«Tratado del ritmo, color y cantos de pájaros»

Jaewook Lee se define a sí mismo como “artista, escritor, científico amateur, semifilósofo y a veces, curador”.

En quince años de trayectoria, ha realizado seis exposiciones individuales y más de 50 colectivas. Su obra se caracteriza por trabajar el contraste entre la mente humana tal como la conocemos, con otras formas de conocer la conciencia utilizando técnicas transdisciplinarias que conjugan la sinestesia tecnología, la neurociencia cognitiva, la visualización digital de datos y nuevas estrategias de exhibición de artes visuales.

En Tratado del ritmo, color y cantos de pájaros, exposición montada en la Sala 13 del Museo Regional de Antofagasta, el artista coreano nos plantea el desafío de romper los límites rígidos no sólo del arte, sino que de nuestra mente y percepción, explorando la relación entre el cerebro humano y los trinos de las aves mediante la reinterpretación de uno de los músicos más influyentes del siglo XX, Oliver Messianen, conocido por explorar fuentes musicales y no musicales, interconectando en sus composiciones elementos como la sinestesia y la teoría del color.

Jaewook estuvo en la región de Antofagasta durante diciembre de 2020. En la ciudad, realizó un taller presencial sobre sinestesia para niños y jóvenes en el Instituto AIEP, en el marco de escuela sin escuela, y participó del viaje de contextualización de los artistas invitados a SACO a Quillagua.

La exposición por el momento, sólo es accesible de manera virtual. De permitir el contexto visitas presenciales, estaremos avisando al público oportunamente.

En el video documental y la entrevista, podrás conocer el lado performático de esta pieza audiovisual, la propuesta poética de Jaewook al hablar en idioma de los pájaros, tensionando metafóricamente la dificultad de la comunicación interhumana hoy en día, pero a la vez enfatizando en que la inminente necesidad de comunicación y su belleza no son solo de nuestra propiedad como especie.

SACO9 Ahora o nunca

Circuito expositivo museo sin museo

Sala 13 – Museo Regional de Antofagasta

Jaewook Lee (COR)

29 / diciembre / 2020

28 / febrero / 2021

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN DE OBRAS Y PROYECTOS RECIENTES DE MÓNICA BENGOA

Desde la literatura y mediante la fotografía y manuales vinculados al trabajo textil, que se han mantenido constantes en los más de 25 años de producción de la artista, la muestra considera una serie de trabajos recientes en los que se incorpora la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen.

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”, de la artista Mónica Bengoa, es  la nueva y última exposición del año de la  Sala de Arte CCU. En esta se retoman proyectos anteriores y se presentan otros nuevos surgidos de observaciones y procesos realizados en el contexto particular reciente: la situación de encierro y distancia social derivadas de la pandemia.

La muestra está compuesta de una serie de obras y proyectos en los que la artista ha trabajado la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen, tanto desde sus aspectos formales como desde su temática. En estas continúa su trabajo con la literatura como elemento que, junto a la investigación en torno a la fotografía y la utilización de medios manuales vinculados al trabajo textil, se ha mantenido constante en sus más de 25 años de producción artística. 

Una producción que, en palabras de la investigadora Lorena Amaro, surge “en un contexto absolutamente excepcional, anómalo, el de un encierro prolongado, que nos obliga a pensar la misma palabra ‘exposición’: ¿exponer qué, exponerse a qué?”

