“Tapar el sol con un dedo”

Galería Éxito Mundial en conjunto con la gestión de espacio por parte de Isabel Tapia inicia su cronograma con la exposición Individual “Tapar el sol con un dedo” del artista visual Wladymir Bernechea. (Rancagua, 1989).
La muestra solo será exhibida en el contexto de la inauguración y será mostrada unicamente en este espacio.

Curatoría por Ivan D. Marifil.

Inauguración: 20:00 hrs
Dirección: Valenzuela Castillo 1145, Providencia
(cerca de Metro Manuel Montt)

* El artista – sugiere – dress code Darks

“Pictogramas”

18 de noviembre de 2017 al 14 de enero de 2018 / Martes a domingo, de 11:00 a 18:30 horas / Museo de Artes Visuales de Santiago (MAVI). Calle José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro. Metro Universidad Católica / Tarifas: $1.000 Adultos / $500 Estudiantes / Entrada liberada todos los días para menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

Exposición de Gerardo Pulido

Este artista chileno, que cuenta con casi dos décadas de trayectoria, presentará alrededor de ocho series de obras que ha elaborado en los últimos cuatro años. Sus trabajos van desde el pequeño al gran formato, desde lo plano a lo volumétrico, desde la impresión digital hasta la pintura gestual, desde los “estudios” a intervenciones murales.

Los Trabajos Gerardo Pulido ocuparán las salas 1 y 2 del MAVI, entre el 18 de noviembre de 2017 y el 14 de enero de 2018. Al finalizar el periodo de exposición, el jueves 11 de enero a las 19:00 horas, lanzará “Composiciones bajo tierra”, su primer libro de ensayos editado por Metales Pesados que aborda la relación entre arte moderno, contemporáneo y precolombino.

La muestra incluye la colaboración de Rodrigo Canala (1972), artista que ha creado especialmente obras-protecciones para los volúmenes de Pictogramas que se ubicarán en la sala 2.

“Adornos”

18 de noviembre al 24 de diciembre de 2017, Factoría Santa Rosa, entrada gratuita. Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 hrs. 

La muestra que presenta el artista chileno Luis Cociña da cuenta el trabajo de laboratorio que caracteriza su metodología. Pinturas precisas, arriesgadas y lúcidas que surgen de materiales olvidados y que tienen como guía lo cotidiano, construyen un conceptualismo casero. Esta obra sin adornos y de precisión nos invita a contemplar los diversos colores que se generan en la paleta del pintor, los restos de pintura y papeles desplegados en un espacio infinito.

Los cuadros de Luis Cociña son trabajos de laboratorio, precisos, arriesgados, lúcidos. Partiendo de materiales olvidados, guiándose por una serie de métodos que se parecen al azar pero que no tienen nada que ver con él, logra construir un conceptualismo casero. Un trabajo a plena luz del día que nos ayuda a ver lo que a nadie le importa ver, que nos obliga a detenernos en lo que todos los días pasamos por alto. Es una obra de precisión, sin adornos, o en que ya no quedan adornos, ni discursos sino sólo pequeños colores, restos de pinturas y papeles pegados lanzados en un espacio infinito”, reflexiona el escritor Rafael Gumucio.

Sobre el artista

Luis Cociña (1960, Concepción, Chile) ha expuesto sus pinturas en las galerías La Ventana, La Sala, Plaza Mulato Gil, Taller Emilio Vaisse 561 y Persa Factoría Santa Rosa, y el video “La puerta del sol” en la exposición del pintor Ignacio Gumucio, en el MAVI. Como poeta ha publicado en revistas, antologías y libros colectivos de Chile, Estados Unidos, España, Francia e Italia, y también los libros de poesía Paisajes (2014) y Retratos (2017), ambos editados por RIL.

Ha trabajado en empresas de comunicación en la elaboración de campañas,  guiones, proyectos comunicacionales, promoción e identidad de televisión (TVN, Canal 13 cable), y el relato y experiencia de los pabellones de Chile Expo Shanghai (2010) y Expo Milán (2015).

“Infinito Noviembre”

Con una selección de collages, paper cut y más de 3 años de trabajo, la diseñadora e ilustradora Leona Leoni inaugura la muestra “Infinito noviembre” el próximo viernes 17 de noviembre a las 19:30 hrs en Casa – Taller La Imaginaria.

