“Finca”

Finca es una muestra individual de dibujos y cerámicas que la artista Lourdes Salgado expuso en Buenos Aires el año 2016.

Esta vez hace un remontaje en Dinosaurio Tienda donde incluirá piezas y dibujos nunca antes expuestos.

“Cordón de Plata”

La inauguración se realizará este sábado 22 de julio a las 13:30 horas, en el exterior del Torreón del Centro de Eventos Vista Santiago, y permanecerá abierta sólo durante los fines de semana hasta el domingo 6 de agosto entre las 10:00 y 19:00 horas. La entrada es liberada.

Por primera vez, el arte contemporáneo llega al Torreón del Cerro San Cristóbal bajo la administración del centro de eventos Vista Santiago. Este icónico lugar, poseedor de una de las vistas más privilegiadas del paisaje urbano y natural de la ciudad, exhibirá Cordón de Plata, instalación basada en fotografías y piezas escultóricas, de la artista chilena Fiorella Luna.

La exposición es un ‘site specific’ (obra hecha para el lugar), que a través de dos telas instaladas desde el techo del torreón, fotos tomadas por la artista y piedras recolectadas desde diversos lugares del país, explora las relaciones entre el paisaje, su habitabilidad y la poesía visual.

Cordón de Plata reflexiona sobre la importancia mítica de los cerros en la cultura en el entorno natural y urbano de Chile. Las fotografías, impresas sobre planchas de aluminio muestran diversas cumbres de nuestro país, las que, acompañadas de una maqueta a escala del Cerro San Cristóbal y hallazgos geológicos de la artista, hacen de la instalación una reflexión poética de la geografía nacional, en el corazón del Parque Metropolitano.

“Bestia de Carga”

Una ideología del dibujo

En una cosmogonía que confirma que una partícula en movimiento lo construye todo, tendremos que aceptar también que los sueños se tejen con las hebras que estos recorridos enredan para siempre en la invisibilidad de su frenético e incansable recorrido, así lo que imaginamos también queda construido en un suelo que nuestras representaciones de cierto particular y directo modo atestiguan.
El dibujo imita este movimiento generador de realidad desplazando puntos y creando líneas que a su vez construyen formas sobre la superficie blanca de la hoja, estas formas por convención describen objetos, seres o fenómenos que conocemos, recordamos o intuimos. En el dibujo ensayamos nuestra relación con lo real y lo aparente. Escribir con un lápiz sobre un papel es también dibujar.

Acumular

Uno sobre otro, tras de otro, frente a otro, debajo de otro; los fragmentos se multiplican, exponenciales hasta ser playas o llanos o montañas y llenar del horizonte para abajo. O bien son las hojas, proliferación vegetal, copas frondosas, matorrales bajos, ramas secas sin follaje persistentes y ricos en detalle. En todo caso fragmento múltiple puesto en sus contornos. De acumular se acumula tiempo a presión y en prisión en esa huella que queda del desplazamiento voluntarioso de la punta del rapidograf. Tiempo cargado.

Organizar

Uno en función de otro, en función de otro (aunque se trate de una función estética o poética), en función de otro (aunque se trate de una función estructural), los fragmentos van construyendo un objeto. Honesto brutal y aparentemente funcional. Lo que interesa es qué tipo de energía mueve estos fragmentos y determina sus funciones. Para qué sirven estos objetos. Sirven para ser un ejemplo de posibilidad de orden y para disuadir a los suicidas.

(Tetrálogo arbitrario del artista:

La obra jamás estará al servicio del capital: excepto si el precio es justo

La obra jamás estará al servicio de una idea: la obra y la idea colaboran (concomitan)

La obra no tendrá más contenido que cuanto pueda ser deshecho de una forma poética: condición sine qua non

Los materiales con los que se construye la obra serán iguales a sí mismos. Salvo excepciones)

Canal

Claudio trabaja dibujando hacia adelante, esto quiere decir que en sus dibujos no hay lugar para correcciones o enmiendas y que la línea persiste en su recorrido construyendo representación sin tomar en cuenta los sistemas de juicio que puedan considerar que dicha representación está siendo malograda. O sea que trabaja sobre la marcha, sin apenas una idea vaga de lo que podrían ser los límites de lo que podría ser representado. Lo que va componiendo en un presente fluído se va constituyendo en una sorpresa para él que dibuja abandonado de la voluntad de control, y, redescubre sobre la marcha también aquello que crea. El momento presente del dibujo y el trazo construyendo los contornos de algo en su laberinto, es un momento de ausencia activa que podríamos asociar al estado de canalización en el que el dibujante se vuelve un medio por el cual transitan fuerzas, entidades, energías, vibraciones que en suma plasman y comunican un contenido