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso” podrá visitarse de manera presencial entre el 22 de diciembre y el 9 de abril de 2021 en la Sala de Arte CCU, previo agendamiento de hora en  https://forms.gle/x4dB7c3yc48H4kqx8 o mandando mail a saladearteccu@ccu.cl  y bajo estrictos controles sanitarios. Además, las personas podrán ver la muestra de forma online a partir del 28 de diciembre en la Sala de Arte CCU Virtual en https://ccuenelarte.cl/exposiciones/de-lo-que-iba-a-ser-pero-no-fue-lo-que-no-imagine-pero-si-sucedio-y-el-intento-de-ajuste-entre-todo-eso-foco-curatorial/ 

ARTECCU EN VIVO

La Sala de Arte CCU Virtual se suma al programa “ArteCCU en vivo”, que desde fines de abril a través de su plataforma Instagram Live 25 connotados artistas nacionales ya han relatado sobre sus obras y proyecciones. También, el concurso “CCU te invita a ilustrar a tu superhéroe y contar su historia”, instancia que congregó a menores de entre 7 y 18 años para desarrollar su creatividad, acercándose de una forma divertida al arte durante la cuarentena y “#ReciclarEsUnArte”, junto a Kyklos que invitó a artistas de todas las edades a crear una obra únicamente con residuos reciclados.

CCU EN EL ARTE

CCU lleva más de 26 años apoyando de distintas formas la cultura nacional. La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales. 

A ella posteriormente se sumó la Beca Arte CCU, que se entrega cada dos años, y que es parte del programa “CCU en el Arte”, plataforma desde la cual se han diseñado diversos programas para “Acercar el Arte a la Gente” aportando a la accesibilidad y descentralización de la cultura, a la ampliación de la oferta artística y a la difusión del arte chileno, a través del apoyo a artistas y sus proyectos.

«Retratos»

FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURA AMPLIA MUESTRA CON TRABAJOS INÉDITOS DE GONZALO CIENFUEGOS

Factoría Santa Rosa, del 5 de diciembre de 2020 al 31 enero de 2021. Santa Rosa 2260, segundo piso.  Abierto sábado y domingo, de 10:00 a 17:00 horas.  Entrada liberada (aforo, 50 personas, con protocolos Covid).

“Retratos” del pintor Gonzalo Cienfuegos es una muestra que da cuenta de su trabajo en la última década, incluyendo el período de pandemia. Se trata de acuarelas y también cerámicas nunca antes expuestas que evidencian una faceta desconocida del reconocido artista chileno. Apoyan la exhibición cuadernillos, apuntes y dibujos, concebidos durante su proceso creativo.

En su espacio de gabinete, ubicado en lo que fue la caja fuerte de la ex fábrica de textiles Musalem, Factoría Santa Rosa expone paralelamente el trabajo de Ximena Rojas, con “Origen y retorno”, trabajos miniaturas en cerámica gres.

Muy prolíficamente ha trabajado Gonzalo Cienfuegos durante el tiempo de confinamiento a raíz de la pandemia, cuyo resultado es principalmente una serie de acuarelas cuya impronta iconográfica, única y distintiva, ronda siempre la figura humana. Ello constituye parte fundamental de “Retratos”, que da cuenta de su obra de los últimos años y de su íntimo proceso creativo con apuntes, bosquejos, reflexiones, registros y dibujos que estarán disponibles en el espacio expositivo.

“Se trata de una muestra especial e íntima, con obras que en su mayor parte pertenecen al legado familiar del artista. Destaca especialmente una serie inédita de cerámicas que muestra una faceta desconocida y que nos da mucho orgullo mostrar”, señala Carolina Musalem, Directora de Factoría Santa Rosa.

Esta nueva muestra reúne obras de los últimos diez años, trabajo que da cuenta del interés del autor por lo figurativo, con obras llenas de detalles donde los personajes se sitúan en escenas teatrales y expresivas desarrolladas con humor e ironía, su sello inconfundible. “Allí se plasma el eterno deseo de Cienfuegos por testimoniar la condición humana desde el gran teatro del mundo, donde la comedia rápidamente puede dar paso a la tragedia o viceversa”, destaca el texto curatorial de la muestra escrito por el artista Carlos Navarrete.