Mujeres fragmentadas, revistas de moda y santas religiosas forman parte del imaginario que Leona Leoni ha recortado, compuesto y articulado en esta serie de collages. Historias personales, feminismo y sus experiencias de viaje inspiran el trabajo en el que ha estado inmersa la autora por más de 3 años. El resultado será expuesto por primera vez en la galería de La Imaginaria.

Leona Leoni (Cecilia Leone Iglesias) es ilustradora, docente, historietista y animadora de Buenos Aires, Argentina. Vive en Santiago de Chile hace dos años, ha sido ilustradora para. el diario “El Ciudadano” y participado en exposiciones con el foro de ilustración Infantil argentina en el Centro Cultural Recoleta, Facultad de Lanús, La Rural, etc. Actualmente da clases en el Instituto Profesional Arcos en las carreras de Ilustración Profesional, Animacion 3-D y en el diplomado de Ilustración.

La muestra será acompañada por un vino de honor y promete extenderse en una jornada de arte, ilustración y celebración.

Esta es la 4ta muestra de Casa Taller La imaginaria, espacio y colectivo de artistas e ilustradores iniciada el año 2014, y que hoy acoge ilustradores, pintores, diseñadores y artistas textiles. Las exhibiciones de muestras originales en el garage del edificio de 2 pisos ubicado en Barrio Italia buscan generar instancias artísticas de fácil acceso, para todo público, en el cual los vecinos y la comunidad puedan disfrutar como parte de las actividades regulares del barrio, siempre en tono de celebración e inclusión.

Viernes 17 de Noviembre

19:30 a 22 hrs

Entrada Liberada

Casa Taller La Imaginaria. Santo Toribio 654, Ñuñoa

“Efecto Simbionte”

Los esperamos el Jueves 16 a las 20:00 hrs para inauguración de la última exposición del año en la Galería de Emergencia!

Para la ocasión, Sofía Garrido presenta “Efecto Simbionte”, un compilado sensible de toda su exploración por múltiples medios y técnicas.

Además, tendremos a José Nazcar y su banda para musicalizar la velada culturals y cervezas de honor por si faltaran excusas para no perdérsela.

La exposición estará abierta al público hasta el 30 de noviembre. Horario: entre las 9:00 hrs. y las 18:00 hrs. de lunes a viernes y de 9:00 hrs. a 14:00 hrs. los sábados.

Dirección: El Comendador 1916, Providencia (en la escalera de emergencia del edificio de diseño).

“1/15 de silencio”

Exposición de Josefina López.

La selección de trabajos para Galería NAC da cuenta de un proyecto de investigación personal que tiene como inicio el año 2009, donde la artista visita y fotografía grandes colecciones en varios países, principalmente en Norte América y Europa, participando también en programas de especialización en conservación vinculados a museos y espacios de exhibición.

En fotografía, el tiempo de exposición o velocidad de obturación se representa en fracciones de segundo y se consideran bajas aquellas medidas menores a 1/60, entendiendo ésta como la velocidad de disparo mínima para obtener imágenes nítidas tomadas a pulso, como las de esta serie. 1/15 es un cuarto de 1/60 y se convierte, en esta exhibición, en “un cuarto de silencio”, donde se encuentran azar y precisión, de la mano y del ojo entrenados para ver lo más profundo del arte.

El registro fotográfico presente en esta muestra evidencia los distintos modos de organizar el espacio visual de esos lugares, donde se genera una compleja red de relaciones sociales, culturales, políticas e históricas en relación con los objetos simbólicos y los personajes presentes. Así, a través de este trabajo aparecen congregados algunos de los espacios más reconocidos del mundo del arte como el Moma PS1, la Tate Modern o el Reijksmuseum. El cuadro, el encuadre, la obra que se proyecta en el espacio y su relación con la arquitectura, el espacio psicológico o los rituales del espectador, son algunos de los elementos que aparecen revelados en éstas imágenes cargadas de contenidos que logran manifestarse sólo ante el silencio de la observación y contemplación de quienes habitan o transitan estos espacios del arte.

