“Fiebre del Oro”

Freddy Rodríguez en Museo Ralli Santiago

3 octubre – 15 diciembre de 2019 

Sala 4

Los Museos Ralli son una institución privada internacional, sin fines de lucro, cuyo objetivo es, desde sus inicios, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay, 1988; Chile, 1992; Israel, 1993; España, 2000; Israel, 2007).

Museo Ralli Santiago, emplazado en la comuna de Vitacura, será sede de un nuevo proyecto cultural a cargo de la Embajada de República Dominicana en Chile, la cual organiza la exposición individual de pintura “La Fiebre del Oro” del destacado pintor dominicano radicado en Estados Unidos, Freddy Rodríguez (1945).

A los 18 años de edad, Rodríguez llegó a Nueva York (1963), visitó tantos museos de arte moderno como fue posible y estudió pintura en Art Student League y en el New School for Social Research; posteriormente diseño textil en el Fashion of Technology. Desde sus inicios, sintió afinidad por el arte abstracto a partir de los trabajos y el uso de colores primarios de Piet Mondrian, las emociones logradas en las obras de Mark Rothko y las innovaciones de Frank Stella.

El trabajo de Freddy Rodríguez se caracteriza por fusionar aquellos elementos conceptuales y estilísticos de la pintura de la Escuela de Nueva York con los de la historia dominicana, la cultura caribeña y la contingencia internacional. En sus obras recurrentemente utiliza las características formales (abstracta) de la geometría, como la forma, la estructura o la composición y los colores vibrantes para referirse a temas generalmente considerados en desacuerdo con el formalismo puro, es decir, el arte debe juzgarse más allá de su condición estética. Es por esta razón que incluye aspectos sociales o éticos vinculados a su obra como la conquista europea, la colonización, la dictadura y el baseball.

Tras 5 décadas radicado en Nueva York, la obra de Rodríguez responde a las tendencias que han dado forma a la escena artística de la ciudad, la pintura de contornos nítidos, la abstracción geométrica y el minimalismo pero siempre considerando a su país natal y la cultura del Caribe, la inspiración de su trabajo.

La muestra “Fiebre del Oro” exhibirá una selección de una veintena de obras abstractas sobre tela de mediano y gran formato, ejecutadas por Rodríguez entre los años setenta hasta nuestros días. A través de su trabajo nos interpela con temáticas emocionales y sociopolíticas motivadas por sus preocupaciones sobre la historia del oro.

Rodríguez ha realizado numerosas exposiciones individuales tanto en Estados Unidos como en otros países latinoamericanos y de Europa; junto con representar a Estados Unidos en la IV Bienal de Pintura en Cuenca, Ecuador. A lo largo de su trayectoria ha recibido premios y distinciones, entre las que destacan la Beca de la Fundación Joan Mitchell Grant y una residencia en el Museo del Barrio. Ha trabajado en el Museo del Bronx, Museo Queens, Museo del Barrio, Museo de Newark, Smithsonian American Art Museum y el Museo de las Casas Reales de Santo Domingo. Ha participado como panelista en el New York Council en el Programa especial de Arte y como asesor en el Artist Community Credit Union  y el en Museum of Contemporary Hispanic Art (MoCHA). Es autor de innumerables instalaciones urbanas y monumentos conmemorativos como aquel en memoria de los muertos dominicanos en el accidente del vuelo 587 en Queens, Estados Unidos.

El museo puede ser visitado de martes a domingo entre las 10.30 y 17.00 horas y su entrada es completamente gratuita. Uno de los propósitos de Museo Ralli es fomentar el contacto directo entre el público y las obras, razón por la cual no hay visitas guiadas. Se pueden tomar fotografías y filmar sin flash durante el recorrido con total libertad.

Dirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura, Santiago. Chile

 www.museoralli.cl | www.rallimuseums.cl

La muestra permanecerá en exhibición desde el 3 de octubre hasta el 15 de diciembre de 2019.

«Geometrías»

La Scuola Italiana y su Centro Cultural, inaugurarán el jueves 26 de septiembre a las 19:30 Hrs., la exposición “Geometrías”, esculturas del artista Carlos Vidal Carvacho.

La exposición será exhibida en la Sala Terracota (Avda. Las Flores 12.707, San Carlos de Apoquindo) desde el 26 de septiembre al 29 de noviembre, de lunes a viernes de 8:00 a 17:00 Hrs. Entrada liberada.

