«Tres amantes»

TRES AMANTES | Magdalena Atria
Inauguración Jueves 10 de Junio, 19:30 hrs.

Galería MADRE presenta la exposición TRES AMANTES de la artista chilena Magdalena Atria. La muestra reúne un conjunto de esculturas, pinturas y dibujos recientes que, siendo abstractos, están habitados por la presencia de los cuerpos. Referencias variadas, a la escultura modernista, a la artesanía altiplánica o a fenómenos naturales, se materializan en imágenes sugerentes, que invitan a ser tocadas con la mirada y contempladas con el tacto.

Artista formada en la Universidad Católica de Chile y en Parsons School of Design, Nueva York. Ha desarrollado un trabajo en el que intenta conectar el ámbito de lo ideal, de lo anhelado y de lo incorpóreo -expresado en la forma abstracta, muchas veces geométrica- con la dimensión vivencial y existencial de la cotidianeidad, con sus accidentes y su realidad concreta.

Su trabajo ha sido expuesto en múltiples muestras colectivas locales e internacionales, entre las que destacan recientemente: Tong, templo Haeinsa, Corea del Sur; Overture, Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, EEUU; XI Bienal de Cuenca, Ecuador; Tectonic Shift: Contemporary Art from Chile, Saatchi Gallery-Phillips de Pury & Company, Londres, UK; Arte Contemporáneo Hoy, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Valdivia; Arte Contemporáneo y Patios de Quito, Quito, Ecuador; El patio de mi casa/ The Sky Within My House, Patios de Córdoba, España; Accomplished, The George Gallery, Los Angeles, EEUU, Poetics of the Handmade, The Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Angeles, EEUU; Sur Scéne, Castilo de Tours, Tours, Francia; VI Bienal de Mercosur, Portoalegre, Brasil; Del otro lado, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago.

Entre sus exposiciones individuales recientes se cuentan Cenotes, Matadero Madrid, España (2013); Love and Space, MAVI, Santiago (2013); Sólidos Platónicos, Galería YONO, Santiago (2011); Monstrous Moonshine, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, EEUU (2010); El lugar de lo invisible, Sala Gasco, Santiago (2009); Ahora todo es peor, Galería Moro, Santiago (2008).

Ha sido curadora de las muestras Voluntad y Representación, Sala Juan Egenau, Facultad de Artes U. de Chile (2013); La Oscura Vida Radiante, Centro de Arte Contemporáneo Las Condes(2011) y Textualidades, Fundación Itaú, (2008). Además, ha sido beneficiaria de las becas Presidente de la República, Fulbright, Fundación Andes y, en varias ocasiones, FONDART. Actualmente se desempeña como docente en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile.

La muestra estará abierta al público hasta el 9 de julio de 2021, y los horarios de la galería son de Lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:00 hrs.

«Cuándo»

CUÁNDO

9 Junio – fecha de cierre por definir

Inauguración: 8 Junio 15:00 – 20:00 pm

Coordinar visitas al +56 974392108 o intuitivemachineart@gmail.com

TIM Arte Contemporáneo reinicia su calendario de actividades con la exposición CUÁNDO del artista chileno Ignacio Gumucio, la cual reúne sus últimas obras producidas durante la pandemia, en palabras del mismo autor:

“En esta exposición muestro las pinturas que hice durante los dos años de restricción a la movilidad que supuso la pandemia del corona virus.

A comienzos del año 2020 imposibilitado de ir a mi taller, pinté en el comedor de mi departamento sobre cartones de embalajes, con pintura al agua las únicas disponibles y las más adecuadas para la nueva situación.  Les pedí a Carmen, Luz y Francisca, mis compañeras de encierro, que me posaran escenas para yo dibujarlas con un lápiz grafito. Luego, en un bosque instale un taller para pintar cosas mas grandes y sucias. La muestra reúne todo lo que pinté en ese tiempo, tan diferente” .

