«La casa simbólica»

PAULA TOTO-BLAKE
«La Casa Simbólica»
curadora: Carina Cagnolo
GABINETE

INAUGURACIÓN SÁBADO 10 DE AGOSTO DE 2019, 12:00 – 14:00 HRS

“La Casa Simbólica”
Paula Toto-Blake
10 de agosto – 20 de septiembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 10 de agosto | 12 pm 

La ciudad de La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, Argentina, posee una génesis fundacional cautivante. A diferencia de otras ciudades de Argentina, cuyo cuneo fundante se inscribe en matrices cruzadas entre la administración virreinal e iconologías clericales, La Plata evidencia un tejido urbano cuya traza estructural es un símbolo masón. Proyectada con instrumentos de precisión, el compás, la escuadra, el nivel, la plomada, su diseño pertenece a una conciencia de época, progresista, y de logia masónica, de valores éticos, políticos y sociales no clericales e ilustrados.

La obra de Paula Toto Blake, que se presenta hoy en la Aninat Galería, parte de una investigación exhaustiva sobre la ciudad de La Plata, de su pasado fundacional, masónico. Esta génesis, sostenida por valores del progreso ilustrado, a fines del Siglo XIX, se contrapone a la experiencia de la destrucción sufrida en la ciudad por la inundación de 2013, que dejó a La Plata en un estado de desolación y rabia por la responsabilidad de la administración estatal en esta tragedia. El día 2 de abril, La Plata colapsó por el desborde de un dique de contención ante el fuerte caudal de lluvias. El mismo día, Toto Blake desmontaba la exposición Fragilidad, en Buenos Aires. En ella reunía un conjunto de imágenes fotográficas donde evidenciaba rastros de destrucción y el paso del tiempo, como huellas de fragilidad humana ante la muerte. La Plata es la ciudad natal de la artista y allí reside parte de su familia. Esta coincidencia, hablar de la fragilidad en el momento en que La Plata colapsaba, fue el motivo por el cual Toto Blake decidió comenzar con el trabajo que hoy muestra La Casa Simbólica. Las vivencias de los hechos trágicos de esos días, la experiencia de la comunidad cercana, las imágenes de las marcas de nivel del agua sobre los muros de la ciudad tras el paso de la inundación, motivaron un trabajo de archivo e investigación, tanto de la historia de la ciudad como de estos hechos actuales.

Un pasado moderno repleto de simbologías y de iconografía masónica. Un presente marcado por la catástrofe y la desolación. La dualidad de las imágenes se muestra casi como oxímoron. Paradojas entre lo que perdura y lo que cae; entre el monumento, como símbolo de autoridad de la HIstoria, y el anti-monumento, como necesidad de volver a memorias y experiencias singulares. La traza simbólica masónica se superpone a las imágenes fotográficas de monumentos, íconos del poder y del saber. El tejido informe de la destrucción se advierte en este procedimiento dual que realiza la artista: los mismos edificios son transformados en anti-monumentos y ponen en evidencian sus propias fisuras. Las imágenes funcionan así como dispositivos: son entramados complejos de signos de poder (edificios clave en la conformación de la autoridad institucional, política, académica), y de lugares de saber (el conocimiento como núcleo preponderante en la actividad masónica, la hegemonía de los discursos científicos…).

La anulación del contexto en las fotografías es otro significante clave en la obra de Toto Blake. La atmósfera de las imágenes parece carecer de temporalidad, lleva la mirada a un lugar sin historia. Una paradoja sin dudas, ya que la historia es fundante de todo proceso poético en estas imágenes. Sin embargo, el pasado y la memoria se concentran en los diferentes planos de la imagen, el edificio, el monumento, la localización, y luego, la simbología masónica, o la huella de la destrucción actual. La historia se condensa allí, pero se vuelve anacrónica en el resto de la fotografía. No hay “clima”, no hay atmósfera, no sabemos cómo es el día, cuales son los rastros de la naturaleza en la imagen. Como si todos los días fueran iguales y la temporalidad quedara enmarcada en el rastro físico del cemento monumental. En este sentido, existe cierta reminiscencia a la fotografía conceptual de Berhard & Hilla Becher, dónde los recursos técnicos se ajustan con el fin de igual cualquier rastro natural en la imagen, haciendo que nuestra mirada tenga un solo foco, el monumento, convertido en despojo: el anti-monumento.

