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SUMMARY:"Canción de cuna"
DESCRIPTION:Podrá visitarse desde el sábado 18 de diciembre \nCentro Cultural La Moneda inaugura exposición con canciones de cuna de Sudamérica  \n\n\nLa muestra utiliza dioramas de caja o teatrillos para ilustrar poemas y canciones infantiles que son interpretadas por artistas como Charo Cofré\, Delfina Guzmán\, Mario Mutis y otros reconocidos músicos y actores. \n\n\nLa exposición está ubicada en la Galería Cero\, un espacio que tiene como objetivo ofrecerles sus primeras experiencias culturales y artísticas a niños y niñas de entre 0 y 8 años. \n\n\nDesde el sábado 18 de diciembre\, en la Galería Cero del Centro Cultural La Moneda (CCLM)\, se podrá visitar “Canción de cuna”\, una exposición co-curada en conjunto con la ilustradora chilena Paloma Valdivia\, en la que resaltan canciones infantiles de Sudamérica en una muestra lúdica y con elementos inmersivos. \n“Duerme negrito”\, “Mi niño Arrurú”\, “Pajarito que cantas”\, “Se va la lancha”\, “Cucú\, le llamó”\, “Mira niñita” y “El establo” son las canciones y el poema interpretados por diferentes músicos y actores de Chile y Argentina\, entre ellos María Rosario Cofré o “Charo” Cofré\, Álvaro Díaz\, Delfina Guzmán\, Mario Mutis\, Judith Akoschky y Atahualpa Yupanqui\, que para esta instancia fueron ilustrados por la destacada artista de libros infantiles\, Paloma Valdivia\, quien además también cantó uno de los temas junto a su hijo\, Guillem Ballesteros. \nLa muestra\, que contó para su elaboración con la colaboración del Laboratorio de Modelos y Prototipos de la Facultad de Arquitectura\, Diseño y Estudios Urbanos de la Universidad Católica de Chile\, se compone de seis dioramas de caja o teatrillos y una obra inmersiva. \nLos dioramas incluirán un sistema de audio que reproducirá las canciones y la obra inmersiva se conformará a partir de una proyección animada de una de las ilustraciones que se trazará en uno de los muros de la sala a escala real\, acompañada de intervenciones construidas. \n“Cientos de canciones de cuna se han creado a lo largo de la historia. Estas se han transmitido de generación en generación y\, por lo mismo\, han tenido variaciones a través del tiempo. Cada quien adapta la letra de acuerdo a su propia cultura\, involucrando sus experiencias y sentimientos\, aunque finalmente provienen de una tradición musical compartida. Acá establecemos  un espacio de aprendizaje\, donde confluyen la cultura y el patrimonio en un ambiente de sensaciones y estímulos positivos para la primera infancia”\, comentó la directora del CCLM\, Beatriz Bustos Oyanedel. \nEs importante destacar que tres de las canciones que inspiran los dioramas de la muestra: “Se va la lancha”\, “Cucú\, le llamó” y “Mira niñita” fueron seleccionadas de una lista de temas infantiles que resultó de una convocatoria participativa realizada por el CCLM con su comunidad de seguidores a través de sus redes sociales. \nSobre la curadora \nPaloma Valdivia es autora e ilustradora de libros infantiles. Nació en Chile en 1978. Estudió diseño en la Universidad Católica de Chile y realizó un posgrado de Ilustración Creativa en la Escuela de Arte y Diseño Eina\, en Barcelona\, y un diplomado en Antropología y Comunicación Audiovisual en la PUC. \nComo docente trabajó varios años en la PUC y dirigió el diplomado de Ilustración y Narrativa Autobiográfica de la misma universidad. Su principal pasión son los libros ilustrados para niños. Su trabajo ha sido traducido a más de 20 idiomas y ha ganado varios premios internacionales. Es socia fundadora de Ediciones Liebre. \nCoordenadas  \nFecha apertura: 18 de diciembre de 2021  \nFecha término: agosto 2022. Extendida hasta el 25 de septiembre de 2022. \nDe martes a domingo\, de 10:00 a 18:30 horas. \nDirección: Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago de Chile. \nEntrada gratuita previa reserva en www.cclm.cl  \n
