“Bucrania. Fosilizar la huella”

Inauguración Jueves 18 de enero de 2017, 19:30 horas ; Jueves 18 de enero al domingo 18 de marzo de 2018 / Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas. / Museo Nacional de Bellas Artes. José Miguel de la Barra 650, Metro Bellas Artes.

La muestra es parte de una serie de intervenciones de la exposición Tránsitos, programadas para este 2018, con el fin de interpelar la historia del edificio del MNBA y su colección.

El artista, representado por la galería One Moment Art, fue invitado a montar una serie de diez cráneos de animales fosilizados con metal en el hall del MNBA, para ponerlos en diálogo con las esculturas de fines del siglo XIX y principios del XX que son parte de la muestra Tránsitos. Colección de esculturas MNBA, curada por Gloria Cortés.

Pablo Concha rescata e imita el proceso de petrificación natural propio de las materias orgánicas con una técnica de fosilización con aluminio o bronce líquido. El metal se vierte en las cavidades de los cráneos, los que se calcinan, dejando ver los huesos faciales más duros y un volumen de metal con la forma del cerebro y sus senos frontales.

“La fosilización es un proceso natural ocurrido bajo ciertas características de presión y temperatura en donde material sedimentario penetra en tejidos orgánicos como los huesos, vaciándose como si fueran moldes y transmutando la forma de éstos a material pétreo”, explica el artista.

La curadora Gloria Cortés relaciona el trabajo del artista con los ornamento en forma de osamenta de cabeza de buey existentes en el Palacio de Bellas Artes  invitándolo a participar en un ciclo de intervenciones que se llevarán a cabo durante 2018 en la exhibición Tránsitos de esculturas de la colección patrimonial.

“La obra de Concha interpela a la historia del edificio y de su colección, introduciendo una crítica a la fosilización del canon convencional. El artista apela a la historia cultural del siglo XIX y a la añoranza a un cierto pasado grecolatino como construcción genealógica europeizante, para cuestionar la tradición desde los restos fragmentados de la muerte, gesto crítico e irónico que permite resituar los imaginarios establecidos por la hegemonía de los espacios modernos que introducen el concepto de ‘nación’”, cuenta la curadora.

El bucráneo o bucrania es un relieve ornamental en forma de cráneo de buey, de cuyos cuernos penden guirnaldas. Deviene de las ceremonias de sacrificio griegas y romanas y se incluyó en los templos del mundo clásico. Los arquitectos renacentistas lo transformaron en un ornamento de gran influencia, despojándolo de su sentido original e incorporándolo en sus tratados. En el siglo XIX se utilizó en los nuevos edificios republicanos para evocar la romanidad.

Esta añoranza al mundo clásico se vio reflejada en el encargo del gobierno chileno para adquirir  reproducciones de las esculturas más importantes de la antigüedad, el Museo de Copias, que tomó forma final en 1911. Un año antes, el arquitecto Emile Jéquier introdujo los bucráneos en los frontones laterales del edificio del Museo Nacional de Bellas Artes.

Sobre Pablo Concha (1984)

Cursó dos años la carrera de veterinaria y luego ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Chile. En 2010 obtuvo el título de escultor y tres años después realizó una maestría en artes visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), egresando como Maestro en Artes Visuales con mención en Arte y Entorno. En 2015 recibió la Beca de Excelencia para estancias de creación artística del gobierno de México, para el desarrollo del proyecto escultórico Nuevos Monumentos, a partir del cual instaló esculturas en parques de la CDMX.

Actualmente trabaja en México y Chile, desarrollando trabajos de gran formato emplazados en la vía pública y esculturas de mediano formato para exhibirlos en centros culturales. Ha participado en exhibiciones y festivales tanto en Santiago, en el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Gabriela Mistral, el Centro Cultural Matucana 100 y el Centro de Arte Contemporáneo de Cerrillos, como en Buenos Aires, Museo ex Teresa de México y la Bienal de Arte Latinoamericano de Bronx en Nueva York.

En febrero inaugurará una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, Perú, consistente en una intervención escultórica con madera amazónica simulando pepitas de oro de distintos tamaños, como un llamado de atención por la deforestación y daño a la selva amazónica producto de la extracción de oro.

