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SUMMARY:"Canción de cuna"
DESCRIPTION:Podrá visitarse desde el sábado 18 de diciembre \nCentro Cultural La Moneda inaugura exposición con canciones de cuna de Sudamérica  \n\n\nLa muestra utiliza dioramas de caja o teatrillos para ilustrar poemas y canciones infantiles que son interpretadas por artistas como Charo Cofré\, Delfina Guzmán\, Mario Mutis y otros reconocidos músicos y actores. \n\n\nLa exposición está ubicada en la Galería Cero\, un espacio que tiene como objetivo ofrecerles sus primeras experiencias culturales y artísticas a niños y niñas de entre 0 y 8 años. \n\n\nDesde el sábado 18 de diciembre\, en la Galería Cero del Centro Cultural La Moneda (CCLM)\, se podrá visitar “Canción de cuna”\, una exposición co-curada en conjunto con la ilustradora chilena Paloma Valdivia\, en la que resaltan canciones infantiles de Sudamérica en una muestra lúdica y con elementos inmersivos. \n“Duerme negrito”\, “Mi niño Arrurú”\, “Pajarito que cantas”\, “Se va la lancha”\, “Cucú\, le llamó”\, “Mira niñita” y “El establo” son las canciones y el poema interpretados por diferentes músicos y actores de Chile y Argentina\, entre ellos María Rosario Cofré o “Charo” Cofré\, Álvaro Díaz\, Delfina Guzmán\, Mario Mutis\, Judith Akoschky y Atahualpa Yupanqui\, que para esta instancia fueron ilustrados por la destacada artista de libros infantiles\, Paloma Valdivia\, quien además también cantó uno de los temas junto a su hijo\, Guillem Ballesteros. \nLa muestra\, que contó para su elaboración con la colaboración del Laboratorio de Modelos y Prototipos de la Facultad de Arquitectura\, Diseño y Estudios Urbanos de la Universidad Católica de Chile\, se compone de seis dioramas de caja o teatrillos y una obra inmersiva. \nLos dioramas incluirán un sistema de audio que reproducirá las canciones y la obra inmersiva se conformará a partir de una proyección animada de una de las ilustraciones que se trazará en uno de los muros de la sala a escala real\, acompañada de intervenciones construidas. \n“Cientos de canciones de cuna se han creado a lo largo de la historia. Estas se han transmitido de generación en generación y\, por lo mismo\, han tenido variaciones a través del tiempo. Cada quien adapta la letra de acuerdo a su propia cultura\, involucrando sus experiencias y sentimientos\, aunque finalmente provienen de una tradición musical compartida. Acá establecemos  un espacio de aprendizaje\, donde confluyen la cultura y el patrimonio en un ambiente de sensaciones y estímulos positivos para la primera infancia”\, comentó la directora del CCLM\, Beatriz Bustos Oyanedel. \nEs importante destacar que tres de las canciones que inspiran los dioramas de la muestra: “Se va la lancha”\, “Cucú\, le llamó” y “Mira niñita” fueron seleccionadas de una lista de temas infantiles que resultó de una convocatoria participativa realizada por el CCLM con su comunidad de seguidores a través de sus redes sociales. \nSobre la curadora \nPaloma Valdivia es autora e ilustradora de libros infantiles. Nació en Chile en 1978. Estudió diseño en la Universidad Católica de Chile y realizó un posgrado de Ilustración Creativa en la Escuela de Arte y Diseño Eina\, en Barcelona\, y un diplomado en Antropología y Comunicación Audiovisual en la PUC. \nComo docente trabajó varios años en la PUC y dirigió el diplomado de Ilustración y Narrativa Autobiográfica de la misma universidad. Su principal pasión son los libros ilustrados para niños. Su trabajo ha sido traducido a más de 20 idiomas y ha ganado varios premios internacionales. Es socia fundadora de Ediciones Liebre. \nCoordenadas  \nFecha apertura: 18 de diciembre de 2021  \nFecha término: agosto 2022. Extendida hasta el 25 de septiembre de 2022. \nDe martes a domingo\, de 10:00 a 18:30 horas. \nDirección: Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago de Chile. \nEntrada gratuita previa reserva en www.cclm.cl  \n
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SUMMARY:"De poéticas a políticas. Premio Jameel"
DESCRIPTION:Desde el sábado 5 de marzo: \nCentro Cultural La Moneda presenta exposición de diseño contemporáneo Inspirada en la tradición islámica\, junto al Victoria and Albert Museum y Art Jameel \n\n\nDe poéticas a políticas. Premio Jameel es el nombre de la muestra que aborda la influencia de la tradición islámica en el diseño contemporáneo a través del trabajo de ocho diseñadores de India\, Irán\, Líbano\, Pakistán\, Arabia Saudita\, los Emiratos Árabes Unidos y el Reino Unido. \n\n\nDesde el sábado 5 de marzo\, en la Sala Pacífico del Centro Cultural La Moneda (CCLM\,) se podrá visitar De poéticas a políticas. Premio Jameel\, una muestra que exhibe las obras de los ocho diseñadores finalistas de la sexta versión del Premio Jameel\, quienes a través de su trabajo abordan la influencia de la tradición islámica en el presente\, mediante prácticas como el diseño gráfico\, la instalación\, el activismo\, la tipografía y el diseño textil. \nEsta muestra\, organizada por el CCLM junto al Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres\, en asociación con Art Jameel (Arabia Saudita y Emiratos Árabes Unidos)\, es el resultado del Premio Jameel 6\, que es la primera versión enfocada solo en el diseño contemporáneo y que se presentará de forma inédita en Sudamérica a través de esta exposición. \n“De poéticas a políticas. Premio Jameel\, presenta el trabajo de ocho diseñadores a través de los cuales recorremos sus biografías y experiencias íntimas\, problemáticas locales y universales. Podemos reconocer y relacionar algunas de sus obras con nuestra memoria personal y colectiva\, ya que quizás las emociones que habitan nuestras pequeñas historias son un factor común\, pues revelan la irrupción de desgarradores procesos sociales\, pérdidas\, duelos\, evidenciando a la vez el anhelo colectivo de bienestar y justicia\, asuntos que emergen con fuerza en Chile y en muchas partes del mundo”\, destacó la directora del Centro Cultural La Moneda\, Beatriz Bustos Oyanedel. \nEl Premio Jameel es un concurso abierto que hace 12 años es organizado por Art Jameel y V&A para apoyar a artistas que abordan la tradición islámica desde sus prácticas en el presente. Por ello\, esta nueva exhibición avanza en la implementación de políticas de interculturalidad y participación que ha llevado a cabo en los últimos años el Centro Cultural La Moneda. \nLos ocho diseñadores contemporáneos finalistas de la sexta versión del Premio Jameel que se presentarán en CCLM son: Golnar Adili (Irán)\, Hadeyeh Badri (Emiratos Árabes Unidos)\, Kallol Datta (India)\, Farah Fayyad (Líbano)\, Sofia Karim (Reino Unido)\, Jana Traboulsi (Líbano)\, Bushra Waqas Khan (Pakistán) y el ganador\, Ajlan Gharem (Arabia Saudita). \nSobre el Victoria and Albert Museum y el Jameel Prize \nEl Victoria and Albert Museum (V&A)\, Londres\, Reino Unido\, es el principal museo de arte\, diseño y performance del mundo. Las colecciones del V&A son inigualables en su alcance y diversidad\, abarcando 5.000 años de creatividad humana. El museo se estableció en el año 1852 con el propósito de situar obras de arte al alcance de todos e inspirar a los diseñadores y fabricantes británicos. \nLa colección del período islámico del V&A es una de las mejores de su tipo en el mundo. Esta surgió porque los fundadores del museo consideraron que el arte y el diseño del mundo islámico eran una fuente de inspiración para los diseñadores británicos del siglo XIX. La Jameel Gallery of Islamic Art (Galería Jameel de Arte Islámico) en el V&A es la principal exhibición de la colección de arte y diseño islámico de este museo\, y la renovación de la galería el año 2006 fue financiada por Mohammed Jameel y su familia. \nLa Galería Jameel celebra la continua relación entre la producción islámica del pasado y las prácticas de los artistas y diseñadores de hoy. Por ello\, Mohammed Jameel propuso establecer el Premio Jameel\, que desde 2009 ha sido organizado por V&A con el apoyo de Art Jameel y la organización de la familia Jameel para el arte y el patrimonio. El Premio Jameel muestra las formas en que la tradición islámica sigue siendo hoy una rica fuente de inspiración para los artistas y diseñadores contemporáneos. \nEl Premio Jameel está dirigido a todas las formas de prácticas creativas: escultura\, pintura\, artes gráficas\, moda\, arquitectura\, así como también\, artesanía\, diseño y medios digitales. Las postulaciones están abiertas sin límites de edad\, nacionalidad\, etnia o creencia religiosa. Desde su creación\, el Premio ha recibido más de 1.200 postulaciones de artistas y diseñadores de todo el mundo y ha expuesto las obras de sus 56 creadores finalistas por más de 20 países. Esta edición es la primera vez en que el Premio Jameel se ha centrado en el diseño inspirado en la tradición islámica. \nCoordenadas \n5 de marzo al 3 de julio\, 2022. \n10:00 a 18:30 horas \nSala Pacífico | Nivel -3 \nCentro Cultural La Moneda | Plaza de la Ciudadanía 26 \nSantiago de Chile\, Metro La Moneda. \nEntrada general: $1500 \nEstudiantes: $1000 \nConvenios: $1000 \nAmigos del CCLM: liberada \nNiños menores de 12 años: liberada \nPersonas mayores de 60 años: liberada \nDías martes entrada liberada \n
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SUMMARY:"UMBRA. Esas dos variables ya no eran posibles a la vez  en un mismo universo y entonces enloquecieron"
DESCRIPTION:Exhibición colectiva releva temáticas vinculadas a la naturaleza\, el cuerpo femenino y el territorio latinoamericano en MAC Quinta Normal \n\n\nTres proyectos individuales realizados por las artistas nacionales Javiera Asenjo\, Josefina Astorga y Catalina Correa conforman UMBRA. Esas dos variables ya no eran posibles a la vez  en un mismo universo y entonces enloquecieron\, exhibición que toma como principales ideas la naturaleza\, el paisaje\, el territorio y el feminismo\, haciendo énfasis en sus procesos creativos vinculados a prácticas culturales latinoamericanas\, a través de obras en formato de video\, instalaciones\, fotografías\, collages y tejidos. \n\n\nExhibición: UMBRA. Esas dos variables ya no eran posibles a la vez  en un mismo universo y entonces enloquecieron \nPeríodo de exhibición: 31 de marzo al 11 de junio \nLugar: MAC Quinta Normal (Matucana 464) \nEl Museo de Arte Contemporáneo presenta UMBRA. Esas dos variables ya no eran posibles a la vez  en un mismo universo y entonces enloquecieron en su sede de Quinta Normal. Esta muestra colectiva se compone de tres proyectos interconectados de las artistas nacionales Javiera Asenjo (La laguna alada)\, Josefina Astorga (Las sopladoras) y Catalina Correa (Tropismo)\, con trabajos que incluyen videos\, instalaciones\, fotografías\, collages y tejidos. En su mayoría\, la obras fueron desarrolladas específicamente para esta muestra\, y abordan críticamente una relación decolonial entre el cuerpo femenino y el paisaje latinoamericano. \n“Las temáticas a grandes rasgos comprenden la naturaleza\, el paisaje\, el territorio latinoamericano y feminismo. De allí se desprenden intereses en la manualidad ‘pensar con las manos’\, el viaje y la relación corporal con el territorio\, el rescate de técnicas y saberes ancestrales\, los vínculos humanos y más que humanos\, la obsesión con los contornos\, los bordes\, las membranas tanto en el propio cuerpo femenino como el las definiciones territoriales e identitarias”\, destacan las artistas. \nEl inicio de este proyecto se sitúa ocho años atrás\, en Residencia en la Tierra\, un espacio de intercambio artístico ubicado en El Quindío\, Colombia. A partir de esta experiencia se da forma a un proceso de trabajo colaborativo. “Cada una de nosotras tenía una línea de trabajo y una formación diferente antes de conocernos. Al comenzar a trabajar juntas\, algunas cosas convergieron\, como el interés en el proceso\, en las notas de campo\, en el trabajo en terreno; y otras continuaron su camino”\, destacan las artistas. \nUMBRA surge como resultado de estos años de intercambio\, tomando fuerza durante la pandemia\, frente a la necesidad de reencontrarse\, contenerse y repensar nuevas formas de crear\, trabajar\, y estar en el mundo. La laguna alada (2022)\, de Javiera Asenjo\, presenta una pieza tejida\, que encarna la recolección de memorias de la cuenca del Amazonas\, para tejerlas de vuelta hacia tierras volcánicas\, delineando los contornos de paisajes olvidados. Por otro lado\, Las sopladoras (2022)\, de Josefina Astorga\, se configura como una construcción poética y oral acompañada de imágenes “de este y otros tiempos”\, basadas en la figura de la montaña como eje del mundo\, del sol como retorno y del soplo como fuerza transformadora. Mientras que Tropismo (2022)\, de Catalina Correa\, exhibe los impulsos opuestos del desarrollo vegetal: un arriba y un abajo como el axis vertical de lo vivo\, ahondando en el interés en las raíces\, llevándolo al ámbito de la botánica\, la hidroponía y la genealogía. \nEn UMBRA. Esas dos variables ya no eran posibles a la vez  en un mismo universo y entonces enloquecieron los procesos creativos se articulan desde una relación social y corporal con algunas prácticas culturales del territorio latinoamericano\, tales como el oficio textil\, el alfarero\, la filosofía andina\, la geografía como conocimiento encarnado\, y la arqueología extractivista como herencia de los diversos sistemas de colonización que han marcado nuestra historia. \nMuseo de Arte Contemporáneo Sede Quinta Normal \nAv. Matucana 464\, metro Quinta Normal. \nHorarios:  \n11:00 a 16:00 horas\, martes a viernes  \n11:00 a 17:30 horas\, sábado \nEntrada liberada \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Quinta Normal\, Av Matucana 464\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“La nueva postal”
