«Estrategia realista»

Estrategia Realista Galería AMS + XS Juan de Valiente 3681, Vitacura 

Inauguración martes 13 de agosto, 19:30 hrs.

Galería XS presenta «Estrategia realista», una colectiva con trabajos de Adolfo Martínez, Nicolás Miranda, Alejandra Prieto, Nicolás Radic, Francisca Sánchez, Cristián Silva y Francisco Uzabeaga. En esta exposición, los artistas recurren al realismo a partir de sistemas visuales basados en la inclusión del detalle físico. Además, el gesto realista define la posición de estas pinturas, esculturas e instalaciones dentro de estructuras narrativas más amplias, reconocibles. 

Muchos teóricos se han interesado en los matices del realismo a lo largo de la historia: desde el movimiento social francés del siglo XIX que se opone al romanticismo, hasta tendencias más recientes como el fotorrealismo, una reacción al expresionismo abstracto que se enfoca más en la forma que en el contenido. Así, el realismo se entiende como una estética no fija, que se basa en un replanteamiento activo de la relación entre realidad y representación. 

Pero la cuestión de cómo se actualiza hoy el gesto realista exige una respuesta larga y compleja, sobre todo en un contexto donde lo real está saturado de lo virtual: entregar una impresión de realidad convincente depende cada vez más de la simulación, del artificio contextual. Sin embargo, el gesto realista como tal permanece esencialmente crítico, es decir, ocurre cuando la particularidad de un personaje, de un objeto, de un entorno puede reconocerse dentro de una orquestación mayor, y al hacerlo, entrega una visión crítica de esa totalidad. 

En ese sentido, el realismo es político. El gesto realista busca trascender un nivel de asociación gráfica y operar sobre las consecuencias de la existencia del trabajo, de sus interacciones posteriores. Así, los trabajos reunidos se definen más como una operación activa que como una experiencia pasiva lo que reafirma la vigencia del realismo desde la modernidad hasta hoy, aun si se ha puesto en duda su capacidad de «destilar con éxito de la plenitud aleatoria de la experiencia la armonía generalizada de las relaciones plásticas, como si se tratara de un defecto más que de la finalidad de la estrategia realista»*. 

* Nochlin, “The Realist Criminal and the Abstract Law, Part I.” pg 54.

“Contemplativos”

En su objetivo por agrandar el círculo Aninat Galería presenta los trabajos recientes del artista Sebastián Yrarrázaval, artista autodidacta con formación en arquitectura, cuya pintura compleja, analítica y provocativa, se concentra en la psiquis del hombre contemporáneo. La muestra llamada “Contemplativos” estará abierta desde el martes 13 de agosto al 20 de septiembre.

“Contemplativos”
Sebastián Irarrázaval
13 de agosto – 20 de septiembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 13 de agosto | 7 pm

Siguiendo el paradigma en la Historia del arte occidental contemporáneo, la figura del sujeto en primer plano es el eje central en el trabajo de Sebastián Yrarrázaval. El artista rememora tangencial e insistentemente aquello que lo obsesiona: la psicología del ser humano y aquello que él entiende como su innata e inexorable inclinación hacia la transformación de la figura existencialista y psicológica del hombre.

Yrarrázaval vuelve con una muestra individual después de dos años de taller. La muestra consta de ocho pinturas de gran formato cuya composición son diferentes personajes en espacios cerrados. Su técnica consiste en la aplicación de numerosas capas gruesas de pigmento hasta producir un impasto delicado pero denso, que le permite construir capas y veladuras. Sus pinturas se caracterizan por tener trazos gestuales y únicos para representar pocos pero complejos objetos.

Utilizando una rica paleta de colores construye espacios vacíos, donde la figura humana posee una narrativa compleja y deconstruida. La pintura no devela los detalles del paisaje o de las figuras humanas que pinta; lo fundamental para el autor es plasmar en sus cuadros la visión de que la pintura se piensa a sí misma. De este modo, sus pinturas muestran un interesante trabajo relacionado con el juego de luces y sombras, y con la trasgresión constante de la perspectiva clásica, que invitan a reflexionar sobre la pintura como un artificio.

Sebastián Yrarrázaval realiza una obra enigmática, pinta la figura humana expuesta y vulnerable, deformada y mutilada, logrando así expresar la soledad del hombre contemporáneo. Yrarrázaval provoca la activación de todo el sistema nervioso en el espectador, su pintura atrapa y no deja indiferente al observador.