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SUMMARY:"En la selva hay mucho por hacer"
DESCRIPTION:Celebrando el aniversario desde la primera muestra de la entonces incipiente colección del Museo de la Solidaridad en 1972\, la exposición En la selva hay mucho por hacer. 50 años MSSA se pregunta por la continuidad y la contingencia de los principios y valores fundacionales que dieron luz al Museo. La curaduría de la exposición está a cargo de la chilena María Berríos\, quien fue una de las cuatro curadoras de la reciente 11 Berlin Biennale (2020). \nEl concepto de “un museo permeable\, sin adentro ni afuera” es explorado mediante una museografía transgeneracional que se despliega por todo el edificio del Museo con más de 110 obras\, archivos y libros\, la mayoría pertenecientes a la Colección MSSA. La selección de obras se centra en piezas menos exhibidas\, interrogando sus historias particulares\, como también en los silencios y exclusiones de la Colección. Sus piezas dialogan con obras contemporáneas\, archivos\, libros álbum y gráficas populares. El proyecto de exposición reflexiona en torno a la noción de “antimuseo” que se opone a la reclusión del arte para las élites metropolitanas y la posibilidad de una institución cultural para el pueblo. En la muestra se exploran estas nociones a partir de la creación de espacios intergeneracionales e inclusivos\, creando una suerte de biblioteca popular abierta que incorpora un nutrido programa público en otras ciudades del país\, que permitirán acercar la Colección del Museo y sus problemáticas a diversos públicos. \nEl título de la exposición y su conceptualización se basa en el libro álbum En la selva hay mucho por hacer publicado en 1971 por Comunidad del Sur en Montevideo\, que cuenta la historia de un grupo de animales que se organizan para asegurar que la riquezas de la selva beneficie a todos. La historia relata la llegada de un cazador que se lleva a los animales al zoológico en la ciudad\, y como ellos traman su liberación. El cuento es una fabulación anarquista de la prisión política y la solidaridad interespecies escrita por el uruguayo Mauricio Gatti en un esfuerzo por comunicar\, a través de cartas-dibujo a su hija de tres años\, los motivos de su reclusión en un recinto militar. Se trata de una fábula contra la reclusión y una celebración de la solidaridad colectiva. \nMaría Berríos (Santiago\, 1978) es madre\, socióloga\, editora y curadora independiente\, su trabajo se enfoca en arte y cultura contemporánea en América Latina\, y más allá\, con especial interés en experimentos culturales colectivos\, y movimientos del Tercer mundo entre los 60 y 70. Es cofundadora del colectivo vaticanochico y entre sus curadurías destacadas están la 11 Berlin Biennale (2020)\, Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre en el MAVI (2017) y Desvíos de la deriva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2010). Actualmente vive y trabaja entre Berlín y Copenhague. \nParticipantes \nNoor Abuarafeh\, Marta Adams\, Inés Agüero\, Jesús Álvarez Amaya\, Paula Baeza Pailamilla\, Octavio Bajonero\, Alexandra Bill\, Rafael Canogar\, Ernesto Cardenal\, Leonora Carrington\, Beatriz Aurora Castedo\, Bélgica Castro\, Ch. Galsahdorj\, Santos Chávez\, Diane di Prima\, Zehra Doğan\, Luz Donoso\, Artistas El pueblo tiene arte con Allende (José Balmes\, Jorge Barba\, Gracia Barrios\, Francisco Brugnoli\, Alfredo Canete\, Santos Chávez\, Patricio de la O\, Delia del Carril\, Dino Di Rosa\, Gonzalo Díaz\, Luz Donoso\, Eduardo Garreaud\, Patricia Israel\, Carmen Johnson\, Eduardo Martínez Bonati\, Ricardo Mesa\, Pedro Millar\, José Moreno\, Guillermo Núñez\, Aníbal Ortizpozo\, Julio Palazuelos\, Alberto Pérez\, Gustavo Poblete\, Alfonso