Sobre One Moment Art (OMA)

Galería fundada en 2014, cuya misión es instalar a autores en espacios patrimoniales, museos, centros culturales y lugares de acción cultural. Actualmente representa a siete destacados artistas nacionales y ha materializado 11 exposiciones en los espacios más importantes de Chile.

“Juan Buscamares”

Exposición Juan Buscamares del Artista Félix Vega
13 de enero al 4 de marzo 2018
PLOP! Galería/Merced 349, local 7, Santiago
Horario: Lunes a domingo de 11:00 a 20:00.
Viernes y sábado hasta las 20:30 h.

Considerada una de las más importantes novelas gráficas chilenas, la obra del dibujante Félix Vega ha sido recientemente reeditada con gran éxito de público y crítica. Para celebrar este acontecimiento, desde el 13 de enero se expondrán sus originales en PLOP! Galería.

“En una época en que el cómic y la ciencia ficción dominan la taquilla mundial, Juan Buscamares constituye con ventaja la gran épica chilena del siglo 21, una maravilla dibujada y pintada que descubrir más que una necesidad, es una obligación”.

Con estas palabras describe el autor Francisco Ortega la importancia de la novela gráfica de Félix Vega, una saga postapocalíptica creada en 1996 que ha sido publicada tanto en el mercado europeo como estadounidense, pero que recién en 2017 llegó a las estanterías chilenas en una versión integral editada por Planeta.

Ya en su segunda edición, la publicación ha cosechado innumerables elogios de la crítica y el público, tanto por la calidad de sus textos como el gran despliegue artístico de sus dibujos, en su mayoría acuarelas de notable precisión y colorido.

Tal como señala el escritor Ramón Diaz Eterovic  “el dibujo, a color, de Félix Vega es notable. Un dibujo que se preocupa de los detalles en las viñetas y que invita al lector a detenerse en cada una de ellas para apreciar el juego de las sombras, las líneas seguras, los paisajes que extienden sus rasgos desérticos hacia horizontes opresivos que resaltan la inseguridad en la que viven los personajes.”

Para que los lectores puedan apreciar directamente cada uno de sus innumerables detalles, a partir del 13 de enero se expondrán por primera vez una treintena de originales, además de algunas series de grabados digitales de edición limitada, numeradas y firmadas por su autor.

La muestra estará abierta hasta el 4 de marzo, e incluirá firma de libros y encuentros con Félix Vega, quien tras la inauguración partirá, junto a una delegación chilena, al Festival de Historieta de Angoulême.

“Trenes que vuelan de un planeta a otro, samuráis que luchan en un pasado inmutable”

La exposición estará abierta al público de lunes a domingo de 10 a 19 horas, hasta el domingo 18 de febrero de 2018.

Es una exposición retrospectiva del artista chileno radicado en Nueva York Felipe Mujica, especialmente concebida para Galería Gabriela Mistral. Es una retrospectiva particular en el sentido de que presentará una selección de estudios realizados a lo largo de casi 23 años: dibujos, collages, cuadernos de artista, dibujos hechos en computadora y documentación variada, es decir testigos de un continuo y largo proceso de trabajo (en contraposición a una retrospectiva de obra “principal”). En su gran mayoría este material es inédito, parte de una etapa necesaria pero a la vez silenciosa, que a veces funciona como simple experimentación y exploración, con sus aciertos y fracasos, desvíos y encaminamientos.

Los primeros estudios datan de mediados y fines de los años noventa y corresponden a estudios preparatorios realizados en la escuela de arte (PUC), para las primeras exposiciones auto-gestionadas con amigos y compañeros, además de primeras exposiciones en Chile y en el extranjero.

Una segunda etapa coincide con el traslado de Mujica a Nueva York a comienzos del 2000 y consiste en dibujos más autónomos y material fotográfico, correspondientes a estudios de nuevos paisajes, urbanos y no urbanos. Esta etapa es de mucha exploración – material y conceptual– buscando reubicarse en su nuevo contexto (o en una dualidad de contextos).
La tercera etapa, comienza el 2005 y consiste en bocetos de instalaciones espaciales enfocados en repensar el trabajo desde la combinación de lo pictórico-arquitectónico con el concepto de diseño de exhibición.

