«Al otro lado del espejo”

Inauguración martes 20 de agosto 

Abierta al público hasta el sábado 21 de septiembre de 2019.

Galeria Artespacio

Carolina Agliati nos invita, en su primera exhibición individual, a mirar las formas y sus reflejos en el espacio. Con acero esmerilado, el color del cobre y la luz del bronce, la artista produce una serie de obras minimalistas donde teje planos tectónicos de gran complejidad geométrica, señalándonos el camino a la síntesis de éstos, bastante cercanos a la arquitectura de los edificios de nuestra ciudad. Obras que se iniciaron en papel, y que ahora nos presenta con elementos propios de la escultura y de la reproducción en serie. 

Usando una lógica matemática, su trabajo consiste en composiciones abstractas que buscan generar espacios, los que necesariamente deben observarse desde todos sus ángulos y con distintas intensidades lumínicas, para lograr apreciar todas sus variantes. 

Sus pulcras estructuras permiten diversas posibilidades y revelaciones por medio de profundidades, volúmenes, luces, sombras, y de una propuesta rítmica modular que generalmente introduce movimiento.

Cada una de sus obras son únicas, variando en materiales, texturas, medidas, formas y formatos.

Arquitecto y docente de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Mayor, desde el 2015 Carolina está dedicada al arte. Luego de un año de tutorías en taller BLOC, la creadora ha participado en Ferias internacionales como SWAB Barcelona, PARTE Sao Paulo, PINTA Miami y Ch.ACO 2018. Asimismo, ha expuesto en ferias nacionales como FAXXI y ART STGO. Ha realizado Exposiciones Colectivas en Galería Ojo Rojo Espacio de Arte, Galería Casa Uno, Taller Bloc y en Galería Artespacio. Durante 2017 fue destacada con mención honrosa en el III Concurso Artespacio Joven BBVA.

La exposición se inaugura el martes 20 de agosto y estará abierta al público hasta el sábado 21 de septiembre de 2019.

“Taxonomía de los escombros”

La exposición “Taxonomía de los escombros”, está compuesta de escombros y elementos provenientes de la demolición de viviendas de blocks sociales pertenecientes a la zona de Bajos de Mena, en Puente Alto.

La artista visual recolectó restos de viviendas demolidas y los trasladó a la galería. Los escombros están dispuestos unos sobre otros, intentando volver a construir con ellos formas verticales.

“Desde Bajos de Mena, los fragmentos dinamitados de un conjunto de viviendas sociales han experimentado un largo viaje hasta esta sala de exhibición. Son los restos demolidos de las tristemente célebres casas Copeva, cuyo anegamiento a fines de los noventa las transformó en símbolo inequívoco de la política urbana segregada que el Chile postdictatorial sólo habría de profundizar”, señala la antropóloga Carla Pinochet Cobos, quien escribió el texto de la muestra.

La Villa San Luis protagoniza un video que muestra esa edificación antes de las demoliciones de 2018.

“En la Villa San Luis de Las Condes, icónico proyecto de vivienda social del gobierno de Salvador Allende, una videoperformance reconstituye la trayectoria invisible que conecta el paisaje publicitario del mall con las estructuras devastadas del último lote. En la ciega fatalidad de un camino hecho en reversa, resuena la promesa trunca de la ciudad socialista que no terminó de materializarse”, finaliza Carla Pinochet Cobos.

La muestra está abierta hasta el 20 de septiembre de lunes a domingo, de 10 a 19 horas, en Alameda 1381, Metro La Moneda. Santiago. Chile. Entrada gratuita. galeriagm.cultura.gob.cl.

Sobre Valentina Utz

Artista visual. Graduada en 2010 de Licenciada en Artes Visuales en la Universidad Católica. En 2012 obtiene la Beca Chile de Magíster en el extranjero para estudiar en la Universidad de las Artes de Berlín. En esta ciudad profundiza sobre arte colectivo, performance y patrimonio ciudadano. El 2014 obtiene la Beca DAAD para egresos de Magíster. Investiga y se especializa en eco-feminismo, centros comerciales y zoológicos. Su examen final incluye una performance en el zoológico de Berlín. En 2018 recibe el premio del gobierno de Austria para realizar residencia en Kultur Kontakt, Viena. www.valentinautz.com

«Registros de Circulación»

Instalación y pinturas:

Ciro Beltrán inaugura exposición en la Sala Juan Egenau

«Registros de Circulación» se titula la exhibición del destacado artista nacional Ciro Beltrán, en la que presenta instalaciones y pinturas bajo la curatoría de Ricardo Loebell. La muestra se inaugura este martes 20 de agosto a las 13:30 horas en la Sala Juan Egenau y permanecerá hasta el 30 de este mes.

