«Deformar el paisaje»

“Deformar el paisaje” exposición de Paulina Carreño inaugura en Galería BECH

Desde el viernes 20 de julio al 9 de agosto se podrá visitar en Galería BECH: “Deformar el paisaje”, exposición de Paulina Carreño que, a través del dibujo, entrega otras perspectivas para abordar el paisaje, dando cuenta de los cambios que se producen en la naturaleza debido a la urbanización y la industria.

La investigación artística de Carreño se inicia en el año 2005, cuando comienza a recopilar imágenes satelitales de vistas aéreas de las plataformas de Google Earth, Bing Maps y SAS Planet. Centrada en la zona central, trabaja con sectores cercanos a San Felipe, Los Andes, Cabildo, El Melón y Santiago, observa las imágenes, selecciona sectores específicos a partir de un criterio estético, para luego dibujarlas sobre papel con lápiz grafito. Estas ilustraciones adquieren otro estatuto al ser trabajados como video a partir del stop motion, más de 1500 fotografías dan cuenta de un trabajo minucioso que da forma a un paisaje difuso.

Uno de los focos de su trabajo está puesto en los cerros, que son los que han sufrido las transformaciones más significativas debido a la agroindustria, en donde las mega plantaciones arrasan con la flora y fauna sembrando en su lugar otras especies de cultivo para la exportación, fenómeno que erosiona la tierra hasta configurar arbitrariamente un nuevo paisaje. Las mineras e hidroeléctricas, a través de la extracción de roca y la construcción de embalses, destruyen y fragmentan el relieve, trazando además, caminos que parecen confusas líneas en medio de montañas y ríos. Todo lo anterior configura un obra que observa críticamente las relaciones entre paisaje, territorio y la acción humana.

Sobre la artista

Paulina Carreño (San Felipe, 1990), artista visual. Estudió Artes Visuales en la Universidad de Chile con mención en grabado. Utilizando el dibujo como medio y sustento, investiga la manera de mostrar diferentes formas de observación y análisis del paisaje. Entre sus exposiciones más recientes destaca la realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Quinta Normal con su trabajo “La expansión de la ciudad” seleccionado por el V Concurso Universitario Balmaceda Arte Joven 2017, ENGRAVA, Primer encuentro de grabadores del Valle de Aconcagua (2017) y la individual “Tener Lugar”, realizada en enero en galería Casa en Blanco (2018). Actualmente también se dedica a la encuadernación y producción de libros junto a editorial Casa en Blanco.

Galería BECH

Avda. Libertador Bernardo O’higgins #123

Metro Baquedano

Lunes a Viernes de 10.00 a 19.00 hrs.

«Deformar el paisaje»

Paulina Carreño

Deformar el paisaje plantea la relación romántica del hombre con la naturaleza. Un caos cíclico, primero producto del descontrol y supremacía de la naturaleza, luego de la apropiación del hombre sobre el territorio y la subjetividad de lo inconmensurable, que en una expansión descontrolada deforma y desborda las líneas, dándole a la representación del paisaje la belleza sublime propia de la catástrofe. ¿Cuánto puede contener(se) un mapa? Ya sabemos que el mapa no es el territorio, que no alcanza a representar los territorios y esta exposición nos evidencia esa tensión. La cartografía, en su constante esfuerzo por contrariar esta sentencia, nos permite observar el paisaje desde una posición privilegiada, la cenital, para contemplar cómo se derraman las líneas y las tramas de lo natural siendo devorado por la ciudad.  

Pasar de la concepción armónica de ciudad según Miguel Ángel a una imagen amorfa que juega como un cuerpo orgánico producto del crecimiento acelerado que representa la modernización, es lo que Paulina Carreño expone bajo el concepto de atropización, a saber, la alteración del paisaje natural por incidencia humana. El valle del Aconcagua es parte de una región rica en cerros y terrenos heterogéneos que se ha visto cambiante producto de la erosión y la explotación de los cultivos, generando un nuevo paisaje y por ende una nueva manera de ver el paisaje: el dibujo y su detalle exhiben la fragmentación y los resaltes que son atravesados por la expansión ortogonal, cual venas que se apoderan de un cuerpo natural cada vez más débil.