“Presencia por Ausencia”

Espacio O presenta la exposición ¨Presencia por Ausencia¨ de la artista Soledad Leyton, a realizarse entre el 13 de noviembre y el 17 de noviembre 2017.
Dirección: Villavicencio 395, tercer piso. Barrio Lastarria.
Lunes a Viernes, de 11 a 19 horas.
Sábado, de 11 a 16 horas.
Sus obras se pueden ver en www.soledadleyton.com

Exposición: ¨Presencia por Ausencia¨ Soledad Leyton

Presencia por Ausencia es situarse en el presente. Si estoy en el ahora puedo estar presente, pero de nuevo el presente puede estar lleno de ausencia.

La vuelta a la naturaleza, no es apreciada o sentida hasta que es de ¨regreso¨
Soledad Leyton

En comunión y como un homenaje a su padre arquitecto y urbanista fallecido el 2001, Soledad Leyton hace un balance reflexivo y critico sobre la problemática del urbanismo del siglo XXI. Utilizando la técnica del collage y pintura, trabaja sobre planos arquitectónicos con recortes de revistas Reader’s Digest de los años 40 y 50, los que utiliza en forma irónica para dar cuenta que aquellos postulados antagonizan con la realidad que hoy vivimos.

El nacimiento en Inglaterra de la Segunda Revolución Industrial a mediados del siglo XIII y su exportación a EEUU donde el artesano y el campesino es reemplazado por máquinas para la confección de productos en forma ilimitada, da origen al llamado ¨Sueño Americano¨ y su nueva interpretación sobre la felicidad del hombre basada en la adquisición por sobre la creación, (Si tienes eres feliz) . A raíz de esto, se produce una gran cesantía y migración masiva a las grandes ciudades para incorporarse a la fuerza obrera de las industrias produciendo un crecimiento desbordado de ellas. Como consecuencia de esto, obliga a los urbanistas de la época a replantearse la planificación de las ciudades, alejándose de la concepción de equilibrio entre el hombre y la naturaleza. Así, los espacios construidos y sus áreas verdes se vieron reducidos a su mínima o nula expresión, hasta llegar a lo que hoy llamamos jardines verticales, emulando la tierra perdida.
Con esta dinámica actual del paisaje en su versión modificada por el ser humano y su consecuencia en el clima a nivel global, una vez más se hace urgente los cambios en el uso de la tierra y organizar estratégicamente nuestro entorno en pos de un equilibrio racional y armónico por el bienestar de la vida en este planeta.

Oscar Navarro

Reseña de Soledad Leyton

Soledad Leyton nació en Santiago de Chile (1974), estudió en la Universidad Finis Terrae Arquitectura, Diseño y Arte. Licenciada en Artes Visuales por la misma Universidad. (2.000). Ejerce su arte desde muy joven y profesionalmente desde poco antes de terminar sus estudios universitarios. Además, de su labor de creadora ha ejercido la Docencia durante una década en la Universidad Finis Terrae (Taller de Dibujo y Pintura) y Universidad Diego Portales (Taller de Pintura), donde estudió el Diplomado en Docencia Universitaria. Paralelamente realiza talleres particulares bajo su dirección.
Ha realizado, dos exposiciones individuales y más de 15 exposiciones colectivas en Chile. Pertenece a colecciones particulares en el país y en el extranjero. Ganó el 1er lugar concurso Mural de Curicó de ACHS junto a Galería Artespacio. Mural: “Horizontes de Curicó”. Ha ejercido su labor pictórica en su ciudad natal y durante algunos periodos en San Francisco (California), México DF, Quito (Ecuador), Villarrica (Chile), Isla Chaullin, (Chile), Coyhaique (Chile), San Pedro de Atacama (Chile), entre otros.
Su pintura ha sido catalogada como perteneciente a una corriente Realista –Abstracta Contemporánea enfocada sobre el Paisaje Rural y Urbano, donde la geografía es su objeto de estudio.

“Tente en el Aire”

instalación de Patricio Vogel, en el zócalo de MAC Parque Forestal,

Inauguración jueves 9 de noviembre a las 19:30 horas. 

Vogel aborda, desde una mirada poética y política, las relaciones entre el archivo y el olvido en la configuración del imaginario latinoamericano a través del mestizaje.

La obra usa como referente la Pintura de Castas, expresión artística surgida en el Virreinato de Nueva España en el siglo dieciocho, que retrataba los cruces raciales durante la colonización europea en América. Orientado a mantener el orden social, este sistema clasificatorio se valía del juego de palabras para bautizar los vástagos de las mezclas no regladas en la época. De ahí se desprende el título de la muestra, que hace referencia a uno de los cruces de más baja connotación.