Egresado en 1990 de la Escuela de Arte de la Universidad de Chile donde obtuvo el grado de Licenciado en Artes Plásticas, mención pintura, Ciro Beltrán se ha convertido en uno de los artistas más destacados del país, siendo actualmente uno de los candidatos al Premio Nacional de Artes.

En una serie de exposiciones inauguradas recientemente, como lo presentado en Espacio O y la Corporación Cultural Las Condes, el artista quiso volver después de 30 años a los pasillos que recorrió en la juventud y traer algo de su trabajo a las actuales generaciones “un poco para reconectarme con la escuela y como retribución de lo que aprendí”, señaló.

De allí que desde este martes 20 de agosto en la Sala Juan Egenau se presente la exposición Registros de Circulación en la que Ciro Beltrán exhibe una instalación de pinturas sobre alfombras y otros trabajos pictóricos correspondientes a sus últimas producciones artísticas.

“Mi trabajo con alfombras surge cuando después de estudiar acá me dirijo a Düsseldorf, Alemania, desde 1995 al 2000. Ahí me topé con alfombras usadas que botaban en la calle y las empecé a recuperar para usar como soporte para hacer pinturas objetuales”, recordó el artista.

De este modo Beltrán continuó su obra con alfombras desde 1996 hasta hoy, llegando a convertirse en pinturas objetos al ser trabajadas por ambos lados. “Mis obras han variado mucho durante este tiempo. Por ejemplo a principio de los años 2000 yo saco la alfombra del bastidor y comienzo a hacer trabajos instalativos y también performáticos con ellas, como lo que exhibiré acá”, contó.

De este trabajo con alfombras Ciro Beltrán destaca que cada montaje va variando según el espacio de exhibición, esto gracias a la flexibilidad del material y el hecho de que no esta armado en bastidores.

Además presentará su última serie de pinturas realizadas sobre telas pre impresas, como manteles o cortinas que ya contienen diseños, en las que el artista dibuja. “Este trabajo va generando capas de lo que viene como diseño industrial y lo que yo dibujo encima. De la misma manera como trabajo con los cierres perimetrales de los metros que tienen graffitis, están forrados o rayados y yo los intervengo. En la alfombra se da la misma superposición de imagen tras imágenes que ya están hechas y que se convierten en la atmósfera del trabajo”, explicó.

En ambas obras Beltrán plasma lo que observa en sus paseos creativos por la ciudad; también sobre lo que ocurre a nivel cultural y social, con la intención de sacar al artista del taller e interactuar con lo que está pasando en la calle.

“Me interesa producir un cruce, porque no todos van a la galería, es un grupo muy pequeño el que sigue las artes. Entonces yo desde un principio cuando estudiaba acá en los años 80, empecé a hacer dibujos en la vía publica y eso lo he mantenido hasta el día de hoy, porque va con mi idea de extender el taller o ver en la calle una posibilidad también de taller y un lugar de reflexión del trabajo. De allí el nombre de la muestra: Registros de Circulación”, señaló.

En esta búsqueda de interconectar el museo, la galería, la institución con la calle y los distintos lugares donde va, Ciro Beltrán ha exhibido sus pinturas impresas en el exterior, como lo presentando en La Habana durante el 2018 o la exposición actual en la Corporación Cultual Las Condes, siempre desde un montaje creativo que varia enormemente de sala en sala.

“Por ejemplo lo que exhibo en Las Condes, donde hay obras antiguas de los 90, del 2000 y una serie que tiene que ver con textos poéticos, es totalmente diferente a lo que presento acá. Por eso, si algún estudiante que se interese en mi trabajo va a esa exposición vera una segunda mirada del montaje totalmente diferente”, indicó.

Al ser consultado por la relevancia que tiene la Sala Juan Egenau para presentar sus trabajos, el artista señaló que “para mí es importante por el hecho de haber estudiado acá, porque después de eso estuve como 25 años viviendo fuera de Chile y siempre es bueno volver a los lugares que uno recorrió. Acá tengo un grato recuerdo, como lo realizado en el año 87 cuando hicimos una acción de arte y plantamos una serie de pimientos que aún están por el costado del edificio. Eso es algo que uno dejó en la escuela, es un vinculo, independiente de todos los otros vínculos que nos podemos imaginar y que conocemos, hay algo físico real”, concluyó el artista.