Valeska Navea, Teórica del Arte

«En el río del tiempo»

13 de Julio al 23 de Agosto de 2018 / Martes a Viernes, 9:00 a 19:00 horas; Sábado y Domingo, 11:00 a 19:00 horas / Edificio A, piso 3, BiblioGAM.

“En el río del tiempo” es la exhibición de fotografías que trae a BiblioGAM el artista estadounidense con residencia en Chile, Arthur Conning.

Su trabajo busca expresar visualmente la transitoriedad, incertidumbre y ambigüedad de nuestro mundo cotidiano.

Con más de 50 años de trayectoria, Conning explora el flujo del tiempo que forma parte de nuestras vidas, en una serie de fotos de gran formato a color digital y procesadas por computador.

La muestra corresponde a fotos del primer capítulo del libro «En el río del tiempo: Una retrospectiva fotográfica 1965 – 2018”, que será presentado en la inauguración.

«Memorial Natural»

Expositor: Joaquín Vio

Fecha Exposición: Miércoles 11 al Sábado 28 de julio 2018

Galería de Arte LA SALA

Memoria Natural de Joaquín Vio

La muestra fotográfica expone sobre el Patrimonial Natural de San Pedro de Atacama y La Antártica y se llevará a cabo en Galería de Arte La Sala desde el 11 al 28 de julio.

Con motivo del anticipo del mes de la fotografía, la presente exposición es el resultado de una serie de fotografías y videos realizados en distintos viajes a Tulor en San Pedro de Atacama desde el año 1998 al 2018, y un registro que se llevó a cabo en la Antártica en 2007.

Memoria Natural reflexiona sobre el paso del tiempo, la impermanencia de las cosas, los ciclos de la naturaleza y la memoria. Valiéndose del paisaje y ciertos elementos como antiguos árboles del desierto de Atacama y los gigantescos icebergs de la zona antártica, la exposición explora la fragilidad del planeta, el desastre ecológico, la permanencia del cambio y la pérdida de las culturas a través del tiempo.

La muestra está compuesta por diez fotografías en blanco y negro de gran formato y dos videos, que por medio del paisaje y algunas entrevistas inéditas, recorren la cultura local construyendo un documento sobre la memoria y el patrimonio natural e intangible de Chile.

La exposición incluye sonidos de los lugares y la entrevista a don Germán Tejerina, personaje destacado de la localidad señalada del norte grande que ya ha muerto, quien habla de las tradiciones que su cultura tiene sobre la muerte,  y canta el “El Torito” que es un canto-baile en la vigilia de San Pedro y San Pablo.

Una muestra imperdible para los amantes de la naturaleza, que habla de los polos o extremos en la naturaleza y sus significados.

JOAQUIN VIO

  1. Viña del Mar, Chile.

En 1989 ingresó a estudiar Comunicación Audiovisual en la Escuela de las Comunicaciones, al mismo tiempo comenzó a trabajar junto a Roberto Edwards como asistente directo donde participa en proyectos como Cuerpos Pintados, Miss Chile, Super Models, Revista Paula y Editoriales.

De 2001 a la fecha, Joaquín Vio crea el proyecto Viosfera, el cual realiza trabajos de diseño digital, video y fotografía, siempre vinculados al arte, el turismo y la naturaleza. Ha realizado proyectos para clientes como J.P Morgan, Banco Boston (ITAU), Nestlé, Lan Chile, Viña Concha y Toro y Hoteles Tierra, entre otros.

Dentro del material fotográfico, se destacan imágenes que han sido utilizadas como Imagen País por ProChile y Sernatur.

El año 2007, por encargo de Fach y Ministerio de Relaciones Exteriores, es enviado ha hacer un catastro de imágenes (fotografías  y videos) de las bases chilenas en Antártica. El proyecto fue realizado para la presentación de Chile en la conmemoración del Tratado Antártico en Londres 2008.