Puente\, Israel Roa\, Fernando Undurraga\, Elsa Urzúa\, Eduardo Vilches)\, Virginia Errázuriz\, León Ferrari\, José Gamarra\, Héctor García\, Mauricio Gatti\, Teresa Gazitúa\, Beatriz González\, Ernesto González Puig\, Grupo experimental de cine (Alfredo Echániz\, Gabriel Peluffo\, Walter Tournier)\, Ramón Haití\, Hermanos Mayo\, Elena Huerta\, Francisco Huichaqueo\, Miguel Ángel Ibarra\, Sarah Jiménez Vernis\, Paulina Lavista\, Claude Lazar\, Nacho López\, Clemencia Lucena\, Roberto Matta\, Leandro Mbomio\, Emilio Miguel\, Joan Miró\, Teresa Montiel\, Óscar Fernando Morales Martínez\, Akila Mouhobi\, Mujeres Guna de la Comarca de Guna Yala\, Ngo Quang Nam\, Guillermo Núñez\, John Phillips\, Joan Rabascall\, Torsten Renqvist\, Naomi Rincón Gallardo\, Victoria Santa Cruz\, Serigrafía Instantánea\, Taller 4 Rojo (Diego Arango\, Nirma Zárate)\, Tapio Tapiovaara (Tapsa)\, María Teresa Toral\, Jiri Trnka\, José Val del Omar\, José Venturelli\, María Helena Vieira da Silva\, Eduardo Vilches\, Maximiliano Mamani (Bartolina Xixa). \nLibros-álbum/ Picture books \nMauricio Amster\, Patricia Ayelef\, Daniel Blanco Pantoja\, Jairo Buitrago\, José Calandín\, Leonora Carrington\, Beatriz Aurora Castedo\, Centro Chileno Nórdico de Literatura Infantil (Libro Alegre)\, Belén Chávez\, Eusebio Cimorra\, Adolfo Córdova\, Junot Díaz\, Leo Espinosa\, María José Ferrada\, Armando Fonseca\, Luis Garay\, Carolina Garrido\, Mauricio Gatti\, Mónica Hughes\, José Tomás Ibarra\, María Lara\, Jessica Love\, José Manuel Mateo\, Javier Martínez Pedro\, Rocío Martínez\, Amanda Mijangos\, Gastón Norambuena\, Ana Penyas\, Ariel Rojas Lizana\, Sol Rojas Lizana\, Francesca Sanna\, Francisca Santana\, Subcomandante Marcos\, José Val del Omar\, Jóvenes de la cárcel de menores de Limache\, María Elena Valdez\, Atahualpa Yupanqui. \nColaboradores \nAlboroto Ediciones\, Archivo General de la Universidad (AGU) y Cinemateca Uruguaya\, Archivo Guillermo Ñúñez\, Colectivo Serigrafía Instantánea\, Escuela de Diseño de la Universidad Diego Portales\, Fundación Pablo Neruda\, Fundación Salvador Allende\, Generalitat Valencia + Instituto Valencia\, Odin Teatret Archives y Odin Teatret Film\, Orjikh Editores\, Textileras MSSA. \nEl primer piso de la exposición estará abierto hasta el 29 de enero de 2023. Mientras que el segundo piso cierra el 7 de agosto de 2022. \nDías domingo es gratis para todo el público\, 10 a 18 horas. \n
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LOCATION:Museo de la Solidaridad Salvador Allende\, Av. República 475\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Volcán Sudamericano. Constelaciones"
DESCRIPTION:Universidad de Chile celebra donación del artista Guillermo Núñez con exhibición en MAC Parque Forestal  \n\n\nEl valioso acervo que el artista nacional ha entregado a la casa de estudios será resguardado en los depósitos del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Se trata de casi 150 obras y archivos\, entre pinturas\, grabados\, dibujos\, catálogos y más\, que datan de 1958 al 2022. Una selección de estas obras será exhibida en MAC Parque Forestal durante todo el año. \n\n\nRecientemente\, el artista Guillermo Núñez ha realizado una generosa donación al patrimonio de la Universidad de Chile. Se trata de una selección de obras y archivos cuyas fechas de producción van desde 1958 al 2022\, y dan cuenta de los diversos imaginarios y técnicas por las que ha transitado este artista\, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2007. Las casi 150 piezas serán resguardadas en los depósitos del Museo de Arte Contemporáneo de la Facultad de Artes. Esta llegada al acervo del MAC es particularmente simbólica pues Núñez ha cultivado una estrecha relación con el Museo y la Universidad: fue en ella donde cursó sus estudios superiores y tiempo después fue director del