SOBRE GONZALO CIENFUEGOS

Gonzalo Patricio Cienfuegos Browne (1949, Santiago de Chile), realizó sus estudios de Arquitectura y Bellas Artes en la Universidad de Chile en los años sesenta. En 1970 viajó a México para perfeccionarse en  pintura y dibujo. En 1974 se instala en Buenos Aires, Argentina y en 1975 regresó a Santiago donde se matricula en la Pontificia Universidad Católica de Chile para cursar Licenciatura en Artes.

Durante su estadía en México y en otras ciudades de América Latina compartió con los artistas de la llamada Nueva Figuración que marcaría su camino artístico. Su trabajo ha sido expuesto en Chile y en museos y galerías en el extranjero, como México, Brasil, Argentina, España, Francia, Estados Unidos y Japón, entre otros. Además, ha sido nominado a importantes reconocimientos y galardones.

Su obra pictórica y gráfica se distingue por girar fundamentalmente en torno a la figura humana. Sus personajes parecen algo caricaturescos, de contornos definidos, actitudes estáticas y de proveniencia disímil.

Además de su carrera artística, Cienfuegos ha desarrollado otras labores: ha ejercido la docencia de manera sostenida en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile como profesor de pintura. Se suma a eso, su trabajo como ilustrador de libros en el Departamento de Diseño de la Secretaría de Educación Pública del Distrito Federal, durante su estadía en México. En 1995 fue nombrado director de la Fundación Tiempos Nuevos, iniciando la construcción del Museo Interactivo Mirador de Santiago. También, se cuenta su incursión en el diseño teatral, con la realización de la escenografía y el vestuario para la ópera “Orfeo y Eurídice”, montada en el teatro Municipal de Santiago en 2002. Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

 MUESTRA “ORIGEN Y RETORNO”, DE XIMENA ROJAS

La muestra de gabinete que nos presenta Factoría Santa Rosa, expone el trabajo en cerámica de Ximena Rojas, donde la artista chilena experimenta con la forma y el valor de pequeñas figuras realizadas en cerámica, inspiradas en objetos ceremoniales y ancestrales precolombinos, temática que viene investigando hace dos décadas.

La instalación que se dispone en el Gabinete de Factoría Santa Rosa, reflexiona sobre la relación que hay entre la síntesis formal y el objeto sacro; para lo cual cada uno de los elementos que estratégicamente se disponen ha sido pensado no sólo a partir de su forma sino que también desde el valor sagrado o simbólico que detentan.

SOBRE XIMENA ROJAS (Santiago de Chile, 1962), estudió Arte de la Universidad Católica de Chile, licenciándose en pintura en 1986. En 1987 se trasladó a Nueva York, en donde estudió cerámica en la Parsons School of Design y dibujo en la School of Visual Arts. A su regreso a Chile en 1989 siguió estudios de arte con Eugenio Dittborn. Su trabajo se ha expuesto individual y colectivamente en diversas galerías y espacios de Chile y el extranjero. Su trabajo se ha desarrollado principalmente en el área de la pintura no figurativa, tomando como punto de partida el estudio de las culturas precolombinas. Su obra ha transitado desde una abstracción hacia un juego monocromo donde las suturas y costuras realizadas con el lienzo crudo, reemplazan al gesto y a su vez, la textura es reflejo del color que busca. Este modo de comprender la pintura como un juego de luces y sombras más allá del gesto y la mancha, transforma sus realizaciones en verdaderos objetos sagrados. Rojas hoy vive y trabaja en Santiago de Chile.

«Afterall»

Antología personal y obra reciente se mezclan en AFTERALL, la primera exhibición individual de Nicolás Franco en Aninat Galería. No son casuales ni el título, ni la forma expositiva. Devoto de las técnicas del montaje, el artista trabaja con su trayectoria, como lo haría un director de cine en la sala de edición, combinando obras anteriores con otras de reciente producción. El conjunto, de seguro dará nuevas perspectivas a quienes están familiarizados con la obra del artista. Para quienes aún no lo conocen es una buena oportunidad de ver un resumen particular de su trayectoria.