Algo se juega en esta dicotomía: los monumentos del saber y del poder devienen iconos duales, develan su pertenencia a una fundación de logias masónicas a la vez que muestran su condición siempre pendiente de convertirse en anti-monumentos, en la huella de la destrucción inminente.

Solo mediante un trabajo enérgico y dedicado sobre los archivos y el saber sobre la historia de la ciudad de La Plata es posible llegar a la densidad conceptual de estas imágenes. Es el interés de Paula Toto Blake por evidenciar, bajo la forma sensible, las múltiples dimensiones que esconde la trama de esta geografía.

Inauguración de «Galería Cero»

PRIMERA GALERÍA DE ARTE PARA LA INFANCIA EN CHILE

Este viernes 9 de agosto a las 12:00 horas, Centro Cultural La Moneda inaugurará Galería Cero, una nueva sala de exposiciones dedicada a que niños y niñas vivan de manera cercana una primera experiencia estética, que permita comenzar a construir desde su infancia vínculos con la cultura y el arte.

En la ocasión se inaugurará la muestra “La Maleta infinita”, de la artista e ilustradora chilena Francisca Yáñez.

VIERNES 9 DE AGOSTO | 2019
12:00 HORAS | GALERÍA CERO, NIVEL -1
CENTRO CULTURAL LA MONEDA
PLAZA DE LA CIUDADANÍA 26, SANTIAGO DE CHILE

«Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano»

Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de la artista chilena Marcela Serrano se expone en D21 Proyectos de Arte

A partir del viernes 09 de agosto hasta el jueves 17 de septiembre se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano curada por Sebastián Valenzuela-Valdivia.

Marcela Serrano es principalmente conocida por su trabajo como escritora, sin embargo, en sus comienzos está estrechamente ligada a la llamada “neovanguardia” de las artes chilenas. Luego de vivir en Tierra del Fuego vuelve a Santiago en 1977, y estudia artes visuales en la Pontificia Universidad Católica, en un momento en el cual las discusiones sobre el papel de la fotografía daban paso a las discusiones sobre el rol del grabado y sus desplazamientos. Serrano realiza una serie de estos ejercicios donde utiliza el video, el libro y el cuerpo. Siempre en tensión con la técnica del grabado, Serrano problematizaba los límites del cuerpo y de la identidad de género (sus roles constitutivos y normativos), creando unas ficciones performáticas que tomarían la forma de una publicación, una sesión fotográfica o de un video. El trabajo de Serrano ha permanecido sin exhibir por más de 30 años y sólo de manera fragmentada forma parte de algunos relatos de la historia del arte chileno. Valenzuela-Valdivia, curador, rescata esta obra y la re-activa poniendo en circulación un discurso crítico, feminista, que bajo la luz contemporánea cobra un nuevo matíz que la vuelve contingente.

La exposición muestra los resultados de la investigación realizada por Valenzuela-Valdivia quien, a través de su trabajo analitico de archivos y centros de documentación, reflexiona acerca del papel del cuerpo y su mediación a través de múltiples formatos como libros, fotografías y video. 

Un cuerpo escenificado: foto, video y libro-performance de Marcela Serrano está compuesta por más de cincuenta fotografías de diferentes dimensiones y una instalación-audiovisual que comprende cinco monitores y una proyección. De esta manera se  exhibirá íntegramente el proyecto Autocríticas (1980), El Paisaje de la Pintura Chilena (1982) y Yo Dora (1983). La exposición incluye material de archivo que contextualiza y sitúa históricamente las piezas de Serrano. Tiras de pruebas, documentos, libros, catálogos, recortes de prensa, entre otros materiales expuestos, tejen y conectan las diversas capas del trabajo de Serrano.  