Ignacio Gumucio (1971) se ha dedicado principalmente a la pintura, explorando todos los formatos y materiales que esta disciplina agrupa. Egresado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, en sus obras suele utilizar procedimientos como la presencia en grado mínimo del color, desviaciones de la perspectiva y amplios espacios de vacío, presentando las imágenes con ciertos toques irónicos que provocan la inquietud del espectador. Gumucio ha expuesto en países como Holanda, República Checa, Francia, Estados Unidos, México y Chile, y sus obras forman parte de diversas colecciones, entre ellas la Colección David Rockefeller Center for LatinAmerican Studies en Harvard University, o la Colección Blanton Museum of Art en Austin, Texas, USA.

TIM Arte Contemporáneo. Calle Rafael Sotomayor 232, Santiago, Chile. theintuitivemachine / theintuitivemachine.com / intuitivemachineart@gmail.com

«Cartografías de la Sangre. Atlas y diagrama»

SALA GASCO PRESENTA “CARTOGRAFÍAS DE LA SANGRE. ATLAS Y DIAGRAMA” DEL ARTISTA NACIONAL GASTÓN LAVAL

Desde el 3 de marzo hasta el 23 de abril se exhibirá la primera muestra de la temporada 2021 en el destacado espacio artístico, la que podrá ser visitada de forma presencial, con todos los resguardos para los visitantes, y en formato virtual en 360º.

Durante marzo y abril, se dará inicio a la primera exhibición de la temporada 2021 con la muestra «Cartografías de la Sangre. Atlas y diagrama» del connotado artista nacional Gastón Laval, quien junto a un equipo interdisciplinario vincularon arte, ciencia, medicina y tecnología médica, a través de la investigación artística para dar vida a este proyecto.

La exhibición busca mostrar cómo las distintas disciplinas han abordado la representación del cuerpo humano, utilizando imágenes médicas como punto de partida, para gatillar un proceso de reflexión y creación conjunto. La muestra contará con diversos trabajos de Gastón Laval que realiza intervenciones con pintura, intervenciones digitales y multimedia, bocetos y algunas obras de referencia para poder comprender la evolución del estudio y la interpretación del cuerpo.

Laval explica que la inspiración y origen para esta muestra fue un test de ADN que se realizó y que reveló el mestizaje de su herencia genética, lo que le hizo pensar en la serie de encuentros ancestrales que tuvieron que suceder, para dejar ese rastro en su cuerpo y que se trata de una huella invisible a la vista, pero que poseen todos los seres humanos en su ADN. “Esta obra es producto de un proyecto de investigación y experimentación colaborativa y pluridisciplinar que da cuenta de un sistema de ideas, percepciones y representaciones corporales integrando ciencia, artes visuales, musicales, sonoras, performáticas, escénicas, medicina e ingeniería”, explica el artista.

En la Sala Oriente se desarrollará uno de los aspectos más novedosos de este trabajo, durante el tiempo de la exposición, el pintor se encontrará trabajando como si estuviera en su estudio. Este espacio denominado por el autor como “laboratorio-taller” contará con instancias interactivas para el público, con el objetivo es acercar al espectador al proceso creativo y de desarrollo del artista que muchas veces se mantiene oculto al público. Esta actividad invita a realizar encuentros con las personas que se interesen por el trabajo del académico y a los invitados del mismo.

Mientras que en la Sala Poniente se exhibirán una serie de trabajos centrados en la idea de cuerpo como concepto para reflexionar, en un montaje conformado por una serie de pinturas elaboradas a partir de diversas estrategias visuales, además de fotografías, sonidos, videos y otros soportes digitales.

El equipo encargado de la obra está compuesto por: Sergio Uribe académico de la Facultad de Medicina y del Instituto de Ingeniería Biológica y Médica, además de director del Centro de Imágenes Biomédicas y del Núcleo Milenio en Resonancia Magnética Cardiovascular; Milena Grass, académica de la Escuela de Teatro y directora del Núcleo Milenio Arte, Performatividad y Activismo; y Rodrigo Cádiz, académico del Instituto de Música y de la Facultad de Ingeniería. También se suman estudiantes de las facultades de Artes, Medicina e Ingeniería UC.

“La metodología fue realizar presentaciones para explicar qué entendía cada uno por arte y ciencia, qué aspectos le interesan de la disciplina del otro. Así nació la idea de abordar el proyecto desde el concepto de “flujo turbulento”, que proviene de la mecánica de fluidos.”, explica Gastón Laval.