AFTERALL, después de todo en castellano, puede leerse como una frase ajustada para describir el balance de una vida o de una carrera artística, pero también como el comentario escueto de quien ha logrado sobrevivir a una catástrofe. Como las propias obras de Franco, imágenes y procedimientos técnicos, suponen casi sin excepciones, distintas formas de devastación: cortes, rayas, quemaduras, traumas.

Las imágenes, de fuentes tan amplias como la antropología o la prensa popular, sufren radicales transformaciones. Sus restos pasan a convivir en el espacio que crea el artista a partir de procedimientos fotomecánicos y plásticos muy diversos. A veces las obras toman las formas precisas del diseño editorial, en otras en cambio, el resultado recuerda al expresionismo abstracto. El ojo atento, sin embargo, pronto descubre las imágenes, que se antojan como una fosa común.

Desde la serie Afterall (1998-00), realizada durante su residencia en De Ateliers, Amsterdam hasta Cómo Es (2020), un conjunto de obras pictóricas de gran formato sobre metal desplegado. En todas es posible reconocer la forma particular en la que Franco interpreta y funde las tradiciones de la pintura, la fotografía y el collage. Alegorías de la pérdida y la derrota. Completan el montaje las series Magasin d´education et de recreation (2018 – actualidad), que se centra en el fotomontaje y la naturaleza discursiva de los procesos de edición y una serie de trabajos realizados entre los años 2011 y 2019, que comprometen reproducciones, traspasos mediales y combinaciones de imágenes.

La selección de obras se presenta como una trama de iconografías que se debaten entre lo banal y lo aurático, lo personal y lo colectivo, lo viejo y lo nuevo, lo visto y lo oculto, para ofrecer una paciente reflexión sobre el modo en como la realidad es procesada materialmente como imagen.

Nicolás Franco nació en 1973 en Santiago, donde actualmente vive y trabaja. Realizó sus estudios de arte en la Universidad de Chile, Universidad Complutense de Madrid y   en De Ateliers, Amsterdam. Sus obras han sido exhibidas en Museos que incluyen Tate Modern (Londres), Migros Museum für Gegenwartskunst (Zurich), MEIAC (Badajoz), Museo de Arte Contemporáneo (Lima), Museo Blanes (Montevideo), Museo del Barro (Asunción), MUUA (Antioquia), Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Museo de la Memoria y los derechos Humanos (Santiago), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), entre otros. Su trabajo se encuentra presente en las colecciones públicas de Tate Modern (Londres), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Centro de Arte Contemporáneo Znaki Czasu (Polonia), Fundación Engel (Santiago), Fundación AMA (Santiago), Fundación de Artes Visuales, (Santiago).

De lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y Sábado de 11:00 a 14:00 horas en Aninat Galería.

“Diálogo con la Geometría”

COMUNICADO.- Museo Ralli Santiago (1992, Chile) emplazado en la comuna de Vitacura reabrirá sus puertas al público en forma gradual de martes a viernes de 10:30 a 16:00 horas. Para preservar la salud y seguridad de los visitantes como de los trabajadores, se han implementado medidas que agradecemos respetar: uso obligatorio de mascarillas en todo momento, sanitizado de manos y limpiapiés desinfectante, toma de temperatura y registro del visitante al ingreso. Así como también, respetar el aforo señalado para cada sala y mantener una distancia física de 2 metros durante el recorrido unidireccional señalado. 

Con la reapertura gradual, nos complace invitarlos a visitar la exposición individual de pintura, acuarela y grabado “Diálogo con la Geometría” de la destacada artista nacional Carmen Valbuena Piemonte, presente en Sala 4 de Museo Ralli Santiago, Chile.