La propuesta artística de Carlos Vidal Carvacho (Santiago de Chile, 1982), reflexiona sobre el potencial expresivo de la materialidad y su volumen, a través de un lenguaje abstracto semejante al arte óptico y cinético, con claras influencias de creadores como Wucius Wong, Lygia Clark o la chilena Matilde Pérez, y también la aplicación de principios matemáticos que están presentes en la geometría de la naturaleza, las que fueron estudiados por el matemático renacentista italiano Luca Pacioli en su tratado “De divina proporzione” (1509).

Las obras de este artista y que conformarán esta muestra están concebidas como cuadros modulares, utilizando el cobre como material basal en la elaboración de ellas, recordándonos además la importancia que tiene este recurso natural en la economía chilena, creando sobrerrelieves que a modo de fractales metálicos exhiben composiciones geométricas de forma simétrica y armónica en el espacio.

«A la luz»

Esta exposición es un viaje “a la luz”, a través de formas, colores y palabras, impulsado para ayudarnos en el trabajo interno que todos debemos hacer para sanarnos individual y colectivamente, y para vivir con el chakra del corazón abierto, no como víctimas sino como portadores de la energía constante de la alegría. Todos somos trabajadores de la luz.

Es indispensable ir hacia atrás, regresar a la herida original o a la experiencia del trauma: primero, a través de las emociones, los pensamiento, los recuerdos, y así llegaremos al fondo de aquella experiencia que creó la lesión primigenia. De esa manera, creando luego formas y colores, yo restauro mi memoria para sanarme del sinsentido o la angustia, y acoger la vida. Vamos sanando juntos para culminar en una vibración más elevada: así todos evolucionamos.

Inauguración miércoles 25 de septiembre, 20:00 horas.

Del 25 de septiembre al 27 de octubre, en Centro Arte Alameda.

«La naturaleza de las cosas»

Galería La Sala inaugura el jueves 12 de septiembre (19:30 hrs) “La Naturaleza de las Cosas”, décima exposición individual de la destacada artista chilena Ximena Velasco.

La muestra consiste en una serie de obras que están inspiradas en el poema épico griego del mismo nombre, donde podremos observar trabajos realizados en acrílico sobre papel, pinturas en gran formato y una intervención mural.

Es importante mencionar que por primera vez realizará un video animación de sus creaciones.

Hace más de una década, Ximena Velasco tiene una fascinación por la estética de las estructuras de la naturaleza y la geometría de los elementos que la componen. Su trabajo está basado en estructuras orgánicas que han ido desarrollando su propia geometría y patrones. Cada obra está conformada por capas de dibujos, marcas y estructuras abstractas; todas ellas organizadas de distintas maneras.

Ximena Velasco (1967) es licenciada de la Escuela de arte de la Universidad Católica con mención en pintura (1993). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas desde 1990 hasta hoy, y en nueve exposiciones individuales. Algunas de sus exposiciones individuales más recientes son: Morfologías en Espacio O (2018), Médula en Galería XS (2015), Mutaciones in Sala Gasco, 2013, y Metamorfosis en Galería Isabel Aninat.

Obtuvo la beca Fondart en dos oportunidades, en 1999 para el proyecto Excavaciones y en 2013 para el proyecto Mutaciones. Recientemente recibió una beca por mérito del Vermont Studio Center en EE. UU. (Vermont Studio Center Merit Grant, 2018).

Ha asistido a cuatro residencias artísticas, School of Visual Arts, en NY, EE. UU., (2011), Scuola di Gráfica di Venezia en Italia, (2013), Slade School of Arts en Londres, Reino Unido (2015), y recientemente en Vermont Studio Center, Vermont, EE. UU. (2018).

Su trabajo ha sido exhibido en Chile, Italia, EEUU, Reino Unido, y en Francia, y es parte de colecciones privadas en Santiago, Los Angeles, California, Washington D.C, Nueva York, Londres, y Paris. Su obra se basa en una investigación sobre estructuras encontradas en la naturaleza. A la vez se interesa por la abstracción y la arquitectura, que de alguna forma conviven dentro de su trabajo pictórico.

Cuándo: lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y sábados de 11:00 a 14:00 horas.

Dónde: Francisco de Aguirre N° 3720, esquina Alonso de Córdova, Vitacura.

Entrada liberada.

«Sueños de Vida»

Exposición «Sueños de Vida»
Esculturas de Patricio Salinas Díaz, Patsalí.

Siendo el arte fundamental en la existencia humana, se ha comprobado que una acción motivadora adecuadamente aplicada, permitirá despertar y desarrollar la capacidad creativa del hombre, en cualquier etapa de su vida.
Entendiendo por creatividad a la capacidad que tiene todo ser humano para innovar una realidad, transformarla y buscar a partir de ella nuevas soluciones, con un sentido estético.