La inauguración de Registros de Circulación de Ciro Beltrán se desarrollará este martes 20 de agosto a las 13:30 horas en la Sala Juan Egenau ubicada en Las Encinas 3370, Ñuñoa. La entrada es liberada y se puede visitar de lunes a jueves de 10:00 a 21:00 horas y viernes de 10:00 a 14:00 horas.

«Periscopio»

PERISCOPIO: FOTOGRAFIAR EL MAR DESDE LAS OLAS

Si bien la relación con el agua de José Diniz fue cercana desde siempre, sólo después de los 50 años fue que comenzó su exploración con imágenes capturadas desde el mar, tomadas en distintos lugares de Brasil y Uruguay. Ingresaba desde la orilla de la playa con una caja en sus manos –en cuyo interior llevaba una cámara análoga– y nadaba contra la corriente hasta alejarse de las olas que rompían en la orilla. Una vez ahí esperaba durante horas el momento indicado para disparar, ya que en medio del Atlántico no podía cambiar rollos, ni lentes ni cámaras.

La serie Periscopio fue desarrollada entre 2007 y 2014, en el cual se han registrado un universo de nadadores, cruceros, embarcaciones menores, helicópteros y avionetas. Se trata de obras en blanco y negro (análogas y digitales) que fueron editadas en el fotolibro homónimo publicado por Editorial Madalena que rescata la poética del mar, su movimiento y vida, desde una perspectiva inusual y misteriosa.
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Periscopio: Instrumento óptico para observar, generalmente desde una posición oculta o protegida, un objeto situado por encima de un obstáculo que impide la visión directa; consiste en un sistema de espejos o prismas montados en un tubo colocado en vertical, que puede subir, bajar y girar en todas las direcciones; se usa especialmente en los submarinos para observar lo que se halla sobre la superficie del mar, cuando están sumergidos.
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José Diniz. Nació en Niteroi, Brasil, en 1954, y actualmente vive en Río de Janeiro.

Estudió fotografía en la UCAM (Universidad Cândido Mendes) en Río de Janeiro, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y en la Escuela de Artes Visuales en Parque Lage, Río de Janeiro.

Autor de los libros “Literariamente” (2009) y “Periscope” (2014), siendo este último nominado como uno de los mejores libros de 2014 por el International Center of Photography, Maison Européenne de la Photographie, Lens Culture, y otros. Ha participado en varias publicaciones en Brasil y en el extranjero, y también ha producido muchos libros de artistas que se encuentran en varias colecciones en Brasil, Argentina, Estados Unidos y Europa.

En 2013 su portafolio fue destacado por el British Journal of Photography como “Ones to watch – The talent issue”. En 2012 ganó el premio de Marc Ferrez de Fotografía – FUNARTE (Fundación Nacional de Arte, Ministerio de Cultura de Brasil) con el proyecto MARESIA, que expuso en el Centro Cultural de la Corte Federal de Río de Janeiro en 2013. En 2011 participó en la exposición International Discoveries III, una selección bienal de 12 fotógrafos en el mundo realizada por los curadores de FOTOFEST – USA.

Martes a Viernes, de 12:30 a 20:30 horas / Sábado y Domingo, de 15:00 a 21:00 horas. Hasta el domingo 29 de septiembre.

«Identidad Corporal»

CICLO MIGO PRESENTA MUESTRA FOTOGRÁFICA EXPERIMENTAL “IDENTIDAD CORPORAL”

14 al 29 de agosto de 2019, Migo, Galería Drugstore, Local 01. Abierto de lunes a viernes, de 11:00 a 20:00 horas; sábado de 11:00 a 15:30 horas. Entrada liberada, espacio de libre tránsito. Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, convocatoria 2019.

  • A través de ejercicios donde mezcla lo digital, analógico y el formato instantáneo, el joven fotógrafo Francisco Finat experimenta con la corporalidad humana, logrando paisajes y perspectivas sorprendentes.
  • “Identidad corporal” se compone de una veintena de fotografías de mediano formato, resultado de una larga investigación en donde el artista deambuló por diferentes estéticas, formatos e influencias.

Estudiante de diseño de la Universidad Católica, Francisco Finat (Santiago de Chile, 1996) siempre se deslumbró por la fotografía, lo que lo impulsó a experimentar en este campo de manera autodidacta. El hito que marcaría ese destino fue su acercamiento académico a la corporalidad a través del ramo “Cuerpo en la historia del arte”, que cambió su manera de apreciar el cuerpo y sus expresiones. “Comencé retratando amigos cercanos entendiendo la corporalidad y sus matices,  lo que me permitió despojarme paulatinamente de los prejuicios en torno a la imagen e identidad, temáticas fundamentales en el mundo contemporáneo”, reflexiona el artista.