Se puede apreciar en sus trabajos un profundo conocimiento de los procedimientos propios de la pintura abstracta, así como el aspecto emocional que caracteriza su aplicación del color en el lienzo. Las obras de Sebastián nos recuerdan a los trabajos de Francis Bacon, e incluso las de su tío Ricardo Yrarrázaval, ya que posee marcada violencia emocional y distorsión expresionista en sus figuras.

El trabajo de Sebastián Yrarrázaval es inusual tanto por sus formas como por su contenido. Complejo y contradictorio, es intenso y problemático. Admirable y simultáneamente preocupante, ataca por sorpresa. Trabaja directamente hombre a hombre con la tela, por ello su pintura es inquietante, auténtica y enigmática. Las pinturas  “abstracta existencialista”, que presenta en la muestra  “Contemplativos”, son trabajos maduros y complejos que no deja indiferente al espectador.

«La casa simbólica»

PAULA TOTO-BLAKE
«La Casa Simbólica»
curadora: Carina Cagnolo
GABINETE

INAUGURACIÓN SÁBADO 10 DE AGOSTO DE 2019, 12:00 – 14:00 HRS

“La Casa Simbólica”
Paula Toto-Blake
10 de agosto – 20 de septiembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 10 de agosto | 12 pm 

La ciudad de La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, Argentina, posee una génesis fundacional cautivante. A diferencia de otras ciudades de Argentina, cuyo cuneo fundante se inscribe en matrices cruzadas entre la administración virreinal e iconologías clericales, La Plata evidencia un tejido urbano cuya traza estructural es un símbolo masón. Proyectada con instrumentos de precisión, el compás, la escuadra, el nivel, la plomada, su diseño pertenece a una conciencia de época, progresista, y de logia masónica, de valores éticos, políticos y sociales no clericales e ilustrados.

La obra de Paula Toto Blake, que se presenta hoy en la Aninat Galería, parte de una investigación exhaustiva sobre la ciudad de La Plata, de su pasado fundacional, masónico. Esta génesis, sostenida por valores del progreso ilustrado, a fines del Siglo XIX, se contrapone a la experiencia de la destrucción sufrida en la ciudad por la inundación de 2013, que dejó a La Plata en un estado de desolación y rabia por la responsabilidad de la administración estatal en esta tragedia. El día 2 de abril, La Plata colapsó por el desborde de un dique de contención ante el fuerte caudal de lluvias. El mismo día, Toto Blake desmontaba la exposición Fragilidad, en Buenos Aires. En ella reunía un conjunto de imágenes fotográficas donde evidenciaba rastros de destrucción y el paso del tiempo, como huellas de fragilidad humana ante la muerte. La Plata es la ciudad natal de la artista y allí reside parte de su familia. Esta coincidencia, hablar de la fragilidad en el momento en que La Plata colapsaba, fue el motivo por el cual Toto Blake decidió comenzar con el trabajo que hoy muestra La Casa Simbólica. Las vivencias de los hechos trágicos de esos días, la experiencia de la comunidad cercana, las imágenes de las marcas de nivel del agua sobre los muros de la ciudad tras el paso de la inundación, motivaron un trabajo de archivo e investigación, tanto de la historia de la ciudad como de estos hechos actuales.

Un pasado moderno repleto de simbologías y de iconografía masónica. Un presente marcado por la catástrofe y la desolación. La dualidad de las imágenes se muestra casi como oxímoron. Paradojas entre lo que perdura y lo que cae; entre el monumento, como símbolo de autoridad de la HIstoria, y el anti-monumento, como necesidad de volver a memorias y experiencias singulares. La traza simbólica masónica se superpone a las imágenes fotográficas de monumentos, íconos del poder y del saber. El tejido informe de la destrucción se advierte en este procedimiento dual que realiza la artista: los mismos edificios son transformados en anti-monumentos y ponen en evidencian sus propias fisuras. Las imágenes funcionan así como dispositivos: son entramados complejos de signos de poder (edificios clave en la conformación de la autoridad institucional, política, académica), y de lugares de saber (el conocimiento como núcleo preponderante en la actividad masónica, la hegemonía de los discursos científicos…).