Sobre la artista

Marcela Serrano (Santiago, 1951) Escritora. Licenciada en Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica Ha publicado libros como Nosotras que nos queremos tanto (Los Andes, 1991), Para que no me olvides (Los Andes, 1993), Antigua vida mía (Alfaguara, 1995) y más recientemente La llorona (Planeta, 2008) y Diez mujeres (Alfaguara, 2011) entre otras. En sus comienzos incursionó en las artes visuales desarrollando un trabajo de expansión del grabado que cruzaba el video, el foto-libro y la performance. Participó en importantes exposiciones colectivas a fines de los 70 y comienzos de los 80 como los Festivales de Video-Arte y los concursos realizados en el Museo Nacional de Bellas Artes, entre otros.

Sobre el curador

Sebastián Valenzuela-Valdivia (Santiago, 1990) Investigador y curador de arte contemporáneo. Es Magíster en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile y trabaja como Investigador en Digital Archive Project at International Center for the Arts of the Americas at the Museum of Fine Arts, Houston; Encargado del acceso y difusión del Archivo del Museo de la Solidaridad de Salvador Allende, Desarrollador del Archivo Ronald Kay y Director/Editor, ÉCFRASIS, ediciones y de ÉCFRASIS: Revista Estudios Críticos de Arte Contemporáneo.

Sus investigaciones y curatorías abordan principalmente estudios de recepción de imagen a través de archivos, performance mediadas y prácticas curatoriales. Ha sido beneficiado en nueve ocasiones con fondos concursables o becas, de los cuales ha realizado proyectos de investigación y edición de publicaciones. Actualmente trabaja en su primer libro con Ediciones Metales Pesados (Chile) el cual se titula Mediaciones del cuerpo a través del archivo; foto, video y libro performance en Chile (1973-1990).

D21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia (Metro Los Leones) Santiago de Chile, CP 7510054 / Entrada liberada / lunes a viernes de 11 a 19 hrs. sábado de 11 a 15 hrs. / +56 2 23356301 / info@d21.cl / www.d21.cl / www.facebook.com/D21.ProyectosdeArte

«Reencuentro»

Sheila Hicks, la artista textil más importante del mundo, llega al Museo Precolombino
Del 9 de agosto al 31 de enero, Sheila Hicks, la artista textil más importante del mundo, vuelve a Chile después de cincuenta años con la exposición Reencuentro, presentada por el Museo Chileno de Arte Precolombino y Escondida | BHP.

A través de más de cincuenta de sus obras y una selección de piezas del Museo Precolombino, algunas de ellas nunca antes exhibidas al público, Reencuentro presenta un amplio panorama del trabajo de la artista, mediante un recorrido temático que pone en diálogo el arte contemporáneo y la herencia del arte indígena americano.

Con cinco décadas de trayectoria artística, la obra de Sheila Hicks ha sido expuesta en destacados museos, galerías internacionales, monumentos y espacios públicos, entre ellos el Centre Pompidou y el Palais de Tokyo en París, el Tate en Londres y el High Line Park en Nueva York.

“Sheila Hicks es considerada la mejor artista textil viviente, por lo que es fantástico poder traerla al Museo Precolombino. Ella comenzó su vocación por el arte textil a través de los tejidos precolombinos, una vía de investigación artística que se abrió en un viaje a Chile a fines de la década de los cincuenta”, explica Carlos Aldunate, director del Museo Chileno de Arte Precolombino.

Como discípula de Josef Albers y con una formación artística basada en la filosofía Bauhaus, en 1957 Sheila Hicks emprende un viaje por Sudamérica desde Venezuela hasta Tierra del Fuego, experiencia fundamental en su formación. Fue en este recorrido por los Andes donde aprendió técnicas textiles y cosmovisiones ancestrales que cambiarían su vida para siempre y donde, inspirada en los paisajes y arquitecturas del sur de América, comenzó a crear su propia obra textil.

“Las personas que conocí en Chile me ayudaron a formar mi estructura cultural y me inspiran hasta hoy.  Me encantó ver cómo la gente era independiente en el sentido de que sabía cómo construir una vida, improvisando todos los días y todas las noches y logrando una expresión donde no hay repetición, sino que cada uno es un individuo con una personalidad, preferencias, ideales y habilidades de creación. Estoy viviendo un poema que empezó en Chile en 1957 y nunca terminó”, expresa Sheila Hicks.

La exposición Reencuentro es posible gracias a la exitosa alianza entre el Museo Precolombino y Escondida | BHP, con el objetivo de reconocer la herencia de los pueblos originarios de América, poner en valor el arte indígena y fomentar su creación, otorgándole la dignidad que merece.