En el artista la creatividad es un hacer constante, dinámico, que lleva a dimensiones superiores su percepción e imaginación, para llegar a comprender y comunicarse con su entorno y fundamental en la realización de su obra. Por ello siempre está en constante cuestionamiento en búsqueda de la verdad y en el perfeccionamiento técnico, para acrecentar su individualidad y credibilidad como tal, estimulando a través de su obra, el interés y curiosidad general por el arte.

Por esta razón que la propuesta «Sueños de vida» que hoy presento, es una propuesta optimista a la dura observación de entornos y realidad actual; en tiempos en que los recursos naturales se agotan y la conservación ecológica ambientalista se transforma en una necesidad.

También una alternativa para incentivar al artista que todo hombre lleva inserto en su existir; motivando así la posibilidad de soñar un mundo mejor, y recordar que mientras tengamos sueños habrá vida y motivos para luchar y hacer realidad dichos sueños.

Patricio Salinas Díaz, Patsalí.

La inauguración de «Sueños de Vida» se realizará el miércoles 11 de septiembre, 19:30 hrs. en la sala del Centro Vicente Bianchi ubicada en Santa Rita 1153. Entrada liberada.

Horarios: Lunes a viernes de 9:00 a 19:00 hrs. Sábados de 9:00 a 13:00 hrs.

“Matilde Pérez, lumínica”

– Una inédita exposición de esta connotada artista chilena y exponente del arte cinético llega al Centro Cultural El Tranque de la Municipalidad de Lo Barnechea, de la mano de catorce obras escultóricas.

– En esta exhibición, se podrán ver esculturas lumínicas, algunas de ellas restauradas para la muestra, que forman parte de una faceta menos conocida de la artista.

“Matilde Pérez, lumínica” es la próxima exposición que se podrá ver en el Centro Cultural El Tranque de la Municipalidad de Lo Barnechea, desde el 3 de septiembre hasta el 10 de noviembre de 2019, de martes a domingo, de 9:00 a 19:00 horas. La artista, fallecida en 2014, fue una de las principales exponentes del arte cinético chileno. Pionera y vanguardista, la creadora trabajó constantemente en la búsqueda de formatos diferentes a los que se usaban tradicionalmente en el mundo del arte. La incorporación de la luz a sus trabajos fue una de las facetas menos conocidas de la artista. En la muestra el público asistente podrá ver catorce esculturas lumínicas, que constituyen una parte menos conocida de la obra de la artista.

“La nueva exposición en nuestro Centro Cultural El Tranque trae a una pionera de la escena artística del siglo XX, la gran Matilde Pérez. Una mujer que incorpora la ciencia y la investigación en su obra, mostrando fenómenos como la vibración del color y la generación de secuencias. Definitivamente la exposición “lumínica” es un imperdible para todos los que gozan con el arte, por lo mismo los dejamos a todos invitados para que vengan a disfrutar esta gran muestra”, comenta el alcalde de Lo Barnechea, Felipe Guevara.

Los curadores de la muestra, Morgana Rodríguez y Manuel Basoalto, destacan que en la exposición, “Matilde Pérez, lumínica” existe una oportunidad extraordinaria para entender los fundamentos de la aventura creativa de una mujer pionera en la escena artística del siglo XX. La obra de Matilde Pérez se vincula siempre a experiencias que vienen de la ciencia y de una rigurosa investigación. Se trata de una obra de arte que se genera y se concibe dentro de un pensamiento cercano al estudio de los principios de la física cuántica, los fenómenos lumínicos y de la percepción. En las obras expuestas en esta muestra, la artista se enfrenta a la comprensión de los efectos de la vibración del color, a la reacción de los materiales y a la generación de secuencias que descubre mientras avanza en su trabajo. Estos principios son los que guiaron al Movimiento Cinético desde su inicio con Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Julio Le Parc, Carlos Cruz Diez, entre otros. Matilde Pérez formó parte de este grupo en París durante los años 60.

“Nada es casual en la obra cinética de Matilde Pérez, como su concepto de la luz y su particular uso del color en cuanto vibración pura que se debe controlar para abrir nuevas puertas a otras experiencias que el ojo humano puede descubrir. Las obras de Matilde Pérez reclaman ser vistas desde muchas perspectivas simultáneas y también individuales: desde la profundidad, el movimiento o del cambio permanente de la luz, el reflejo y el color. En sus secuencias lumínicas operan otros desafíos, estas responden a una base ordenada desde las matemáticas que establecen formas geométricas. Es allí donde la obra se completa al ojo del espectador. Otra característica de la artista es que no titula sus obras, prefería que frente a sus creaciones nadie fuera inducido ni sesgado, que cada uno tuviera una percepción libre. Le gustaba que sus obras tuvieran siempre nuevas posibilidades y dimensiones de interpretación”, explican ambos curadores.