En este recorrido Finat entendió que lo suyo eran las composiciones corporales, tal como se trabaja el paisaje, logrando así tomas sorprendentes que deslocalizan el cuerpo desde diversas perspectivas. Clave en este camino fue encontrarse con otros artistas y aprender de ellos, como la pareja de fotógrafos Noli & Provoste con quienes hizo la práctica, cuyo trabajo autodidacta y experimental que mezcla la fotografía con el diseño escénico con gran libertad, lo marcó. Esas experiencias han sido fundamentales en su formación y le han permitido trazar una ruta amplia y ecléctica. “Es muy inspirador conocer gente a través de la creación, sin cerrarse a nada. Hace poco estoy experimentando en la fotografía de moda, intentando trabajarla desde un concepto más amplio, siempre desde la identidad porque al fin y al cabo, pese al maquillaje y los estereotipos, se trata de cuerpos humanos como cualquier otro”, agrega.

La experimentación también incluye la búsqueda de formatos, razón por la cual ha aprendido a revelar y ampliar sus propias fotografías, mezclando esa experiencia con lo digital y lo instantáneo, como lo han hecho grandes artistas que son su inspiración y referente, como Edward Weston, Ren Hang,  Rodney Smith, Helmut Newton, y el chileno Sergio Larraín.

Sobre el artista

Francisco Finat es estudiante de cuarto año de diseño de la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile y fotógrafo autodidacta. A partir del retrato, el joven artista se ha dedicado a estudiar la expresión corporal desde lo autoral, dedicándose a experimentar con el cuerpo humano y la búsqueda de identidad a través de éste. Actualmente trabaja de manera independiente como diseñador y fotógrafo y ha colaborado con revistas como Galio y The Format Mag. Esta es su primera muestra individual.

CICLO MIGO

Este proyecto fue financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, convocatoria 2019 del ministerio e incluye seis muestras individuales de artistas chilenos a lo largo de 2019, más un libro recopilatorio que incluirá todo este material artístico.

El espacio de exhibición es Migo, ubicado en galería Drugstore de Providencia, un lugar de alta visibilidad y tránsito de personas. Como tienda y laboratorio fotográfico, el interés es relevar talentos chilenos que aporten nuevas miradas y realidades para expandir nuestra cultura e imaginario.

Los fotógrafos convocados son Elías Díaz, Soledad Burgos, Loreto Ortega, Francisco Finat, Colectivo Fotográfico Rural, y Emilio Marín.

“Contemplativos”

En su objetivo por agrandar el círculo Aninat Galería presenta los trabajos recientes del artista Sebastián Yrarrázaval, artista autodidacta con formación en arquitectura, cuya pintura compleja, analítica y provocativa, se concentra en la psiquis del hombre contemporáneo. La muestra llamada “Contemplativos” estará abierta desde el martes 13 de agosto al 20 de septiembre.

“Contemplativos”
Sebastián Irarrázaval
13 de agosto – 20 de septiembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 13 de agosto | 7 pm

Siguiendo el paradigma en la Historia del arte occidental contemporáneo, la figura del sujeto en primer plano es el eje central en el trabajo de Sebastián Yrarrázaval. El artista rememora tangencial e insistentemente aquello que lo obsesiona: la psicología del ser humano y aquello que él entiende como su innata e inexorable inclinación hacia la transformación de la figura existencialista y psicológica del hombre.

Yrarrázaval vuelve con una muestra individual después de dos años de taller. La muestra consta de ocho pinturas de gran formato cuya composición son diferentes personajes en espacios cerrados. Su técnica consiste en la aplicación de numerosas capas gruesas de pigmento hasta producir un impasto delicado pero denso, que le permite construir capas y veladuras. Sus pinturas se caracterizan por tener trazos gestuales y únicos para representar pocos pero complejos objetos.

Utilizando una rica paleta de colores construye espacios vacíos, donde la figura humana posee una narrativa compleja y deconstruida. La pintura no devela los detalles del paisaje o de las figuras humanas que pinta; lo fundamental para el autor es plasmar en sus cuadros la visión de que la pintura se piensa a sí misma. De este modo, sus pinturas muestran un interesante trabajo relacionado con el juego de luces y sombras, y con la trasgresión constante de la perspectiva clásica, que invitan a reflexionar sobre la pintura como un artificio.