El nuevo proyecto expositivo de Valbuena reflexiona en torno a la memoria, anécdotas y los encuentros vividos en su hogar rodeada de connotados artistas nacionales que visitaban a su madre, Carmen Piemonte. Desde pequeña convivió con el arte y disfrutó de las conversaciones de Sergio Montecino, Israel Roa, Gustavo Poblete, Ramón Vergara Grez y el destacado músico Juan Amenábar, entre otros. Hoy esos recuerdos evocan un diálogo de imágenes, como un espacio de encuentro, donde se entrelazan y construyen un nuevo discurso: su propia pintura. 

Manuel Basoalto, encargado de la curatoría de la muestra, comenta: Este “Diálogo con la Geometría” que establece Carmen Valbuena, está atravesado por una vibración poética, que se despliega sobre el espacio pictórico, con referencias a los grandes maestros, en la historia del movimiento geométrico chileno, conectados a su vez con las grandes figuras de la geometría internacional. 

Su obra, con muchos años de trabajo en el taller 99, nos lleva a un viaje marcado por su sensibilidad y un oficio notable, hacia la esencia que anima la obra de los artistas geométricos chilenos. Su relectura es un diálogo pero también un homenaje. Creo no se exagera al decir que no hemos llegado a entender aún, el valor y la profundidad del ejercicio creativo de nuestros artistas geométricos; y en este sentido el aporte de Carmen Valbuena es magnífico. 

Sobre aquellos momentos de aprendizaje y mágicos encuentros con artistas geométricos, Valbuena comenta: Siendo pequeña, en el taller de mi madre solía observar silenciosamente como  cocinaba el color, cómo lo aplicaba en las telas y producía efectos de finas y delicadas transparencias. Para mí, lo que ella hacía era magia! Es así, como nace esta exposición y comienza a producirse este  dialogo de imágenes. Por lo tanto, la muestra se la dedico a ella.

Dicha propuesta ha contado con la participación de distintas colaboraciones: la ya citada curatoría liderada por Manuel Basoalto, Bárbara Becker Gana (Licenciada en Historia y Estética de Arte PUC, Chile) en la redacción de textos y Rosana Cassigoli Salamon (Escritora, Antropóloga y profesora titular de la UNAM, México) creó los títulos de las obras. Por otra parte, Carmen Aguilera Quinteto es la compositora de la música que acompaña los videos de las redes sociales del museo. La muestra cuenta con el patrocinio de Artegrupo, Latino Ediciones, y de la Corporación Cultural Taller 99.

La exhibición está compuesta por 18 obras en óleo sobre tela en mediano y gran formato realizadas entre los años 2016 y 2019; junto a 2 grabados, 4 acuarelas y 4 tintas en diversos tamaños.  Entre estas destacan títulos como “Cartografía de un despertar (a Carmen)”, “Montañas de sal (al Maestro)”, “Diálogo con claraboya (a Robinson)”, “Arrepentimiento de cuerpos vértices (a Antonio)”, “Cuerpos adyacentes (al Maestro)”, “Intuición del origami en casa materna” y “Figuras inclinadas (a Carmen)”, por mencionar algunos. 

La muestra permanecerá abierta a público hasta el día 31 de marzo de 2021.

Información sobre la artista

Carmen Valbuena (Santiago, 1955) es pintora y grabadora, cursó parte de sus estudios de arte en la Universidad de Concepción a principio de la década de los 70s; posteriormente entre 1976 y 1978 realizó especializaciones en las técnicas de dibujo y escultura en cerámica en la ciudad de Panamá. En 1982 y 1983 trabajó en el Foro de Arte Contemporáneo de ciudad de México; de regreso a Chile se integró al Taller 99, donde estudió la técnica de Litografía con Isabel Cauas y Calcografía con Gabriela Villegas. Desde 1990 participa activamente en taller, siendo socia fundadora de la Corporación Cultural Taller 99. A lo largo de su extensa trayectoria artística ha recibido innumerables premios y distinciones a nivel nacional e internacional.