Tente en el Aire eran quienes estaban suspendidos entre el ascenso y el descenso de una casta a otra, como un punto ciego de clasificación y de imprecisión mixta. Se trata de un estado que posibilita explorar las ambivalencias, fusiones y corrientes de las expresiones de los cuerpos, olvidando los dominios de la identidad.

Compuesta por retratos, videos e intervenciones, la exhibición se apoya también en una investigación previa del artista que contrapone la visión eurocéntrica con la cosmovisión de pueblos originarios de Sudamérica, abordando relaciones entre raza, mestizaje y colonización.

La exhibición estará abierta entre el 10 de noviembre y el 21 de enero.

Lanzamiento Exposición Raimundo España “Todo lo que han visto mis ojos”

Este jueves 9 de noviembre a las 19:00 horas te esperamos en el 3º nivel de Casacostanera para el lanzamiento de la exposición “Todo lo que han visto mis ojos” del pintor Raimundo España, oriundo de Valparaíso, quien ha presentado su trabajo en Chile y el extranjero.

Tendremos versiones inéditas de Puri Pop y los más ricos tragos con Livingjuice.

Entre todas los asistentes sortearemos en el evento un programa Reset 1 de Livingjuice y productos Puri Popcorn.

“Diurna”

La exhibición DIURNA inaugura una línea de trabajo del museo en colaboración con One Moment Art, que es una iniciativa que busca nuevos espacios de exhibición institucionales para instalar la obra de artistas visuales que desarrollan arte contemporáneo. Instancia donde la obra debe adecuarse al espacio de recepción en tanto referente conceptual y físico que la exhibe.

Es así que la propuesta de Magdalena Prado, encarna y presenta una instalación  que da cuenta del diálogo entre el edificio (convento) y su obra, tal como indica ella,  “es decir una relación entre lo sacro  y lo bello visto a través de una interpretación propia en la que a partir de distintos símbolos, que aluden al convento y a la carga que por lo mismo este espacio tiene, he ido haciendo una conexión simbólica con lo decorativo.” Esta vinculación se materializa en trabajos en papel el cual, según expresa la artista, “hablará también de su propia materialidad y su transformación, con lo cual intentará generar una tensión  entre el arte contemporáneo y su vínculo con lo decorativo.” Cuyo desplazamiento y montaje en la sala genera un clima que posibilita que las piezas “vayan tejiendo y forzando una asociación entre estas dos funciones principales que ha tenido el edificio, convento y museo de artes decorativas”, indica Prado.

 La obra de Prado, finalmente, se relaciona “con una particular manera de elaborar y trasformar el papel, su interés es crear una lectura a través de una intervención que altera la superficie plana de este material, haciéndolos cada vez más espesos. Mediante un mínimo de recursos (agua, papel y una espátula) crea expresivas texturas, calados y distintos tonos,” cuyo propósito formal es  “dialogar con el espectador a través de los modos diversos de incidencia de la luz sobre ellos,” como refiere Eugenio Dittborn.

En esta exhibición la artista mostrará una obra que plantea cinco ejes, entendidos como cuerpos y definidos como un manto,  una cruz, tres vitrales y formas realizadas en papel mache y papel desbastados. En términos materiales, son formas en diversos volúmenes y escalas, desarrolladas en papel maché, presentadas tanto en directo como en cajas de luz y en soporte video,  haciendo una clara alusión a lo contemporáneo en su obra.

MAGDALENA PRADO (Santiago, 1981)

Artista visual que vive y trabaja en Santiago de Chile.

ONE MOMENT ART

Galería encargada de la creación, gestión y difusión de sus contenidos curatoriales. Representa a 7 destacados artistas de la escena nacional, donde la gestión y misión fundamental de OMA es instalar a nuestros  artistas en espacios patrimoniales, museos, centros culturales y lugares de acción cultural. OMA nace hace 3 años, teniendo ya 11 exposiciones en los museos y centros culturales más importantes de Chile.

¿Cuándo?

Entre el 10 de noviembre 2017 y el 26 de Enero de 2018.

 ¿Dónde?

Museo de Artes Decorativas, sala de exhibición temporal. Recoleta 683, comuna de Recoleta, metro Cerro Blanco.  Contacto: 56 224971280

De martes a viernes de 10.00 a 17:30 hrs., con estacionamiento liberado.