Sobre la muestra, el hijo de Matilde Pérez, Gustavo Carrasco, comenta que “lo que hace diferente esta exposición de otras es que en ésta se privilegian obras lumínicas y en metal. Lo que no había sido exhibido antes son unas en bronce, las que ahora se podrán ver. Por otro lado, destacó la restauración que se hizo de los circuitos eléctricos de las obras lumínicas, los que datan de los años ‘60 y ‘70, para que éstas se pudieran prender. Eso sí, siempre respetando el movimiento que mi madre creó, pero esta vez con un sistema nuevo”.

OTRAS ACTIVIDADES

En contexto de la exposición, se realizarán diversas instancias gratuitas y abiertas al público. Entre ellas destacan:

– Talleres Infantiles en torno a la obra de Matilde Pérez: 28 de septiembre y 19 de octubre a las 12:00 horas, respectivamente. Previa inscripción. GRATIS

– Encuentro y Visita Guiada con los curadores: 17 de octubre a las 19:30 horas. previa inscripción. GRATIS.

– Visitas Guiadas Abiertas al público de 16:00 a 18:00 horas. Todos los sábados. Sin previa inscripción. GRATIS.

– Agenda de visitas guiadas con grupo o colegios de martes a viernes de 9:00 a 18:00 horas.

Para inscripciones y mayor información, escribir a: exposiciones@lobarnecheacultural.cl

SOBRE MATILDE PÉREZ

Matilde Pérez (1916-2014) fue una pintora, escultora y artista visual chilena. Conocida como una de las principales exponentes del arte cinético de nuestro país, Pérez recibió clases de Pedro Reszka. Un viaje a Francia la llevó a conocer la obra de Víctor Vasarely, lo que modificó su pintura y pasó a centrarse en los efectos visuales de las formas abstractas coloreadas. Matilde Pérez fue merecedora de numerosos premios y distinciones.

SOBRE CENTRO CULTURAL EL TRANQUE

El Centro Cultural El Tranque permite el acceso a la cultura y el arte a la comunidad, posicionándose como un punto de encuentro social y de formación, en el cual se desarrollan actividades artísticas y culturales, congregando a las distintas áreas de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, generando participación e integración ciudadana y un mayor consumo cultural.

“La carne muerta nunca se abriga” + “Litte ja Goabddá”

Una reflexión sobre el modelo económico neoliberal y la resistencia comunitaria ante el extractivismo son los temas presentes en las dos nuevas exposiciones de arte contemporáneo que se abren el  sábado 31 de agosto en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende. Con una celebración se dará inicio a “La carne muerta nunca se abriga”, de la mexicana Teresa Margolles, producida especialmente para el museo, y “Litte ja Goabddá”  [Drones y tambores] del chileno Ignacio Acosta. 

Al mediodía del sábado 31 de agosto el museo de arte de avenida República inaugurará el segundo nuevo ciclo expositivo 2019, que cuenta con la participación de reconocidos artistas a nivel internacional.

Ocupando el segundo piso del MSSA, ambas muestras “son propuestas visuales contingentes que proponen una profunda reflexión sobre los efectos que causa el neoliberalismo en las esferas sociales, económicas y culturales, revisando consecuencias como la exclusión social, el abandono  y el racismo, así como el despiadado extractivismo de recursos naturales”, comenta Claudia Zaldívar, directora del MSSA.

La carne muerta nunca se abriga  / Teresa Margolles 

En su primera muestra individual en Chile, la reconocida artista mexicana Teresa Margolles (Sinaloa, México, 1963)  habla de la violencia que el sistema ejerce sobre los cuerpos en forma estructural e histórica, a través de una serie de obras e intervenciones realizadas en la región de Atacama y en sectores periféricos de Santiago de Chile.

Recientemente premiada en la Bienal de Venecia y con decenas de exposiciones alrededor del mundo, Margolles presenta La carne muerta nunca se abriga, una exposición creada especialmente para el MSSA. Con la curaduría de Andrea Pacheco González (Santiago, Chile, 1970) y desde su particular punto de vista con que se opone a las normalización de la exclusión social y la anestesia mediática, Margolles examina el territorio chileno y su contexto social, cuyo modelo económico es uno de los más desiguales del mundo. Recoge sus efectos sobre los cuerpos a través de fotografías, video, instalaciones y piezas cerámicas, como un registro forense de la huella criminal del capitalismo que en nuestro país puede manifestarse en la falta de vivienda, la contaminación, el racismo y la exclusión social.