DESCRIPTION:Disponible a partir del jueves 31 de marzo \n“La nueva postal” de Roberto Merino y Carlos Bogni se presenta en Centro Cultural La Moneda \n\n\nEn la Galería de Fotografía se exhibirán 49 impresos con imágenes tomadas por el artista visual\, Carlos Bogni\, entre los años 1994 y 2004 en Nueva York y Chile\, y textos del ensayista\, poeta y cronista\, Roberto Merino. \n\n\n La exposición es considerada por Bogni como su único trabajo finalizado. \n\n\n“La nueva postal” presenta 49 impresos con fotografías de Carlos Bogni y textos de Roberto Merino que son posibles de apreciar tanto en su unidad como en su conjunto. En la muestra se cruza lo pop y lo sofistacado\, presentando la agudez del ojo del artista\, fotógrafo y diseñador gráfico\, con la palabra del poeta\, ensayista y cronista\, resultando la combinación de texto y foto en un relato no lineal que se acompañan en una particular desunión\, que se expresa al estar juntas. \nEl título de la muestra hace referencia al texto La Nueva Novela (1977) del poeta chileno Juan Luis Martínez\, referente en la obra de Bogni. El texto de presentación de la exposición\, titulado Siete\, es de Federico Galende que abre su relato asegurando que la fotografía “es el medio de transporte en el que viajan los ausentes”. \nGalende describe la exposición como “todo lo que se opone al álbum de familia: se superponen las imágenes de quien ha sufrido el desarraigo\, se reúnen las palabras de quien se echa en falta a sí mismo en la escritura”. Aquí se muestra vida cotidiana\, lugares no específicos\, escenas y personajes de trastienda que alguna vez motivaron el ojo de Bogni y que inspiraron la palabra  de Merino. \nLa historia de Carlos Bogni y Roberto Merino data de su época de estudiantes\, pero algo aconteció para que hace poco tiempo ambos se encontraran para reunir texto e imagen en un tercer cuerpo. Fue un café inesperado lo que terminó en el proyecto de La nueva postal\, que también se configura en un libro\, que aún no ha sido publicado. \n El requisito más importante en el proceso de coautoría que hicieron Bogni y Merino fue la libertad. La metodología contempló el envío de cientos de registros del artista visual al escritor y periodista\, que fueron tomados en Chile y Nueva York entre 1994 y 2004.  “En el diálogo me fui dando cuenta de que Merino se quedaba con imágenes insospechadas: piedras\, fotos movidas\, tomas que no tenía consideradas. Por lo que resultó un total completamente insospechado”\, describe Carlos Bogni. \nUn cerdo al centro de un camino polvoriento\, un taxi huyendo bajo los asteroides\, una mujer melancólica y contemplativa dejando caer la mirada a ras del suelo son algunas de las fotografías que se presentan\, que según Galende “no esperan nada y por eso cuentan con el tiempo necesario para tornarse lentamente visibles. Son hijas de una mirada absoluta\, de una mirada que no desperdicia su presente extraviándose en las ruinas del pasado o en las promesas del futuro”. \nLa nueva postal requiere que el público descifre\, comprenda y se emocione con los contenidos. Es una exposición que necesita más que la mirada\, sino que pide un ejercicio de contemplación. Aquí la solemnidad es reemplazada por el humor\, el pensamiento y el entusiasmo. \nLa exposición es una oportunidad para ver un trabajo que reúne a dos exponentes culturales icónicos de las últimas décadas. Una coautoría que indaga y donde la conjugación de siete veces siete en la selección de imágenes e incorporación de texto otorga un cierre a esta creación que no requiere de mayor intervención ni continuidad\, siendo considerada  por Carlos Bogni como su único trabajo finalizado. \n“Un artista es por naturaleza alguien que carece de familia. Deja atrás su casa\, su ciudad y su barrio\, y de ahora en adelante todo aquello con lo que se cruce le será desconocido. Fijará el momento\, registrará las cosas\, construirá una comunidad que no existía entre las imágenes que lo embisten”\, relata Federico Galende. \nCoordenadas \n31 de marzo al 5 de junio\, 2022. \n10:00 a 18:30 horas  \nEntrada liberada.  \nCentro Cultural La Moneda | Plaza de la Ciudadanía 26 \nSantiago de Chile\, Metro Moneda. \n
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SUMMARY:"Ruinas"
DESCRIPTION:Obras en formato cómic cuestionan la noción de violencia estructural en MAC Quinta Normal \n\n\nLa exhibición Ruinas continúa con la línea de investigación del artista nacional\, Javier Rodriguez Pino\, centrada en el dibujo y la historia. Las obras se aproximan al formato del cartel y al de las tradicionales liras populares\, con referencias vinculadas a la imagen cinematográfica\, la fotografía de archivo histórico\, haciendo énfasis en la violencia estructural que trajo la economía de libre mercado impuesta por la dictadura entre 1973 y 1990. \n\n\nExhibición: Ruinas \nFecha: 31 de marzo a 11 de junio \nLugar: MAC Quinta Normal (Av.Matucana 464) \nEl Museo de Arte Contemporáneo presenta Ruinas del artista Javier Rodríguez Pino\, en su sede Quinta Normal. Esta muestra -que podría tratarse de un ensayo\, un cuento\, un libro ilustrado o bien un cómic- forma parte de la línea de investigación doctoral del artista nacional y está centrada en el dibujo y la historia. El conjunto de obras se aproxima al formato del cartel y al de las tradicionales liras populares\, con referencias vinculadas a la imagen cinematográfica\, la fotografía de archivo histórico\, a la memoria y la subjetividad del propio artista. \nEn Ruinas\, el artista utiliza elementos narrativos de ficción y realidad para construir una historia semejante a las novelas detectivescas y al ensayo histórico\, cuyo foco es la violencia estructural que trajo la economía de libre mercado impuesta por la dictadura entre 1973 y 1990. “Intento mirar el problema desde lo que se conoce como Historia Social; apuntando\, específicamente\, a la violencia estructural que surge tras la dictadura de Pinochet y que se arrastra bajo toda la época que hoy conocemos como postdictadura”\, destaca Javier Rodríguez Pino. \nCon respecto a la serie de obras que componen esta muestra y su técnica\, el artista nacional recalca: “El uso del grabado y la xilografía es clave\, pues la xilografía es un tipo de técnica que permite una visualidad gráfica mucho más violenta que el dibujo convencional\, pues su herramienta\, la gubia (que es un cuchillo) ayuda en esta especie de sublimación de la violencia. Una línea hecha con gubia es\, en efecto\, más violenta que una línea hecha con lápiz. En ese sentido\, es importante entender el uso de la xilografía\, primero vinculado a las liras populares\, pero también ligada a una subjetivización de la violencia;  en concordancia con la violencia sistémica a la que aludimos anteriormente. Entonces me parece que el uso de la xilografía es muy acorde a ella”. \nRuinas propone un cruce gráfico-narrativo que busca construir una interpretación más acabada de la historia de Chile que\, a partir de los aspectos intersubjetivos del arte y de un registro gráfico relacionado a la práctica político-popular\, pretende hacer frente a las condiciones de violencia surgidas del vínculo entre dictadura y liberalismo económico. \nMuseo de Arte Contemporáneo Sede Quinta Normal \nAv. Matucana 464\, metro Quinta Normal. \nHorarios:  \n11:00 a 16:00 horas\, martes a viernes  \n11:00 a 17:30 horas\, sábado \nEntrada liberada \n
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SUMMARY:"El Canon revisitado. Una mirada al arte europeo desde América Latina"
DESCRIPTION:Exposición internacional que revisa 70 obras de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) y el Museo Nacional de San Carlos (México)\, para reflexionar sobre para reflexionar sobre las ideas y principios del canon occidental que se instauraron en el continente\, a través de la circulación de las imágenes. \nLa curatoría conjunta entre ambas instituciones es parte de un largo y extenso proyecto que\, a través de obras realizadas en Europa entre los siglos XVI y XVIII\, permitirá comprender de forma crítica las colecciones e imaginarios que estos museos comparten. \nLa muestra incluye producciones entendidas como universales\, elaboradas por artistas como Tintoretto\, el Pontormo\, José de Rivera\, Francisco de Zurbarán o Andrea Vaccaro\, entre otros nombres. Son originales y copias que circularon ampliamente por territorios americanos. En ellas se reflejan las grandes exclusiones\, como las mujeres. Tal es el caso de Joanna Vergouwen\, la única artista presente en la exposición\, o la copia de una obra de Ginevra Cantofoli\, por más de 300 años atribuida a Guido Reni.  \nEl canon revisitado está organizada en cinco grandes temáticas\, que abordan críticamente las piezas seleccionadas: Historia de las colecciones\, Estética de la moral y las virtudes\, La pictocracia y la jerarquía de los cuerpos y Las copias y la reproducción ideológica del canon. El guión de la muestra podrá escucharse a través de la cuenta de Spotify del Museo. \nLa exposición incorpora además diversas herramientas de interacción y accesibilidad\, como un formulario online con preguntas abiertas que los visitantes podrán contestar\, y pantones que dan cuenta de la diversidad de colores de piel existentes en las obras\, invitando a reflexionar sobre estereotipos y prejuicios. También incluye videos en lengua de señas chilenas\, audiodescripciones para algunas piezas y textos de alto contraste (macrotipo) para personas con discapacidad visual. \nLa exposición internacional El Canon revisitado. Una mirada al arte europeo desde América Latina\, ha recibido más de 100 mil visitantes. En virtud de esta exitosa recepción por parte del público el MNBA cambió la fecha de cierre de la exhibición. \n¡Se extiende hasta el 21 de agosto! \nA través de un enfoque contemporáneo la muestra revisa críticamente 70 obras del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y del Museo Nacional de San Carlos de México\, realizadas en Europa entre los siglos XVI y XVIII. \nEsta curatoría conjunta indaga en los imaginarios presentes en ambos museos\, para comprender el canon que se instaló en América Latina a partir de la circulación de imágenes. \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"En la selva hay mucho por hacer"