«Same same, but diferente»

Caiozzama, desde su formación de fotoperiodista, ha trabajado constantemente con la cotidianidad, con el fin de reflexionar sobre los últimos sucesos. Same Same but diferente nos invita a reírnos del mundo en el que vivimos usando el lenguaje de masas para ensamblar una sátira. En su obra se presenta con ironía el tópico, elevando muchas veces el carácter de este hasta lo ridículo, logrando que el recurso de figuras religiosas junto a elementos de la contingencia nos interpela directamente, preguntando a quien le “prendemos velas” en el periodo actual; ¿A alguna gran potencia mundial? ¿A la sociedad de consumo? ¿A una empresa? ¿A una red social? ¿A un like?

En la calle, las obras de Caiozzama se construyen mediante el paste up, obras que se completa en la calle, sin preparación del soporte y nutriéndose por el contexto en el que se emplaza. En esta ocasión, el artista toma la decisión de reinterpretar sus obras mediante el collage, tomando elementos de sus trabajos anteriores, “cortandolos” del street Art y pegandolos en la galería.

El collage como técnica unifica elementos des-contextualizándolos, busca que tomemos distancia de la contingencia, para emplear una crítica a la sociedad de consumo. La reinterpretación del paste up a collage se presenta como una oportunidad de inmortalizar lo hecho en la calle, y a su vez, de recontextualizarlo dentro de la galería. Esta operación nos obliga a pensar como la calle entra a la galería, mientras la galería cuestiona los límites del soporte. Finalmente, nos queda por reflexionar cómo la institución se ve cuestionada al traer el street Art dentro de una galería.

Texto: Benjamín Arancibia

«Andariego»

“Andariego”
Ricardo Lagos Miranda N3T0
18 de octubre – 23 de noviembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 18 de octubre | 7 pm


Ricardo Lagos (N3T0)
emigra de un nombre con gran carga política (su padre y abuelo homónimos) hacia el arte. Cabría preguntarse, ¿no será otra forma de hacer política para tratar simbólicamente los problema que nos atañen ? En este caso la Emigración, con mayúscula porque abarca todos las aristas de la emigración .

ANDARIEGO
El idioma español define la palabra Andariego como una persona que anda de una parte a otra sin parar en ninguna. Si profundizamos en la etimología de la palabra, vemos que andariego viene del verbo andar (ambulare en latín) y el sufijo iego-, que indica relación o pertenencia. El Andariego pertenece al andar, constituye su sentido de mundo en el desplazamiento.

“El mapa no es territorio” nos dice Albert Korzybski.

Basándose en esta afirmación N3T0 asevera:

“Tendemos a pensar que las cosas son fijas, que los mapas representan la realidad, pero cualquier lector avezado sabe que nada vivo esta quieto o fijo, que todo mapa que pretenda ser exacto como bien supo leer Borges, esta destinado a la ruina y ser consumido por el territorio que pretende gobernar. Pareciera ser que la única cartografía posible, si es que la hubiera, sería la del deseo, la cartografía de los movimientos y no de los lugares, una cartografía que se debe al ritmo del cambio, al diagrama de flujos y no una representación del mundo.”

El movimiento para N3T0 implica una constante búsqueda del saber: Se recibió en 2014 en artes visuales en la Universidad de Chile. Luego, entre 2015 y 2018 hizo un Magíster en Cine Documental en la misma Universidad. Hoy está estudiando Psicología en la Universidad Diego Portales.

No es inconsecuente entonces que su muestra en Aninat Galería (sexta individual) necesariamente tiene que ser un montaje transdiciplinar donde la escultura, la instalación, el collage, la pintura, las artes graficas, el arte objetual, el video y la pintura mural se unen para reunir por primera vez el cuerpo de obra que ha generado el artista en los últimos 3 años y que han sido presentados en diversas exposiciones en América Latina y Europa.

N3T0 nos invita aquí a reflexionar sobre las migraciones de ideas, la multiplicidad de las lenguas y la historia del arte del continente Latinoamericano, bajo la premisa que el ser humano es esencialmente un animal errante. Símbolos, mapas mentales, video y animaciones confluyen en una propuesta instalativa de carácter especifica para el espacio de la galería.