Su visita en Chile es posible gracias a la colaboración de la Macroárea de Artes Visuales del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Drones y tambores / Ignacio Acosta

En una exposición inédita en nuestro país, que se articulará con la 14 Bienal de Artes Mediales, el artista visual chileno residente en Inglaterra Ignacio Acosta (Valparaíso, 1976), presenta Litte ja Goabddá [Drones y tambores], una reflexión sobre la resistencia y protesta de las comunidades indígenas Sámi contra el proyecto minero Gállak en Norbotten Country, Suecia.

Los Sámi son una minoría indígena que vive en Sábme, territorio que ha sido colonizado en distintas épocas por Finlandia, Noruega, Suecia y Rusia y hoy es una zona que abarca partes de estos cuatro estados. Décadas de sistemática expropiación e industrialización de su territorio ancestral y de violenta represión, les ha causado división cultural y pérdida de derechos originales sobre éstos.

La videoinstalación de Acosta muestra la forma en que los Sámi usan ambos elementos: por un lado, los drones como herramienta de vigilancia ante el avance del proyecto minero, y los tambores, como la forma ancestral de los pueblos indígenas para conectarse a la Madre Tierra y a los diferentes mundos. El proyecto ha sido desarrollado colaborativamente con la comunidad indígena, y cuenta con el apoyo de British Council Chile y del proyecto Drone Vision, impulsado por Hasselblad Foundation y Valand Academy de la Gothenburg University, con el liderazgo de la investigadora Sarah Tuck.

La inauguración

La fiesta de apertura de estas exposiciones se realizará el sábado 31 de agosto desde las 12 horas del día. Habrá una cafetería pop- up de Zapallo, además del vino de honor. La música estará a cargo del DJ Maxicat, en las salas del museo estarán esperando mediadores que realizarán recorridos conversados y existirán actividades del Huertoescuela del MSSA para todo tipo de público.

Después de esta inauguración, el lunes 2 a las 19 horas, se realizará una conferencia abierta junto a Teresa Margolles y la curadora de su exposición, Andrea Pacheco González. En tanto, el jueves 5 a la misma hora Ignacio Acosta tendrá también una actividad de debate con el público.

Hasta el cierre de las exposiciones, el 2 de febrero de 2020, será posible agendar actividades de mediación como recorridos conversados y talleres experimentales, en forma gratuita para grupos organizados del área cultural, social y educativa.

Abril a noviembre: Martes a domingo, de 10 a 18 horas / Diciembre al 3 febrero: Martes a domingo, de 11 a 19 horas. Entrada liberada: Estudiantes, tercera edad, vecinos barrio República y personas en situación de discapacidad y para todos el día domingo.

“Primera Fundacional – Derrotero Australis”

Artista revive la “Ciudad de los Césares” para reflexionar sobre las etnias patagónicas.

“Primera Fundacional – Derrotero Australis” es una exposición que reúne un conjunto de grabados y aguafuertes de Carlos Damacio Gómez, los cuales forman parte de un proceso de investigación en torno al imaginario de la “Ciudad de los Césares” que ha estado desarrollando el artista desde el año 2015. Parte de este trabajo se pudo apreciar previamente en el Museo de Arte Moderno de Chiloé  y en el marco de la extensión del “Foro de las Artes” de la Universidad de Chile en la comuna de El Bosque (2017), recibiendo también el Premio “Concurso de Creación e Investigación del Departamento de Artes Visuales” de la misma Universidad el año 2018.

De este modo se exhiben por primera vez los resultados de este proceso de investigación visual, el cual aborda el imaginario que se desarrolló en pleno período colonial durante el siglo XVI en torno a  esta mítica ciudad, abundante en riqueza y sabiduría, la cual fue situada entre los paralelos 45° a 50° latitud austral. Encontrar su ubicación desató una atracción por conquistar y explorar la Patagonia y, posteriormente, como excusa para el acoso y sometimiento hacia los pueblos indígenas que poblaban la zona. 

En  este contexto, combinando referentes cartográficos, relatos míticos y crónicas coloniales,  «Derrotero Australis» invita a una reflexión crítica acerca de las imágenes con las cuales se presentaron los pueblos americanos en Europa durante los siglos XVI y XVII, desde grabados que piensan la conquista, ocupación y genocidio ocurrido con los habitantes originarios de la Patagonia chilena. De este modo, el proyecto se sitúa entre la ficción y la realidad, frente a la utopía de aquel mundo imaginario donde no existió genocidio hacia estos pueblos y etnias. 

Exposición “Primera Fundacional – Derrotero Australis” de Carlos Damacio Gómez 

Inauguración: jueves 29 de agosto.  19:00h 

Galería Casa Colorada. Merced 860. Estación Plaza de Armas (L5-L3)

Abierta al público: hasta el 28 de septiembre.