DESCRIPTION:Celebrando el aniversario desde la primera muestra de la entonces incipiente colección del Museo de la Solidaridad en 1972\, la exposición En la selva hay mucho por hacer. 50 años MSSA se pregunta por la continuidad y la contingencia de los principios y valores fundacionales que dieron luz al Museo. La curaduría de la exposición está a cargo de la chilena María Berríos\, quien fue una de las cuatro curadoras de la reciente 11 Berlin Biennale (2020). \nEl concepto de “un museo permeable\, sin adentro ni afuera” es explorado mediante una museografía transgeneracional que se despliega por todo el edificio del Museo con más de 110 obras\, archivos y libros\, la mayoría pertenecientes a la Colección MSSA. La selección de obras se centra en piezas menos exhibidas\, interrogando sus historias particulares\, como también en los silencios y exclusiones de la Colección. Sus piezas dialogan con obras contemporáneas\, archivos\, libros álbum y gráficas populares. El proyecto de exposición reflexiona en torno a la noción de “antimuseo” que se opone a la reclusión del arte para las élites metropolitanas y la posibilidad de una institución cultural para el pueblo. En la muestra se exploran estas nociones a partir de la creación de espacios intergeneracionales e inclusivos\, creando una suerte de biblioteca popular abierta que incorpora un nutrido programa público en otras ciudades del país\, que permitirán acercar la Colección del Museo y sus problemáticas a diversos públicos. \nEl título de la exposición y su conceptualización se basa en el libro álbum En la selva hay mucho por hacer publicado en 1971 por Comunidad del Sur en Montevideo\, que cuenta la historia de un grupo de animales que se organizan para asegurar que la riquezas de la selva beneficie a todos. La historia relata la llegada de un cazador que se lleva a los animales al zoológico en la ciudad\, y como ellos traman su liberación. El cuento es una fabulación anarquista de la prisión política y la solidaridad interespecies escrita por el uruguayo Mauricio Gatti en un esfuerzo por comunicar\, a través de cartas-dibujo a su hija de tres años\, los motivos de su reclusión en un recinto militar. Se trata de una fábula contra la reclusión y una celebración de la solidaridad colectiva. \nMaría Berríos (Santiago\, 1978) es madre\, socióloga\, editora y curadora independiente\, su trabajo se enfoca en arte y cultura contemporánea en América Latina\, y más allá\, con especial interés en experimentos culturales colectivos\, y movimientos del Tercer mundo entre los 60 y 70. Es cofundadora del colectivo vaticanochico y entre sus curadurías destacadas están la 11 Berlin Biennale (2020)\, Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre en el MAVI (2017) y Desvíos de la deriva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2010). Actualmente vive y trabaja entre Berlín y Copenhague. \nParticipantes \nNoor Abuarafeh\, Marta Adams\, Inés Agüero\, Jesús Álvarez Amaya\, Paula Baeza Pailamilla\, Octavio Bajonero\, Alexandra Bill\, Rafael Canogar\, Ernesto Cardenal\, Leonora Carrington\, Beatriz Aurora Castedo\, Bélgica Castro\, Ch. Galsahdorj\, Santos Chávez\, Diane di Prima\, Zehra Doğan\, Luz Donoso\, Artistas El pueblo tiene arte con Allende (José Balmes\, Jorge Barba\, Gracia Barrios\, Francisco Brugnoli\, Alfredo Canete\, Santos Chávez\, Patricio de la O\, Delia del Carril\, Dino Di Rosa\, Gonzalo Díaz\, Luz Donoso\, Eduardo Garreaud\, Patricia Israel\, Carmen Johnson\, Eduardo Martínez Bonati\, Ricardo Mesa\, Pedro Millar\, José Moreno\, Guillermo Núñez\, Aníbal Ortizpozo\, Julio Palazuelos\, Alberto Pérez\, Gustavo Poblete\, Alfonso Puente\, Israel Roa\, Fernando Undurraga\, Elsa Urzúa\, Eduardo Vilches)\, Virginia Errázuriz\, León Ferrari\, José Gamarra\, Héctor García\, Mauricio Gatti\, Teresa Gazitúa\, Beatriz González\, Ernesto González Puig\, Grupo experimental de cine (Alfredo Echániz\, Gabriel Peluffo\, Walter Tournier)\, Ramón Haití\, Hermanos Mayo\, Elena Huerta\, Francisco Huichaqueo\, Miguel Ángel Ibarra\, Sarah Jiménez Vernis\, Paulina Lavista\, Claude Lazar\, Nacho López\, Clemencia Lucena\, Roberto Matta\, Leandro Mbomio\, Emilio Miguel\, Joan Miró\, Teresa Montiel\, Óscar Fernando Morales Martínez\, Akila Mouhobi\, Mujeres Guna de la Comarca de Guna Yala\, Ngo Quang Nam\, Guillermo Núñez\, John Phillips\, Joan Rabascall\, Torsten Renqvist\, Naomi Rincón Gallardo\, Victoria Santa Cruz\, Serigrafía Instantánea\, Taller 4 Rojo (Diego Arango\, Nirma Zárate)\, Tapio Tapiovaara (Tapsa)\, María Teresa Toral\, Jiri Trnka\, José Val del Omar\, José Venturelli\, María Helena Vieira da Silva\, Eduardo Vilches\, Maximiliano Mamani (Bartolina Xixa). \nLibros-álbum/ Picture books \nMauricio Amster\, Patricia Ayelef\, Daniel Blanco Pantoja\, Jairo Buitrago\, José Calandín\, Leonora Carrington\, Beatriz Aurora Castedo\, Centro Chileno Nórdico de Literatura Infantil (Libro Alegre)\, Belén Chávez\, Eusebio Cimorra\, Adolfo Córdova\, Junot Díaz\, Leo Espinosa\, María José Ferrada\, Armando Fonseca\, Luis Garay\, Carolina Garrido\, Mauricio Gatti\, Mónica Hughes\, José Tomás Ibarra\, María Lara\, Jessica Love\, José Manuel Mateo\, Javier Martínez Pedro\, Rocío Martínez\, Amanda Mijangos\, Gastón Norambuena\, Ana Penyas\, Ariel Rojas Lizana\, Sol Rojas Lizana\, Francesca Sanna\, Francisca Santana\, Subcomandante Marcos\, José Val del Omar\, Jóvenes de la cárcel de menores de Limache\, María Elena Valdez\, Atahualpa Yupanqui. \nColaboradores \nAlboroto Ediciones\, Archivo General de la Universidad (AGU) y Cinemateca Uruguaya\, Archivo Guillermo Ñúñez\, Colectivo Serigrafía Instantánea\, Escuela de Diseño de la Universidad Diego Portales\, Fundación Pablo Neruda\, Fundación Salvador Allende\, Generalitat Valencia + Instituto Valencia\, Odin Teatret Archives y Odin Teatret Film\, Orjikh Editores\, Textileras MSSA. \nEl primer piso de la exposición estará abierto hasta el 29 de enero de 2023. Mientras que el segundo piso cierra el 7 de agosto de 2022. \nDías domingo es gratis para todo el público\, 10 a 18 horas. \n
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LOCATION:Museo de la Solidaridad Salvador Allende\, Av. República 475\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Paul Klee en Chile"
DESCRIPTION:Paul Klee en Chile: Centro Cultural La Moneda presenta exposición retrospectiva del artista suizo \n\n\nA través de dibujos\, pinturas\, acuarelas\, títeres\, fotografías\, documentos y herramientas de su taller\, la muestra\, realizada en conjunto con Zentrum Paul Klee de Berna\, exhibirá no solo su faceta como artista\, sino que también el lado más humano e íntimo de uno de los referentes más importantes del arte moderno de la primera mitad del siglo XX. \n\n\nDos años lleva trabajando Centro Cultural La Moneda (CCLM) con el Zentrum Paul Klee en Berna. La institución suiza alberga la mayor colección de obras del artista\, cuya principal producción fue el dibujo\, y junto al Centro han preparado una exposición que traerá por primera vez al maestro del arte moderno a Chile\, con una retrospectiva que aborda sus diferentes facetas. \n“Ya que es la primera exposición de Paul Klee en Chile decidimos hacer una retrospectiva. Quisimos mostrar obras de diferentes épocas\, dibujos de su infancia hasta uno de los últimos cuadros que hizo antes de morir. La idea es mostrar diversos aspectos\, cómo fue evolucionando su trabajo\, y también ir recogiendo algunos aspectos que son muy importantes para su obra artística\, todo en forma más o menos cronológica\, para explorar a Paul Klee”\, relata la curadora jefa y directora de Colección\, Exposiciones e Investigación del Zentrum Paul Klee en Berna\, Fabienne Eggelhöfer. \nLa exposición tendrá 107 elementos entre obras\, notas de clase\, títeres\, dibujos\, pinturas\, acuarelas\, fotografías\, documentos y herramientas del taller de Paul Klee\, revelando aspectos nuevos y desconocidos de su personalidad y trabajo\, que permite presentar al artista que experimentó contextos históricos como la Primera Guerra Mundial\, el ascenso del nazismo y la censura. \n“Podemos considerar a Paul Klee un maestro por su capacidad para tocar temas complejos y hacerlos universales”\, afirma la directora del CCLM\, Beatriz Bustos Oyanedel\, al referirse a una de las secciones de la exposición llamada 1933\, que muestra cómo Paul Klee utilizó el dibujo para dar cuenta y dejar testimonio de las violaciones a los derechos humanos llevadas a cabo sistemáticamente previo a la Primera Guerra Mundial y que lo llevó a emigrar desde Alemania a Suiza. “Estos asuntos nos permiten establecer un vínculo con nuestro contexto histórico\, reforzando el compromiso que tenemos en CCLM con la reflexión y los derechos humanos\, que es uno de nuestros lineamientos curatoriales”\, explica. \nAdemás de la sección 1933\, la muestra despliega otras siete secciones que son el resultado de la investigación curatorial que indagó en escritos\, testimonios\, historias personales y diversas fuentes de información\, para generar una propuesta que aborda no solo la trayectoria artística de Klee\, sino que también su lado más humano e íntimo. Así\, la sala de exhibiciones se organiza en: Infancia\, Naturaleza\, Abstracción\, Teatro\, Bauhaus\, 1933\, Ángeles y Reducción\, mostrando diferentes momentos y contextos de la vida y obra del artista. \n“La investigación que se realizó para la exposición es un ejercicio que reafirma la importancia de contar y visibilizar diferentes fuentes\, donde las pequeñas historias son indispensables para presentar a un artista y su obra de manera integral. Aquí\, se da cuenta de que un artista no es ajeno a su obra\, como no lo es a todos los sucesos de su vida”\, precisa la directora del Centro Cultural La Moneda\, Beatriz Bustos Oyanedel\, respecto a la curaduría de Fabienne Eggelhöfer. \nUna de las fuentes de inspiración y de creación de Paul Klee fue la naturaleza. Desde muy joven buscó copiar el entorno natural\, pero luego comenzó a estudiar y analizar el crecimiento de la naturaleza. “Él siempre dijo que el trabajo artístico debe crecer como plantas; no están solamente ahí\, sino que se convierten\, se transforman. Para Klee\, el proceso era más importante que el resultado. Él creaba su arte pensando en el crecimiento\, en lugar de solo plasmar algo específico”\, indica Eggelhöfer en relación a esta sección de la exposición que expondrá siete dibujos realizados con lápiz sobre papel\, dos grabados y dos pinturas. \n“Ha sido muy importante el énfasis que destaca la curadora en el eje de la Naturaleza\, ya que nos permite\, junto a aquellos bocetos y dibujos naturalistas\, destacar uno de los asuntos que nos hemos propuesto abordar con urgencia en el CCLM: la importancia del cuidado del medioambiente y la relevancia de la naturaleza. Asunto que ampliamos a través de las acciones que se llevan a cabo desde el área de Aprendizajes a raíz de esta exposición”\, enfatiza Beatriz Bustos Oyanedel\, quien destaca la conexión de esta exhibición  con los contextos que vive Chile y el mundo en el último tiempo. \n“Es un aporte a la academia y los aprendizajes” \nLa exposición y la investigación curatorial que la antecede ofrecen la posibilidad de mostrar a un artista conectado con sus tiempos\, muy estudioso y que fue fundamental en fomentar el aprendizaje de los procesos en torno al dibujo\, las técnicas pictóricas y la teoría del color. Paul Klee fue profesor de la Bauhaus y uno de los protagonistas de la vanguardia alemana\, ya que Wassily Kandinsky le presentó a Franz Marc y a los artistas del Jinete Azul (Der Blaue Reiter)\, entre otros\, vinculándolo así con la escena artística progresista. \n“Él no era solamente un genio capaz de crear estas fantásticas obras\, sino que estudiaba muchas cosas; movimientos de arte contemporáneos alrededor del mundo\, como el cubismo o constructivismo\, y al a vez quería inventar algo nuevo a partir de los orígenes del arte; mirar los dibujos de los niños\, las raíces del arte prehistórico\, el art brut  y\, por supuesto\, el arte fuera de Europa”\, señala Fabienne Eggelhöfer. \nEn la misma línea\, desde el CCLM detallan que esta exposición permitirá ampliar la mirada sobre el artista y la propuesta de Aprendizajes\, que incluye materiales didácticos\, talleres y recorridos que configuran un aporte a la difusión de la creación de Paul Klee\, sus técnicas\, conocimientos y visión de su entorno. “Esta exposición nos desafiará a poner en duda lo ya aprendido. La curaduría es un aporte a la academia y al aprendizaje\, ya que no solo sabremos más sobre Paul Klee y la historia del arte\, sino que además constataremos que las historias son asuntos plurales de sentido”\, expresa Beatriz Bustos Oyanedel. \nAl igual que el CCLM\, el Zentrum Paul Klee espera que a través de esta exposición se puedan establecer puentes de diálogo y conocer nuevas opiniones sobre el artista. “Queremos escuchar a los públicos chilenos\, a los académicos\, a los artistas y a quienes visiten esta retrospectiva y que a través de esas conversaciones podamos aprender de sus experiencias”\, enfatiza Fabienne Eggelhöfer. \nLa exposición estará abierta desde el 12 de abril hasta el 31 de julio y las personas podrán asistir de martes a domingo entre las 10:00 y las 18:30 horas. Asimismo\, desde el sitio www.cclm.cl se podrá acceder a material de Aprendizajes\, reserva de tickets para la sala de exhibiciones y cupos de talleres\, además de solicitar recorridos especiales para escuelas\, instituciones de educación superior y otras organizaciones que quieran conocer la muestra de Paul Klee en Chile. \nDías martes entrada gratuita previa reserva aquí \n
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LOCATION:Centro Cultural La Moneda\, Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:Ciclo de Conferencias: "Tres libros clásicos del pensamiento político de Asia: El poder y la guerra”
DESCRIPTION:El Programa Asía Pacífico y el Centro de Estudios Avanzados y Extensión (CEA) de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso darán vida al ciclo de conferencias “Tres libros clásicos del pensamiento político de Asia: El poder y la guerra”. \nA partir de los conceptos de poder\, autoridad y legitimidad\, se examinarán tres libros clásicos del pensamiento político de Asia sobre la paz\, la prosperidad y la guerra. \nEl miércoles 20 de abril\, a las 12 horas\, tendrá lugar el análisis de “Arthashastra”\, de Kautilya (India). La segunda conferencia se realizará\, en el mismo horario\, el martes 03 de mayo. \nLa trasmisión se realizará vía Zoom. Inscripciones ACÁ \n