Sus trabajos son parte de la colección de JP Morgan, Hotel Portillo y diferentes colecciones particulares.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas. En: Francisco de Aguirre N°3720, oficinas 13 (nivel calle) y 03 (subterráneo), esquina Alonso de Córdova, comuna de Vitacura. Teléfono: 2- 2-2467207. Entrada: Liberada.

“Ni Castro, ni Hueche”

Martes a domingo, entre 11:00 y 20:00 horas, desde el jueves 5 de julio hasta el 19 de agosto en Galería Bicentenario. Entrada liberada.

Instalación de Rodrigo Castro que surge como un ejercicio de memoria e introspección reflejando la propia biografía del artista, quien a lo largo de su vida ha transitado en la dicotomía de su identidad mapuche-chilena.

A través de una serie de muebles intervenidos con carpintería, tejido y escritura, Rodrigo genera nuevos elementos híbridos sin una identidad definida. Un velador que quiere ser mochila, dos sillas que unidas forman una cuna, son ejemplos de lo que es ser un “Ni Castro, ni Hueche”.

La muestra que reflexiona sobre la pureza e identificación, es una representación de cómo la migración junto a la vida urbana han ido influyendo en su composición y costumbres, creando una re-significación de lo que es ser mapuche.

«Espejos del Mar; Crisis, paisaje y territorio»

Martes a domingo, entre 11:00 y 20:00 horas, desde el jueves 5 de julio hasta el 19 de agosto en Sala Lily Garafulic. Entrada liberada.

Exposición del fotógrafo Patricio Saavedra que plasma las consecuencias de la intervención humana e industrias en las zonas costeras del país, principalmente en sectores de la Quinta Región, Chañaral y el Cajón del Maipo.

Usando técnicas en fotografía, el artista retrata paisajes que bien podrían ser parte de una postal.  Sin embargo, luego de revelarlas con los mismos químicos que brotan desde sectores costeros aledaños a industrias, estas dan paso a un panorama completamente distinto.

De tal modo, Saavedra incorpora dentro de una misma fotografía dos paisajes. El primero, relacionado con lo que logra capturar la cámara y el ojo humano a simple vista, mientras que el segundo, muestra elementos contaminantes que están presentes en la imagen pero son invisibles a nuestra percepción.

«Obras recientes del pintor Francisco Corcuera»

Horario: Lunes a Viernes 10:00 a 20:00 hrs. – Sábados 11:00 a 14:00 hrs.

El próximo jueves 28 de junio, se inaugurará, en galería Ana María Stagno, una exposición de la obra reciente del artista chileno radicado en Tánger, Francisco de Corcuera.

Nacido el año 1944 en Santiago, Corcuera estudió en la Academia de Bellas Artes, y en la Universidad de Chile, además, realizó un doctorado en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo. Luego de vivir y trabajar en Nueva York y en distintas ciudades de Europa, hace 10 años se traslada a Tánger, en Marruecos, donde reside hasta el día de hoy. Como muchos pintores, Corcuera se aventuró a explorar las posibilidades del paisaje norteafricano.

”Mis cuadros son como ver el paso del tiempo sobre una superficie, capa tras capa”, afirma, y su pintura comienza con la construcción de un espacio tridimensional. A partir de una grilla compleja de líneas geométricas, teoremas matemáticos y símbolos algebraicos, el color emerge junto a pequeños elementos tridimensionales, redondeados o alargados, que aparecen y desaparecen detrás de nubosos blancos, grises, negros, azules y colores tierra, que son los colores que predominan en sus pinturas.

Estas ilusiones hábilmente pintadas son un homenaje a la tradición trompe d’oeil del siglo XVIII. Corcuera siempre ha sentido una fascinación por la ilusión, por la magia del arte, en el poder transformador de la pintura. “El cambio de una superficie plana en una imagen de realidad convincente siempre fue mi principal preocupación,» afirma Corcuera, y con una combinación de pinturas a base de aceite, acrílico y grafito, aborda el lienzo, permitiendo que la imagen se construya mediante una corriente subconsciente espontánea.