La anulación del contexto en las fotografías es otro significante clave en la obra de Toto Blake. La atmósfera de las imágenes parece carecer de temporalidad, lleva la mirada a un lugar sin historia. Una paradoja sin dudas, ya que la historia es fundante de todo proceso poético en estas imágenes. Sin embargo, el pasado y la memoria se concentran en los diferentes planos de la imagen, el edificio, el monumento, la localización, y luego, la simbología masónica, o la huella de la destrucción actual. La historia se condensa allí, pero se vuelve anacrónica en el resto de la fotografía. No hay “clima”, no hay atmósfera, no sabemos cómo es el día, cuales son los rastros de la naturaleza en la imagen. Como si todos los días fueran iguales y la temporalidad quedara enmarcada en el rastro físico del cemento monumental. En este sentido, existe cierta reminiscencia a la fotografía conceptual de Berhard & Hilla Becher, dónde los recursos técnicos se ajustan con el fin de igual cualquier rastro natural en la imagen, haciendo que nuestra mirada tenga un solo foco, el monumento, convertido en despojo: el anti-monumento.

Algo se juega en esta dicotomía: los monumentos del saber y del poder devienen iconos duales, develan su pertenencia a una fundación de logias masónicas a la vez que muestran su condición siempre pendiente de convertirse en anti-monumentos, en la huella de la destrucción inminente.

Solo mediante un trabajo enérgico y dedicado sobre los archivos y el saber sobre la historia de la ciudad de La Plata es posible llegar a la densidad conceptual de estas imágenes. Es el interés de Paula Toto Blake por evidenciar, bajo la forma sensible, las múltiples dimensiones que esconde la trama de esta geografía.

“Escenarios Imaginados, Experiencias Tangibles”

A partir del 1° de agosto:

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICION CON TRABAJOS DE JÓVENES DE ESCUELA ESPECIAL DE LO ESPEJO 

  • La muestra “Escenarios Imaginados, Experiencias Tangibles” se compone de esculturas elaboradas en el marco de los Talleres Exploratorios 2019 de Balmaceda Arte Joven Región Metropolitana, donde el artista y escultor Pablo Fuentes entregó a un grupo de jóvenes herramientas teóricas y prácticas para sus creaciones.

A partir de este 1 de agosto la Sala Arte CCU presentará la muestra “Escenarios Imaginados, Experiencias Tangibles”, exposición que incluye esculturas de 12 jóvenes de entre 15 y 23 años, pertenecientes al establecimiento municipal de educación especial, Escuela Tamarugal de Lo Espejo.

Los trabajos, que se pueden apreciar en la Sala Foco Social, son el resultado de una experiencia formativa desarrollada en los Talleres Exploratorios 2019 de Balmaceda Arte Joven Región Metropolitana, donde el artista y escultor Pablo Fuentes entregó herramientas teóricas y prácticas para que los jóvenes realizaran sus creaciones. 

La idea fue fomentar el imaginario y la libertad de expresión de los participantes, a través de la creación de escenarios tridimensionales con diversos materiales como madera y objetos reciclables. 

El curador de la muestra y director de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales, Ramón Castillo, comentó que “el trabajo en los Talleres Exploratorios de Balmaceda Arte Joven es la oportunidad para que los jóvenes inauguren miradas, mundos nuevos, y que esos escenarios imaginados se conviertan en una realidad tangible”.

Los Talleres Exploratorios son un componente del Plan de Formación Artística de Balmaceda Arte Joven Sede Metropolitana, y están destinados a jóvenes en situación de discapacidad intelectual de entre 15 y 23 años. Esta iniciativa se desarrolla desde el 2017 en la corporación cultural, aportando a la inclusión desde diversas disciplinas artísticas como la música, la pintura, la escultura y el circo.

La muestra se inaugurará este 1 de agosto a las 12:00 horas en Sala de Arte CCU, ubicada en Av. Vitacura 2670, piso -1, Las Condes y estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 18:30 horas, hasta el 6 de septiembre. La entrada es liberada.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

«Fe»

Título de la exposición: “Fe”
Expositor: Pablo Izquierdo Armendáriz
Fecha Exposición: miércoles 17 de Julio al sábado 17 de Agosto
Galería ARTESPACIO: Alonso de Córdova 2600, piso 1, Vitacura, Santiago de Chile.

“En Chile existe una necesidad de conexión personal con el más allá, hay una íntima veneracióna objetos, que tal vez mirados desde afuera podrían verse como una acumulación de imágenes sin sentido, pero provocan. Me interesa estudiar esa necesidad y esa locura de tener algo a lo cual aferrarse en esta vida”, dice el fotógrafo Pablo Izquierdo Armendáriz.