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SUMMARY:“La rebelión de la Huaca”
DESCRIPTION:“LA REBELIÓN DE LA HUACA”: NICOLÁS GRUM\, GANADOR DE LA BECA DE ARTE CCU 2019\, PRESENTA SU OBRA EN SALA DE ARTE CCU   \n\nLa muestra rinde homenaje a la conocida momia precolombina “Hombre de Cobre”\, encontrada en el año 1899 durante la explotación de la antigua mina La Restauradora\, en el sector de Chuquicamata.  \nEstará disponible hasta el 17 de junio. \nLuego de desarrollar una larga investigación tanto en Chile como en Nueva York\, que fue parte de su residencia en el ISCP (International Studio & Curatorial Program) y de realizar una exposición en en Proxyco Gallery\, Nicolás Grum\, artista ganador de la Beca de Arte CCU 2019\, presenta su muestra “La rebelión de la Huaca” en Sala de Arte CCU. \nLa obra\, la cual estará disponible en la Sala de Arte CCU hasta el 17 de junio\, busca unir los fragmentos que rodean a la conocida momia precolombina “Hombre de Cobre”\, encontrada en el año 1899 durante la explotación de la antigua mina La Restauradora\, en el sector de Chuquicamata\, y exhibida desde entonces en el Museo de Historia Natural de Nueva York. A partir del hecho\, el artista articula esta historia frente a un contexto global repleto de conflictos. \nPara llegar al resultado final\, el artista realizó un profundo estudio de campo\, recorriendo el Desierto de Atacama y tomando nota de la conservación de los vestigios ancestrales\, la postura de museos y científicos y las cosmovisiones que explayan las comunidades atacamenÞas del Alto Loa. \n“Nos alegra ver hoy los resultados de un largo trabajo que realizó Nicolás y de su exposición el año pasado en una de las ciudades más importantes para la cultura como lo es Nueva York. Queremos que otros artistas sigan ese camino y con nuestra Beca de Arte CCU impulsamos justamente a eso\, a dar más oportunidades para internacionalizar las carreras de estos talentosos jóvenes que ayudan al país a incentivar y a acercar la cultura y las artes a la gente”\, indicó Marisol Bravo\, gerente de Asuntos Corporativos y Sustentabilidad de CCU. \nLa Beca Arte CCU tuvo su primera versión en 2011 y está orientada a artistas chilenos entre 30 y 45 años con residencia en el país. Busca promover el diálogo e intercambio de experiencias y conocimiento entre creadores e instituciones ligadas al arte en todo el mundo. El ganador\, tiene la posibilidad de realizar una residencia artística de cuatro meses en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de Brooklyn\, Nueva York -reconocido en el circuito artístico internacional-\, una exhibición en Proxyco Gallery ubicada en Manhattan\, Nueva York y de regreso en Chile\, una exposición en la Sala de Arte CCU. Para esta última y sexta versión 2021\, la ganadora de la beca fue la artista María Gabler\, quien actualmente se encuentra realizando su residencia en Nueva York. \nCCU EN EL ARTE  \nCCU lleva más de 29 años apoyando de distintas formas la cultura nacional. La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena\, a través de proyectos que pongan énfasis en las distintas expresiones del arte contemporáneo.  A ella posteriormente se sumó la Beca Arte CCU\, que se entrega cada dos años\, y que es parte del programa “CCU en el Arte”\, plataforma desde la cual se han diseñado diversos programas para “Acercar el Arte a la Gente” aportando a la accesibilidad y descentralización de la cultura\, a la ampliación de la oferta artística y a la difusión del arte chileno\, a través del apoyo a artistas y sus proyectos.\n\n
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LOCATION:Sala de Arte CCU\, Avenida Vitacura 2680\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:MAC Setenta y Cinco Años
DESCRIPTION:MAC inicia las celebraciones de su aniversario n°75 con exhibiciones que cruzan arte\, ciencia y política \n\n\nEl Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile inaugura en su sede de Parque Forestal nueve exhibiciones de diversos artistas\, reafirmando su rol de museo universitario\, promoviendo la interdisciplinariedad y el diálogo entre arte\, ciencia\, naturaleza y cuestiones políticas. \n\n\n\n\nEl evento\, programado para el martes 3 de mayo\, marca el puntapié inicial de las celebraciones enmarcadas en el aniversario n°75 del museo\, fundado el 15 de agosto de 1947. \n\n\nInauguración: 3 de mayo. 18.30h \nMAC Parque Forestal \nIsmael Valdés Vergara 506 \nEl Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile celebra la inauguración de nueve exhibiciones en su sede de Parque Forestal. Se trata de una selección de muestras de artistas nacionales e internacionales que reafirman la labor de museo universitario del MAC\, promoviendo la interdisciplinariedad\, y las relaciones entre arte\, política y ciencia. \nEsta inauguración\, programada para el martes 3 de mayo\, inicia las celebraciones del aniversario número 75 del museo\, fundado el 15 de agosto de 1947. “Estamos muy felices de iniciar las celebraciones de un nuevo aniversario MAC\, el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Queremos reforzar la idea de un museo universitario comprometido con el desarrollo del conocimiento y con el innegable cuestionamiento a nuestra contemporaneidad. Las exhibiciones de este primer periodo\, el cual abriremos en mayo\, proponen diversas miradas sobre cómo el arte contemporáneo de víncula con sus contextos\, ya sean políticos\, sociales y los saberes que permiten desde diversos procesos de investigación y creación\, explorar los enigmas de nuestro tiempo. Hay investigaciones vinculadas a las ciencias\, a la geología\, a lo político”\, cuenta Daniel Cruz\, director del MAC quien en mayo cumple su primer año en la dirección del museo. “Además\, tenemos diversos hitos que se presentarán durante el año para reforzar la idea de un museo anclado en los diversos procesos culturales y en la comprensión de mundo desde el pensamiento sensible que emerge de la práctica artística”\, agrega el director. \nEstas nueve exhibiciones se suman a otras tres muestras inauguradas recientemente en MAC Quinta Normal. La entrada a ambas sedes\, como siempre\, es gratuita. “Queremos que venir al MAC sea una instancia de aprendizaje y de cuestionamientos amplios. Esta temporada de exhibiciones\, en ambas sedes del museo\, se configura como un muestrario de los imaginarios por los que transitan los artistas hoy\, desde diversas disciplinas y focos de interés\, dando cuenta de procesos de investigación de larga data como también de exploraciones materiales que sustentan el campo poético\, exploratorio y crítico del arte situado en la contemporaneidad”\, cuenta el director. \nArte\, ciencia y naturaleza desde una mirada austral \nEntre las muestras que se inaugurarán destaca un eje que explora las posibilidades del arte contemporáneo en diálogo con la ciencia\, la naturaleza y extensos trabajos exploratorios. Una de estas exhibiciones es Terra Ignota del artista chileno Nicolás Spencer. La muestra\, curada por Alessandra Burotto\, corresponde a una serie de investigaciones artístico-científicas en estrecha relación con las comunidades nativas de la Región de Magallanes y la Antártica Chilena. Este proyecto releva un trabajo iniciado en 2015\, que en esta ocasión exhibe una serie de instalaciones escultóricas/espaciales\, obras sonoras y mediáticas basadas en la investigación transdisciplinaria; además de elementos de archivo y resultados de investigación. \nPor otra parte se presenta Efecto Pichillancahue exhibición que evidencia un trabajo de recopilación y documentación de Ignacio Bahna\, curado por Mariagrazia Muscatello\, en torno a la relación entre el glaciar Pichillancahue en la Región de la Araucanía y el macizo volcánico Rukapillan. Tras su última erupción\, Bahna comenzó a documentar el proceso de deshielo del glaciar dando cuenta de la reducción de su extensión\, presentándose como un territorio complejo\, geológica y políticamente. \nEn esa misma línea Hidropoética 2012-2022\, de Sandra Ulloa y Nataniel Álvarez\, Colectivo Últimaesperanza\, exhibe una serie de archivos fotográficos\, sonoros y audiovisuales. Con la curatoría de Rodolfo Andaur se presentan acciones que fusionan ciencia y nuevos medios enfatizando en la protección de los hielos eternos que yacen en gran parte de los territorios terrestres y marinos del extremo sur del continente. \nCerrando este eje se encuentra Delira de Nicole L’Huillier. Se trata de una muestra de la Colección MAC. Delira consiste en una instalación que utiliza componentes electrónicos hechos de metal\, madera\, materiales sintéticos y cerámica\, que juntos se aúnan en una sola pieza. Esta obra es una celebración sonora en la cual\, a través de una composición musical dedicada a la constelación Lyra\, se construye un espacio de cacofonías y vibraciones. \nUna reflexión crítica de lo sociopolítico \nEn tanto\, otro eje de exhibiciones transita por imaginarios en torno a cuestiones y sucesos sociopolíticos. Se trata de artistas que han basado su trabajo en vivencias propias\, ya sea en torno al género\, la guerra\, la reflexión en torno al encierro por la pandemia o los vínculos genealógicos. \nEntre estas exhibiciones se encuentra Boris Lurie: NO!art pin-ups\, excremento\, protesta\, jew art\, curada por Mariagrazia Muscatello y Montserrat Rojas. La exhibición\, la única internacional del periodo\, se centra en el trabajo del artista visual\, escritor y poeta Boris Lurie. Su trabajo\, compuesto por collages\, pinturas y esculturas\, fue una forma de protesta contra el arte pop y el expresionismo abstracto que en los años sesenta dominaban el circuito cultural y de mercado en Estados Unidos. En esta década\, junto con Stanley Fisher y Sam Goodman\, fundó el movimiento NO! Art. Para Lurie\, «NO» significaba poner en discusión el estatus quo\, proponiendo un arte políticamente comprometido que exigía una acción social. Su vida se vio profundamente afectada por el Holocausto y su trabajo se vincula a esta experiencia. \nPor otra parte\, OBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información\, curada por Alejandro de la Fuente\, exhibe parte del archivo personal del artista Hernán Parada. Las obras\, en su mayoría inéditas\, abordan la desaparición y los abusos a los Derechos Humanos ocurridos durante la dictadura militar chilena. Gran parte del trabajo de Parada\, está marcado por la desaparición de su hermano Alejandro en 1974. \nEn Tocar el tiempo\, María de los Ángeles Cornejos propone una mirada desde el espacio íntimo del hogar. Con obras gráficas-textiles\, la artista utiliza como punto principal una ventana. Es así como a través de la fotografía\, busca capturar esta imagen interviniéndola con un bordado para construir una relación íntima con el espacio. \nDesde otra vereda\, Cosima zu Knyphausen presenta Pinturas de género\, muestra que hace alusión al término que consiste en la representación pictórica de escenas de la vida cotidiana. Esta categoría dentro de la historia del arte y su jerarquía académica\, es considerada de un grado menor\, junto con el paisaje y el bodegón\, y a través de óleos la artista busca cuestionar esta premisa. \nCerrando este eje\, el cineasta Nicolás Superby nos invita a explorar el pasado del edificio que alberga MAC Parque Forestal. En María y los espíritus\, se revelan archivos filmados por la familia del cineasta\, además de cartas y diarios de su bisabuela María Tupper (1896-1965)\, pintora y artista chilena que dedicó gran parte de su vida a la búsqueda espiritual\, lo que la llevó a realizar ejercicios rosacruces para salir del cuerpo en alma y contactarse con espíritus\, en las mismas salas que albergan estas exhibiciones. \nLa inauguración en MAC Parque Forestal se desarrollará el próximo martes 3 de mayo a las 18.30h en Ismael Valdés Vergara 506. La entrada es liberada y sin previa inscripción. Se pedirá pase de movilidad al ingresar. \nMuseo de Arte Contemporáneo \n\n\nSede Parque Forestal \n\n\nIsmael Valdés Vergara 506\, metro Bellas Artes. \nHorarios: \n11:00 a 16:00 horas\, martes a viernes \n11:00 a 17:30 horas\, sábado \nEntrada liberada \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"OBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información"