MAC entre 1970 y 1971. \nEsta donación incluye dibujos y grabados\, abordando técnicas como collage\, tinta\, aguadas\, pastel\, lápices de colores y otros. Hay también una decena de pinturas sobre telas en diversos formatos. La colección del MAC ya tiene alrededor de 270 piezas de Guillermo Núñez\, contando dibujos\, grabados\, pinturas\, objetos y esculturas; todas donaciones previas del artista enmarcadas en proyectos y exhibiciones presentadas anteriormente. \n“Por su calidad artística\, su espíritu crítico e innovador y su constante esfuerzo por acercar el arte a la ciudadanía\, es indudable que Guillermo Núñez es una figura invaluable para el país. Pero para la Universidad de Chile\, Núñez es además gran aliado por su profundo compromiso con lo público\, una convicción que no se queda solo en palabras y que hoy se vuelve concreta con esta enorme donación de su obra al museo que dirigió y\, por ende\, a la Universidad. Legar su trabajo al MAC\, muy bien lo sabe Núñez\, es garantizar que siga siendo de todo el conjunto del país. Compartimos con él la certeza de que el patrimonio cultural de Chile debe permanecer en el ámbito de lo público\, y nos comprometemos hoy a resguardar su obra y difundir su inmenso legado”\, afirma Ennio Vivaldi\, rector de la Universidad de Chile. \nPor su parte\, el artista afirma: “mi formación se la debo a la Universidad de Chile\, lo mínimo que puedo hacer es entregar algo que la institución me dio. Todo se lo debo a la educación gratuita\, el haber conocido a mis amigos en el Instituto Nacional\, con los cuales nos formamos juntos y con quien nos formamos después en la Universidad. Este es el lugar donde deben estar las obras\, no en el taller\, ni en una bodega; y por eso el museo es necesario”. \nUn volcán sudamericano en Europa \nUna selección de las obras donadas dará forma a la muestra “Volcán Sudamericano”. Constelaciones que será inaugurada el 15 de junio a las 19h en MAC Parque Forestal. \nLa exhibición estará abierta hasta enero de 2023 en la sala de conferencias de la sede conviviendo durante todo el año con los diversos conversatorios\, talleres\, lanzamientos y más que se programan en el MAC. Por otra parte\, esta donación abre la posibilidad de generar espacios de exhibición permanente en el museo\, relevando la Colección MAC y el patrimonio de la Universidad de Chile\, en un año especial pues el MAC celebra 75 años de existencia. \nEsta muestra debe su nombre a una anécdota que da cuenta del ímpetu creativo del artista quien en 1959 obtuvo una beca para estudiar grabado en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Praga. En aquel lugar se hizo conocido por estar constantemente revolucionando los procesos formativos entre sus compañeros\, a quienes incitaba a no seguir siempre las reglas y las instrucciones de trabajo. Su ímpetu era tal\, que a pesar de haber mantenido la beca\, se le solicitó no seguir asistiendo a clases\, pues claramente ya tenía las aptitudes para seguir desarrollándose. Guillermo Núñez considera hasta el día de hoy que la práctica artística debe ser espontánea y con soltura\, escapando de las normas. \n“Nos llena de una alegría profunda seguir fortaleciendo el vínculo del MAC con Guillermo Núñez\, un artista cercano al museo; no sólo porque hemos presentado diversas exhibiciones en torno a su obra y porque es parte importante del acervo del MAC\, sino también porque dirigió la institución hace cincuenta años. Esto nos hace seguir reencontrándonos en el plano creativo y afectivo. Se trata de un artista único\, tremendamente relevante para la escena nacional\, destacando la constancia\, sensibilidad y generosidad de su obra. Núñez tiene un claro sentido hacia lo público\, y comprende el rol de nuestro museo con la sociedad de manera amplia. Por esto hemos querido presentar “Volcán Sudamericano”. Constelaciones\, con