“Estamos muy orgullosos de presentar las obras de Sheila Hicks junto al Museo Precolombino, en el marco de nuestra alianza de más de dos décadas. Nos sentimos especialmente emocionados porque en esta oportunidad damos un paso más al integrar el arte contemporáneo de Sheila Hicks con la cultura y técnica ancestrales de los Andes, representadas por espectaculares piezas de la colección del Museo. Los invitamos, por lo tanto, a explorar y a inspirarse con esta exposición que refleja las múltiples posibilidades de creación que ofrece el cruce de lenguajes y culturas”, afirma Alejandra Garcés, directora de Comunidades y Asuntos Indígenas de Escondida | BHP.

Una exposición conmovedora

Reencuentro de Sheila Hicks destaca por su colorido, textura y monumentalidad, vinculando la arquitectura, geometría, diseño, artesanía, arte contemporáneo y precolombino en piezas textiles innovadoras y bellas.

“Va a ser una exposición, primero que nada, hermosa. Las obras que vienen de Sheila Hicks son realmente conmovedoras y las piezas de la colección del museo son magníficas, va a haber arte contemporáneo y precolombino de primer nivel”, expresa Carolina Arévalo, curadora de  Reencuentro.

La muestra está dividida en cuatro secciones curatoriales que dialogan y se superponen, comenzando desde el hilo como unidad esencial, la arquitectura y la fotografía, los espacios cromáticos, el paisaje y la memoria para finalizar en Ser Textil. Durante este recorrido se evidencia el paso de Sheila Hicks por Chile y Sudamérica, su trayectoria y la analogía entre su obra, los tejidos andinos y la arquitectura precolombina.

Entre las más de cincuenta piezas exhibidas destacan Zapallar DomingoChiloé-Chonchi,Parque Forestal y Tacna Arica, que evidencian su relación con los paisajes y arquitecturas del territorio chileno, y los minimes, pequeños tejidos con los que la artista comenzó a estudiar métodos ancestrales, experimentando con texturas y variaciones de escala.

La exposición incluye la exhibición de 16 fotografías inéditas de la artista en París, México, Ecuador, Perú y Chile y la proyección del video Opening the Archives, un emotivo registro en el que Sheila Hicks revisa su archivo personal de imágenes. Además se instalará la monumental obra Aprentizaje de la Victoria en Patio Sur, poniendo de manifiesto el vínculo entre el trabajo de Sheila Hicks y la arquitectura del edificio patrimonial del Museo Precolombino.

Las piezas y fotografías de Reencuentro provienen tanto del Atelier Sheila Hicks como del Centro Pompidou, Sikkema Jenkins & Co, Demisch Danant, Galerie Frank Elbaz, Alison Jacques Gallery y Cristóbal Zañartu.

Hilos que nos unen

Para Reencuentro, el Museo Precolombino en alianza con Fundación Mustakis contará con plataformas audiovisuales y digitales en sala que permitirán visibilizar y profundizar en la relación de los textiles de Sheila Hicks y los tejidos precolombinos.

La exposición cuenta con un amplio programa de educación y extensión, en que destaca la charla magistral de Sheila Hicks y la visita del curador del Centro Pompidou Michel Gauthier, además de encuentros, conversatorios y talleres gratuitos.

Estas actividades son fruto de la colaboración entre el Museo Precolombino, el Centro Cultural La Moneda, Corporación Cultural Amereida, la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile, la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Feria Ch.ACO, Fundación Artesanías de Chile, Fundación Caserta, Fundación Colorearte, Instituto Francés de Chile, Museo de Arte Popular Americano, Museo de la Solidaridad Salvador Allende y el Museo Nacional de Bellas Artes.

La exposición Reencuentro es un proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales.