En su carrera como artista, Izquierdo ha realizado estudios sociológicos usando la fotografía documental como herramienta.
Es una mirada sensible que intenta deslumbrar la intimidad. Así ocurrió hace dos años en su exposición “R.S.V.P”, en la que describía a la clase alta chilena, utilizando fotografías recopiladas durante casi una década en matrimonios, eventos y funerales.

Ahora trae a Galería Artespacio, su más reciente serie llamada “Fe”, en la que revela inquietantes imágenes que dan cuenta de la necesidad de conexión con lo sobrenatural que tenemos como país.

Para el presente trabajo, fue acumulando muchísimas imágenes en sus recorridos por calles, casas, almacenes y espacios personales; después de un año, empezó a ver un patrón que se repetía y las fue ordenando de a tres en tres, dando alusión al tríptico tan observado en la Iglesia Católica.

En esta exposición, Pablo Izquierdo revela 60 fotos, seleccionadas en forma exclusiva que intentan reflexionar sobre la religiosidad del chileno.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas.

En Alonso de Córdova 2600, piso 1, Vitacura, Santiago de Chile. Teléfono: 22065045. Entrada Liberada.

Vacaciones de Invierno: “Lluvia de cuentos” en la Biblioteca

La Biblioteca de Vitacura quiere que te diviertas y te rías durante estas vacaciones de invierno. Una “lluvia de cuentos” llega desde el sábado 13 al sábado 27 de julio. Tendremos increíbles historias para los más pequeños de la casa, con grandes cuentacuentistas como Nicolás Toro, Verónica Herrera y Pepa Díaz. ¡Te esperamos a mediodía! Revisa los días, las historias y los cuentacuentistas aquí:

  • Sábado 13: César Muñoz con “Cuentos maravillosos”.
  • Lunes 15: Nicolás Toro con “Cuentos de animales traviesos”.
  • Miércoles 17: La maleta imaginaria con “El dragón dorado”.
  • Jueves 18: Pepa Díaz con “Especial de Keiko Kasza”.
  • Viernes 19: Francisca Martínez con “Cuentos monstruosos”.
  • Sábado 20: Verónica Herrera con “La gallinita roja”.
  • Lunes 22: Nicolás Toro con “Especial de Oliver Jeffers”.
  • Martes 23: Andrea Gaete con “Los cuentos de doña Catalina”.
  • Miércoles 24: La maleta con “La juguetería”.
  • Jueves 25: Omar Saldivia con “De la raíz a los frutos”.
  • Viernes 26: Juan Pablo Vallejos con “Van canciones”.
  • Sábado 27: Eugenia Vidal con “Sembrando curiosidad”.

«Botánica, exploración de campo»

“Botánica, exploración de campo” es la exhibición grupal de Aninat Galería que presenta el trabajo de 6 artistas jóvenes que trabajan alrededor al mundo vegetal.

La muestra se desplegará por los diferentes espacios de exhibición de la galería: Sala Principal, en donde estarán Jacinta Besa, Rolando Cisternas y Soledad Urzúa; Gabinete presentará a la ilustradora Botánica Constanza Obach; y Pieza Única a María Ossandón y Constanza Ragal.

La exhibición se inaugura el sábado 6 de julio y se extenderá hasta el sábado 10 de agosto. Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.

BOTÁNICA
Exploración de campo.

«Es imposible ser humano sin cargar con el imaginario del paisaje, no es necesario estar en el paisaje para saberlo.» Arthur Romer.

El calentamiento global ha modificado la morfología del planeta y ha influido en el origen y desaparición de especies animales y vegetales, también ha interferido en la creación de la narrativa de la historia en múltiples circunstancias. Botánica es una exhibición grupal, que reúne a seis (6) artistas jóvenes que desarrollan diferentes proyectos utilizando distintas prácticas y aproximaciones materiales que se relacionan en con la naturaleza. Esta expedición es un viaje hacia la invención y evolución de las plantas donde el eje o principio para cada artista convocado, se concentra en una propuesta personal respecto a un nuevo mundo de invención vegetal. Esta es una mirada de inflexión hacia los cambios que están surgiendo y la adaptación al medio en el universo creativo.