Al principio estos estudios eran definitivos, en tanto las formas y colores a usar, siendo maquetas de una obra a producir. Sin embargo con el tiempo estos estudios fueron flexibilizándose, volviéndose de a poco menos definidos, lo cual abrió la posibilidad de hacer más horizontal su producción. Los más recientes, 2016 y 2017, son dibujos casi vacíos, apenas unas líneas cruzando un rectángulo, para ser llenados y completados en el proceso de fabricación. Este vacío de información es el elemento más importante de estos dibujos, es lo que potencia y justifica todo lo que sucede después, una producción y puesta en escena colaborativa.

En este sentido la obra no solo tiene referentes modernistas europeos y latinoamericanos desde lo visual (abstracción geométrica) sino también desde lo estructural y conceptual. La obra intenta profundizar la búsqueda y la lucha, unir y entrelazar lo formal con lo social, lo experimental con lo pragmático.

“Favoritismo”

Pablo Benzo es considerado uno de los pintores chilenos más activos en la escena artística Berlinesa. Desde su inmersión en una de las ciudades con más intensidad en el mundo del arte actual, Pablo ha sabido absorber la energía de Berlín para transferirla en “misteriosas y elegantes figuras que bailan en cámara lenta”. Tomando los colores como principal herramienta para transmitir su apasionado temperamento, los utiliza en completa armonía con las delicadas formas que son plasmadas en pinturas al óleo, collages y esculturas.
En su trabajo, él entabla una colaboración entre movimientos tanto provocadores como balanceados y un gentil espíritu en las formas, ya sean plantas, muebles, objetos existentes, o propios de su imaginario. Él trabaja sin prisa, pero de manera metódica y confía en la efectividad de la práctica constante para la generación de descubrimientos pictóricos que puedan convertirse en innovación. La exposición permanecerá abierta hasta el día miércoles 31 de enero.

Horario

Lunes a Viernes 9:30 a 19:30 horas.

Sábado 10:30 a 14:00 horas.

“Obscena”

8 de enero al 1 de febrero de 2018 / Abierta desde las 18:30 Hrs., y hasta el inicio de cada función o concierto / Teatro del Puente / Parque Forestal s/n (sin número). Metro Baquedano / Alternativas de estacionamientos pagados en Bellavista 052 / Ciclovía a la puerta.

Exposición revela trastienda del mundo de la actuación

La muestra de Gustavo Eulogio reúne 12 ilustraciones de lápiz sobre papel con imágenes que deambulan sobre lo que sucede dentro y fuera de escena, una recopilación que el creador ha recogido desde 2011.

“El título responde al contenido de las imágenes, lo que está fuera de escena, lo oculto vinculado a lo sexual, pero también al hecho de que su montaje sea fuera de un escenario”, explica Gustavo Eulogio sobre su exposición Obscena que podrá verse en Teatro del Puente a partir del próximo 8 de enero.

Se trata de una recopilación de 12 ilustraciones que el artista viene trabajando desde 2011, en las que recoge imágenes del mundo del teatro y lo que ocurre fuera del espacio de la representación. “Hay retratos, escenas íntimas y de trastienda”, detalla sobre las obras que realizó en lápiz negro sobre papel blanco.

La serie que compone la muestra grafica el silencioso trabajo que el actor y dibujante autodidacta ha desarrollado en íntima vinculación con el mundo del teatro, pero también deambulando en sus márgenes, entre ensayos, camarines y pasillos, fotografiando ciertas escenas que luego reinscribe en el papel, no sólo dando prueba de su alto oficio, sino que imaginando retratos que presentan un amplio abanico de prácticas singulares que se desarrollan en paralelo al oficio de la actuación.

Con Obscena, la sala continúa su línea 2018 de artes visuales que la mantendrá con diversas exposiciones a lo largo de esta temporada. “Se trata de creaciones que van en la línea programática de Teatro del Puente, vinculadas a las artes escénicas y a la experimentación de nuevos lenguajes artísticos”, indican sus directores Freddy Araya y Francisco Ossa.