SHEILA HICKS | REENCUENTRO

Lugar: Museo Chileno de Arte Precolombino (Bandera 361, Santiago)
Fecha: Del 9 de agosto de 2019 al 31 de enero de 2020
Horarios: De martes a domingo de 10 a 17.30 horas
Entrada: Chilenos y extranjeros residentes: $1.000, estudiantes chilenos y extranjeros residentes: $500, turistas extranjeros: $7.000, estudiantes extranjeros: $3.500. Menores de 10 años, entrada liberada. Personas pertenecientes a los pueblos originarios, entrada liberada. Adultos mayores locales, entrada liberada. Primer domingo de cada mes, entrada liberada. Entérate de todas las instancias de gratuidad enprecolombino.cl/planifica-tu-visita/entradas/

«Vastedades del alma»

Con más de treinta años de trayectoria, alrededor de ochenta exhibiciones individuales, 173 muestras colectivas, presentadas en 28 países, y participaciones en seis bienales nacionales e internacionales, el destacado pintor chileno CIRO BELTRÁN, de 54 años de edad, es quizás el más joven postulante al Premio Nacional de Arte 2019. Es un artista multifacético que se reconoce en lo latinoamericano y que busca recuperar los espacios públicos, en una constante búsqueda por ampliar los límites del arte. Un verdadero embajador artístico de nuestro país.

La Corporación Cultural de Las Condes reconoce su trabajo presentando la exposición antológica CIRO BELTRÁN. VASTEDADES DEL ÁNIMA, en el Centro Cultural Las Condes, que reúne un cuerpo acotado de su extensa obra, que da cuenta de un recorrido pictórico desde mediados de los ochenta con un lenguaje sostenido y coherente.

El autor ha desarrollado su obra desde la pintura. Su obra en constante transformación, revisita la palabra y la imagen para fundirse y dar origen a libros-objeto, murales, performances y pinturas sobre alfombras, telas estampadas, objetos u otros soportes. En Las Condes también estarán presentes los bocetos del mural que está preparando para el Metro de Santiago.

“Ciro Beltrán es sin lugar a dudas un creador reconocido y destacado por su constante innovación y búsqueda de lenguajes visuales renovadores. Desarrolla series paralelas que mantiene en el tiempo y entrecruza, logrando una obra extensa y significativa, múltiple y abierta a diferentes expresiones artísticas. Se muestra particularmente atento a la realidad y preocupado del medio ambiente, es sensible al recuperar los espacios públicos en su búsqueda por ampliar los límites del arte”, señala la curadora Inés Ortega-Márquez.

En 1990 se presentó en el mismo Centro Cultural Las Condes a un joven artista recién titulado de la Universidad de Chile, que, a pesar de su corta trayectoria, ya había exhibido en el extranjero y en algunas galerías locales. Hoy, 29 años después, ese pintor inquieto y visionario se transformó en un autor maduro. Su obra, vinculada al expresionismo abstracto, ha evolucionado desde aquella muestra fundacional, sin embargo, mantiene intacta la frescura y el original lenguaje plástico con que construye sus relatos.

Ya en su etapa primaria definió experimentar con el soporte y extender su trabajo al espacio público, constituyéndose en uno de los primeros artistas en abordar esta función.

Desde su primer viaje a Vancouver en 1985, y posteriormente en Santiago, como expresa la curadora, “Beltrán realiza su trabajo también directamente en la calle, iniciando su serie de Pinturas en la vía pública. Desarrolla acciones performativas, mientras su grafismo lo acerca a los petroglifos del arte precolombino. Las relaciones entre la palabra, la poesía y las artes visuales conforman una obra pictórico-poética en nuevos soportes, libros-objeto, pinturas con palabras y sus series de Dibujos teóricos, Dibujos poéticos, y Poesía instalada”.

Perteneciente junto a artistas como Francisca Núñez, Pablo Domínguez y Víctor Hugo Bravo, a la segunda oleada de la generación de transición 80-90, -tras el primer grupo conformado por Bororo, Jorge Tacla y Omar Gatica, entre otros, en la primera mitad de la década-, la pintura de Ciro Beltrán practica una reformulación de la tradición del arte chileno de los sesenta a los noventa -que pasa por el informalismo y la crítica conceptual- y proponiendo una nueva mirada para realizar un arte que amplía los lenguajes de expresión formal.

Esta exposición antológica -agrega Ortega-Márquez- “permite seguir los pasos mediante los cuales, durante más de 30 años, el artista va respondiendo a sus propios desafíos. Desde las intervenciones en la ciudad -redimensiona el paisaje y lo confronta como parte de la obra-, al instalar una nueva visualidad en el contexto urbano, sirviéndose de sus superficies como escenario y soporte pictórico”.