La muestra Botánica, se despliega en los tres espacios de exhibición de Aninat Galería (Pieza Única, Gabinete y Sala Principal). Botánica esta integrada por los artistas: Jacinta Besa, Rolando Cisternas, Constanza Obach, Constanza Ragal, María Ossandón y Soledad Urzúa es una exhibición de seis propuestas inspirada en la naturaleza, las cuales establecen un interesante diálogo entre ellas. El montaje lleva a los espectadores a un tránsito a través de algunos de los ecosistemas más frágiles, los organismos misteriosos y los hermosos crecimientos que definen nuestra memoria y experiencias culturales.

PIEZA ÚNICA

María Ossandón trabaja con la estratigrafía de la nostalgia. A partir de los reiterados terremotos sufridos en Chile, María comienza a recolectar los diferentes fragmentos de viejas baldosas o lozas almacenadas en distintas oportunidades. A partir de estos pequeños trozos de baldosas, María levanta una nueva memoria del objeto desarrollando nuevos ecosistemas. “Trabajo con el cambio de escala, con paisajes en miniatura dentro de distintos soportes o contenedores. Mi trabajo parte primero con la recolección, con la búsqueda del material, y son estos materiales los que van insinuando el desarrollo que tomará mi trabajo”, afirma María.

Después de varias residencias en el extranjero como Berlín y Buenos Aires, María regresa a Chile para presentar diferentes trabajos utilizando trozos de loza y tinta china sobre papel, e inventando paisajes o escenas en miniatura que tienen un alto nivel de artificialidad. Este ejercicio recuerda a los cadáveres exquisitos, técnica utilizada por lo surrealistas. Este ejercicio se basa en un viejo juego de mesa llamado consecuencias, en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración. María utiliza como sugerencia el trozo de loza para crear una narrativa sutil y propia sobre el papel.

“Cuando miramos la naturaleza siempre lo hacemos con ojos cultivados, por lo tanto no hay naturaleza “verdadera” sino solo una construcción de ella y esa construcción es la que determinamos como paisaje, por eso, la palabra paisaje en mi trabajo reclama una interpretación ya que los paisajes que reconocemos no son entidades independientes”.

María Ossandón de 32 años, ha participado en exposiciones colectivas en el MAC (Museo de Arte Contemporáneo de Santiago), Galería Arte Espacio, Concurso Arte Joven MAVI (Museo de Artes Visuales), Sala Zero de Galería Animal, Pabellón Chileno en NordArt International Art Exhibition, Kunstwerk Carlshutte, Büdelsdorf, Alemania. 11 female artists from Chile to Berlín en SomoS Art House, Berlín, Alemania. Gallery of Small Arts at D.Thomas Miniatures, Yonkers, Nueva York, Brooklyn Gallery, Nueva York, Centro Transnaazionale Della Arti Visive, Venecia, Italia, Feria de Arte Contemporáneo Material Art Fair Vol 6 2019, Ciudad de México, para nombrar las mas relevantes.

Constanza Ragal nace en Santiago de Chile en 1982. Licenciada en Artes por la Universidad Católica de Chile, donde trabajó como asistente del destacado artista Gonzalo Cienfuegos.

Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas tanto en Chile como en el extranjero. Ha recibido los premios Silver Award Show Artists como mejor artista emergente internacional y Bienal de Pintura en México.

Ha participado en Florence Biennale en Italia y en Ferias de Arte Contemporáneo como Nord Art en Alemania, KIAF en Corea, FACA y Arte Espacio en Argentina, ART STGO, FAXXI y Ch.ACO en Chile.

En 2015 su obra fue seleccionada para la exposición anual de la National Portrait Gallery de Londres.

GABINETE

Constanza Obach a través de una serie de recorridos por la zona central, Constanza ha podido retratar las plantas en sus diferentes momentos de desarrollo. Esta transformación y la flora que existe en la zona central de Chile, en la Cordillera de la Costa de la IV región, han sido estudio de un trabajo científico y de exploración de campo para la artista.

La muestra exhibe una serie de objetos, datos, instrumentos, documentos y evidencias que permiten al espectador involucrarse en la metodología utilizada por la ilustradora. La propuesta retrata una serie de conflictos socio-ambientales respecto al desarrollo y a la transformación del hombre en relación a nuestro medio ambiente. Bajo una metodología científica y un montaje barroco en la incorporación de diversos materiales (en donde también podemos encontrar plantas comestibles, endémicas, medicinales y ornamentales, que dan cuenta de la diversidad de micro-ecosistemas existentes) y de los instrumentos para monitorear esta zona.

La instalación nos muestra el sentido de una realidad sensible y material del exterminio, y transformación de ecosistemas; pero además incorpora bellas piezas con la diversa fauna existente.