La exhibición «Cartografías de la Sangre. Atlas y diagrama» se encontrará disponible en Sala Gasco desde el 3 de marzo hasta el 23 de abril del 2021, de forma presencial con todos los protocolos de seguridad para el resguardo del visitante y según las medidas sanitarias establecidas para la comuna. También contará con un recorrido virtual 3D en 360°, directamente en www.salagasco.cl

Junto al recorrido virtual 3D de la exposición se implementará un innovador sistema de visualización, vía streaming de la exposición de Sala Gasco, con el propósito de crear espacios directos de comunicación, participación y mediación entre el artista, los visitantes y el público virtual.

Sala Gasco Arte Contemporáneo: Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Horario de 9 a 17 horas. Abierto a todo público de manera gratuita. Las consultas sobre los contenidos, actividades de mediación y visitas guiadas pueden dirigirse  al correo electrónico mediacionsalagasco@gasco.cl y/o al celular +56 9 42605182.

Sobre Sala Gasco
Sala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte, en pleno centro de Santiago. Abre de lunes a viernes, entre 09:00 y 17:00 hrs, en Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Desde su apertura en agosto de 2001 Sala Gasco ha recibido a aproximadamente 210.000 personas, en más de ochenta exposiciones.

Programa de mediación de Sala Gasco
Para cada una de sus exposiciones Fundación Gasco ofrece un programa de Visitas Mediadas, adaptadas a las características de los asistentes: escolares, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales (NEE), instituciones y familias, entre otros. Y están disponibles en forma gratuita mediante reserva previa a través de mediacionsalagasco@gasco.cl y al celular +56 9 42605182.

-Proyecto realizado con el aporte de la Dirección de Artes y Cultura de la Vicerrectoría de Investigación, Pontificia Universidad Católica de Chile.-

TODAS LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO SON GRATUITAS Y ESTÁN ACOGIDAS A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES

«Tratado del ritmo, color y cantos de pájaros»

Jaewook Lee se define a sí mismo como “artista, escritor, científico amateur, semifilósofo y a veces, curador”.

En quince años de trayectoria, ha realizado seis exposiciones individuales y más de 50 colectivas. Su obra se caracteriza por trabajar el contraste entre la mente humana tal como la conocemos, con otras formas de conocer la conciencia utilizando técnicas transdisciplinarias que conjugan la sinestesia tecnología, la neurociencia cognitiva, la visualización digital de datos y nuevas estrategias de exhibición de artes visuales.

En Tratado del ritmo, color y cantos de pájaros, exposición montada en la Sala 13 del Museo Regional de Antofagasta, el artista coreano nos plantea el desafío de romper los límites rígidos no sólo del arte, sino que de nuestra mente y percepción, explorando la relación entre el cerebro humano y los trinos de las aves mediante la reinterpretación de uno de los músicos más influyentes del siglo XX, Oliver Messianen, conocido por explorar fuentes musicales y no musicales, interconectando en sus composiciones elementos como la sinestesia y la teoría del color.

Jaewook estuvo en la región de Antofagasta durante diciembre de 2020. En la ciudad, realizó un taller presencial sobre sinestesia para niños y jóvenes en el Instituto AIEP, en el marco de escuela sin escuela, y participó del viaje de contextualización de los artistas invitados a SACO a Quillagua.

La exposición por el momento, sólo es accesible de manera virtual. De permitir el contexto visitas presenciales, estaremos avisando al público oportunamente.

En el video documental y la entrevista, podrás conocer el lado performático de esta pieza audiovisual, la propuesta poética de Jaewook al hablar en idioma de los pájaros, tensionando metafóricamente la dificultad de la comunicación interhumana hoy en día, pero a la vez enfatizando en que la inminente necesidad de comunicación y su belleza no son solo de nuestra propiedad como especie.

SACO9 Ahora o nunca

Circuito expositivo museo sin museo

Sala 13 – Museo Regional de Antofagasta

Jaewook Lee (COR)

29 / diciembre / 2020

28 / febrero / 2021

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN DE OBRAS Y PROYECTOS RECIENTES DE MÓNICA BENGOA

Desde la literatura y mediante la fotografía y manuales vinculados al trabajo textil, que se han mantenido constantes en los más de 25 años de producción de la artista, la muestra considera una serie de trabajos recientes en los que se incorpora la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen.