DESCRIPTION:MAC Parque Forestal presenta primera exhibición individual de Hernán Parada González con obras inéditas \n\n\nLa muestra\, curada por Alejandro de la Fuente\, cuenta con fotografías\, registros de performance\, documentos y objetos personales del artista. Además\, incluye la obra Obrabierta A\, que forma parte de la Colección MAC desde el 2010. Gran parte del trabajo del artista inicia conceptualmente a partir de la desaparición de su hermano Alejandro Parada en 1974. \n\n\nOBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información releva la trayectoria artística de Parada y además visibiliza la historia de violencia político-social que vivió Chile durante la dictadura\, recalcando la importancia de la memoria y la defensa de los derechos humanos como consigna. \n\n\nMuestra: OBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información \nLugar: MAC Parque Forestal \nFecha: 4 de mayo – 9 de julio \nEl Museo de Arte Contemporáneo presenta OBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información de Hernán Parada\, curada por Alejandro de la Fuente en su sede de Parque Forestal. Esta muestra exhibe\, de forma inédita\, una selección de archivos y fotografías del artista. Las obras de esta primera exhibición individual de Parada abordan la desaparición de personas y los abusos a los Derechos Humanos ocurridos durante la dictadura militar chilena. \nGran parte del trabajo artístico de Parada\, en su mayoría performances y registros fotográficos de estas\, está marcado por la desaparición de su hermano Alejandro en 1974. Permanentemente ha trabajado su ausencia\, articulando un cuerpo ficticio y temporal con el fin de representar esta desaparición. En su trabajo se puede ver cómo el artista ocupaba una imagen del rostro de su hermano como máscara\, poniendo su cuerpo a disposición de la memoria de un otro que ya no está presente. \n»Para mí\, esas acciones fueron el paso siguiente para buscar información sobre mi hermano desaparecido. Con el uso de una máscara cubriendo mi rostro\, yo intenté prestar mi cuerpo a Alejandro; quise y planeé expresar lo que él desearía preguntar y arengar. Fueron performances muy emocionales para mí\, cada vez que lo hacía se agregaba un peso de extraños sentires. Me fue costando cada vez más el realizar estas acciones”\, cuenta el artista. \n“Las obras de esta muestra hablan sobre un pasado reciente doloroso y difícil de procesar. No obstante\, creo que a través de las artes visuales es posible acercarse a hechos del pasado desde otras miradas. Los aspectos violentos como la desaparición forzada\, los secuestros y las torturas ocurridas durante la dictadura militar de Pinochet\, contrastan con la suavidad y el afecto presente en el trabajo de Hernán Parada\, así como\, con la organización de la Agrupación de Familiares de Detenidos Desaparecidos”\, destaca el curador\, Alejandro de la Fuente. \nEl título de la muestra tiene su origen en un documento mecanografiado en 1983 donde Hernán Parada González señala los tres factores que están presentes en sus trabajos: el tiempo\, la vida y la información. Según de la Fuente: “Esto da cuenta de la necesidad de preservar una memoria material. En efecto\, Parada acumuló y conservó una fracción del repertorio visual de una época. Más allá de su archivo personal y de la diferencia de estatuto entre documentos de archivo y piezas de colección de museos. Los archivos son fuentes de poder y contrapoder que de manera performativa inciden en la vida cotidiana de las personas ya sea a través de su valor probatorio\, testimonial o histórico-cultural”. \nAdemás de las fotografías y archivos de Hernán Parada\, esta muestra incluye la obra de la Colección MAC\, Obrabierta A\, una instalación que inicia conceptualmente luego de la desaparición de su hermano. Como lo indica el título se trata de un trabajo que está constantemente en proceso y desarrollo\, mientras su hermano siga desaparecido. Esta instalación se compone de material biográfico y documentación\, incluyendo fotografías\, escritos y objetos personales. \n“Esta muestra es un sueño hecho realidad\, gracias a Alejandro de la Fuente\, el curador. El poder exhibir todo el trabajo en relación a este concepto de Obrabierta y la influencia en el desarrollo de  la misma\, es una gran potencialización de todo aquello realizado en varios años\, desde 1979 al 1987. Realmente me siento muy feliz por esta exhibición”\, destaca el artista Hernán Parada. \nOBRABIERTA: El tiempo\, la vida\, la información releva la trayectoria artística de Hernán Parada\, y además visibiliza la historia de violencia político-social que vivió Chile durante la dictadura\, recalcando la importancia de la memoria y la defensa de los derechos humanos como consigna. \nMuseo de Arte Contemporáneo Sede Parque Forestal. \nIsmael Valdés Vergara 506\, metro Bellas Artes. \nHorarios:  \n11 a 16 hrs\, martes a viernes. \n11 a 17.30 hrs\, sábado. \nEntrada liberada \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“La Transformación de Santiago. A 150 años del plan de Vicuña Mackenna"
DESCRIPTION:Exposición Temporal \n“La Transformación de Santiago. A 150 años del plan de Vicuña Mackenna» \nEn 1872 Benjamín Vicuña Mackenna asumió como Intendente de Santiago\, imponiéndose el desafío de su transformación. 150 años después\, el Museo Benjamín Vicuña Mackenna y el proyecto de investigación Fondecyt Regular N° 1191393\, patrocinado por la Pontificia Universidad Católica de Chile y financiado por la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo (ANID)\, inauguran esta muestra que conmemora tan inigualable iniciativa.  \nEl 20 de abril de 2022 se cumplieron 150 años desde que Benjamín Vicuña Mackenna asumiera como Intendente de Santiago y dos semanas después\, el miércoles 4 de mayo\, se realizó la inauguración de esta exposición temporal. La apertura se llevó a cabo con aforo reducido debido a las condiciones sanitarias\, pero ya se encuentra abierta al público para que todas y todos puedan disfrutarla.  \nEn la exposición se pueden apreciar diversos materiales gráficos que dan cuenta de la transformación urbana de Santiago realizada por Vicuña Mackenna\, producidos en el contexto del proyecto de investigación Fondecyt\, “Santiago 1875. Desmontando el plano de Ernesto Ansart y el plan de transformación de Benjamín Vicuña Mackenna: entre la modernización de la ciudad capital y el emergente urbanismo residencial” dirigido por el investigador Germán Hidalgo y los co-investigadores José Rosas\, Wren Strabucchi y Macarena Ibarra\, además de un equipo interdisciplinario.  \nLa investigación analizó el plano de Santiago de 1875\, del ingeniero Ernesto Ansart\, quien fue contratado por Vicuña Mackenna para esta tarea. Además\, se estudiaron los textos redactados por el Intendente y sus colaboradores\, traduciéndolos a un lenguaje gráfico. Todo lo anterior\, con el propósito de develar y comprender la ciudad que Vicuña Mackenna se propuso transformar y de precisar la índole de sus principales proyectos.  \nEl académico Germán Hidalgo señala que “además del nuevo conocimiento generado en torno al plano de Ansart\, una cartografía urbana pionera de Santiago por su alta precisión y rigor técnico\, la investigación pudo profundizar en el conocimiento de la realidad urbana de la época\, de un modo cartográfico\, hasta ahora inédito\, que permitió fijar una imagen de Santiago en 1872”.  \nUna imagen de la misma ciudad que entre expectación\, duda y desconcierto recibió el plan de veinte puntos de transformación ideado por Vicuña Mackenna y comunicado dos días después de asumir el cargo\, el 22 de abril de 1872\, ante la Ilustre Municipalidad de Santiago. Entre aquellos veinte puntos destacaba la canalización del río Mapocho\, la transformación de los barrios del sur\, un camino de cintura\, la construcción de un paseo en el cerro Santa Lucía\, la creación de 18 plazas y plantación de 2.000 árboles\, además de la creación de nuevas escuelas\, la regulación de las casas de prendas\, la organización de la policía y la búsqueda de agua para abastecer la ciudad\, entre otros muchos proyectos.  \nPara Vicuña Mackenna\, se trataba de “de ser ciudad o de ser potrero”\, dado lo cual decidió asumir “la grave responsabilidad de ofreceros en un plazo\, más o menos breve\, un plan que entonces\, y tal vez con alguna temeridad\, me atreví a denominar: “la transformación Santiago” (En: Benjamín Vicuña Mackenna. La Transformación de Santiago\, 1872).  \nRicardo Brodsky Baudet\, director del museo\, señala que “esta exposición nos permite ver el inmenso papel que jugó Vicuña Mackenna para definir el carácter de nuestra ciudad de Santiago en las décadas iniciales de la república. El plano Ansart es mucho más que un plano de la ciudad\, es una obra de la imaginación y del rigor científico y urbanístico\, una verdadera obra de arte”. \nLa exposición estará abierta al público entre el jueves 5 de mayo y el 29 de julio de 2022 en la sala de muestras temporales del Museo Benjamín Vicuña Mackenna\, ubicado en Av. Vicuña Mackenna 94\, a pasos del metro Bustamante. Entrada liberada.  \n
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LOCATION:Museo Nacional Benjamín Vicuña Mackenna\, Museo Benjamin Vicuña Mackenna\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"La Inquietante extrañeza de lo cotidiano"
DESCRIPTION:FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURÓ MUESTRA COLECTIVA DE PINTURAS \nFactoría Santa Rosa\, Av. Santa Rosa 2260 esquina Placer\, Santiago. Exposición abierta hasta el 19 de junio de 2022\, de jueves a domingo\, de 11:00 a las 17:00 horas. Sábado y domingo hasta las 18:00 horas. \n-Factoría Santa Rosa presenta LA INQUIETANTE EXTRAÑEZA DE LO COTIDIANO una muestra colectiva de pinturas de los artistas chilenos Hernán Gana\, Diego Romo y Nicole Tijoux. \nDesplegado en el espacio principal de la galería\, el trabajo de Hernán Gana releva a través de pinturas inspiradas en fotografías del conflicto territorial de la Araucanía\, entregando testimonios gráficos de las vivencias de los involucrados en una pugna político social de larga data. Allí mismo Diego Romo presenta un trabajo donde examina el imaginario del subconsciente mediante pinturas de cromatismos intensos\, retratando al hombre como habitante de un mundo post apocalíptico y pesadillezco. \nPor su parte en el espacio de Gabinete de la Factoría\, la artista Nicole Tijoux expone una serie de pinturas cuyos protagonistas son seres del subconsciente\, inmersos en un universo acuático\, experimentando de este modo con una temática que ha sido recurrente en su obra y que tiene como elemento central el agua. \nHERNÁN GANA DE LANDA  \nPintor y artista visual. En los años 80s y principios de los 90s estudió arquitectura en Chile para luego viajar a USA en 1995 donde estudió pintura en el Parson School of Design y Grabado en la School of Visual Arts de Nueva York. Su obra testimonia la intervención del hombre en su entorno\, su ocupación y huella\, tanto en el paisaje natural como urbano. \nDIEGO ROMO\nArtista visual\, pintor y grabador\, es Licenciado en Arte de la PUC\, desarrollándose laboralmente en el ámbito artístico y académico contemporáneamente. Ha participado en exposiciones dentro y fuera de Chile\, adjudicándose en 2001 la beca Amigos del arte\, mención Pintura. Su trabajo gira en torno a lo utobiográfico con lenguajes que se desarrollan a través del dibujo\, el grabado y la pintura.\n\nNICOLE TIJOUX \nArtista visual y pintora actualmente está radicada en Londres\, Inglaterra. Estudió Artes Plásticas en la Universidad de Chile y luego Arte en la Universidad Católica. Ha expuesto en galerías en distintas partes del mundo como Londres\, Hamburgo\, Estocolmo\, Bruselas\, Hong Kong\, Singapur\, Nueva York\, Sao Paulo\, Buenos Aires y Santiago. El agua es el objeto de fascinación de su obra\, explorando a través de su pintura realista los límites de la visualidad cuando los cuerpos se cubren por este elemento. \n
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LOCATION:Factoría Santa Rosa\, Av. Santa Rosa 2260\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Estilos de encuadernación artesanal y artística en la colección de la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica"