Luego de estudiar diseño gráfico, Constanza Obach realizó varios cursos de ilustración botánica hasta perfeccionarse en «El Real Jardín Botánico de Edimburgo», donde cursó un diplomado de Ilustración Botánica que duró 4 años. Trabajó en libros para Adriana Hoffman y en varias exposiciones de arte en Galería La Sala, Teatro Zapallar, La Galería, entre otros. En 2018 obtuvo el primer lugar de la Exposición Mundial de Ilustración Botánica organizada por CINC y ASBA.

SALA PRINCIPAL

Soledad Urzúa es poseedora del conocimiento ancestral de las plantas medicinales y sistemas ecológicos del valle central de Chile. Soledad utiliza el microsistema de su jardín para dar comienzo a su trabajo y recorrer diferentes aristas en la presentación de este nuevo proyecto. Ocupa papeles naturales de Nepal y dispone materiales orgánicos para desarrollar una instalación de trabajos de pintura y microorganismos.

Soledad Urzúa presenta una instalación de 10 metros compuesto por más de 15 piezas que interactúan y se relacionan. Este conjunto de obras, en distintas técnicas y tamaños, narran un mundo de micro sucesos que sucede bajo nuestros pies: la vida se extiende y florece para siempre, a un ritmo y escala que no podemos notar a primera vista. Esta observación botánica retrata la conquista evolutiva que existe en el mundo vegetal y el lenguaje de las plantas. La instalación comienza con una obra gráfica sobre madera de raíces y brotes ejecutada hace 20 años, luego continúa con óleos sobre lino con distintas perspectivas de jardines y collages más abstractos, construidos con papeles hechos a mano y tratados sólo con pigmentos vegetales y minerales.

Los grandes pliegos sobrepuestos hacen de soporte orgánico para formas de semillas, raíces, pétalos y hojas inspiradas en patrones, tejidos internos y anatomía de las plantas. Diferentes obras de pintura, collage y volumen forman parte de esta nueva instalación que se irá transformando a medida que se desarrolle la exhibición, ya que presentará material orgánico. Soledad Urzúa ha realizado exhibiciones individuales en la Corporación Cultural de Las Condes, Arte Isabel Aninat y Galería XS. Además ha participado de innumerables exhibiciones colectivas y en distintos proyectos colectivos.

Jacinta Besa, trabaja con destreza y seducción la plasticina. Construyendo un discurso narrativo sustantivo de imágenes conceptuales de tensión y erotismo. Besa aborda la identidad de género y el rol de la mujer a través de la elaboración de un imaginario de objetos cotidianos o de narraciones infantiles y artificiales para abordar la problemática y rol de la mujer en la sociedad actual.

A través de materiales poco convencionales como la conjunción de la plasticina, fotografía y el dibujo, crea escenas irónicas, fantásticas y críticas, privilegiando siempre el sentido narrativo. “Su acercamiento al feminismo se desarrolla como un proceso de individualización que va articulando un imaginario propio a través de una práctica artística que involucra el cuerpo, la emoción y el pensamiento.

En su obra, Jacinta Besa va desmontando y recomponiendo símbolos que encargan estereotipos de género, modulados por el estigma que significa un país como Chile. Desde su propia experiencia, va articulando una reflexión más amplia sobre los condicionamientos que limitan la libertad de las mujeres en la sociedad chilena”. (Catalina Mena L.)

Jacinta Besa ha realizado residencias en Berlín y actualmente esta en Suecia dirigida por Juan Castillo. exhibiciones individuales en Sala Gasco, Santiago, y exposiciones colectivas en: “11 Female artists from Chile to Berlin”, en SomoS Art House, Berlín, Alemania; “13×13, Nuevos Medios”, Sala de Arte Las Condes, Santiago; “La desigualdad de género”, Gallery Tally, curado por Micol Hebron; Matucana 100, Santiago; “Ojo Andino”, Fundación Benetton, Bienal de Venecia; entre otros.

Rolando Cisternas propone una nueva arquitectura del paisaje construyendo un mundo de ficción geológica, utilizando el método de la memoria y la experiencia. Estos espacios de invención realizados sobre papel utilizando dibujo, tinta china y carboncillo son una búsqueda de la tención de la luz a través del volumen y los contrastes. Los dibujos forman parte de su proyecto llamado “Memoria Natural”, presentados el año pasado en el MAC (Museo de Arte Contemporáneo), de Quinta Normal.