En su obra se ve una inquietud por la filosofía, la geometría y sobre todo la poesía, tratando de crear una imagen visual poética, lírica, siempre con una paleta de colores gris o tierra.

La muestra consta de 6 cuadros de grandes dimensiones, además de pinturas sobre papel y óleos de pequeño formato; y estará abierta al público hasta el día sábado 28 de julio.

«Viento Norte»

Exposición de Pilar Mackenna. Dibujos, acuarelas y esculturas.

Jueves 28 de junio al sábado 28 de julio de 2018 / Av. Nueva Costanera 3723 segundo piso, Vitacura / Horarios: Lunes a Viernes de 10:00 a 14:00 hrs y de 16:00 a 20:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 hrs.

La obra de Pilar Mackenna (Santiago, 1985) reúne estas técnicas para describir la relación de los seres humanos con el medio ambiente. Valiéndose de un lenguaje que funde abstracción y figuración, la artista continúa -en su segunda individual en XS- su reflexión artística sobre el viejo problema de naturaleza y cultura.

Se trata de imágenes que describen utensilios, formas básicas de vivienda, o artefactos de sobrevivencia. También diagramas climáticos, eólicos o geológicos pintados con acrílico o acuarela sobre papel. Un arsenal descrito con la precisión de un manual de instrucciones. Mackenna ofrece formas sutiles de ocupar el espacio natural: un romanticismo discreto.

La muestra, se vuelca a lo natural obviando la espectacularidad postal de las grandes vistas y opta en cambio, por los recortes parciales de la topografía. La naturaleza como objeto de conocimiento científico. Su contemplación y las emociones que despierta en la propia artista, son abordadas desde un filtro que impone no solo un criterio racional, también estético. Diagramas, gráficos y taxonomías aparecen a ojos de Mackenna, como formas distantes de pensar la naturaleza que la apasiona. Un mundo aparte también, uno que anticipa y acompaña el desarrollo de la pintura abstracta. Sin embargo, lejos de agobiar al espectador con datos, descripciones o cifras, las imágenes parecen mapas mudos. Ausentes de palabras, la visualidad técnica se vuelve protagónica. Como si el mundo que quisiera describir fuera un nuevo espacio que habitar, un paisaje puro, abstracto y controlado. Una naturaleza no desbordada por el azar o la tragedia.

Desde una mirada centrada en la observación de lo macro y lo micro, Pilar Mackenna genera constantes relaciones, conceptuales o formales, donde figuración y abstracción se encuentran en tránsito de lo bidimensional a lo tridimensional.

Sus pequeñas esculturas, hechas a partir de troncos encontrados, tienen la misma sencillez de las herramientas que describe en sus dibujos. Operaciones muy simples con los materiales, para resolver, ya no los problemas prácticos de una herramienta, sino los problemas formales que ocupan a la artista. Estas obras, seductoras y delicadas a la vez, desarrollan no solo un refinado lenguaje formal sino una sensible vinculación con el cosmos.

Pilar Mackenna (Santiago, 1985) estudió Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Finis Terrae, posteriormente realizó tutorías de arte en Taller Bloc, cursos de Ilustración en Parsons The New School of Design, Nueva York y de Fotografía y Diseño en School of Visual Arts, Nueva York. De sus exposiciones individuales destacan: Mary Bell, en Galería Moro (2010) ,Un lugar imposible en Galería XS (2013) y Ecosistemas en Proyecto Gabinete FLORA Ars+Natura, Bogotá, Colombia (2016). Ha participado en diversas exposiciones colectivas, tanto en Chile como en el extranjero destacando Atlas Austral, Centro Cultural de Coyhaique (Proyecto FONDART 2016) The Olimpic Fine Arts Exhibition en The Barbican Center de Londres, UK (2012) Medidas Variables en MAC Valdivia (2012), Formas de Habitar en Galería Balmaceda Arte Joven (2014) Concurso Cabeza de Ratón Bicentenario en MAVI (2010). De forma paralela trabaja en la Facultad de Artes de la Universidad Finis Terrae y como ilustradora freelance.