Los artistas que proponen a Ciro Beltrán para el Premio Nacional de Arte 2019 plantean doce puntos que explican las razones de la postulación, entre ellos, su reformulación de la tradición pictórica del arte chileno de Balmes a Bororo; instalación de una nueva visualidad en el contexto urbano; investigación constante; propuesta poética; consciencia del medio ambiente, y su calidad de embajador cultural, considerando que expone regularmente y con gran éxito en Europa y Latinoamérica.

RESEÑA DEL ARTISTA

Nacido en Santiago de Chile en 1965, se gradúa en la Universidad de Chile en 1990 y posteriormente, entre 1995 y 2000 realiza estudios de postgrado en la Kunstakademie de Düsseldorf, Alemania. Ha realizado más de ochenta exhibiciones individuales en museos, instituciones y galerías de arte de diferentes países del mundo.

En 2004 regresa a Chile para participar en la formación de la Escuela de Arte de la Universidad Austral de Chile donde se desempeñó como director entre 2005 y 2007. En el 2008 se instala nuevamente en Europa residiendo entre España y Alemania. En 2019 un grupo de artistas, curadores e intelectuales lo presentan al Premio Nacional de Arte en Chile. Actualmente vive y trabaja alternadamente entre Berlín y Santiago de Chile.

«Perderse en extrañas direcciones»

Perderse en extrañas direcciones | Sebastián Cobo
Del 8 de agosto al 7 de septiembre

“Si la repetición atañe a lo más interior de la voluntad, es porque cambia todo alrededor de ella.” (Deleuze)

Cada acción en la obra presente se produce bajo condiciones que alteran la esencia del trazo mismo. Acciones que generan gestos y movimientos que en su mayor abstracción, cargan con los distintos significados que el mismo artista les entrega, regulando el resultado visual y compositivo de la obra.

Pues en la realidad, ningún movimiento, gesto, trazo o mancha es idéntico al otro. Es en cambio, una lucha por buscar el imposible de la repetición. Así, podemos trasladar todo lo presente a la normativa acción de la naturaleza: el desarrollo de este trabajo se basa en una ‘repetición’ y semejanza constante pero itinerante de patrones. Una búsqueda incesante por esas respuestas a como funcionamos, sentimos y creamos. “Perderse En Extrañas Direcciones” es un ejercicio personal hacia una exploración por encontrar sentido a las cosas que nos rodean.

Un ejercicio pictórico con el fin de entender los ciclos como una constante semejanza en la (no) repetición de acciones. Un ejercicio físico por traspasar sensaciones y vivencias a obras que se forman con el pasar de aquello que llamamos tiempo.

“El hilo se corta por lo más delgado”

La artista María Cristina Gacitúa Mansilla nos sumerge, a través de una serie de blusas bordadas en la dualidad que vive dado por el hecho de nacer en Bolivia y haberse criado en Chile.

Esta intervención ubicada en la Galería Bicentenario se origina, luego de cuatro años de investigación, a partir del cuestionamiento de su propia identidad. Con respecto a su exposición, la artista señala que “La idea es representar, por medio de las blusas, a los cuerpos como recipientes permeables a las subjetividades externas que conforman la identidad”.

Martes a domingo, entre las 11.00 y las 19.00 horas, con entrada liberada.

“El tiempo que me queda”

Reportaje fotográfico de Constanza Hevia que retrata el acontecer cotidiano de Hugo Küschel, el hombre más longevo en el sector de Las Cascadas en Osorno.

A través de la mirada íntima de Küschel, quien falleció en 2017 a los 96 años, Hevia nos enfrenta a las repercusiones de la vejez y su cotidianidad.

“Las imágenes muestran las escenas que componían la vida diaria de Hugo, amigo de mi abuelo. Él no salía de su casa y su universo lo formaban sus memorias, el cerro, las ovejas; las cosas que podía ver desde su ventana”, aclara la fotógrafa sobre la muestra instalada en Sala Lily Garafulic.

Martes a domingo, entre las 11.00 y las 19.00 horas, con entrada liberada.