Influenciado por su abuelo botánico, este proyecto se configuran como un estudio que analiza con rigurosidad los recuerdos. Cisternas realiza un proceso de laboratorio, diseccionando y examinando cada elemento que compone el paisaje. “La idea de sacar estas plantas tiene que ver con independizarlas y por lo tanto darle una dignidad distinta”, confiesa el artista.

Que la gente se encuentre con una piedra, no con la representación de una piedra”. Ese es el objetivo de Cisternas. “la piedra tiene esa voluntad y dureza permanente para siempre. Y eso es bien impresionante. Como un árbol tiene la voluntad de estar de pie, eso para mí es el símbolo que contiene todo mi trabajo. Mi trabajo habla de eso más que cualquier cosa”, no intenta ser una copia de ese objeto, sino que intenta representar la poética de ese árbol o piedra.

Rolando Cisternas presenta dibujos, que parecen escenarios de ciencia ficción. Estos territorios artificiales y orgánicos, son una reflexión personal sobre la naturaleza. Sus obras ponen en tensión la relación conceptual entre la materialidad y la imagen, con el uso de líneas quebradas y la geometría de la violencia de la luz y sombra, deja atónito al espectador. A través de la utilización de materiales simples crea escenas fantásticas, privilegiando el sentido narrativo.

Rolando Cisternas ha realizado dos exhibiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, ha realizado exposiciones en Galería Animal, Espacio O, en la Universidad de Talca y en Espacio G en Valparaíso. Además ha participado en las Ferias de Arte Contemporáneo ArteBA, en Argentina y ArtLima en Perú.

«Presentes», de la Comunidad de Organizaciones Solidarias

Podrá visitarse desde el 27 de junio hasta el 26 de julio de 2019

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN “PRESENTES” DE LA COMUNIDAD DE ORGANIZACIONES SOLIDARIAS

La exposición a cargo de la artista visual Ana del Río, presenta una instalación en la que cohabitan distintos lenguajes; a través de la fotografía, la pintura, la luz, la palabra, la transparencia y el reflejo, la autora hace una radiografía social de Chile, mostrando el trabajo que realizan distintas instituciones de ayuda social que integran la “Comunidad de Organizaciones Solidarias”.

Desde este jueves 27 de junio, la Sala de Arte CCU exhibirá “Presentes”, una exposición a cargo de la artista plástica chilena Ana del Río, quien, a través de la fotografía, la pintura, la luz, la palabra, la transparencia y el reflejo, hace una radiografía social de Chile, un presente que preocupa, mostrando el trabajo que realizan distintas instituciones de ayuda social que integran la “Comunidad de Organizaciones Solidarias”, las cuales han decidido trabajar en alianza construyendo un camino en conjunto por un bien común

El montaje está compuesto por más de 400 fotografías que encarnan la labor de más de 200 organizaciones pertenecientes a la Comunidad Organizaciones Solidarias, que son las que sostienen la gestión de la problemática social de nuestro país.

La exposición “Presentes”, por medio de esta instalación artística, intenta visibilizar la desigualdad, la pobreza, la exclusión y la falta de oportunidades de Chile. Además, representa el concepto de colaboración y sinergia que produce el trabajo en equipo. Para ello, toma como símbolo la bandada y el árbol como lugar de encuentro.

Ana del Río es Artista plástica egresada de la Universidad Católica de Chile, cuenta con estudios en Memphis College Of Art, de Estados Unidos, y un Doctorado de Arte Efímero en la Universidad Politécnica de Barcelona, España.

ACERCA DE LA COMUNIDAD DE ORGANIZACIONES SOLIDARIAS

La Comunidad Organizaciones Solidarias es un espacio de encuentro, colaboración y articulación de organizaciones de la Sociedad Civil que trabajan al servicio de personas en situación de pobreza y/o exclusión social en Chile.

Reúne a más de 200 organizaciones que abordan distintas causas como infancia, adulto mayor, y casas de acogida, entre otras. Su accionar está enfocado en cinco áreas: Políticas Públicas; Sostenibilidad de las Organizaciones Sin Fines de Lucro mediante la instalación de capacidades en las organizaciones miembro; formación de las personas que trabajan en las organizaciones miembro, incluyendo la gestión de recursos y donaciones; Transparencia; Reflexión y Desarrollo.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

Desde el jueves 27 de junio al 26 de julio de 2019, de lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.
Sala Foco Social (Av. Vitacura 2670, piso -1), Las Condes.
Entrada liberada

«Ecosistema»

Podrá visitarse desde el 20 de junio hasta el 2 de agosto de 2019:

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN “ECOSISTEMA”, DEL ARTISTA BERNARDO OYARZÚN

  • Mediante una instalación de gran formato, el autor plasma el paisaje nativo del sur de Chile, el cual describe como “abatido y rediseñado por la propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares”.