Cuando construye sus objetos, su estado de ser y su procedimiento son también los de un canal. Sólo cambia el comercio con los materiales y con ciertas urgencias que son de la física y la gravedad, los fragmentos inútiles y dispares que en esta acción cobran un sentido insospechado, también son enhebrados de manera ciega, confiada y sin enmiendas para volverse alguna forma de efigie, o máquina, o aparato, o dispositivo, o juguete, o instrumento, o cachivache. A veces con mecanismos como queriendo reafirmar una forma de funcionamiento y de intercambio.

Para cerrar

La bestia impávida por un momento ahoga su vista en ese punto móvil que promueve y celebra el fragmento, que se multiplica y se acopla y acaballa. Es obsceno y alegre y transparente como transparente y ligera se hace la carga en su lomo.

Rene van Kilsdonk C.

“Todo lo que nos aleja”

Inauguración viernes 21 de julio, 19:30 horas / Hasta el domingo 24 de septiembre de 2017.

Exposición de Nicholas Jackson

No formar parte de una red social es hoy algo extraño. Pareciera ser que nuestros familiares y amigos, e incluso personas desconocidas, necesitan estar al tanto de nuestras vidas, tanto como nosotros necesitamos publicarla para su consumo. Podría afirmarse que se trata de una norma, una suscripción cultural que todos aprobamos sin siquiera haberlo discutido. Ahora bien, una de las condiciones de este convenio es que, como creadores de nuestra imagen en la red, tenemos el beneficio de la editorialidad, es decir, el poder de elegir qué mostrar, cuándo hacerlo y cómo entregarlo. Pero ¿qué pasaría si este límite se extrema y anula? ¿cómo sería una publicación 24/7, una entrega continua de la propia vida?

“Simbiosis del habitar”

17 de junio al 20 de agosto de 2017 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00; Domingo 11:00 – 18:00 horas / MAC Quinta Normal, Salas 7 y 11, Matucana 464. Metro Quinta Normal.

El Museo de Arte Contemporáneo, presenta Simbiosis del habitar, exhibición de la artista Carla Motto, que tensiona la relación entre el hombre y la máquina. La propuesta se despliega en dos salas que reflexionan en torno a la adaptación de las personas a los artefactos tecnológicos y la consecuente mutación del cuerpo. La obra fue escogida por Anilla MAC, unidad del museo especializada en artes mediales, para integrarse a su programación curatorial 2017.

En la primera sala, una fotografía de Caleta Coliumo, proyectada a gran escala, es intervenida por el público cuando se activa un sensor infrarrojo. Así, otro grupo de imágenes, inspiradas en las siluetas de los habitantes de Coliumo modifica el paisaje y lo hace suyo.

En la segunda sala de la exhibición, los Simbiontes emergen como figuras espectrales que la artista identifica a raíz de la interdependencia, o simbiosis, que se genera entre las herramientas utilizadas por las personas al ejercer un oficio y las relaciones sociales, culturales y económicas al interior de determinadas comunidades locales.

El proyecto fue ganador del Concurso de Creación e Investigación Artística 2016, del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, y como parte de su desarrollo la artista realizó una residencia en Casa Poli, en la región del Biobío. Durante semanas Motto convivió con pescadores, constructores de embarcaciones, tejedores de redes y algueras de la península de Coliumo, lo que le permitió entender los cambios que el cuerpo experimenta cuando, durante años, se utilizan herramientas y maquinarias propias de los oficios de la zona.

“El sentido del orden”

6 de julio hasta el 5 de agosto de 2017 / martes a viernes, 9:30 a 18:30 horas, sábados, de 11:00 a 14:00 horas / Galería NAC.

“El sentido del orden”, primera exposición individual de Luisa Granifo, toma como referente la arquitectura, el dibujo técnico y la abstracción geométrica, los cuales se abordan desde una síntesis austera entre técnica y materialidad, dejando ver acciones leves, pero precisas, que definen un espíritu compositivo.