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”, de la artista Mónica Bengoa, es  la nueva y última exposición del año de la  Sala de Arte CCU. En esta se retoman proyectos anteriores y se presentan otros nuevos surgidos de observaciones y procesos realizados en el contexto particular reciente: la situación de encierro y distancia social derivadas de la pandemia.

La muestra está compuesta de una serie de obras y proyectos en los que la artista ha trabajado la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen, tanto desde sus aspectos formales como desde su temática. En estas continúa su trabajo con la literatura como elemento que, junto a la investigación en torno a la fotografía y la utilización de medios manuales vinculados al trabajo textil, se ha mantenido constante en sus más de 25 años de producción artística. 

Una producción que, en palabras de la investigadora Lorena Amaro, surge “en un contexto absolutamente excepcional, anómalo, el de un encierro prolongado, que nos obliga a pensar la misma palabra ‘exposición’: ¿exponer qué, exponerse a qué?”

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso” podrá visitarse de manera presencial entre el 22 de diciembre y el 9 de abril de 2021 en la Sala de Arte CCU, previo agendamiento de hora en  https://forms.gle/x4dB7c3yc48H4kqx8 o mandando mail a saladearteccu@ccu.cl  y bajo estrictos controles sanitarios. Además, las personas podrán ver la muestra de forma online a partir del 28 de diciembre en la Sala de Arte CCU Virtual en https://ccuenelarte.cl/exposiciones/de-lo-que-iba-a-ser-pero-no-fue-lo-que-no-imagine-pero-si-sucedio-y-el-intento-de-ajuste-entre-todo-eso-foco-curatorial/ 

ARTECCU EN VIVO

La Sala de Arte CCU Virtual se suma al programa “ArteCCU en vivo”, que desde fines de abril a través de su plataforma Instagram Live 25 connotados artistas nacionales ya han relatado sobre sus obras y proyecciones. También, el concurso “CCU te invita a ilustrar a tu superhéroe y contar su historia”, instancia que congregó a menores de entre 7 y 18 años para desarrollar su creatividad, acercándose de una forma divertida al arte durante la cuarentena y “#ReciclarEsUnArte”, junto a Kyklos que invitó a artistas de todas las edades a crear una obra únicamente con residuos reciclados.

CCU EN EL ARTE

CCU lleva más de 26 años apoyando de distintas formas la cultura nacional. La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales. 

A ella posteriormente se sumó la Beca Arte CCU, que se entrega cada dos años, y que es parte del programa “CCU en el Arte”, plataforma desde la cual se han diseñado diversos programas para “Acercar el Arte a la Gente” aportando a la accesibilidad y descentralización de la cultura, a la ampliación de la oferta artística y a la difusión del arte chileno, a través del apoyo a artistas y sus proyectos.

«Retratos»

FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURA AMPLIA MUESTRA CON TRABAJOS INÉDITOS DE GONZALO CIENFUEGOS

Factoría Santa Rosa, del 5 de diciembre de 2020 al 31 enero de 2021. Santa Rosa 2260, segundo piso.  Abierto sábado y domingo, de 10:00 a 17:00 horas.  Entrada liberada (aforo, 50 personas, con protocolos Covid).

“Retratos” del pintor Gonzalo Cienfuegos es una muestra que da cuenta de su trabajo en la última década, incluyendo el período de pandemia. Se trata de acuarelas y también cerámicas nunca antes expuestas que evidencian una faceta desconocida del reconocido artista chileno. Apoyan la exhibición cuadernillos, apuntes y dibujos, concebidos durante su proceso creativo.

En su espacio de gabinete, ubicado en lo que fue la caja fuerte de la ex fábrica de textiles Musalem, Factoría Santa Rosa expone paralelamente el trabajo de Ximena Rojas, con “Origen y retorno”, trabajos miniaturas en cerámica gres.

Muy prolíficamente ha trabajado Gonzalo Cienfuegos durante el tiempo de confinamiento a raíz de la pandemia, cuyo resultado es principalmente una serie de acuarelas cuya impronta iconográfica, única y distintiva, ronda siempre la figura humana. Ello constituye parte fundamental de “Retratos”, que da cuenta de su obra de los últimos años y de su íntimo proceso creativo con apuntes, bosquejos, reflexiones, registros y dibujos que estarán disponibles en el espacio expositivo.