Desde este jueves 20 de junio, la Sala de Arte CCU exhibirá “Ecosistema”, una exposición del destacado artista visual Bernardo Oyarzún, quien a través de una instalación de gran formato plasma su visión de los aspectos natural, humano y social de su lugar de origen en el sur de Chile y los trastornos que este lugar ha sufrido en el tiempo.

Hasta la colonización alemana a mediados del siglo XIX, el sur de Chile estaba aislado, bellamente huérfano y desprovisto del Estado. Eran tiempos donde la naturaleza abrazaba a sus habitantes e imponía sus reglas; tabúes y un paisaje hegemónico que no daba tregua, al mismo tiempo que sostenía una relación de divina reciprocidad.

El hacer y el azar del proceso de colonización levantó en este lugar una impronta cultural, un pensamiento y lenguaje que se fundió con el mundo indígena y dio paso a una formación cultural única en Chile, que alcanza su plenitud en el archipiélago de Chiloé.

En ese sentido, la obra es, según palabras del propio autor, un viaje de regreso a un lugar trastornado por los vicios del progreso y la industria sin regulaciones. “Hoy el paisaje nativo está abatido y rediseñado por una cuadrícula de propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares, algo que se puede definir en dos palabras: contaminación y colapso”, expresa.

Bernardo Oyarzún, nacido en Los Muermos, Región de Los Lagos, es Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile, con mención en grabado y pintura. Ha participado en diversas bienales de arte -Praga, Valencia, La Habana, y convirtiéndose en el envío nacional bajo la curatoria de Ticio Escobar en la Bienal de Venecia 2017, entre otras- y ha realizado múltiples exposiciones individuales y residencias. Premio Art Forum Competition, Harvard en 2007, Altazor en 2011, su obra está presente en más de 40 catálogos y libros de arte y en las colecciones de Daros Latinoamérica y Blantom Museum.

A lo largo de su obra, Oyarzún ha explorado temáticas vinculadas a contextos populares, problemáticas acerca de la identidad, las raíces y el mundo indígena. “Ecosistema” es una reedición de la muestra realizada en 2005 en la Galería Gabriela Mistral. En ambas, trabajó la noción de paisaje de un modo autobiográfico y sociocultural, mostrando la realidad y el conflicto a escala real de localidades despobladas y con problemas graves en su configuración.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

«Tribu»

El día 19 de junio, galería AMS presentará la muestra llamada «Tribu» de la artista chilena Isabel Klotz. Esta instalación multimedia busca recrear la playa de Cáhuil en la VI región e invita al espectador a una experiencia sensorial inmersiva.

Con la creación de un entorno a gran escala, Klotz busca producir una experiencia corporal. 42 ballenas en cerámica y gres oxidado laminadas en plata se instalarán colgando de ramas recogidas de un bosque aledaño al taller de la artista, estas ramas evocan el ritmo de las corrientes por donde migran las ballenas al norte.

En esta oportunidad, Isabel Klotz invitó a la artista Macarena Irarrázabal, para que la acompañe con dos piezas escultóricas de piedra, e instalará “Nidos de Agua”, dos contundentes esculturas construidas con granito de la zona.

Las esculturas de Klotz irán montadas sobre sal de Cáhuil, una oda a este elemento primordial tanto en el campo electromagnético de nuestro cuerpo, al igual como las ballenas limpian y oxigenan los océanos. En armonía con el espíritu de Cáhuil, esta forma fluctuante une todos los componentes del microcosmos. Combinando formas con lo sagrado de la naturaleza, Klotz crea un ambiente seductor tanto de color, como textura y aroma, disolviendo la distancia entre el espectador y la obra de arte que alude a un lugar distante.

La muestra consistirá de 6 trabajos sobre papel, 1 pieza de fotografía, 1 escultura móvil de cerámica, y 12 ballenas de cerámica individuales. Estará abierta al público hasta el sábado 27 de julio.

Horarios: lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:30 / sábados de 11:00 – 14:00