miras a generar una sala de exhibición\, inédita y permanente en el MAC\, que permita una difusión constante del patrimonio del museo y de la Universidad de Chile. Es una de las misiones que nos hemos propuesto y que estamos felices de iniciar\, a propósito de la celebración de los 75 años del MAC”\, cuenta Daniel Cruz\, director del Museo de Arte Contemporáneo. \nSobre el artista \nGuillermo Núñez (Santiago\, 1930) fue Premio Nacional de Arte 2007 y director del MAC entre 1970 y 1971. En su gestión en el museo apuntó a ampliar los márgenes de lo que se comprendía como arte para hacer ingresar el espíritu de la calle y del espectador no especializado: el espacio público\, teñido de manifestaciones artísticas más espontáneas y conectadas con la contingencia\, ingresó al museo a través de exhibiciones tales como Las brigadas muralistas. Bajo su dirección también se realizó Las 40 medidas del Gobierno Popular de los artistas plásticos de la Unidad Popular\, marcando el vínculo entre su gestión y los lineamientos del gobierno de la época. \nA sus 44 años fue detenido por la dictadura militar\, siendo arrestado y torturado en Villa Grimaldi. En 1975\, Núñez fue expulsado del país y vivió en Francia hasta que fue autorizado a regresar al país en 1983. \nHa sido protagonista de la historia reciente del arte en Chile\, siendo uno de los creadores visuales más importantes. En 1949 ingresó a la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y paralelamente entró a la Escuela de Bellas Artes de la misma Universidad\, donde participó del Grupo de Estudiantes Plásticos. Entre 1959 y 1961\, gracias a una beca otorgada por el gobierno de Checoslovaquia\, estudió grabado en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Praga. \nA sus 85 años\, el MAC revisó su trayectoria artística\, presentando la muestra Núñez 85. Dibujar con sangre en el ojo\, que se enfocó en sus dibujos y producción gráfica\, realizados desde fines de los años 60 hasta el 2015. Profundamente comprometida con los movimientos políticos de la historia reciente de nuestro país\, la obra de Núñez se vinculó directamente a los principales acontecimientos que han marcado la sociedad chilena. \nMuseo de Arte Contemporáneo Sede Parque Forestal \nIsmael Valdés Vergara 506\, metro Bellas Artes. \nHorarios: \n11:00 a 16:00 horas\, martes a viernes \n11:00 a 17:30 horas\, sábado \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Festival Franco Chileno de Videoarte. 40 años"
DESCRIPTION:Centro Nacional de Arte Contemporáneo inaugura muestra conmemorativa de los 40 años del Festival Franco Chileno de Videoarte   \n\nLa exhibición abrirá sus puertas este 2 de julio en el espacio dependiente del Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio\, con 69 obras de 45 artistas chilenos y franceses entre quienes se cuentan Diamela Eltit\, Alfredo Jaar\, Jean-Paul Fargier\, entre otros.\n\nPara finalizar la conmemoración de los 40 años del Festival Franco Chileno de Videoarte\, que ha contado con la participación de nombres tan relevantes para las artes visuales como Lotty Rosenfeld\, Gloria Camiruaga\, Néstor Olhagaray\, Eugenio Dittborn\, Marcela Serrano\, el colectivo C.A.D.A\, Carlos Leppe\, entre otros; el Centro Nacional de Arte Contemporáneo realizará la exposición Festival Franco Chileno de Videoarte. 