Lo que se observa en los trabajos de esta exposición resulta tener un efecto paradójico: la levedad de lo que se muestra hace aparecer la intensidad de lo que lo rodea. De esta manera la arquitectura de la misma sala se convierte en protagonista, concluyendo así la íntima coherencia (o continuidad) entre espacio y obra. En el caso del arte y en especial en la obra de Granifo, esta condición ordenadora se vuelve crucial, las retículas, teselaciones, la geometría a fin de cuentas, le permite abordar el espacio de la galería a partir del estudio de las plantas arquitectónicas del edificio donde ésta se encuentra emplazada.

Así, las imágenes nacen de dos fuentes: por un lado, responden a características físicas del espacio expositivo, abstrayendo ciertos elementos que provienen de la arquitectura. Por otro, aparecen dibujos propios del imaginario de la artista, abriendo paso a las figuras geométricas con las que suele trabajar. El lenguaje matemático vuelve a emerger en forma de líneas y hexágonos, calces perfectos que desbordan el cuadro, para luego expandirse en sus paredes.

Los trabajos se construyen, entonces, bajo los cánones de la geometría por medio de la utilización de la cuadrícula, que da paso a una grilla destinada a ser delimitada por un marco o por siempre extendida.
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CV
Santiago – Chile, 1989

Granifo, Artista Visual de la Universidad Católica (2012), graduada con dos votos de distinción y un Minor en Historia Contemporánea, ha participado en diferentes ferias, bienales y exposiciones tanto en Chile como en el extranjero, siendo premiada en la categoría de técnica mixta en Italia. Así mismo, ha tenido una destacada participación en ferias nacionales como ArtStgo y Ch.ACO, en donde ha podido participar tanto individual como colectivamente. Entre sus exposiciones se destacan lugares como BLOC, Galería Madhaus, Casas de lo Matta y la Municipalidad de Santiago, en 2015 fue parte de las tutorías anuales del taller BLOC. Actualmente su trabajo se expone en Hamburgo en la Feria Nordart y en Berlín en la Galería Somos junto a otras artistas chilenas en la exposición titulada Expanded: 11 Female Artists from Chile to Berlin.

“R S V P”

“R.S.V.P.”, la exposición individual del fotógrafo chileno Pablo Izquierdo Armendáriz, revela imágenes recopiladas durante los últimos 10 años en eventos sociales.

“Me inquieta esta sociedad que se define más por lo que oculta que por lo que realmente muestra”, dice el artista que por años ha trabajado tomando fotografías en eventos y matrimonios.

“Me llamó la atención esa atmósfera siempre parecida, con una misma gama de colores y texturas, en que los gestos de los retratados resultaban cerrados y pudorosos, y así, como una especie de Caravaggio improvisado, quise desmenuzar esa realidad utilizando la luz como herramienta. Es un ejercicio de desahogo, lo muestro tal cual es y cómo resultado obtengo fotografías pictóricas que impactan pero seducen con su estética barroca”.

La exposición se inaugurará el martes 4 de Julio, a 19:30 horas, en la Galería de Arte LA SALA y estará abierta hasta el sábado 22 de julio de 2017.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas. En: Francisco de Aguirre N°3720, oficinas 03 (nivel calle) y 13 (subterráneo), esquina Alonso de Córdova, comuna de Vitacura. Teléfono: 2- 2-2467207. Entrada: Liberada.

“Portafolio”

Exposición de Peter Guerrero Gorigoitia

El Parque Metropolitano de Santiago, en el año de la celebración de su Centenario #100añosparquemet, exhibirá en la renovada Casa de la Cultura Anáhuac las obras de Peter Guerrero Gorigoitia, inspiradas en el reino animal, una fuente inagotable para la creatividad, esculturas que nos conducen a contemplar la fuerza de la naturaleza a través de los animales, sus expresiones, su musculatura, su fuerza interior.

En un momento en que muchas especies están en serio peligro de extinción y nuestro medioambiente está muy afectado, estas obras proponen al observador un sentido ecológico, el cuidado y respeto por todo aquello que vive y existe.

Peter Guerrero Gorigoitia nace en la ciudad de Santiago en 1968, de profesión Analista de Sistemas, se define como artista autodidacta. La técnica para el desarrollo de esculturas y cuadros fue creada por el propio autor, mediante la reutilización de materiales de desecho como neumáticos de automóviles, motos y bicicletas.