“Se trata de una muestra especial e íntima, con obras que en su mayor parte pertenecen al legado familiar del artista. Destaca especialmente una serie inédita de cerámicas que muestra una faceta desconocida y que nos da mucho orgullo mostrar”, señala Carolina Musalem, Directora de Factoría Santa Rosa.

Esta nueva muestra reúne obras de los últimos diez años, trabajo que da cuenta del interés del autor por lo figurativo, con obras llenas de detalles donde los personajes se sitúan en escenas teatrales y expresivas desarrolladas con humor e ironía, su sello inconfundible. “Allí se plasma el eterno deseo de Cienfuegos por testimoniar la condición humana desde el gran teatro del mundo, donde la comedia rápidamente puede dar paso a la tragedia o viceversa”, destaca el texto curatorial de la muestra escrito por el artista Carlos Navarrete.

SOBRE GONZALO CIENFUEGOS

Gonzalo Patricio Cienfuegos Browne (1949, Santiago de Chile), realizó sus estudios de Arquitectura y Bellas Artes en la Universidad de Chile en los años sesenta. En 1970 viajó a México para perfeccionarse en  pintura y dibujo. En 1974 se instala en Buenos Aires, Argentina y en 1975 regresó a Santiago donde se matricula en la Pontificia Universidad Católica de Chile para cursar Licenciatura en Artes.

Durante su estadía en México y en otras ciudades de América Latina compartió con los artistas de la llamada Nueva Figuración que marcaría su camino artístico. Su trabajo ha sido expuesto en Chile y en museos y galerías en el extranjero, como México, Brasil, Argentina, España, Francia, Estados Unidos y Japón, entre otros. Además, ha sido nominado a importantes reconocimientos y galardones.

Su obra pictórica y gráfica se distingue por girar fundamentalmente en torno a la figura humana. Sus personajes parecen algo caricaturescos, de contornos definidos, actitudes estáticas y de proveniencia disímil.

Además de su carrera artística, Cienfuegos ha desarrollado otras labores: ha ejercido la docencia de manera sostenida en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile como profesor de pintura. Se suma a eso, su trabajo como ilustrador de libros en el Departamento de Diseño de la Secretaría de Educación Pública del Distrito Federal, durante su estadía en México. En 1995 fue nombrado director de la Fundación Tiempos Nuevos, iniciando la construcción del Museo Interactivo Mirador de Santiago. También, se cuenta su incursión en el diseño teatral, con la realización de la escenografía y el vestuario para la ópera “Orfeo y Eurídice”, montada en el teatro Municipal de Santiago en 2002. Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

 MUESTRA “ORIGEN Y RETORNO”, DE XIMENA ROJAS

La muestra de gabinete que nos presenta Factoría Santa Rosa, expone el trabajo en cerámica de Ximena Rojas, donde la artista chilena experimenta con la forma y el valor de pequeñas figuras realizadas en cerámica, inspiradas en objetos ceremoniales y ancestrales precolombinos, temática que viene investigando hace dos décadas.

La instalación que se dispone en el Gabinete de Factoría Santa Rosa, reflexiona sobre la relación que hay entre la síntesis formal y el objeto sacro; para lo cual cada uno de los elementos que estratégicamente se disponen ha sido pensado no sólo a partir de su forma sino que también desde el valor sagrado o simbólico que detentan.

SOBRE XIMENA ROJAS (Santiago de Chile, 1962), estudió Arte de la Universidad Católica de Chile, licenciándose en pintura en 1986. En 1987 se trasladó a Nueva York, en donde estudió cerámica en la Parsons School of Design y dibujo en la School of Visual Arts. A su regreso a Chile en 1989 siguió estudios de arte con Eugenio Dittborn. Su trabajo se ha expuesto individual y colectivamente en diversas galerías y espacios de Chile y el extranjero. Su trabajo se ha desarrollado principalmente en el área de la pintura no figurativa, tomando como punto de partida el estudio de las culturas precolombinas. Su obra ha transitado desde una abstracción hacia un juego monocromo donde las suturas y costuras realizadas con el lienzo crudo, reemplazan al gesto y a su vez, la textura es reflejo del color que busca. Este modo de comprender la pintura como un juego de luces y sombras más allá del gesto y la mancha, transforma sus realizaciones en verdaderos objetos sagrados. Rojas hoy vive y trabaja en Santiago de Chile.