«Los invisibles»

08 AGOSTO AL 20 OCTUBRE
MARTES A DOMINGO / 10:00 A 18:00
SALA AUDIOVISUAL

En el año dedicado a profundizar “el derecho humano a ser migrantes”, el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos revisita dos obras de Ingrid Wildi Merino quea pesar de haber sido realizadas hace ya más de diez años, continúan vigentes al tratar temas tan contingentes como las problemáticas de los migrantes trabajadores indocumentados y su capacidad de resiliencia, dignidad y reivindicación en un sistema que los invisibiliza y los reduce a espacios periféricos.

El primer video-ensayo que conforma esta muestra corresponde a “Los Invisibles”(2007). Allí, Wildi Merino entrevista a inmigrantes colombianos residentes en Ginebra, Suiza, quienes viven con la artista en una casa-ocupa de la ciudad. En su mayoría, estas personas no tienen papeles, por lo que su vida transcurre bajo el temor a ser deportados en cualquier momento. Respetando su necesidad de anonimato, Ingrid Wildi Merino los retrata sin mostrar sus rostros. Ese encuadre que deja sus caras fuera de cámara, se convierte en metáfora del lugar de invisibilización hacia el cual el sistema los desplaza, convirtiéndolos en puntos ciegos y limitándolos a vivir en una precariedad absoluta en temas de empleo, vivienda y seguridad social; y bajo conflictos de identidad y cuestionamientos de pertenencia cultural y lingüística. Sin embargo, Wildi Merino, en un acto de resistencia a dicho ocultamiento forzado, utiliza el medio audiovisual para entregarles un lugar de habla: sin rostro pero presentes, sus voces y su idioma se convierten en un espacio de reivindicación, un espacio familiar y de confianza para que relaten sus vivencias y afloren aquellas fisuras que el orden establecido busca ocultar.

En segundo lugar, se presenta la video-instalación “Muertos Civiles” (2009), la cual por primera vez se muestra traducida en Chile. En ella, la artista organiza un seminario en el que invita a un grupo de mujeres latinoamericanas ilegales a analizar y pensar sobre su propia situación en Suiza, contrastándola con la vida de otros grupos de inmigrantes indocumentados que aparecen en diferentes películas. Las mujeres analizan críticamente el documental “Welcome Europa” de Bruno Ulmer, el cual explora temas como la prostitución y la drogadicción a través de la situación de un grupo de hombres sin papeles. De esta forma, Wildi Merino genera las condiciones para que salgan a la luz las diferencias entre los problemas que afectan a grupos de migrantes de distintas identidades sociales, culturales y de género, y pone en crisis los estereotipos y estigmatizaciones sobre la inmigración.

En ambas obras, Ingrid Wildi Merino, siendo ella también migrante y manteniendo una relación de horizontalidad con las personas entrevistadas, es capaz de develar la complejidad cultural, política y estética de las migraciones ilegales insertas en el contexto de globalización económica. Una complejidad llena de puntos ciegos que hoy más que nunca es necesario desmantelar.

¿Cómo dar visibilidad a individuos que por razones de seguridad o de estabilidad son obligados al anonimato, a la absoluta discreción, a la invisibilidad social? Ingrid Wildi Merino

Ingrid Wildi Merino

Artista e investigadora, video ensayista. Trabaja con diferentes medios y formatos de obras, tanto como con la video, sonido, fotografía, instalaciones mix-medias. Se graduó en la Escuela de Artes y diseño de Zürich, Suiza (Höhe Schule für Gesthaltung Zürich, Suiza). Postgrado en la En la escuela de Artes y Diseño de Ginebra, Suiza (Haute école d’art et de design HEAD, Ginebra, Suiza), Master en Artes Visuales en la Universidad de Zürich, Suiza (Master fines Arts Zurich University of the Arts (ZHdK), Zürich, Suiza). Su trabajo dentro del arte contemporáneo y artes mediales destaca el territorio sobre la reflexión de “la Entrevista como práctica estética. Ha sido Profesora titular en Master Haute Ecole d’Art et de Design, Ginebra, Suiza (2005-2016). Como profesora de la Universidad de Ginebra, su trabajo investiga y explora dentro de los campos de estudios poscoloniales y decoloniales sobre las problemáticas relacionadas con las migraciones, la memoria, la identidad, la dislocación, los movimientos sociales y culturales.

