

Para esta primera colección, las autoras trabajaron con cinco comunidades artesanas de la Región del Maule, en plena zona central de nuestro país, que crean con la Pita de Teno; el Coirón de Uraco; el Crin de Rari; la Piedra Toba de Quinamávida, y la Greda Blanca de Vichuquén.

Kido y Corrales explican que el proyecto, que tendrá futuras colecciones, “tiene la finalidad de difundir a nivel internacional, nuestro patrimonio cultural a partir de nuestra artesanía, mostrando las diferentes técnicas tradicionales presentes a lo largo de Chile”.

Mitsue Kido, en entrevista a la revista Más Deco, señaló que “en las primeras recepciones aprendimos los fundamentos de cada técnica y mediante el diálogo con las artesanas durante los siguientes encuentros se fueron desarrollando las figuras o formas de cada una de las lámparas. Nosotras mediante elementos de unión fuimos conformando piezas de bronce y acero que finalmente se convirtieron en elementos de conexión entre la artesanía y las luminarias”.

“Lámparas de Chile” ya ha participado en la Semana del Diseño de Londres 2018 y la Semana del Diseño de Milán 2019, referentes en la materia. Además, ha sido invitado a exhibir en Edición Limitada 2019 apoyada por el MINCAP, British Council y Escuela de Diseño PUC, y al Pabellón Internacional de Artesanía en Londres. POr otra parte, Kido y Corrales liderarán la residencia de Crafting Futures 2019 del British Council con la comunidad de artesanas en crin.

El proyecto Lámparas de Chile nace bajo la homologación del proyecto “Lámparas de Kioto” realizado por una de las co-fundadoras, la arquitecto Mitsue Kido, cuya base fue el trabajo colaborativo entre diseño y artesanía japonesa, donde la arquitecto logra captar protocolos de buenas en un país reconocido mundialmente por el respeto a su cultura y artesanías.

Finalizado dicho proyecto, Mitsue se unió a la diseñadora Paula Corrales para iniciar “Lámparas de Chile”, con el fin de difundir nuestro patrimonio cultural a través del diseño de objetos contemporáneos con técnicas tradicionales chilenas e ir representando paulatinamente, a partir del diseño de luminarios, las diversas zonas de Chile.

30 de agosto al 29 de septiembre
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Av. Apoquindo 6570. Metro Hernando de Magallanes.

Adidas celebra el Día del Niño con una jornada llena de diversión

El evento comenzará a las 16:00 y estará lleno de sorpresas, donde incluso los niños podrán jugar pinball.

En contexto al Día del Niño Adidas quiere celebrar a tus hijos en grande, y para esto realizará una jornada llena de sorpresas este 9 de agosto en la tienda adidas kids del mall Parque Arauco. 

La jornada que comenzará a las 16:00 contará con globoflexia, pinta caritas y un cóctel saludable para los niños. Además por compras sobre $30.990 podrán jugar pinball y recibir un premio sorpresa.

El evento contará con la presencia de diferentes rostros, que asistirán con sus hijos y disfrutaran de esta divertida tarde, junto a ti.