«Afterall»

Antología personal y obra reciente se mezclan en AFTERALL, la primera exhibición individual de Nicolás Franco en Aninat Galería. No son casuales ni el título, ni la forma expositiva. Devoto de las técnicas del montaje, el artista trabaja con su trayectoria, como lo haría un director de cine en la sala de edición, combinando obras anteriores con otras de reciente producción. El conjunto, de seguro dará nuevas perspectivas a quienes están familiarizados con la obra del artista. Para quienes aún no lo conocen es una buena oportunidad de ver un resumen particular de su trayectoria.

AFTERALL, después de todo en castellano, puede leerse como una frase ajustada para describir el balance de una vida o de una carrera artística, pero también como el comentario escueto de quien ha logrado sobrevivir a una catástrofe. Como las propias obras de Franco, imágenes y procedimientos técnicos, suponen casi sin excepciones, distintas formas de devastación: cortes, rayas, quemaduras, traumas.

Las imágenes, de fuentes tan amplias como la antropología o la prensa popular, sufren radicales transformaciones. Sus restos pasan a convivir en el espacio que crea el artista a partir de procedimientos fotomecánicos y plásticos muy diversos. A veces las obras toman las formas precisas del diseño editorial, en otras en cambio, el resultado recuerda al expresionismo abstracto. El ojo atento, sin embargo, pronto descubre las imágenes, que se antojan como una fosa común.

Desde la serie Afterall (1998-00), realizada durante su residencia en De Ateliers, Amsterdam hasta Cómo Es (2020), un conjunto de obras pictóricas de gran formato sobre metal desplegado. En todas es posible reconocer la forma particular en la que Franco interpreta y funde las tradiciones de la pintura, la fotografía y el collage. Alegorías de la pérdida y la derrota. Completan el montaje las series Magasin d´education et de recreation (2018 – actualidad), que se centra en el fotomontaje y la naturaleza discursiva de los procesos de edición y una serie de trabajos realizados entre los años 2011 y 2019, que comprometen reproducciones, traspasos mediales y combinaciones de imágenes.

La selección de obras se presenta como una trama de iconografías que se debaten entre lo banal y lo aurático, lo personal y lo colectivo, lo viejo y lo nuevo, lo visto y lo oculto, para ofrecer una paciente reflexión sobre el modo en como la realidad es procesada materialmente como imagen.

Nicolás Franco nació en 1973 en Santiago, donde actualmente vive y trabaja. Realizó sus estudios de arte en la Universidad de Chile, Universidad Complutense de Madrid y   en De Ateliers, Amsterdam. Sus obras han sido exhibidas en Museos que incluyen Tate Modern (Londres), Migros Museum für Gegenwartskunst (Zurich), MEIAC (Badajoz), Museo de Arte Contemporáneo (Lima), Museo Blanes (Montevideo), Museo del Barro (Asunción), MUUA (Antioquia), Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Museo de la Memoria y los derechos Humanos (Santiago), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), entre otros. Su trabajo se encuentra presente en las colecciones públicas de Tate Modern (Londres), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Centro de Arte Contemporáneo Znaki Czasu (Polonia), Fundación Engel (Santiago), Fundación AMA (Santiago), Fundación de Artes Visuales, (Santiago).

De lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y Sábado de 11:00 a 14:00 horas en Aninat Galería.

“Diálogo con la Geometría”

COMUNICADO.- Museo Ralli Santiago (1992, Chile) emplazado en la comuna de Vitacura reabrirá sus puertas al público en forma gradual de martes a viernes de 10:30 a 16:00 horas. Para preservar la salud y seguridad de los visitantes como de los trabajadores, se han implementado medidas que agradecemos respetar: uso obligatorio de mascarillas en todo momento, sanitizado de manos y limpiapiés desinfectante, toma de temperatura y registro del visitante al ingreso. Así como también, respetar el aforo señalado para cada sala y mantener una distancia física de 2 metros durante el recorrido unidireccional señalado. 