“Maestro triste”

Esta propuesta se enmarca en una investigación más amplia que titulo Maestros de la Destrucción. Consiste en una exploración material sobre los maestros de la construcción, donde se busca ampliar y complejizar el imaginario que circunda al obrero contemporáneo en su nexo con la sociedad.

“Stanze”

El Instituto Italiano de Cultura presenta su primera exposición para el año 2018, “Stanze” de Diego Zangirolami. La exposición se inaugurará el próximo martes 2 de enero a las 20.15 horas (Triana 843, Providencia) y durará hasta el 28 de marzo de 2018. Lunes a viernes, 10:30 a 19:00 horas.

• El día martes 9 de enero, a las 19.30 horas y siempre en el IIC Santiago, tendrá lugar un conversatorio en presencia del artista, precedido por la performance del bailarín/performer: Marco Ignacio Orellana, junto con el diseñador de vestuario Camilo Ernesto Silva.

Stanze de Diego Zangirolami presenta el silencio antes de la tormenta. Pues desde la propuesta material de un cuadro de pequeñas dimensiones, el autor devela la batalla dialógica entre lo masculino y lo femenino, y su relevancia en el mundo contemporáneo. A través de un arte profundamente simbólico, Zangirolami nos habla de la latente virtuosidad femenina que se prepara para abrir campo en el hacer. De la fuerza del silencio. Del albur en el olvido. Del proyecto de una revolución. Una revolución que toma cartas desde la propia intimidad para buscar su fuerza en el espacio público.

“Stanze, detrás de la cortina”. Paralelamente a la expo en el IIC, el púbico podrá visitar esta expo que dará  muestra de todo el proceso creativo que queda atrás de la serie de cuadros de Stanze. Bajo la curadoría de la Directora de la Galería Espora, Paula Cortés Caiozzi, (en Mac Iver 764, depto 73, Santiago centro), se expondrán dibujos previos y bocetos de toda la producción y el desarrollo creativo de la obra. Desde el sábado 6 de enero de 2016.

Cuenta Zangirolami que quiso titular la muestra “Stanze” ya que cada imagen que imaginada, diseñada y pintada colocaba la escena descrita en lugares cubiertos o en un apartado e interiores. Un aspecto importante, y ya en sí mismo altamente simbólico, tratándose de entornos arquitectónicos donde misteriosas figuras femeninas son protagonistas. Explica el artista que a menudo durante la fase de diseño se inspiró en “The Love Song of J. Alfred Prufrock” de Thomas Stearns Eliot.

De hecho, Zangirolami subraya cómo, parafraseando al autor norteamericano, se podría hasta imaginar que a Eliot se le haya ocurrido imaginar la escena del interior de un estar, donde unas damas reunidas, entre un té y unos dulces, comienzan a platicar sobre los máximos sistemas y sus fantasías… expresando aquel sarcasmo velado detrás del texto que el artista italiano siempre olfateó,

Así, explica “Pensé que cada personaje femenino debiese vestir una máscara, como si estuviese oficiando un ritual antiguo que nosotros no pudiéramos conocer. También pensé que cada dama era la portadora y en sí misma guardiana de la sabiduría humana y que ella pudiese explicar cualquier concepto a través de los elementos que la rodean en las escenas”.

Por lo tanto, finalmente con las obras expuestas en “Stanze”, Zangirolami intenta entrar con la imaginación en diferentes lugares escondidos de la mente, aquellos donde encontró a unas mujeres capaces de hablar de los símbolos primigenios de nuestra raza humana con simpleza y cognición profunda.

“Ciudades jardín”

Muestra de la artista Fernanda Avendaño, ganadora del primer lugar en la Convocatoria para Artistas 2017. Desde el 15 de diciembre hasta el 28 de febrero de 2018. Lunes a viernes de 9:30 a 17:30 horas; Sábado de 10:00 a 14:00 horas

“Ciudades Jardín”, que estará abierta al público hasta el 28 de febrero de 2018, está conformada por pinturas realizadas sobre el reverso de cerámicas, impresiones en papel de dibujos digitales y pinturas hechas con materiales de construcción sobre maderas de gran formato.