«Ensayos pictóricos y alegorías»

Con el fin de liberar al artista de un concepto global que encierre su trabajo, el próximo 18 de junio Sebastián González inaugura su exposición Ensayos pictóricos y alegorías en Teatro del Puenteespacio que cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa Otras Instituciones Colaboradoras.

“Para mí todas las exposiciones son importantes. El trabajo que se muestra está condicionado por la época en que se vive, tanto en el desarrollo de la vida personal, como de la vida en sociedad Los trabajos de esta exposición son el resultado de mis propios intereses y experiencias. Le agradezco a Teatro del Puente por la oportunidad y su interés en mostrar mi obra. El arte es una lucha contra las probabilidades”, dice el artista.

Su trabajo se ha destacado por dejar al espectador libre de conceptos que limiten sus pensamientos y su conciencia antes de mirar el trabajo expuesto. Ensayos pictóricos y alegorías cuenta de dibujos satíricos basados en las experiencias del hombre en sociedad y una serie de pinturas al óleo que sólo tienen en común la experimentación como búsqueda hacia una voz original.

Sobre el artista
Sebastián es un artista chileno autodidacta. Sus acercamientos al arte comienzan a edad temprana. Trabajó con artistas como Norton Maza, Iván Daiber, Mario Alfredo González. Ha expuesto en el Museo Nacional de Bellas Artes, Municipalidad de Maipú y La Reina, y realizó las ilustraciones de la ex Clínica Santa Lucía. Rechaza la idea de que los artistas deban primero condicionar al observador con grandes y demasiadas palabras. Él cree que la relación debe ser más íntima entre obra y observador. Los conceptos que más desarrolla son: el arte, la alteridad, el otro, los opuestos, la muerte y el humano.

Coordenadas 
Del 18 de junio al 19 de agosto
Exposición abierta 1 hora antes de cada función.
Entrada liberada
Teatro del Puente
Parque Forestal s/n
Metro Estación Baquedano
Alternativas de estacionamientos pagados en Bellavista 052
CICLOVÍA A LA PUERTA
www.teatrodelpuente.cl

«Otras Caídas»

Pablo Ferrer expone en D21 muestra individual “Otras caídas”, compuesta de pinturas sobre papel

A partir del viernes 15 de junio hasta el jueves 19 de julio, se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición Otras caídas del artista Pablo Ferrer.

La muestra está compuesta por pinturas de gran formato en las cuales, de acuerdo a las palabras del artista: “He reunido un grupo de pinturas al óleo sobre papel con cuerpos precipitándose al vacío, arrastrados por la fuerza de gravedad. Son personajes que viven sus propias tragedias en suspenso. Usé fragmentos de dibujos o pinturas provenientes de distintas épocas y contextos, materiales que he tomado prestados y de los cuales me apropio, modificándolos: de Goya, Coré, Sergio Larraín y Veronés, entre otros”. Estas representaciones cruzan diversos imaginarios, incluyendo elementos de la industria cultural y la publicidad, que dialogan con la historia de la pintura.

En términos formales estos trabajos constituyen un espacio experimental para Ferrer, ya que sus obras se han caracterizado por un estilo realista con varias capas de óleo sobre tela. En esta oportunidad, el papel como soporte adquiere un rol protagónico ya que es “menos exigente en términos simbólicos que la tela según Ferrer, se presta para hacer de manera menos costosa experimentos con colores y elementos gráficos. La urgencia, la velocidad y la falta de expectativas excesivas son parte de los elementos en juego en el trabajo sobre papel: absorción, opacidad y marcas gráficas condicionan el resultado material”. A través de este soporte las pinturas se acercan a la abstracción y dan un giro hacia escenarios más oníricos que en trabajos anteriores del artista.