Horarios: Lunes a viernes de 11:00 a 13:00h / 14:00 a 18:00h

Información y contacto: extensioncasacolorada@munistgo.cl / 22 6325623

Entrada Liberada

+ Info www.santiagocultura.cl

Actividad gratuita

TALLER DE SERIGRAFÍA

Como actividad de cierre de la exposición “Primera Fundacional – Derrotero Australis”, el artista visual Carlos Damacio Gómez realizará un “Taller de Serigrafía” para conocer y experimentar técnicas básicas de gráfica y serigrafía junto a los asistentes.

Sábado 28 de septiembre. 11.00h

Actividad gratuita | Materiales incluidos | Cupos limitados 

Inscripciones y consultas: extensioncasacolorada@munistgo.cl

Galería Casa Colorada

Merced 860. Estación Plaza de Armas. Santiago

+ info www.santiagocultura.cl

Reseña Biográfica 

Carlos Damacio Gómez. Santiago de Chile, 1976. Licenciado y Magíster en Artes Visuales. Universidad de Chile.

Como artista visual ha orientado su trabajo hacia la disciplina del grabado, exponiendo regularmente a nivel nacional e internacional. Actualmente se desempaña como Profesor del Taller Central de Arte (Grabado y Serigrafía) y también de Dibujo para la Etapa Básica en Departamento de Artes Visuales, Facultad de Artes, de la Universidad de Chile. Ha obtenido el Premio de Metro de Santiago para intervenir los muros perimetrales de la Estación Universidad de Chile (2017) y el Primer Lugar en la Bienal de Grabado “Carlos Hermosilla” de la Escuela Municipal de Bellas Artes de Valparaíso (2017).

«Duro de morir» + «Del espacio pictórico» + «Topografía del alma» + «Lámparas de Chile»

Duro de morir
Fotografía

Mediante el contacto del fotógrafo chileno Max Donoso y la gestión de la Embajada del Perú, presentamos el trabajo de una de las autoras jóvenes más relevantes de Latinoamérica. Heredera del gesto y la particular mirada del gran Martín Chambi, la fotógrafa peruana Sharon Castellanos nos introduce en su contexto cultural y otorga nuevas lecturas a la realidad cotidiana, priorizando el lirismo por sobre cualquier enfoque registral.

La mayoría de las imágenes fueron captadas en varias comunidades de Cusco. Otras se tomaron en comunidades de las sierras de Perú y en la periferia de Lima, su ciudad natal. En sus retratos, los paisajes, ceremonias y detalles de la vida cotidiana parecen querer transformar la realidad en algo diferente, en algo más.

La serie que la introduce en Chile está conformada por imágenes que siguen la línea entre metáfora, misterio y una fantasía subliminal para evocar el espíritu y la atmósfera de las comunidades ubicadas en las alturas de los Andes Peruanos. El corpus no presenta una narrativa literal, de modo que la historia y el contexto pierden peso sobre el uso documental de las imágenes frente al poético.

“Duro de morir”, el título del proyecto, se debe a un mensaje que aparece en una de las fotografías (un letrero en la parte trasera de una camioneta de transporte) y al mismo tiempo, es una forma retórica de calificar la resistencia espiritual de los habitantes de estas tierras.

Sharon Castellanos (1989, Lima, Perú) trabajó cuatro años como reportera gráfica para un diario de cobertura nacional y un año como corresponsal para el mismo diario en la región Cusco (2014). Desde 2015 se desempeña como fotógrafa freelance colaborando con varios medios y desarrollando proyectos en comunidades rurales en el sur del Perú.

En 2017, fue parte de SMArt, un programa de residencias artísticas enfocado en los desafíos de las regiones de montaña en el Cantón del Valais (Suiza), durante tres meses. En 2018, seleccionada para participar en la 25° edición del Joop Swart Masterclass,  organizado por la fundación World Press Photo en Ámsterdam, Holanda.

Sus fotos han sido publicadas en The New York Times Lens blog, GEO Magazine (Alemania), Witness, Artsy, L’Alpe (Francia), Life Force Magazine, Index.hu Nagykép (Hungría), Global Water Partnership Sudamérica, Walliser Bote, Le Nouvelliste, Regional Zeitung (Suiza) y en medios locales como El Comercio, Revista Somos, Revista H y La República.

Del espacio pictórico
Pintura y grabado digital

Del espacio pictórico se titula la nueva muestra del pintor Robinson Mora, de dilatada trayectoria, que se presenta en nuestro Centro Cultural. En ella, se aprecia su inconfundible pintura, gestada bajo los postulados de la geometría abstracta, pero por primera vez muestra sus exploraciones en el grabado digital, técnica que se ajusta a la perfección a su lenguaje e imaginario visual.