Con la reapertura gradual, nos complace invitarlos a visitar la exposición individual de pintura, acuarela y grabado “Diálogo con la Geometría” de la destacada artista nacional Carmen Valbuena Piemonte, presente en Sala 4 de Museo Ralli Santiago, Chile.

El nuevo proyecto expositivo de Valbuena reflexiona en torno a la memoria, anécdotas y los encuentros vividos en su hogar rodeada de connotados artistas nacionales que visitaban a su madre, Carmen Piemonte. Desde pequeña convivió con el arte y disfrutó de las conversaciones de Sergio Montecino, Israel Roa, Gustavo Poblete, Ramón Vergara Grez y el destacado músico Juan Amenábar, entre otros. Hoy esos recuerdos evocan un diálogo de imágenes, como un espacio de encuentro, donde se entrelazan y construyen un nuevo discurso: su propia pintura. 

Manuel Basoalto, encargado de la curatoría de la muestra, comenta: Este “Diálogo con la Geometría” que establece Carmen Valbuena, está atravesado por una vibración poética, que se despliega sobre el espacio pictórico, con referencias a los grandes maestros, en la historia del movimiento geométrico chileno, conectados a su vez con las grandes figuras de la geometría internacional. 

Su obra, con muchos años de trabajo en el taller 99, nos lleva a un viaje marcado por su sensibilidad y un oficio notable, hacia la esencia que anima la obra de los artistas geométricos chilenos. Su relectura es un diálogo pero también un homenaje. Creo no se exagera al decir que no hemos llegado a entender aún, el valor y la profundidad del ejercicio creativo de nuestros artistas geométricos; y en este sentido el aporte de Carmen Valbuena es magnífico. 

Sobre aquellos momentos de aprendizaje y mágicos encuentros con artistas geométricos, Valbuena comenta: Siendo pequeña, en el taller de mi madre solía observar silenciosamente como  cocinaba el color, cómo lo aplicaba en las telas y producía efectos de finas y delicadas transparencias. Para mí, lo que ella hacía era magia! Es así, como nace esta exposición y comienza a producirse este  dialogo de imágenes. Por lo tanto, la muestra se la dedico a ella.

Dicha propuesta ha contado con la participación de distintas colaboraciones: la ya citada curatoría liderada por Manuel Basoalto, Bárbara Becker Gana (Licenciada en Historia y Estética de Arte PUC, Chile) en la redacción de textos y Rosana Cassigoli Salamon (Escritora, Antropóloga y profesora titular de la UNAM, México) creó los títulos de las obras. Por otra parte, Carmen Aguilera Quinteto es la compositora de la música que acompaña los videos de las redes sociales del museo. La muestra cuenta con el patrocinio de Artegrupo, Latino Ediciones, y de la Corporación Cultural Taller 99.

La exhibición está compuesta por 18 obras en óleo sobre tela en mediano y gran formato realizadas entre los años 2016 y 2019; junto a 2 grabados, 4 acuarelas y 4 tintas en diversos tamaños.  Entre estas destacan títulos como “Cartografía de un despertar (a Carmen)”, “Montañas de sal (al Maestro)”, “Diálogo con claraboya (a Robinson)”, “Arrepentimiento de cuerpos vértices (a Antonio)”, “Cuerpos adyacentes (al Maestro)”, “Intuición del origami en casa materna” y “Figuras inclinadas (a Carmen)”, por mencionar algunos. 

La muestra permanecerá abierta a público hasta el día 31 de marzo de 2021.

Información sobre la artista

Carmen Valbuena (Santiago, 1955) es pintora y grabadora, cursó parte de sus estudios de arte en la Universidad de Concepción a principio de la década de los 70s; posteriormente entre 1976 y 1978 realizó especializaciones en las técnicas de dibujo y escultura en cerámica en la ciudad de Panamá. En 1982 y 1983 trabajó en el Foro de Arte Contemporáneo de ciudad de México; de regreso a Chile se integró al Taller 99, donde estudió la técnica de Litografía con Isabel Cauas y Calcografía con Gabriela Villegas. Desde 1990 participa activamente en taller, siendo socia fundadora de la Corporación Cultural Taller 99. A lo largo de su extensa trayectoria artística ha recibido innumerables premios y distinciones a nivel nacional e internacional.