Sebastián Yrarrázaval realiza una obra enigmática, pinta la figura humana expuesta y vulnerable, deformada y mutilada, logrando así expresar la soledad del hombre contemporáneo. Yrarrázaval provoca la activación de todo el sistema nervioso en el espectador, su pintura atrapa y no deja indiferente al observador.

Se puede apreciar en sus trabajos un profundo conocimiento de los procedimientos propios de la pintura abstracta, así como el aspecto emocional que caracteriza su aplicación del color en el lienzo. Las obras de Sebastián nos recuerdan a los trabajos de Francis Bacon, e incluso las de su tío Ricardo Yrarrázaval, ya que posee marcada violencia emocional y distorsión expresionista en sus figuras.

El trabajo de Sebastián Yrarrázaval es inusual tanto por sus formas como por su contenido. Complejo y contradictorio, es intenso y problemático. Admirable y simultáneamente preocupante, ataca por sorpresa. Trabaja directamente hombre a hombre con la tela, por ello su pintura es inquietante, auténtica y enigmática. Las pinturas  “abstracta existencialista”, que presenta en la muestra  “Contemplativos”, son trabajos maduros y complejos que no deja indiferente al espectador.

«La casa simbólica»

PAULA TOTO-BLAKE
«La Casa Simbólica»
curadora: Carina Cagnolo
GABINETE

INAUGURACIÓN SÁBADO 10 DE AGOSTO DE 2019, 12:00 – 14:00 HRS

“La Casa Simbólica”
Paula Toto-Blake
10 de agosto – 20 de septiembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 10 de agosto | 12 pm 

La ciudad de La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, Argentina, posee una génesis fundacional cautivante. A diferencia de otras ciudades de Argentina, cuyo cuneo fundante se inscribe en matrices cruzadas entre la administración virreinal e iconologías clericales, La Plata evidencia un tejido urbano cuya traza estructural es un símbolo masón. Proyectada con instrumentos de precisión, el compás, la escuadra, el nivel, la plomada, su diseño pertenece a una conciencia de época, progresista, y de logia masónica, de valores éticos, políticos y sociales no clericales e ilustrados.

La obra de Paula Toto Blake, que se presenta hoy en la Aninat Galería, parte de una investigación exhaustiva sobre la ciudad de La Plata, de su pasado fundacional, masónico. Esta génesis, sostenida por valores del progreso ilustrado, a fines del Siglo XIX, se contrapone a la experiencia de la destrucción sufrida en la ciudad por la inundación de 2013, que dejó a La Plata en un estado de desolación y rabia por la responsabilidad de la administración estatal en esta tragedia. El día 2 de abril, La Plata colapsó por el desborde de un dique de contención ante el fuerte caudal de lluvias. El mismo día, Toto Blake desmontaba la exposición Fragilidad, en Buenos Aires. En ella reunía un conjunto de imágenes fotográficas donde evidenciaba rastros de destrucción y el paso del tiempo, como huellas de fragilidad humana ante la muerte. La Plata es la ciudad natal de la artista y allí reside parte de su familia. Esta coincidencia, hablar de la fragilidad en el momento en que La Plata colapsaba, fue el motivo por el cual Toto Blake decidió comenzar con el trabajo que hoy muestra La Casa Simbólica. Las vivencias de los hechos trágicos de esos días, la experiencia de la comunidad cercana, las imágenes de las marcas de nivel del agua sobre los muros de la ciudad tras el paso de la inundación, motivaron un trabajo de archivo e investigación, tanto de la historia de la ciudad como de estos hechos actuales.

Un pasado moderno repleto de simbologías y de iconografía masónica. Un presente marcado por la catástrofe y la desolación. La dualidad de las imágenes se muestra casi como oxímoron. Paradojas entre lo que perdura y lo que cae; entre el monumento, como símbolo de autoridad de la HIstoria, y el anti-monumento, como necesidad de volver a memorias y experiencias singulares. La traza simbólica masónica se superpone a las imágenes fotográficas de monumentos, íconos del poder y del saber. El tejido informe de la destrucción se advierte en este procedimiento dual que realiza la artista: los mismos edificios son transformados en anti-monumentos y ponen en evidencian sus propias fisuras. Las imágenes funcionan así como dispositivos: son entramados complejos de signos de poder (edificios clave en la conformación de la autoridad institucional, política, académica), y de lugares de saber (el conocimiento como núcleo preponderante en la actividad masónica, la hegemonía de los discursos científicos…).