Fernanda Avendaño señala que la exposición se titula Ciudades Jardín “puesto que toma el dibujo de Ebenezer Howard como ciudad inventada y juega con la geometría del plano; y por otro lado, porque así como con un jardín, la ciudad se construye, se planea e intenta ordenar de ciertas maneras, sin poder evitar su crecimiento natural”.

La artista agrega que “es posible observar el caos en las imágenes cenitales de la ciudad, las continuidades e interrupciones, las diferencias de escala, las paletas de colores, etc. En las obras se representa esa dualidad entre el orden (la utopía) y la plasticidad orgánica real de las ciudades, la manera en que el cuerpo social las interviene, las transita y las irrumpe. Se busca, de esta manera, liberar a la forma y construir nuevas taxonomías en la serie y en la multiplicidad, desde la abstracción”.

Fernanda Avendaño es artista visual licencia de la Universidad Católica. Su trabajo se centra en la representación del paisaje urbano desde la investigación in-situ y de archivos para su posterior traducción a la pintura y la gráfica. Dentro de sus exposiciones destacables se encuentran “Fragmento Cenital” (2017, Espacio O), “Modernidad Concreta” (2017, Casa de la ciudadanía Montecarmelo) y “Paisaje Interrumpido” (2015, Espacio Vilches), así como las colectivas “Atemporal” (Galería Macchina), “Contemporaneo ” (Sala de Arte CCU), (Dis)Closer to the end (Museo FBAUP, Porto). Su trabajo fue destacado como mención honrosa en el 5to concurso Universitario organizado por el MAC. Su obra se puede ver en www.fernandaavendano.cl y www.instagram.com/fernandaluzavendano

Convocatoria para Artistas 2017

Tres proyectos resultaron ganadores en la sexta versión de la Convocatoria para Artistas 2017. En las cinco versiones anteriores, realizadas entre los años 2012 y 2016, han participado más de 30 artistas y se han realizado 9 exitosas exposiciones que han convocado gran cantidad de público en torno a la relación arte y ciudad.

En primer lugar, el jurado escogió la propuesta “Ciudades Jardín” de la artista Fernanda Avendaño Soler. En segundo lugar, fue elegido el proyecto “Transformaciones” de las artistas Claudia Blin y Lucía Gianello. El tercer lugar corresponde al proyecto “Nuestros Monstruos” de Jaime Andrews.

“Caudales y temblores”

Esta exposición abarca el trabajo del artista Mexicano Agustín “guty” González que ha expuesto en diferentes partes de Sudamérica en los últimos 3 años, en esta ocasión serán integrados dichos trabajos y procesos en la Galería AFA de Santiago de Chile, haciendo un énfasis en su pintura y dibujo sobre papel, teniendo como eje principal relaciones entre signos de poder, catástrofes naturales, animales y sátira social, junto con pintura de género arraigada al paisaje.

La exposición será un recorrido por tres ejes :
1) Dibujos realizados en Japón.
2) Recopilación de obra de gran formato, acrílicos sobre papel.
3) Relación entre dibujos realizados en el temblor reciente de México y su desarrollo a muro.

Entrada Liberada.

“Lecciones de Clase”

Inauguración Martes 12 de diciembre de 2017, 19:00 horas / Exposición abierta hasta el 13 de enero de 2018 / Lunes a viernes, de 10:00 a 17:00 horas / Sábado, de 10:00 a 15:30 horas.

Esta exhibición en el Museo de la Educación Gabriela Mistral da cuenta del proceso de investigación y creación que ha desarrollado el artista Francisco Schwember entre los años 2016 y 2017, en el marco de su proyecto de Doctorado en Ciencias de la Educación en la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Este proyecto ha buscado asumir el rol social, así como el carácter contingente y transformador del arte y la educación. Asimismo, se propone la Investigación Basada en Artes como nueva perspectiva de desarrollo de obra y de creación de conocimiento.