Sobre el artista

Pablo Ferrer (Santiago, 1977) estudió Artes Visuales en la Universidad de Chile. A partir del año 2002 se ha desempeñado como académico de la Universidad de Chile, Pontificia Universidad Católica de Chile y Universidad Diego Portales. Ha expuesto en importantes instituciones nacionales e internacionales como en Galería Gabriela Mistral (2004), Centro Cultural España de Montevideo (2008), Museo de las Américas en Madrid (2006) y el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (2009), entre otras.

D21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia (Metro Los Leones) Santiago de Chile, CP 7510054 / Entrada liberada / Lunes a viernes de 11 a 19 hrs. sábado de 11 a 15 hrs. / +56 2 23356301 / info@d21.cl / www.d21.cl / www.facebook.com/D21.ProyectosdeArte

“Fronteras Naturales”

Inauguración Miércoles 13 de Junio | 7 pm / Calle El Pangue esq. Kennedy Edificio CV Galería / 13 de junio al 20 de julio / Galería Isabel Aninat / Horarios: Lunes a jueves de 10:00 a 20:00 hrs. Viernes de 10:00 a 19:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 horas.

Aninat Galería Exhibe la primera muestra en Chile del reconocido artista conceptual español

“Fronteras Naturales” del artista madrileño Mateo Maté nos plantea en el dilema de las fronteras físicas y los límites territoriales en donde la geografía pasa al servicio de fines políticos al instaurarse como una barrera natural, y una excusa para ejercer soberanía sobre una determinada territorialidad.
Zona restringida es un proyecto que reflexiona sobre cómo la vigilancia y el control, auspiciados por el argumento de la seguridad, han invadido el devenir cotidiano, impregnando una gran cantidad de ámbitos con alusiones a la guerra, a la necesidad de la conquista o a la militarización. En palabras del propio autor, “con la militarización total de todas nuestras fronteras, implantada con el pretexto de seguridad, todos nos preparamos para una movilización general.

No sabemos ni cuándo ni dónde surgirá el conflicto, pero tenemos que estar preparados”. Por su parte Paisajes uniformados intenta probar la tesis de como el camuflaje militar no existiría sin el descubrimiento y desarrollo de un lenguaje y una iconografía plástica particulares del pre impresionismo e impresionismo. Estos análisis despojaron a todos los elementos naturales del paisaje de su forma básica y los reinterpretaron como la impresión de manchas y colores tal y como la retina humana los percibe en un golpe de vista. A partir de la misma fecha de ese descubrimiento, y demostrándonos que no hay invento humano inocuo y con posibilidades de ser utilizado perversamente, los uniformes de los ejércitos de todo el planeta cambiaron radicalmente de planteamiento; pasaron de ser un elemento representativo y de poder a ser armas ofensivas, aunque pasivas. Desde ese mismo momento, mediante una iconografía básica pero muy sofisticadamente estudiada, los uniformes pasaron a imitar el entorno natural donde los diferentes cuerpos de los ejércitos iban a ser desplegados.

“Fronteras Naturales” pretende aproximar al espectador a las obras recientes de Mateo Maté, quién lleva trabajando con las cartografías, las fronteras, la vigilancia y la militarización de nuestra cotidianeidad desde hace ya un largo tiempo.

Mateo Maté (Madrid, 1964) utiliza objetos cotidianos, incluso a menudo ligados a su propia rutina doméstica, para explorar cómo en la modernidad tardía los espacios que habitamos están atravesados por tensiones y violencias en las que lo íntimo y lo social, lo político y lo existencial, lo individual y lo colectivo se entremezclan y confunden. Interesado por el potencial simbólico de la metáfora cartográfica, Maté crea espacios escultóricos y performativos que a la vez que nos resultan familiares, nos generan un profundo desconcierto, como si estuvieran plagados de peligros latentes, de enigmas perturbadores. En sus trabajos, el artista madrileño plantea que en un contexto como el actual, en el que nuestros entornos más inmediatos se han convertido en geografías indescifrables y llenas de amenazas e incertidumbres, tenemos que repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar nuestra mirada y devolverle la concreción a los espacios y objetos que nos rodean.