La exposición – nos dice el artista- esta pensada como un juego de mapas que se superponen, sin tener un límite fijo y un norte común, viven en  la propia errancia desde la cual fueron creados.

La pieza llamada “Biblioteca de Babel“ basada en el cuento de Borges que lleva el mismo nombre, sin duda da cuenta del atomismo , del análisis convinatorio y el azar. Nos muestra la variedad de las cosas visibles y la tragedia de la multiplicidad de las letras del abecedario que hacen que el habla diga y no diga al mismo tiempo. Algo que en el Siglo XXI se hace aún más patente.

«Impressions Chiliennes (Suite)»

«IMPRESIONES CHILENAS (Continuación)».

“La sensible e interesada mirada con que Loro Coirón observa el universo se detuvo un día sobre un Valparaíso múltiple; uno que ofrece evidencias sociales y visuales a quien, como él, ejercite la búsqueda de lo esencial y esté dispuesto a empatizar con el entorno en el afán de avanzar en intensificar la experiencia de vida desde un sentido colectivo.”
Rafael Munita.

«Enfermedades preciosas»

Isabel Croxatto Galería y CCU en el Arte invitan el próximo jueves 10 de octubre, a las 19.30h, a la inauguración de «Enfermedades Preciosas», exposición individual de la reconocida artista Cecilia Avendaño en Sala de Arte CCU.

La muestra reúne por primera vez la totalidad de su aclamada serie fotográfica homónima, y cuenta con la curaduría de la fotógrafa y académica Andrea Jösch.

ENFERMEDADES PRECIOSAS | CECILIA AVENDAÑO
Curadora | Andrea Jösch
10 octubre | 22 noviembre

SALA DE ARTE CCU
Vitacura 2680
Las Condes | Santiago

Lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.
Entrada liberada.

Enfermedades Preciosas es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes FONDART, Convocatoria 2017, en la Línea de Fomento de las Artes Visuales.

«Robert Doisneau. La belleza de lo cotidiano»

La belleza de lo cotidiano
Fotografía

El beso del Hotel de Ville, de 1950, es una de las fotografías más populares de la historia y un ícono por excelencia de la ciudad de París. Aunque ha sido motivo de investigaciones y polémicas, y hasta hoy se discute la manera en que fue captada, es sin duda  un símbolo de la posguerra europea.

Esta famosa imagen en blanco y negro integra la gran exposición de Robert Doisneau (1912-1994), uno de los más reconocidos fotógrafos del siglo XX, que la Corporación Cultural de Las Condes trae a Chile, con la gestión de Verónica Besnier y el apoyo del Instituto Francés de Chile y la Cámara Franco Chilena.

En el marco de la exposición se exhibirá el martes 5 de noviembre, a las 19:00 horas, el documental Robert Doisneau, le révolté du merveilleux, realizado por su nieta Clémentine Deroudille en 2016. La cinta de 77 minutos contextualiza la magnitud de la figura de Doisneau en el mundo de la fotografía y presenta facetas desconocidas de su vida y su obra.

La muestra ROBERT DOISNEAU. LA BELLEZA DE LO COTIDIANO –que se presenta en el Centro Cultural Las Condes- reúne en un mismo espacio varias de las obras más emblemáticas del artista, uno de los fotógrafos urbanos con mayor sensibilidad para captar la belleza efímera de lo cotidiano, y otras muy poco vistas que descubrirán una faceta inesperada y desconocida.

El conjunto de más de cien fotografías realizadas entre 1929 y 1973, ha sido preparado especialmente por su hija Francine Deroudille, con los fondos de la colección Atelier Robert Doisneau, y contempla dos series, La belleza de lo cotidiano y Palm Springs, que demuestran su versatilidad y ayudan a conocer mejor la obra de una de las figuras cumbre de la fotografía francesa, quien se empeñaba en mostrar la vida no como es, sino como a él le hubiera gustado que fuera.