“Microinfinito”

A partir del 14 de diciembre, abierta a todo público

EXPOSICIÓN “MICROINFINITO” DEL ARTISTA PHILIP KLAWITTER SE PRESENTA EN SALA DE ARTE CCU

  • A través de tres instalaciones “Panspermia”, “Biogénesis” y “Microinfinito” que combinan la bioingeniería, estudios de arquitectura y arte, Klawitter invita a un viaje visual al micromundo para cuestionar las dinámicas de la vida en escalas que los sentidos no alcanzan a percibir. 

Desde el sábado 14 de diciembre, la Sala de Arte CCU exhibirá “Microinfinito” del artista chileno Philip Klawitter, instalación que busca registrar a nivel visual la vida existente en el micromundo y expresarla de manera macro. La muestra, que estará abierta a todo público hasta el 31 de enero próximo, es parte de la 14° Bienal de Artes Mediales “El Cuarto Mundo”, que este año tiene como foco la urgencia de buscar soluciones urgentes a la crisis climática.

“Microinfinito” se compone de dos instalaciones. La primera, “Panspermia” y “Biogénesis”, incubadoras de micro plantas donde lentamente se va gestando el origen de la vida en la tierra y el desarrollo material de la obra, como musgos, hongos y diminutos organismos que surgen en la forma de células organizadas. La segunda es “Microinfinito”, un registro visual de 40 imágenes que el artista capturó por 147 días y que permite examinar la vida de los micromundos y cómo el paso del tiempo los afecta directamente. 

El proyecto de Philip Klawitter es una introspección de la manera en que funciona el planeta y una invitación a observar desde lo micro a lo macro cómo diversos factores influyen en los procesos naturales y humanos. 

SOBRE EL ARTISTA

El trabajo de Klawitter (1985) juega con el hecho de que el hombre, como observador de la naturaleza, sólo es capaz de percibir fracciones microscópicas de lo que está pasando. En su visión, los sentidos tienen límites físicos, mientras que la realidad pareciera ser casi infinita.

Para llegar a aquello que el hombre es incapaz de ver, en este proyecto de seis años, Klawitter combina la biotecnología, ingeniería, arquitectura y arte, para construir maquinas escultóricas vivas que registran el desarrollo de la vida donde los sentidos no llegan.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

EXPOSICIÓN “MICROINFINITO”

Exposición: Desde el sábado 14 de diciembre de 2019 al viernes 31 de enero de 2020

Sala Foco Curatorial (Av. Vitacura 2670, piso -1), Las Condes.

Lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.

 

«Same same, but diferente»

Caiozzama, desde su formación de fotoperiodista, ha trabajado constantemente con la cotidianidad, con el fin de reflexionar sobre los últimos sucesos. Same Same but diferente nos invita a reírnos del mundo en el que vivimos usando el lenguaje de masas para ensamblar una sátira. En su obra se presenta con ironía el tópico, elevando muchas veces el carácter de este hasta lo ridículo, logrando que el recurso de figuras religiosas junto a elementos de la contingencia nos interpela directamente, preguntando a quien le “prendemos velas” en el periodo actual; ¿A alguna gran potencia mundial? ¿A la sociedad de consumo? ¿A una empresa? ¿A una red social? ¿A un like?

En la calle, las obras de Caiozzama se construyen mediante el paste up, obras que se completa en la calle, sin preparación del soporte y nutriéndose por el contexto en el que se emplaza. En esta ocasión, el artista toma la decisión de reinterpretar sus obras mediante el collage, tomando elementos de sus trabajos anteriores, “cortandolos” del street Art y pegandolos en la galería.

El collage como técnica unifica elementos des-contextualizándolos, busca que tomemos distancia de la contingencia, para emplear una crítica a la sociedad de consumo. La reinterpretación del paste up a collage se presenta como una oportunidad de inmortalizar lo hecho en la calle, y a su vez, de recontextualizarlo dentro de la galería. Esta operación nos obliga a pensar como la calle entra a la galería, mientras la galería cuestiona los límites del soporte. Finalmente, nos queda por reflexionar cómo la institución se ve cuestionada al traer el street Art dentro de una galería.

Texto: Benjamín Arancibia