Desde el año 2013 el artista ha expuesto su obra en Festival Lollapalloza Chile, Feria Verde Estación Mapocho, Feria del Neumático Movicenter, Galería Municipal de Arte y Edificio Consistorial en la ciudad de Valparaíso.

“El fantasma de la utopía”

Del 8 de junio al 20 de agosto de 2017 / Martes a domingo, de 11:00 a 18:30 horas / Museo de Artes Visuales de Santiago (MAVI). Calle José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro. Metro Universidad Católica / Tarifas: $1.000 Adultos / $500 Estudiantes / Entrada liberada todos los días para menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

Más de 30 años de carrera artística celebra el destacado artista nacional Arturo Duclos con esta exposición titulada El Fantasma de la Utopía, la cual ocupará el espacio principal del MAVI (5 salas) y la Plaza Mulato Gil de Castro con el fin de hacer una metáfora del decaimiento de estos ideales a través de una mezcla con las narrativas locales latinoamericanas, especialmente representada por sus fiestas populares religiosas y el kitsch.

Bajo la curaduría del español Paco Barragán, esta muestra ya tuvo una primera versión en una céntrica calle de la ciudad de Toronto, en Canadá, en el marco del Festival de Arte Internacional La Nuit Blanche en octubre de 2016, con una superficie de banderas dispuestas sobre el pavimento, a modo de intervención pública (http://nbto.com/ ).

El Fantasma de la Utopía explora el sentido político de la utopía en el continente americano, contrastando los ideales libertarios que provienen de los diferentes grupos revolucionarios que trataron de imponer sus convicciones a través de la conciencia ideológica, la lucha armada y el terrorismo, inspirados en los grandes discursos revolucionarios del siglo XX. En palabras del propio artista: “recurro a la simbología y la iconología de las banderas de esos grupos y movimientos que, tradicionalmente, en Latinoamérica asociamos con el espíritu de liberación, otros mesiánicos y la utopía social: Tupamaros, EZLN, FARC, Sendero Luminoso, M-19, MIR, 26 de Julio, FPMR, MRTA , FSLN y otros tantos de menor duración, con el deseo de codificar el carácter fluctuante del texto semiótico y de la propia idea política de estos movimientos revolucionarios, en tanto que metáfora de alteración, ruptura y abandono como síndromes propios de la utopía”.

Como parte de un nutrido programa de mediación y diálogo con la comunidad que contempla esta exposición, se instalará en el patio de acceso al museo una tienda de campaña, llamada Cuartel General, que se constituirá en un centro de conversación a modo de talleres entre el público, los estudiantes, políticos y artistas, en torno a los tópicos que convoca la exposición y de acuerdo a un calendario que se fijará semanalmente.

Después del MAVI, El Fantasma de la Utopía viajará a la Región del Biobío, donde se exhibirá en Chillán (Centro Cultural Alfonso Lagos) y Concepción (Sala Principal de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción), para luego presentarse en San Paulo, Brasil, y Buenos Aires, Argentina, en una circulación que se prolongará hasta el año 2019.

“Mario Toral: Siete años de pintura (2010 – 2017)”

Inauguración Jueves 1 de junio de 2017, 19:30 horas.
Jueves 1 al de junio al sábado 1 de julio de 2017.
Lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas / sábado de 11:00 a 14:00 horas.
Galería Artespacio. Alonso de Córdova 2600, Vitacura.

“Toral transforma su transformación, forma su forma, dilata su latitud. Toral explora el desconocido universo que nos acecha desde las altas torres. Los ojos del mar que allí se quedaron después de la más alta marea…” Pablo Neruda.

Hoy nos trae a Artespacio sus últimas creaciones hechas entre el 2010 y el 2017, inéditas en Chile. Una parte de la muestra es un homenaje a la espiral, forma geométrica que lo cautivó en un viaje que realizó a la India y Nepal, donde se fijó en sus ojos y memoria como un objeto envolvente y poderoso. En sus obras lo ha envuelto con el manto de la negritud.

En la otra mitad, lo que resta y suma es el cuerpo femenino que destierra su propio cuerpo y nos habla de un renacimiento que sin el amor nunca se completará.