La anulación del contexto en las fotografías es otro significante clave en la obra de Toto Blake. La atmósfera de las imágenes parece carecer de temporalidad, lleva la mirada a un lugar sin historia. Una paradoja sin dudas, ya que la historia es fundante de todo proceso poético en estas imágenes. Sin embargo, el pasado y la memoria se concentran en los diferentes planos de la imagen, el edificio, el monumento, la localización, y luego, la simbología masónica, o la huella de la destrucción actual. La historia se condensa allí, pero se vuelve anacrónica en el resto de la fotografía. No hay “clima”, no hay atmósfera, no sabemos cómo es el día, cuales son los rastros de la naturaleza en la imagen. Como si todos los días fueran iguales y la temporalidad quedara enmarcada en el rastro físico del cemento monumental. En este sentido, existe cierta reminiscencia a la fotografía conceptual de Berhard & Hilla Becher, dónde los recursos técnicos se ajustan con el fin de igual cualquier rastro natural en la imagen, haciendo que nuestra mirada tenga un solo foco, el monumento, convertido en despojo: el anti-monumento.

Algo se juega en esta dicotomía: los monumentos del saber y del poder devienen iconos duales, develan su pertenencia a una fundación de logias masónicas a la vez que muestran su condición siempre pendiente de convertirse en anti-monumentos, en la huella de la destrucción inminente.

Solo mediante un trabajo enérgico y dedicado sobre los archivos y el saber sobre la historia de la ciudad de La Plata es posible llegar a la densidad conceptual de estas imágenes. Es el interés de Paula Toto Blake por evidenciar, bajo la forma sensible, las múltiples dimensiones que esconde la trama de esta geografía.

Inauguración de «Galería Cero»

PRIMERA GALERÍA DE ARTE PARA LA INFANCIA EN CHILE

Este viernes 9 de agosto a las 12:00 horas, Centro Cultural La Moneda inaugurará Galería Cero, una nueva sala de exposiciones dedicada a que niños y niñas vivan de manera cercana una primera experiencia estética, que permita comenzar a construir desde su infancia vínculos con la cultura y el arte.

En la ocasión se inaugurará la muestra “La Maleta infinita”, de la artista e ilustradora chilena Francisca Yáñez.

VIERNES 9 DE AGOSTO | 2019
12:00 HORAS | GALERÍA CERO, NIVEL -1
CENTRO CULTURAL LA MONEDA
PLAZA DE LA CIUDADANÍA 26, SANTIAGO DE CHILE

«Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano»

Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de la artista chilena Marcela Serrano se expone en D21 Proyectos de Arte

A partir del viernes 09 de agosto hasta el jueves 17 de septiembre se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano curada por Sebastián Valenzuela-Valdivia.

Marcela Serrano es principalmente conocida por su trabajo como escritora, sin embargo, en sus comienzos está estrechamente ligada a la llamada “neovanguardia” de las artes chilenas. Luego de vivir en Tierra del Fuego vuelve a Santiago en 1977, y estudia artes visuales en la Pontificia Universidad Católica, en un momento en el cual las discusiones sobre el papel de la fotografía daban paso a las discusiones sobre el rol del grabado y sus desplazamientos. Serrano realiza una serie de estos ejercicios donde utiliza el video, el libro y el cuerpo. Siempre en tensión con la técnica del grabado, Serrano problematizaba los límites del cuerpo y de la identidad de género (sus roles constitutivos y normativos), creando unas ficciones performáticas que tomarían la forma de una publicación, una sesión fotográfica o de un video. El trabajo de Serrano ha permanecido sin exhibir por más de 30 años y sólo de manera fragmentada forma parte de algunos relatos de la historia del arte chileno. Valenzuela-Valdivia, curador, rescata esta obra y la re-activa poniendo en circulación un discurso crítico, feminista, que bajo la luz contemporánea cobra un nuevo matíz que la vuelve contingente.

La exposición muestra los resultados de la investigación realizada por Valenzuela-Valdivia quien, a través de su trabajo analitico de archivos y centros de documentación, reflexiona acerca del papel del cuerpo y su mediación a través de múltiples formatos como libros, fotografías y video. 

Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano está compuesta por más de cincuenta fotografías de diferentes dimensiones y una instalación-audiovisual que comprende cinco monitores y una proyección. De esta manera se  exhibirá íntegramente el proyecto Autocríticas (1980), El Paisaje de la Pintura Chilena (1982) y Yo Dora (1983). La exposición incluye material de archivo que contextualiza y sitúa históricamente las piezas de Serrano. Tiras de pruebas, documentos, libros, catálogos, recortes de prensa, entre otros materiales expuestos, tejen y conectan las diversas capas del trabajo de Serrano.  