DESCRIPTION:Exposición saca a relucir destacadas encuadernaciones artesanales y artísticas de la BPRD \nEl 12 de mayo se inaugurará la muestra\, que permanecerá hasta fines de agosto\, y permitirá a los visitantes observar de cerca libros hechos a mano\, a través de técnicas y estilos históricos. \nLos lectores de hoy casi no conocen los libros encuadernados artesanalmente y mucho menos saben que\, antes de que el mundo editorial se industrializara\, la encuadernación era un verdadero arte en sí misma. En la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica (BPRD) es posible encontrar ejemplares únicos\, trabajados con técnicas antiguas por artesanos y especialistas de distintas épocas y lugares. \nA partir del 12 de mayo y hasta el 26 de agosto\, la comunidad podrá apreciar de cerca estos auténticos tesoros bibliográficos\, en la exposición temporal «Estilos de encuadernación artesanal y artística en la colección de la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica»\, realizada por el equipo de investigadoras compuesto por la encuadernadora Elizabeth Gallegos\, la gestora cultural Pamela Tighe y la periodista Victoria Ramírez\, ganadoras de un proyecto Fondart 2020. \nLa directora de la BPRD\, Raquel Abella\, destaca que “para nuestra institución es sumamente gratificante poder abrir estos espacios a la comunidad y llevar estos conocimientos a todas las personas interesadas. El fondo de la Biblioteca tiene muchas joyas para sorprendernos\, y esta exposición ha logrado identificar un importante número de ellas”. \nLas especialistas en la materia seleccionaron alrededor de ochenta ejemplares que destacan por su belleza\, trabajo\, novedad y otras características que se explicarán en la muestra. Así\, conceptos como «pasta española»\, «encuadernación holandesa»\, «pergamino» o «cantos decorados» saldrán de las estanterías para formar parte del conocimiento del público general\, pues el objetivo de la exposición es difundir el oficio y los estilos de encuadernación que han marcado la historia de cada época\, tanto en el soporte como en la estructura material y la decoración y elementos ornamentales. \nElizabeth Gallegos\, quien lidera el equipo de investigación\, relata que durante el proceso curatorial “en la colección de la Biblioteca pudimos encontrar desde ejemplares que datan del siglo XVI hasta algunos más recientes. Es sorprendente cómo estos libros parecen hablarnos: según el estilo en que estén encuadernados podemos intuir dónde fueron confeccionados\, el tipo de artesanos que los intervino\, si son encuadernaciones originales o si fueron intervenidos o reparados posteriormente. Gracias a esta exposición podemos construir\, o al menos comenzar a trazar\, un nuevo capítulo en la historia de esta disciplina”. \nHistóricamente\, la encuadernación se vincula al libro y al trabajo de antiguos maestros artesanos\, considerando que las instancias de formación y difusión sobre esto son\, en general\, escasas. Esta muestra permitirá situar históricamente esta disciplina a través de la exhibición de diversos estilos y tipos de encuadernaciones artesanales. \nCabe destacar que\, en el marco de este proyecto\, también se realizará un Seminario Internacional de Encuadernación\, que contará con destacadas expositoras y expositores de distintas latitudes\, a través de Zoom. \nInauguración Exposición temporal: \n\nCuándo: 12 de mayo de 2022\, 12:00 horas.\nDónde: Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica. Av. Recoleta 683\, Recoleta (metro Cerro blanco).\nEvento para todo público\, se requerirá pase de movilidad.\nEstacionamientos disponibles.\n\nHorarios de Exposición: Desde el 13 de mayo al 26 de agosto\, de martes a viernes\, de 10:00 a 17:00 horas. \nTambién tendremos una apertura extraordinaria con motivo del cierre de esta muestra\, el sábado 27 de agosto\, de 11:00 a 14:00 horas. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/estilos-de-encuadernacion-artesanal-y-artistica-en-la-coleccion-de-la-biblioteca-patrimonial-recoleta-dominica/
LOCATION:Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica\, Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Concéntricos"
DESCRIPTION:Concéntricos\, la exhibición individual de la artista chilena Liliana Iturriaga\, que se inaugura este jueves 12 de mayo a las 12:00 h. \nCon la curatoría de Patricio M. Zárate\, la autora apela al mundo sensible a través de un vibrante universo cinético\, conformado por artefactos originados en el gesto lineal y traspasados industrialmente al formato tridimensional\, una serie de pinturas geométricas y una proyección audiovisual con efecto 3D. \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:“El espacio entre las cosas”
DESCRIPTION:Carolina Sartori \n“El espacio entre las cosas” \nDesde el 12 de mayo al 11 de junio en Galería Artespacio \n“Si hubiera de resumir mi estrategia pictórica\, podría decir que ella está anclada en una permanente búsqueda y comprensión del cromatismo con un marcado acento poético”. \n                                                                                                 Carolina Sartori \nMover al espectador a contemplar la belleza del mundo natural\, desde una perspectiva no figurativa\, con todos sus detalles y sutilezas\, es el objetivo que persigue la artista Carolina Sartori a través de su primera exposición individual en la Galería Artespacio. Sartori destaca las dificultades existentes en la vida cotidiana actual\, a cuyo stress originario se suman las emociones intensas surgidas por el contexto de pandemia mundial.  \nEsta exposición invita al espectador a detenerse en los detalles de la naturaleza que rodean la vida cotidiana y que muchas veces pasan desapercibidos. En sus obras la artista no solo destaca las estructuras naturales en sí mismas\, sino que también los elementos que las unen y los que las distancian. Esto a través de escenarios que se ubican entre la abstracción\, el lirismo del color y el dibujo lineal\, construyendo una atmosfera pictórica capaz de evocar esos pequeños espacios de tiempo forma o luz que van hilvanando la realidad. Tonalidades verdes\, ocres y grises conforman gran parte de sus obras. \n El proceso de contemplación propuesto por la artista trasciende el placer estético superficial y se transforma en una experiencia de meditación. Un instante de búsqueda y libertad\, en el que el espectador puede conectarse con la esencia divina de la naturaleza. Este se desarrolla a través de las distintas obras de la exposición\, todas ellas en diferentes formatos. Desde telas extensas\, pasando por obras de mediano tamaño\, hasta obras pequeñas. Estas últimas condicionadas por el escaso espacio al que Carolina se tuvo que adaptar durante las cuarentenas. \nDentro de los lienzos de mediano tamaño\, cabe destacar la existencia de por lo menos dos obras ordenadas a modo de díptico. Esta configuración pone de relieve su vínculo con un relicario\, reforzando la noción del arte como un vehículo hacia la experiencia espiritual. Asi mismo en una de estas obras la artista utilizo pan de oro en algunas zonas\, no como color\, sino más cercano a la idea de la trascendencia. \nFinalmente\, las obras más pequeñas actúan como piezas de un puzle que puede ser construido y reconstruido infinitas veces. Estas imágenes nacen como cuerpos independientes\, plasmados en múltiples escenas de naturaleza orgánica. Mediante estas piezas\, los espectadores pueden componer sus propios relatos. De esta manera son invitados a experimentar el profundo proceso de comprensión que no se reduce a la dimensión lógica\, expandiéndose hacia todo lo que conforma la experiencia del imaginario personal. \nSobre la artista: \nCarolina Sartori del Campo estudió Licenciatura en Arte con mención en Pintura en la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 1991 recibió el premio Leo Burnet\, posteriormente en 1992 y 1994 realizó dos murales para la Asociación Chilena de Seguridad. Algunas de sus obras se encuentran en reconocidas colecciones públicas dentro de las que destacan las del Instituto Cultural de Providencia\, la del Banco A. Edwards y la Colección CCU. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/el-espacio-entre-las-cosas/
LOCATION:Galería Artespacio\, Alonso de Córdova 2600\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Post Tenebras Lux"
DESCRIPTION:Pinturas y collages recientes del artista visual egresado de la Escuela de Arte UC Víctor Mahana\, que proyectan un tránsito por la identidad personal y colectiva; el miedo\, la oscuridad\, la incertidumbre\, la muerte y la vida. \nInauguración Jueves 12 de mayo\, 19 horas. \nMuestra abierta hasta el 30 de junio de 2022. \nLunes a viernes\, 10 a 18 horas. \n  \n
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LOCATION:Centro de Extensión UC\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 390\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Humedal”
DESCRIPTION:“Humedal”\nExposición de Magdalena Prado\nInauguración: Jueves 12 de mayo\n\nExhibición Individual de Magdalena Prado \nDesde el 12.05.2022 al 06.06.2022 \n“La presente exhibición se resiste\, como debe ser\, a cualquier reduccionismo discursivo. Aceptese lo aquí expuesto como un estudio\, una prueba\, un tanteo\, una apuesta\, un experimento\, una vision la ocasión propicia para contrastar e imaginar in-situ y\, de paso\, divagar entre formas\, contraformas\, ensayos y errores. \nEl quehacer de Magdalena Prado trata\, de siempre y sobre todo\, acerca del conflicto que implica ser artista. Su pintura\, que a veces adopta la con-textura del papel mache u otro medio\, versa sobre la performance que involucra labrar imágenes: el cuerpo de Prado es\, antes que cualquier otra herramienta\, la decisiva. Pintar\, para Magdalena\, significa esculpir dibujos en la superficie (noble y vulgar\, tersa y opaca\, pesada y ligera\, etc.) del espacio y tiempo; su marca registrada. \nLa propuesta de Maida Prado confirma\, sin prisa y con esfuerzo\, ser dueña de una autentica diferencia: la conquista\, en proceso\, de una voz propia y singular\, de un modo de hacer y pensar inevitable e impetuoso\, cuyo tema\, de haberlo\, se repite una y otra vez: La pintora lidiando consigo misma en un contexto específico y unas circunstancias particulares; autoretrato – autopoético- autobiográfico”. \n– Rodrigo Canala \n“Humedal reune pinturas\, dibujos\, volúmenes \, objetos\, relieves\, desbastes\, costras\, calados\, estrías\, cicatrices\, texturas\, artesanías\, pliegues\, arrugas\, grietas\, surcos\, bordados\, un dibujo\, una composición\, una marca\, una huella\, un dibujo en la arena\, un tatuaje\, un tejido\, un tajo\, un arado\, una luz y una sombra\, un fragmento\, una corteza \, un pegoteo de papeles\, son superficies de cerros\, de mar\, de playa\, de cuerpos\, una radiografía. \nSon papeles delgados montados \, pegados y desbastados que dejan pasar la luz a través de sus orificios\, que juegan con la imagen aleatoria que se forma detrás\, una constelación. Son papeles blancos\, negros y rosados que se mezclan pictóricamente. Cartones gruesos\, pulpas de papel con su superficie removida a mano. Son restos de papel mezclados con un aglutinante para recubrir trozos de alambre. Papeles desbastados y removidos que dejan ver su propia materialidad. \nSon imágenes orgánicas\, hechas a partir de lo observado\, del paisaje de mi entorno\, de imágenes recolectadas de viajes semanales entre Stgo y Concón\, imágenes que muchas veces comienzan siendo un dibujo a lápiz en un cuaderno\, imágenes que también se van decidiendo a medida que se van haciendo. \nSon trabajos que quieren intentar poner en cuestión el soporte\, buscar maneras para que este esté siempre presente\, esté siempre siendo él mismo el que se revela a la vez que construye una imagen\, desde si mismo\, con su propio cuerpo\, con su propia materia.\nSon la insistencia de un material\, el papel\, el que fue escogido de manera accidental\, luego de pasar años pintando sobre retazos de trupán\, en el papel he encontrado un material maleable que me a dado infinitas posibilidades. \nSon trabajos en los que hay presente una cierta ambigüedad material\, una apariencia lanosa\, pictórica\, una serigrafía\, una foto\, un bordado\, una xilografía\, un pedazo de carbón. \nSon dos actos en los que he insistido persistentemente y son el sustraer y adherir\, este último en realidad no a sido mas que remover la propia superficie del papel que trabajo.\nSon mantos\, cortinas\, follajes\, velos que ocultan y dejan ver\, cubren\, se descubren y se construyen a si mismos desde una suma de tajos\, cortes\, líneas\, insistentes achurados\, una ventana.” \n– Magdalena Prado \n\n
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LOCATION:Galería Isabel Aninat\, Alonso de Córdova 4355\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Fuera de norma: Pintura ingenua en Chile"