La primera parte de la exposición, La belleza de lo cotidiano comprende 80 fotografías en blanco y negro, gran parte de ellas originales de la época e incluso copiadas por el propio autor. Se exhiben las emblemáticas El beso del Hotel de Ville, Mademoiselle Anita, El ingeniero en un gasómetro, La familia del lavandero o Los panes de Picasso y otras hasta hoy nunca vistas por el público o muy poco difundidas.

Son imágenes esenciales que resumen su obra fotográfica, como los retratos de la periferia gris, las fábricas, algunos niños solitarios o rebeldes, la guerra en el flanco de la Resistencia, el trabajo o las fiestas de un pequeño pueblo parisino, las escapadas a la campiña francesa, el reencuentro fugaz entre artistas, la gente del espectáculo, el mundo de la moda…

Aunque cada imagen se inscribe en una realidad tangible, la selección muestra un mundo que ya nada tiene que ver con lo real. “El que compartimos con él y el misterio que dibujaba era infinitamente más interesante. Todos  los personajes que aparecen en las fotografías, algunos de los cuales conocíamos bien, se perdieron en su poética particular hasta llegar a un mundo totalmente imaginario”, expresa Francine.

En este conjunto resaltan dos fotomontajes de gran formato, en los que se percibe con fuerza y claridad la inclinación del fotógrafo por captar la intimidad cotidiana de las personas: El puente de las Artes y La casa de los inquilinos.

A su vez, Palm Springs es una sorprendente e irónica producción realizada en 1960, que incorpora el color y un lenguaje cercano al pop, y que fue recuperada por la familia Doisneau recién hace una década. Se trata de un reportaje, solicitado por la revista Fortune, a la construcción de campos de golf en Palm Springs, refugio de jubilados americanos adinerados en el desierto de Colorado, que sirvió al autor para inmortalizar de forma divertida un “planeta artificial repintado de suaves colores”. Una mirada satírica a la sociedad del lujo.

El fotógrafo

Nacido en 1912 en Gentilly, cerca de París, ROBERT DOISNEAU se formó inicialmente como litógrafo y grabador. Su carrera como fotógrafo comienza a principios de los años 30 de la mano del artista André Vigneau, a quien asistía en su taller de pintura, escultura y fotografía.

Desde 1934 hasta 1939 trabajó como fotógrafo profesional para la empresa Renault en Billancourt. En 1939 toma la decisión de tomar sus imágenes de manera independiente y dedicarse al fotoperiodismo incorporándose a Rapho. Fue el año que estalló la Segunda Guerra Mundial, por lo que tuvo que abandonar su sueño y alistarse en el ejército francés. Estuvo allí hasta el final de la guerra, colaborando en el bando de la Resistencia.

Su primer libro, un proyecto conjunto con Blaise Cendrars, La Banlieu de Paris (Las afueras de París), se publicó en 1949, al mismo tiempo que iniciaba su trabajo como “freelance” para la revista Vogue. El éxito fue inmediato, sus fotos se hicieron famosas en todo el mundo y Doisneau se convirtió, quizás sin ni siquiera desearlo, en el “retratista” de una ciudad, París, y de un mundo, en parte real y en parte inventado por él, en el que sería hermoso vivir.

Hasta 1994, año de su fallecimiento, vivió con su cámara Rolleiflex como constante compañera, lleno de curiosidad hacia este pequeño teatro en el que desempeñaba el papel de actor.

Como señala su hija Francine, “fotografiaba el mundo tal y como hubiera deseado que fuera. Era un narrador. Su proceder artístico, de vocación más instintiva que intelectual, daba voluntariamente la espalda a toda sofisticación formal y dejaba intervenir al azar como actor de pleno derecho”.

8 de octubre al 8 de diciembre de 2019
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.