Sobre la artista

Marcela Serrano (Santiago, 1951) Escritora. Licenciada en Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica Ha publicado libros como Nosotras que nos queremos tanto (Los Andes, 1991), Para que no me olvides (Los Andes, 1993), Antigua vida mía (Alfaguara, 1995) y más recientemente La llorona (Planeta, 2008) y Diez mujeres (Alfaguara, 2011) entre otras. En sus comienzos incursionó en las artes visuales desarrollando un trabajo de expansión del grabado que cruzaba el video, el foto-libro y la performance. Participó en importantes exposiciones colectivas a fines de los 70 y comienzos de los 80 como los Festivales de Video-Arte y los concursos realizados en el Museo Nacional de Bellas Artes, entre otros.

Sobre el curador

Sebastián Valenzuela-Valdivia (Santiago, 1990) Investigador y curador de arte contemporáneo. Es Magíster en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile y trabaja como Investigador en Digital Archive Project at International Center for the Arts of the Americas at the Museum of Fine Arts, Houston; Encargado del acceso y difusión del Archivo del Museo de la Solidaridad de Salvador Allende, Desarrollador del Archivo Ronald Kay y Director/Editor, ÉCFRASIS, ediciones y de ÉCFRASIS: Revista Estudios Críticos de Arte Contemporáneo.

Sus investigaciones y curatorías abordan principalmente estudios de recepción de imagen a través de archivos, performance mediadas y prácticas curatoriales. Ha sido beneficiado en nueve ocasiones con fondos concursables o becas, de los cuales ha realizado proyectos de investigación y edición de publicaciones. Actualmente trabaja en su primer libro con Ediciones Metales Pesados (Chile) el cual se titula Mediaciones del cuerpo a través del archivo; foto, video y libro performance en Chile (1973-1990).

D21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia (Metro Los Leones) Santiago de Chile, CP 7510054 / Entrada liberada / lunes a viernes de 11 a 19 hrs. sábado de 11 a 15 hrs. / +56 2 23356301 / info@d21.cl / www.d21.cl / www.facebook.com/D21.ProyectosdeArte

«Reencuentro»

Sheila Hicks, la artista textil más importante del mundo, llega al Museo Precolombino
Del 9 de agosto al 31 de enero, Sheila Hicks, la artista textil más importante del mundo, vuelve a Chile después de cincuenta años con la exposición Reencuentro, presentada por el Museo Chileno de Arte Precolombino y Escondida | BHP.

A través de más de cincuenta de sus obras y una selección de piezas del Museo Precolombino, algunas de ellas nunca antes exhibidas al público, Reencuentro presenta un amplio panorama del trabajo de la artista, mediante un recorrido temático que pone en diálogo el arte contemporáneo y la herencia del arte indígena americano.

Con cinco décadas de trayectoria artística, la obra de Sheila Hicks ha sido expuesta en destacados museos, galerías internacionales, monumentos y espacios públicos, entre ellos el Centre Pompidou y el Palais de Tokyo en París, el Tate en Londres y el High Line Park en Nueva York.

“Sheila Hicks es considerada la mejor artista textil viviente, por lo que es fantástico poder traerla al Museo Precolombino. Ella comenzó su vocación por el arte textil a través de los tejidos precolombinos, una vía de investigación artística que se abrió en un viaje a Chile a fines de la década de los cincuenta”, explica Carlos Aldunate, director del Museo Chileno de Arte Precolombino.

Como discípula de Josef Albers y con una formación artística basada en la filosofía Bauhaus, en 1957 Sheila Hicks emprende un viaje por Sudamérica desde Venezuela hasta Tierra del Fuego, experiencia fundamental en su formación. Fue en este recorrido por los Andes donde aprendió técnicas textiles y cosmovisiones ancestrales que cambiarían su vida para siempre y donde, inspirada en los paisajes y arquitecturas del sur de América, comenzó a crear su propia obra textil.

“Las personas que conocí en Chile me ayudaron a formar mi estructura cultural y me inspiran hasta hoy.  Me encantó ver cómo la gente era independiente en el sentido de que sabía cómo construir una vida, improvisando todos los días y todas las noches y logrando una expresión donde no hay repetición, sino que cada uno es un individuo con una personalidad, preferencias, ideales y habilidades de creación. Estoy viviendo un poema que empezó en Chile en 1957 y nunca terminó”, expresa Sheila Hicks.

La exposición Reencuentro es posible gracias a la exitosa alianza entre el Museo Precolombino y Escondida | BHP, con el objetivo de reconocer la herencia de los pueblos originarios de América, poner en valor el arte indígena y fomentar su creación, otorgándole la dignidad que merece.