DESCRIPTION:“Como palomas inmunes a terremotos y pandemias de toda especie\, imperturbables ante irrupciones de nuevas tendencias y quiebres de lo tradicional\, también los pintores ingenuos chilenos de cualquier época transitan solitarios en medio de los agitados tiempos que han conocido los dos últimos siglos. Su visión candorosa e individualista del mundo los impermeabiliza. El gozo de volcar sobre la tela la visión inmediata les resulta demasiado urgente. Y para llevarlo a cabo les basta el propio instinto”. \nAsí define el crítico de arte Waldemar Sommer a los artistas ingenuos o naif chilenos en el libro Ingenuidad y creación\, que la Corporación Cultural de Las Condes y  Ediciones UC presenta oficialmente el sábado 14 de mayo\, a las 12:30 horas\, en el Centro Cultural Las Condes. \nEn la oportunidad\, se inaugura la muestra Fuera de norma\, que reúne alrededor de cuarenta obras de catorce autores fundamentales de la pintura ingenua\, incluidos en el libro\, e incorpora una selección de la Fundación Bordadoras de Isla Negra. \nIntegran la muestra Julio Aciares\, Armando Arcos\, María Luisa Bermúdez\, Ivonne de Bernales\, Dorila Guevara\, Luis Herrera Guevara\, Víctor Inostroza\, Alberto Jerez\, Juana Lecaros\, Federico Lohse\, María Mohor\, Carlos Paeile\, Arturo Rojo y Fortunato San Martín\, y las bordadoras Teresa Ureta\, Francisca Llanca y Narcisa Catalán. \nComo señala Waldemar Sommer\, “cada uno de los autores aquí seleccionados constituye un mundo aparte\, cerrado en sí mismo y carente del más mínimo interés por mirar o tomar en cuenta la obra de cualquiera de sus colegas\, ni mucho menos considerar las más influyentes orientacio­nes plásticas del momento”. \nLas obras expuestas pertenecen al Banco Central; Museo Nacional de Bellas Artes; Fundación María Mohor; Museo de Arte Popular Americano y el Museo de Arte Contemporáneo\, ambos de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Fundación Bordadoras de Isla Negra\, Fundación Lustro\, Galería Modigliani y colecciones particulares. \nWaldemar Sommer se tituló de ingeniero agrónomo en la Pontificia Universidad Católica de Chile en 1955 y durante veinticinco años se dedicó a la práctica de su profesión. Luego\, en la década del sesenta\, siguió estudios de arte en la Universidad de Chile con los profesores José Balmes\, Gracia Barrios\, Martínez Bonatti\, Alberto Pérez y Romolo Trevi. Durante los años setenta inició su labor como crítico en la revista Qué Pasa. Desde 1975 hasta la actualidad es el crítico de artes visuales de “Artes y Letras” del diario El Mercurio\, donde ha publicado más de 1600 columnas.\nParticipó en el libro Galería personal\, editado junto a Verónica Waissbluth (2008); y en A todo arte (Edit. Universidad de Talca)\, editado por Cecilia Valdés (2018). Es autor del libro Arte en viaje (2019) y ahora Ingenuidad y creación\, ambos de Ediciones UC. \n14 de mayo al 17 de julio de 2022.\nMartes a domingo\, 10:30 a 19:00 horas.\nCerrado por sanitización\, 14:00 a 15:00 horas.\nEntrada liberada con Pase de Movilidad habilitado mayores de 12 años.\nAv. Apoquindo 6570. \n
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LOCATION:Corporación Cultural de Las Condes\, Apoquindo 6570\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Shadowboxing"
DESCRIPTION:AFA presenta su exhibición #104 \nAlan Martí \nShadowboxing \nEl término shadowboxing se asocia al ejercicio de los boxeadores cuando éstos luchan con una persona inventada o imaginada.  \nEsa persona inventada es una expresión de uno mismo\, un otro yo. \nY es así como entramos en la muestra de Alan Martí y en su campo de ficción\, aquella que es tan propia de los pintores. \nEn la obra de Martí\, su universo pivota entre lo psicológico y lo onírico\, entre un mundo de sueños y realidades que -enfrentado a su propia imagen y su quehacer pictórico-\, compone las 33 obras que serán exhibidas en AFA galería a partir del sábado 14 de mayo. \nEl shadowboxing no tiene restricciones\, le entrega libertad al movimiento del artista\, y así también a las obras de la exhibición\, que está compuesta de fotomontajes y pinturas de diversos tamaños. \nMartí oscila entre el carácter narrativo de la historia que puede contener una pintura\, como también entre obras subconscientes y abstractas que siempre buscan responder a la necesidad experimental y conceptual de las obras figurativas\, cohabitando en un intercambio permanente de golpes.  \nEn los fotomontajes\, lo digital sigue colocando a la pintura por delante; el color\, la plasticidad\, la resolución\, la textura\, y con estos elementos disloca el original manipulando factores tales como la cantidad de elementos y la nitidez o desenfoque que los pudiera caracterizar. Ósea\, otro acto pictórico. \nTérminos como extrañeza\, inquietud y dislocación estarán presentes en el observador. Una inquietud sensorial y poética que finalmente deja perplejo hasta al propio autor. \nSegún Martí\, “en mi obra coexisten elementos provenientes de diversos períodos de la historia de la pintura\, como el barroco\, el romanticismo\, el surrealismo y el expresionismo abstracto\, así como también del mundo del animé\, el cine\, los buscadores de imágenes online y lo distópico. “ \nY todo lo que veremos en la muestra es el encuentro entre la energía que evoca el artista y el reflejo de las contingencias del mundo exterior. \nEse mundo con quien el pintor debe practicar el shadowboxing. \nAlan Martí\nSantiago de Chile\, 1995. Licenciado en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Chile (2014-2018). Ha expuesto de forma individual en Espacio O (Santiago)\, 2017 y en las colectivas Heptágono\, Taller Navarrete 2021; Exposición Virtual: Artistas Chilenos\, Galería YAG\, Pescara\, Italia\, 2020; Concurso ArtEspacio Joven BBVA\, Galería ArtEspacio\, 2018; Efecto Ritalín\, curada por Jorge González Lohse\, Centro Cultural de España\, 2018; XII Premio MAVI – BHP Minera Escondida Arte Joven\, MAVI\, 2017; y Artefacto\, Casas de Lo Matta\, 2016\, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina\, Centro Cultural Borges\, Salón Chile\,  2016\, entre otras.  \nwww.alanmarti.online  \nInst: @amarti95  \nMás Info: \nInauguración sábado 14 de mayo\, 12 horas. \nLa muestra permanecerá abierta hasta el día Domingo 19 de junio. \nHorarios: viernes a domingo de 11-17 horas \nGalería AFA \nFranklin 741/Local 4-A \nF: +56 2 26648450 \nMetro Franklin\, Metro Santa Rosa \nEstacionamiento pagado en San Francisco 2038 \nhttp://www.galeriaafa.com \nInst: @galeriaafa \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/shadowboxing/
LOCATION:Galería AFA en Franklin\, Franklin 741\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:“Cuando el paisaje se representa a sí mismo”
DESCRIPTION:LA SEGUNDA EXPOSICIÓN DEL AÑO DE SALA GASCO PRESENTA: \n“CUANDO EL PAISAJE SE REPRESENTA A SÍ MISMO”: LA TEMPERATURA COMO FACTOR PRINCIPAL DE LA IMAGEN \nA partir de mediados de mayo\, Sala Gasco Arte Contemporáneo presentará el trabajo fotográfico de Patricia Novoa\, quien desde 2017 comenzó su proyecto en torno a la temática del paisaje. \nLa exposición recoge fotografías de lugares históricos y varios de ellos declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO\, pero con un estilo único\, donde la luz pierde relevancia\, siendo la temperatura el eje central de cada imagen. \nEl miércoles 18 de mayo comenzará la segunda exhibición del año en Sala Gasco\, llamada “Cuando el paisaje se representa a sí mismo”. La exposición reúne diversas fotografías tomadas por Patricia Novoa\, fotógrafa y artista visual de la Universidad Católica. En su obra\, Patricia muestra un compendio de 54 fotografías de paisajes de lugares históricos de Chile e Italia\, en donde éstos fueron fotografiadas con película infrarroja\, siendo la temperatura del lugar el componente principal y no la luz como principio básico de formación de la imagen fotográfica. \n“Esta exposición es una muestra de un proyecto en proceso\, en la cual no hay una idea preconcebida\, sino que las lecturas de las imágenes pueden ser diversas\, como diverso es el público que las observa”\, explica Novoa. Además\, puntualiza que el nombre que recibe la obra hace referencia a la forma de cómo son capturadas estas imágenes y un resultado no predecible. \nEn ese sentido\, esta obra viene a coronar una destacada trayectoria de la artista visual\, que en el transcurso de los años\, ha sorprendido con sus diversas entregas. Dentro de ellas\, se encuentra\, “Vestigios y huellas en el paisaje chileno”\, una colección de paisajes chilenos que se realizó en un periodo de 17 años. A este trabajo se le suma la obra “Retrato de familia”\, la cual evidencia el registro fotográfico de los integrantes de su  familia cada 10 años\, bajo el mismo escenario y con las mismas poses\, hasta alcanzar los 50 años de historia. Este proyecto se desarrolla en una casa abandonada en Quinta Normal que ha ido evolucionando también con el paso del tiempo. \nDicho esto\, esta nueva entrega «Cuando el paisaje se representa a sí mismo»\, mantiene los códigos de la fotografía documental\, en lo que respecta al tipo de composición y encuadre. Ahora bien\, en esta obra\, se realizaron capturas con tecnología sensible a la temperatura\, lo que produjo imágenes termográficas que muestran una cara misteriosa de los reconocibles lugares. Para ello\, la fotógrafa utilizó material infrarrojo de longitud de onda alrededor de los 900 nanómetros\, en donde los resultados en su visualidad  pueden ser cercanos al dibujo o al grabado como herramientas de representación de paisajes. \nSi bien es cierto que este tipo de material se utiliza comúnmente en labores relacionadas con la ciencia\, Novoa ha conseguido experimentar\, desde un enfoque artístico\, las emulsiones\, los tiempos de exposición y el proceso de revelado\, logrando de esta manera\, impresiones azarosas e impredecibles\, generadas por el proceso del calor sobre la película. \n“He trabajado durante muchos años con material infrarrojo y el primer pensamiento que se te viene después de un fracaso\, fue como tener al menos un poco de control en el resultado de las imágenes\, ya que a diferencia de los trabajos anteriores que eran retratos\, estos se “iluminaban” con fuentes que generaban mucho calor\, por lo tanto eran controlables\, asegura Patricia. \nLos paisajes fueron la temática abordada por la artista nacional en su obra que por medio de varias fotografías tomadas en lugares históricos que han sido declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Así se decidió por Chile e Italia\, siendo este último el que cuenta con mayores sitios históricos protegidos en el mundo. \nEs así como la fotógrafa se centró en captar imágenes de diferentes lugares de estos dos países\, como Rapa Nui y Sewell en Chile\, y en Italia; Pompeya y Herculano\, Venecia\, Florencia\, Agrigento\, Centro histórico de Siena y de Roma\, entre otros. \nLa exposición “Cuando el paisaje se representa a sí mismo”\, se encontrará disponible de manera gratuita a partir del miércoles 18 de mayo hasta el 15 de julio. Se puede visitar de forma presencial en Sala Gasco y mediante una detallada visita virtual en 360º disponible en www.fundaciongasco.cl/sala-gasco. \nSala Gasco Arte Contemporáneo: Santo Domingo 1061\, Metro Plaza de Armas. Horario de 9 a 17 horas. Abierto a todo público de manera gratuita. \nSobre Sala Gasco \nSala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte\, en pleno centro de Santiago. Abre de lunes a viernes\, entre 09:00 y 17:00 hrs\, en Santo Domingo 1061\, Metro Plaza de Armas. Desde su apertura en agosto de 2001 Sala Gasco ha recibido a aproximadamente 218.000 personas\, en más de noventa exposiciones. \nPrograma de mediación de Sala Gasco \nPara cada una de sus exposiciones Fundación Gasco ofrece un programa de Visitas Mediadas\, adaptadas a las características de los asistentes: escolares\, universitarios\, adultos mayores\, personas con necesidades educativas especiales (NEE)\, instituciones y familias\, entre otros. Y están disponibles en forma gratuita mediante reserva previa a través de mediacionsalagasco@gasco.cl \nTODAS LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO SON GRATUITAS Y ESTÁN ACOGIDAS A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES \n
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SUMMARY:“Cineastas Pintores”