«milimetrópolis»

Rainer Krause presenta el entorno sonoro de Santiago en exposición

«milimetrópolis» se titula la exhibición del artista visual y académico del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Rainer Krause, que este martes 6 de agosto se inaugura en la Sala Juan Egenau, en la cual presentará una instalación sonora junto a dibujos y elementos gráficos.

Enfocar la percepción y escucha a los «pequeños» sonidos de la ciudad al borde de lo inaudible, es lo que el académico del DAV Rainer Krause, se propuso abordar con milimetrópolis, un proyecto de Creación con el que obtuvo fondos del Concurso DAV2017 para su realización.

Por el contrario de lo realizado con anterioridad bajo el título de kilometrópolis -que abarcó los «grandes» sonidos de la metrópolis a través de las distintas percepciones e intencionalidades de académicos y artistas que contribuyeron con la sonoridad de la ciudad de Santiago-, con milimetrópolis el profesor del DAV se enfocó en los “sonidos pequeños” casi imperceptibles, poco presentes en la conciencia y, tal como su título lo indica, remiten a una distancia mínima entre la fuente sonora y el equipo de registro, es decir, el oyente.

“Este proyecto expositivo surge de una inquietud respecto del entorno sonoro en Santiago. Una gran parte de los sonidos de la capital no son percibidos conscientemente, pues son poco interesante; comunes en todas partes de la ciudad (y en otras ciudades); o difíciles de identificar. O sea, no son importantes para quienes nos movemos y orientamos en la ciudad”, detalló Krause.

Esto sumado a lo que ocurre en los trabajos de paisaje sonoro, donde este tipo de sonidos tampoco juegan un rol muy protagónico. “Son parte del paisaje, pero generalmente el énfasis está concentrado en los sonidos excepcionales, reconocibles o típicos que permiten la identificación del sonido con su fuente que lo emite”, acotó el artista.

De allí que con la instalación sonora milimetrópolis, los dibujos y elementos gráficos que la constituyen, Krause da a conocer mili-sonidos reproducidos con diferentes dispositivos. Así un equipo de ocho canales de audio emite los sonidos espacial y aleatoriamente y a través de un computador, el público puede intervenir esta aleatoriedad y producir secuencias sonoras propias, que aluden con su representación gráfica en la pantalla del computador a un recorrido por la ciudad.

Por otra parte, los asistentes podrán escuchar por medio de dos pares de audífonos, sonidos registrados en la misma Sala Juan Egenau en el momento del montaje de la exposición (previo a su inauguración), cuyo registro y reproducción están hechos de manera “binaural”, es decir, al escuchar los sonidos por los audífonos estos se ubican en la sala misma (no parecen venir de los audífonos), superponiéndose a los sonidos mencionados anteriormente.

Una tercera instancia de la exposición se encuentra en la entrada de la sala donde se ubica un par de altavoces que emiten un ruido continuo pero cambiante, difícil de identificar, pero no extraño. “Al contrario, parece un sonido habitual en nuestro entorno y en esta situación se puede escuchar casi como una pieza musical electrónica”, declaró el artista.

En las paredes además se encontrarán dibujos conceptuales que por un lado remiten al proceso de registro, y por otro a la estructura de reproducción y montaje. No obstante, por la calidad gráfica, estos dibujos funcionan autónomamente, provocando un cambio de atención desde lo sonoro a lo visual.

Parte de los elementos sonoros que conforman esta exposición fueron registrados por ex estudiantes del Curso de Dibujo de profesor Krause como María Paz Gálvez, Lucas Soffia y Guillermo Rojo, actual ayudante del académico quien además aporta con dibujos y un texto a la muestra.

La invitación es para asistir a la inauguración de la exposición sonora milimetrópolis de Rainer Krause que tendrá lugar este martes 6 de agosto a las 18:30 horas en la Sala Juan Egenau, ubicada en Las Encinas 3370, Ñuñoa. La entrada es liberada y los horarios para visitar la muestra es de lunes a jueves de 10:00 a 21:00 horas y viernes de 10:00 a 14:00 horas.