En esta entrega se aprecia la madurez alcanzada por la obra de Mora durante su larga estadía en la ciudad de Coyhaique. Es allí donde, imbuido por la luz, incorpora efectos lumínicos a su obra, transformándola en verdaderas evocaciones del paisaje austral.

Como explica el propio autor, la muestra presenta dos grupos de obras: el primero, constituido por el trabajo pictórico desarrollado en los años recientes, “con énfasis en los últimos cinco, integrado por cuadros realizados con la técnica de óleo sobre tela, realizaciones que son resultado de la evolución progresiva de una labor artística iniciada en 1967”.

El segundo grupo es el que presenta su incursión en el grabado digital con imágenes que re-tratan pinturas del autor, usando el computador para sugerir nuevas variantes de las obras iniciales, elaboradas ahora en el continente del papel.

Robinson Mora Montecino (Linares, 1947) estudia Artes Plásticas en la Universidad de Chile entre los años 1965 y 1969. Cursando el tercer año de estudio, es seleccionado para participar en el Salón CAP 1967, concurso que se realizaba en el Museo de Arte Contemporáneo en su sede de la Quinta Normal, siendo su primera exposición pública, hace ya 52 años. Desde entonces, su obra ha estado presente en numerosas muestras individuales y colectivas, tanto en Chile como en el extranjero, destacando dos exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Durante su trayectoria ha recibido más de veinte premios y distinciones, entre ellos el Premio del Círculo de Críticos de Arte, otorgado en 1980. La mayor parte de su obra la ha producido en Región de Aysén, Patagonia Chilena, en cuya ciudad capital Coyhaique, residió desde 1971 a 2015, compartiendo su tiempo entre su actividad pictórica y la docencia en la educación secundaria. Actualmente reside en Viña del Mar y sus exposiciones recientes han sido una individual en la Galería Casaplan, de Valparaíso, el 2018, y una colectiva en el Bodegón Cultural de Los Vilos, este año.

Topografía del alma
Pintura sobre acrílico

Hace algunos años, Paula Swinburn asombró al público con sus investigaciones sobre la mancha. Es decir, con obras que a simple vista podrían relacionarse con el action painting, pero que en profundidad denotan un absoluto control, sólo posible de encontrar en autores con su eximio rigor y oficio.

Hoy vuelve a sorprendernos con TOPOGRAFÍA DEL ALMA, que presentamos en el Centro Cultural, porque sus investigaciones la llevan a eliminar el soporte e instalar sus manchas en superficies translúcidas, descubriendo el “revés de la trama”. Es decir, su pintura, literalmente, se vuelve bidimensional y entrega aún mayores significados.

Como explica el artista visual Cristián Silva, las obras poseen literalmente dos caras: un verso y un anverso. En términos expresivos se mueven en dos flancos: el de la espiritualidad, la intuición y los sentimientos, por un lado, y el de la materia y la fisicalidad, por el otro.

“Más allá de su presencia exuberante y generosa, de la seducción ejercida por sus superficies y coreografías de texturas, saturaciones, transparencias, brillos y opacidades, más allá de la oscilación lúdica entre lo micro y lo macro, cada pintura de Paula Swinburn constituye una especie de gran santuario de alusiones”, señala Silva.

Y agrega: “Como si fuesen cortes geológicos (de un espacio diferente al nuestro), éste es un arte de opulencia, de opalescencia, de iridiscencia, de espectros, apariciones y alucinaciones, de energía cósmica, de infiltraciones expansivas, de leche de las galaxias y sangre de dragón, del sendero sagrado que la diosa Iris va dejando a su paso”.

Paula Swinburn (1964) es Licenciada en Artes de la Universidad de Chile. Se perfeccionó en un curso de Estética de la Universidad Católica. Tomó cursos de pintura con Teresa Gacitúa y más tarde profundizó en la escultura con Francisco Gacitúa y en la fotografía con Luis Poirot.

Ha exhibido en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en Galería Artespacio, Centro Cultural Estación Mapocho, Universidad de Talca y en Centro Cultural Las Condes. Seleccionada en el concurso Artistas Siglo XXI de la Universidad Católica, 2007 y 2008, y por la Asociación de Críticos de Arte de Chile en la muestra “13 x 13 Voces Emergentes”.

Lámparas de Chile
Diseño

La arquitecta Mitsue Kido y la diseñadora Paula Corrales presentan LÁMPARAS DE CHILE, muestra que pone en valor técnicas artesanales de la Región del Maule, a través del diseño de objetos contemporáneos, en este caso, luminarios. La exhibición, fruto del trabajo de seis meses con artesanos, busca además abrir nuevas redes de comercialización y difusión.