DESCRIPTION:Exposición “Cineastas Pintores”\nAndrés Waissbluth\nJuan Carlos Bustamante\nJorge López Sotomayor\n20 de Mayo al 20 de Junio\nEntrada liberada \nHorario de Atención: Lunes a Viernes 9:00 a 19:00 – Sábado 10:00 a 13:00 hrs. \nEl Centro Cultural Vicente Bianchi desea invitar a la inauguración de la muestra «Cineastas Pintores» de los artistas Andrés Waissbluth\, Juan Carlos Bustamante y Jorge López Sotomayor\, a efectuarse el viernes 20 de mayo a las 19:00 hrs. en Santa Rita 1153 esquina Echeñique\, La Reina. Entrada Liberada. \nLa exposición se extenderá hasta el 20 de junio. \nAndrés Waissbluth\nCineasta\, pintor y alguna vez baterista. Ha exhibido sus pinturas y películas en el MoMA de NY\, el Grand Palais de Paris y los principales festivales del mundo. Actualmente es el director de la carrera de Cine en la Universidad del Desarrollo. Ha dirigido los largometrajes “Los Debutantes”\, “199 Recetas para ser Feliz” y “Un Caballo llamado Elefante”. Como pintor\, de formación autodidacta\, realizó su primera exposición individual «Sin Tiempo» en octubre del 2012\, en la Galería Posada del Corregidor de Santiago. Ha partir de ahí ha exhibido en Punta Arenas\, París y Santiago. En música ha sido baterista y programador de secuencias de las bandas Mosquito (2001 – 2005) y Pebre (2006 – 2008). También participó como baterista en algunos temas del disco homónimo de la banda Los Muebles. Fue el productor musical del Soundtrack y disco EMI «Los Debutantes» junto a Cristián Heyne. \nJuan Carlos Bustamante\nEstudia Bellas Artes en Francia\, y filma junto a su hermano Patricio los documentales «Domingo de Gloria» (1981) y «El Maule» (1983)\, ambos con una importante búsqueda identitaria y una fuerte expresividad pictórica. Filma en solitario dos largometrajes de ficción\, «Historia de Lagartos» (1989) y «El Vecino» (2000)\, las cuales fueron ampliamente señaladas como relevantes dentro del panorama de cine de autor chileno. Para televisión realiza las adaptaciones al cine de dos cuentos de Mariano Latorre\, «El Aspado» (director de fotografía) y «El negro Chávez» (dirección). Destaca también su labor en el cine publicitario y su experiencia como director de fotografía para largometrajes como «Teresa» (Tatiana Gaviola\, 2009). Su obra autoral ha estado íntimamente ligada a la región del Maule\, construyendo una poética visual del campesinado\, donde la geografía se convierte en el relato de sujetos solitarios e inquietantes que abundan en su obra. \nJorge López Sotomayor\nRealizador y productor de la versión local de la Opera Rock “Jesucristo Súper Estrella” y director y coguionista de la película “El Ultimo Grumete”\, devenida en un clásico del Cine Chileno. Su más reciente película «Patagonia de los Sueños» fue filmada en Magallanes\, en coproducción con Alemania\, Argentina y Chile y se encuentra disponible en www.ondamedia.cl Fue por doce años Presidente de ADG Chile\, Asociación de Directores y Guionistas de Cine de Chile. Además es profesor del Taller “Creatividad con el Lado Derecho del Cerebro” en los Programas MBA de la Universidad Católica de Chile\, y la Universidad Adolfo Ibáñez. www.jlproducciones.cl. \n
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LOCATION:Centro Cultural Vicente Bianchi\, Santa Rita 1153\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:“Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”
DESCRIPTION:• En el marco de la celebración del Día de los Patrimonios 2022 y de nuestro 14° aniversario\, Casa Museo EFM\, con la colaboración del Museo Histórico Nacional – MHN a través del préstamo de ilustraciones que forman parte de la Colección de Libros y Documentos\, se inaugura una nueva muestra temporal el jueves 26 de mayo: “Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”.\n• La exhibición incluye una serie de caricaturas de dos mandatarios chilenos: Eduardo Frei Montalva (retratado por Luis Goyenechea Zegarra\, “Lugoze”) y Eduardo Frei Ruiz-Tagle (inmortalizado por Jorge Carvallo Muñoz\, “Jorcar”)\, padre e hijo\, quienes −como casi toda la élite política− fueron representados por el agudo trazo de estos artistas del dibujo y el humor\, quienes colaboraron con una de las publicaciones más recordadas del siglo XX en Chile\, la revista Topaze.\n• La muestra podrá ser visitada de forma presencial por el público de martes a viernes de 10:30 a 16:30 horas y fines de semana\, de 10:00 a 18:00 horas. Entrada gratuita. \nEn lo político y en lo artístico\, a través de la historia hemos recurrido a diferentes formas de expresar aquello que sentimos respecto de las figuras de poder: desde la comedia griega o los rayados en los muros de Roma dirigidos hacia el Emperador y su familia\, pasando por las caricaturas del Rey en la Francia de fines del siglo XVI y las publicaciones especializadas en humor político que proliferan en el siglo XX\, hasta el meme\, esa expresión gráfica llena de ironía tan contemporánea y presente en nuestro mundo digital actual. \nEn el marco del Día de los Patrimonios 2022 y nuestro aniversario\, los invitamos a conocer esta nueva muestra temporal “Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”\, para recordar\, reír y abordar la caricatura política como género\, a través de una serie de ilustraciones de dos mandatarios chilenos: Eduardo Frei Montalva (retratado por Luis Goyenechea Zegarra\, “Lugoze”) y Eduardo Frei Ruiz-Tagle (inmortalizado por Jorge Carvallo Muñoz\, “Jorcar”)\, padre e hijo\, quienes −como casi toda la élite política− fueron representados por el agudo trazo de estos artistas del dibujo y el humor\, quienes colaboraron con una de las publicaciones más recordadas del siglo XX en Chile\, la revista Topaze. \nTopaze\, la trinchera de la caricatura política nacional \nFundada por Jorge Délano en pleno contexto de convulsión política hacia el final del gobierno de Carlos Ibáñez del Campo\, la revista Topaze debutó en la escena editorial en agosto de 1931 convirtiéndose rápidamente en un referente en el género de la caricatura gráfica y política. Su época dorada se extendió hasta la década del 50\, no exenta de algunas disputas memorables\, como aquella con el Presidente Arturo Alessandri\, quien −molesto por una publicación que contenía una caricatura alusiva a su persona\, − mandó a decomisar y quemar el número 285 de la revista desatando un escándalo que llegó hasta la justicia. \nYa para la década de 1960 su impacto fue decayendo paulatinamente\, y en 1970 dejó de circular\, hasta 1989 cuando volvió en plena campaña para las elecciones presidenciales\, pero como suplemento del diario La Tercera\, con menos visibilidad y el comité editorial del diario la mantuvo dentro de un rango humorístico y caricaturesco mucho más moderado que en su versión original. Al llegar a septiembre de 1996\, de forma abrupta y sin previo aviso siquiera para sus artistas colaboradores\, Topaze dejó de publicarse. \nDesde: jueves 26 de mayo de martes a domingo.\nLugar: Casa Museo Eduardo Frei Montalva. Hindenburg 683\, Providencia.\nHorario para recorridos y para ver la muestra: De martes a viernes\, de 10:30 a 16:30 horas; sábados y domingos\, de 10:00 a 18:00 hrs.\nLa entrada para ver la muestra temporal es liberada. \nAgradecemos la colaboración del Museo Histórico Nacional – MHN a través del préstamo de ilustraciones que forman parte de la Colección de Libros y Documentos. \n
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LOCATION:Casa Museo Eduardo Frei Montalva\, Hindenburg 683\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"El Ojo TV"
DESCRIPTION:Exposición de Enrique Flores. \nLa exposición se exhibirá hasta el viernes 8 de julio en Alameda 1381\, metro Moneda. Abierta de 11:00 a 19:30 horas de lunes a viernes y de 11:00 a 19:30 horas los sábados\, con acceso liberado. \n
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LOCATION:Galería Gabriela Mistral\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 1381\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Fragmentos"
DESCRIPTION:El próximo 28 de mayo\, se inaugurará\, en AMS galería\, una muestra fotográfica titulada “Fragmentos”\, del destacado artista nacional Eduardo Vilches. \nEduardo Vilches\, grabador\, nació en Concepción el año 1932. Dibujante desde la infancia\, perfeccionó sus habilidades artísticas en la academia de Gregorio de la Fuente. Más tarde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile como alumno libre\, donde estudió técnicas de pintura al fresco y mosaico. Su encuentro definitivo con la gráfica y la técnica del grabado se produjo hacia 1958 al incorporarse al taller 99 por invitación de Nemesio Antúnez. \n Siguió sus estudios en la Universidad de Chile donde tuvo la oportunidad de progresar en sus conocimientos gráficos con el norteamericano Sewell Sillman y obtiene el título de licenciado en artes con mención en grabado.   \n“Fragmentos” nace de su última muestra el año 2017 en el antiguo espacio de AMS galería.  Según dice….:   “descubrí\, al registrar la exposición\, que\, mirando desde ciertos ángulos\, interactuaban muy bien las fotografías expuestas con la arquitectura del lugar.  Uniendo fragmentos de ellas con partes de muros o resguardos\, nacían nuevas obras. Ese fue el punto de partida en el desarrollo de esta exposición. No siempre están expuestas ambas formas. En algunos casos\, objetos como pasamanos o peldaños de una escalera\, cobran vida propia constituyéndose en nuevos protagonistas.” \nLa muestra consistirá de 20 fotografías de diversos formatos\, y estará abierta al público hasta el 2 de julio. \nHorario: Lunes a Viernes\, 11.00 – 14.00\, 16.00 – 19.30 horas.\nSábado\, 11.00 – 14.00 horas. \n
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LOCATION:AMS Galería\, Juan de Valiente 3681\, Vitacura\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:“Eclosaurio”
DESCRIPTION:“Eclosaurio” es el nombre de la nueva exposición que el artista visual Jorge Pato Toro ha preparado especialmente para Centro Cultural de Puente Alto. \nLa exhibición consta de 83 piezas gráficas que se enmarcan en los géneros dark y surrealismo pop\, aludiendo a la poesía visual\, con elementos de cartoon\, graffiti  y cómic; puede apreciarse a través de las creaciones la deliberación de distintos lenguajes\, que transitan por la ilustración\, la narrativa gráfica\, la pintura\, el collage y el fanzine. \nSe trata de obras confeccionadas en técnica mixta\, inspiradas en cultura popular\, vida urbana\, ensoñaciones y exploraciones de índole metafísico\, creadas con las tradicionales propuestas estéticas de Toro: entidades blandas con miradas exaltadas\, universos oníricos atiborrados de señales abstractas\, destellos\, sombras volátiles\, alegorías y símbolos imprevisibles que brotan desenvueltamente. \nParalelamente a su labor como artista\, Jorge Pato Toro se ha desempeñado en infinidad de labores de desarrollo cultural\, impulsando enérgicamente la autogestión\, el arte independiente y la creación de avanzada\, a la par de promover el trabajo en red de carácter colaborativo. \nPara el director de la Corporación Cultural\, Juan Pablo Sáez\, “contar en nuestra comuna con una exposición de esta calidad es un privilegio. Jorge Pato Toro es un artista visual consagrado y reconocido por su trabajo como productor cultural\, investigador y ensayista. Invitamos a todos a visitar esta exhibición que estará tres meses en el Centro Cultural”. \nTítulo de exposición: “Eclosaurio”. \nAutor: Jorge Pato Toro. \nFecha: Hasta el 19 de agosto de 2022. \nLugar: Centro Cultural de Puente Alto. \nOrganiza: Corporación Cultural de Puente Alto. \nDirección: Av. Eyzaguirre #02115\, esquina Pie Andino. Villa Primavera\, Puente Alto. Santiago. Chile. \nHorario: Lunes a viernes de 10:00 hrs. a 18:00 hrs. Sábados de 10:00 hrs. a 16:00 hrs. \n
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LOCATION:Centro Cultural de Puente Alto\, Centro Cultural Alcalde Juan Estay\, Puente Alto\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:Festival Estación Rosa 2022
DESCRIPTION:Para conmemorar el Mes del Orgullo\, la Corporación Cultural de Estación Central preparó la primera versión del “Festival Estación Rosa 2022”\, a realizarse en la Villa Portales\, el próximo sábado 4 de junio\, a las 15:00 hrs. \nEn esta actividad contaremos con las presentaciones de las bandas nacionales Marineros y Lulu Jam!\, además del show multidisciplinario de las Lady Sab. \n“Festival Estación Rosa” surge como una iniciativa cultural\, la que busca acercar a las distintas comunidades y convivir entre vecinos\, con el fin de disminuir los ataques de odio a los que las disidencias sexuales se enfrentan a diario. \nCon una trayectoria que las ha llevado a tocar en festivales y grandes escenarios\, Marineros\, compuesto por Soledad Puentes y Constanza Espina\, nos traen su pop romántico que las hace merecedoras de un sello único al momento de presentarse. \nLulu Jam! es Sofía Oportot\, Jaime Zapata y Nara Back\, un trío musical que invita a la audiencia a bailar y ser parte del colorido mundo que nos presentan\, junto con el llamado de aceptar y aceptarnos. \nLa comedia estará a cargo de Lady Sab\, compuesto por las drag queens Sabrina O’donell\, Mikaela Kallahan\, Abigail Simpson “La Pepa”\, Dulce Lefferti y Fran Carrera\, quienes se presentarán con una rutina que incluye stand up\, animación\, bailes y cantos. \nEste evento\, además\, contará con la presencia de Taina Mattel\, quien animará y conducirá la primera versión de este festival\, para dar el puntapié inicial al Mes del Orgullo 2022. \n
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LOCATION:Las Encinas con Av. Central\, Las Encinas & Paseo Central\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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