“Estamos muy orgullosos de presentar las obras de Sheila Hicks junto al Museo Precolombino, en el marco de nuestra alianza de más de dos décadas. Nos sentimos especialmente emocionados porque en esta oportunidad damos un paso más al integrar el arte contemporáneo de Sheila Hicks con la cultura y técnica ancestrales de los Andes, representadas por espectaculares piezas de la colección del Museo. Los invitamos, por lo tanto, a explorar y a inspirarse con esta exposición que refleja las múltiples posibilidades de creación que ofrece el cruce de lenguajes y culturas”, afirma Alejandra Garcés, directora de Comunidades y Asuntos Indígenas de Escondida | BHP.

Una exposición conmovedora

Reencuentro de Sheila Hicks destaca por su colorido, textura y monumentalidad, vinculando la arquitectura, geometría, diseño, artesanía, arte contemporáneo y precolombino en piezas textiles innovadoras y bellas.

“Va a ser una exposición, primero que nada, hermosa. Las obras que vienen de Sheila Hicks son realmente conmovedoras y las piezas de la colección del museo son magníficas, va a haber arte contemporáneo y precolombino de primer nivel”, expresa Carolina Arévalo, curadora de  Reencuentro.

La muestra está dividida en cuatro secciones curatoriales que dialogan y se superponen, comenzando desde el hilo como unidad esencial, la arquitectura y la fotografía, los espacios cromáticos, el paisaje y la memoria para finalizar en Ser Textil. Durante este recorrido se evidencia el paso de Sheila Hicks por Chile y Sudamérica, su trayectoria y la analogía entre su obra, los tejidos andinos y la arquitectura precolombina.

Entre las más de cincuenta piezas exhibidas destacan Zapallar DomingoChiloé-Chonchi,Parque Forestal y Tacna Arica, que evidencian su relación con los paisajes y arquitecturas del territorio chileno, y los minimes, pequeños tejidos con los que la artista comenzó a estudiar métodos ancestrales, experimentando con texturas y variaciones de escala.

La exposición incluye la exhibición de 16 fotografías inéditas de la artista en París, México, Ecuador, Perú y Chile y la proyección del video Opening the Archives, un emotivo registro en el que Sheila Hicks revisa su archivo personal de imágenes. Además se instalará la monumental obra Aprentizaje de la Victoria en Patio Sur, poniendo de manifiesto el vínculo entre el trabajo de Sheila Hicks y la arquitectura del edificio patrimonial del Museo Precolombino.

Las piezas y fotografías de Reencuentro provienen tanto del Atelier Sheila Hicks como del Centro Pompidou, Sikkema Jenkins & Co, Demisch Danant, Galerie Frank Elbaz, Alison Jacques Gallery y Cristóbal Zañartu.

Hilos que nos unen

Para Reencuentro, el Museo Precolombino en alianza con Fundación Mustakis contará con plataformas audiovisuales y digitales en sala que permitirán visibilizar y profundizar en la relación de los textiles de Sheila Hicks y los tejidos precolombinos.

La exposición cuenta con un amplio programa de educación y extensión, en que destaca la charla magistral de Sheila Hicks y la visita del curador del Centro Pompidou Michel Gauthier, además de encuentros, conversatorios y talleres gratuitos.

Estas actividades son fruto de la colaboración entre el Museo Precolombino, el Centro Cultural La Moneda, Corporación Cultural Amereida, la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile, la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Feria Ch.ACO, Fundación Artesanías de Chile, Fundación Caserta, Fundación Colorearte, Instituto Francés de Chile, Museo de Arte Popular Americano, Museo de la Solidaridad Salvador Allende y el Museo Nacional de Bellas Artes.

La exposición Reencuentro es un proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales.

SHEILA HICKS | REENCUENTRO

Lugar: Museo Chileno de Arte Precolombino (Bandera 361, Santiago)
Fecha: Del 9 de agosto de 2019 al 31 de enero de 2020
Horarios: De martes a domingo de 10 a 17.30 horas
Entrada: Chilenos y extranjeros residentes: $1.000, estudiantes chilenos y extranjeros residentes: $500, turistas extranjeros: $7.000, estudiantes extranjeros: $3.500. Menores de 10 años, entrada liberada. Personas pertenecientes a los pueblos originarios, entrada liberada. Adultos mayores locales, entrada liberada. Primer domingo de cada mes, entrada liberada. Entérate de todas las instancias de gratuidad enprecolombino.cl/planifica-tu-visita/entradas/