Para esta primera colección, las autoras trabajaron con cinco comunidades artesanas de la Región del Maule, en plena zona central de nuestro país, que crean con la Pita de Teno; el Coirón de Uraco; el Crin de Rari; la Piedra Toba de Quinamávida, y la Greda Blanca de Vichuquén.

Kido y Corrales explican que el proyecto, que tendrá futuras colecciones, “tiene la finalidad de difundir a nivel internacional, nuestro patrimonio cultural a partir de nuestra artesanía, mostrando las diferentes técnicas tradicionales presentes a lo largo de Chile”.

Mitsue Kido, en entrevista a la revista Más Deco, señaló que “en las primeras recepciones aprendimos los fundamentos de cada técnica y mediante el diálogo con las artesanas durante los siguientes encuentros se fueron desarrollando las figuras o formas de cada una de las lámparas. Nosotras mediante elementos de unión fuimos conformando piezas de bronce y acero que finalmente se convirtieron en elementos de conexión entre la artesanía y las luminarias”.

“Lámparas de Chile” ya ha participado en la Semana del Diseño de Londres 2018 y la Semana del Diseño de Milán 2019, referentes en la materia. Además, ha sido invitado a exhibir en Edición Limitada 2019 apoyada por el MINCAP, British Council y Escuela de Diseño PUC, y al Pabellón Internacional de Artesanía en Londres. POr otra parte, Kido y Corrales liderarán la residencia de Crafting Futures 2019 del British Council con la comunidad de artesanas en crin.

El proyecto Lámparas de Chile nace bajo la homologación del proyecto “Lámparas de Kioto” realizado por una de las co-fundadoras, la arquitecto Mitsue Kido, cuya base fue el trabajo colaborativo entre diseño y artesanía japonesa, donde la arquitecto logra captar protocolos de buenas en un país reconocido mundialmente por el respeto a su cultura y artesanías.

Finalizado dicho proyecto, Mitsue se unió a la diseñadora Paula Corrales para iniciar “Lámparas de Chile”, con el fin de difundir nuestro patrimonio cultural a través del diseño de objetos contemporáneos con técnicas tradicionales chilenas e ir representando paulatinamente, a partir del diseño de luminarios, las diversas zonas de Chile.

30 de agosto al 29 de septiembre
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Av. Apoquindo 6570. Metro Hernando de Magallanes.

«Diógenes electrónico: memoria, olvido y basura / Obra Escuela III»

Archivos digitales y basura electrónica: lo nuevo en Galería Macchina                                                  

  • «Diógenes electrónico: memoria, olvido y basura / Obra Escuela III», exposición curada por Valentina Montero de la que participan una veintena de artistas provenientes de distintas escuelas de Arte del país.

Enormes flujos de información electrónica que circula a una velocidad exponencial y abrumadora por las redes virtuales, y que se almacena de forma compulsiva en nuestros dispositivos. Esa es la problemática abordada por «Diógenes electrónico: memoria, olvido y basura / Obra Escuela III», exposición que entre el lunes 26 de agosto y el viernes 27 de septiembre se presentará en Galería Macchina, espacio expositivo de la Escuela de Arte UC.

La exposición corresponde a la tercera versión de Obra Escuela, un proyecto que busca encontrar coincidencias creativas y académicas entre las diferentes escuelas de Arte de Chile, con el objetivo de conocer e intercambiar el conocimiento generado por la práctica del arte contemporáneo de sus estudiantes.

En esta versión, curada por la investigadora y docente, especializada en arte contemporáneo y convergencias entre estética, ciencia, tecnología y sociedad, Valentina Montero Peña, se seleccionó el trabajo de 18 artistas y Colectiva La Mentirosa (UFT). Los artistas son Paula Alveal y Claudio Saitz (UC); Javiera Astudillo y Américo Retamal (UCh), Francisco Belarmino (UFT), Mackarenna Caroca (UCh), Daniel Estrada (UCh), María Paz Godoy (UCh), Katherinne Henríquez (UdeC), Carola Hermosilla (UNIACC), George Lee (UCh), Alan Martí (UC) y Samuel Domínguez (UFT), Loreto Greve (UFT), Ignacio Navarrete (UC), Isabel Rodríguez (UCh), Sofía Romero (UCV) y Amanda Sáez (UDP).

Diógenes electrónico: memoria, olvido y basura / Obra Escuela III
Inauguración: viernes 23 de agosto, 19:00 horas.
Galería Macchina (Av. Jaime Guzmán 3300, Providencia. Campus Oriente UC)

Entrada Liberada. Lunes a Viernes 12:00 a 19:00 hrs.