40 años\, desde este 2 de julio hasta el próximo 25 de septiembre. En ella se exhibirán 69 obras realizadas por 45 artistas que participaron de las 12 versiones en que se desarrolló el certamen. \n“El Festival Franco-Chileno de Vídeo Arte fue\, en plena dictadura\, un motor de creación y experimentación que reunió a artistas y productores en torno a un lenguaje que logró desarrollarse y cautivar público. Esta muestra\, sin duda\, es un estímulo para acoger las nuevas formas de arte y de patrimonio para seguir avanzando en espacios de expresión\, libertad y reflexión”\, señaló la ministra de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio\, Julieta Brodsky. \nUn espacio de contracultura y resistencia que congregó todas las expresiones del audiovisual chileno durante los ‘80s y principios de los ‘90s. Así se define el Festival Franco Chileno de Videoarte\, fundado en 1980/ 1981. Promovido por la Embajada de Francia en Chile\, se transformó en una fuente de resguardo artístico y político para los creadores y artistas que experimentaron en dictadura con este nuevo formato y registraron con una mirada crítica los conflictos políticos y sociales de la época. \nPara Soledad Novoa\, directora del Centro Nacional de Arte Contemporáneo\, “esta exposición es un encuentro con un fragmento de la historia reciente en Chile desde el audiovisual. Este Festival se generó en un contexto donde los institutos binacionales cobraron una relevancia particular como espacio de apoyo a la creación y a la difusión\, tanto para artistas locales como para el contacto con la creación internacional. Estos fueron un importante sostén para la actividad artística\, el debate crítico y el apoyo solidario al campo cultural chileno”. \nSobre la muestra \nLa exposición Festival Franco Chileno de Videoarte. 40 años apuesta por fomentar el diálogo entre sus visitantes\, mediante una muestra heterogénea donde comparten obras como The Motherland\, donde el artista Juan Downey retrata a la sociedad oprimida por Augusto Pinochet como una Madre Patria que devora los símbolos de su cultura\, y La voz de los 80\, el videoclip hecho por el realizador Yerko Yankovic para Los Prisioneros. \n“Una de las funciones principales de un espacio como el Centro Nacional de Arte Contemporáneo\, además de dar cabida a diversas manifestaciones de arte contemporáneo de todo el país\, es impulsar y dar visibilidad a los distintos trabajos de investigación que actualmente se están llevando. Esto con el fin de rescatar a artistas y obras que por diversos motivos han quedado escondidos del relato historiográfico. Sin duda\, esta exposición representa el rescate de un hito significativo para el arte contemporáneo de ambos países\, como lo es el Festival”\, comenta el curador de la muestra\, Sebastián Vidal. \nLos videos que conforman la muestra\, al ser realizados con una tecnología analógica de registro y edición\, proponen un lenguaje particular y una experiencia diferente a la visualidad digital a la que se está acostumbrado hoy en día. \nVarias piezas fueron rescatadas especialmente para la exposición y otras fueron sometidas a un proceso de restauración. La programación contempla el trabajo de artistas contemporáneos que desarrollaron videoarte\, como también piezas inéditas de importantes autores y otros de baja circulación. A modo de ejemplo\, la obra Estudios sobre la felicidad del artista Alfredo Jaar será exhibida por primera en formato de video\, cuando ha sido principalmente conocida a través del registro fotográfico. \nEl Festival Franco Chileno de Videoarte. 40 años también contempla actividades complementarias como conversatorios\, recorridos especializados y mediados\, además de laboratorios artísticos para niños y jóvenes. \nSobre el Festival Franco Chileno de Videoarte \nEl Festival nació como parte de la política cultural del Estado Francés y fue promovido por el Servicio Cultural de la Embajada de Francia en Chile\, como un espacio de intercambio y colaboración entre artistas de ambos países. Tuvo como fundador y director a Pascal-Emmanuel Gallet\, jefe de la oficina de animación cultural de la dirección general de relaciones culturales y científicas del Ministerio de asuntos extranjeros de Francia. Se desarrolló en su versión exclusivamente chilena hasta 1992 y en su versión franco latinoamericana hasta 1996. \nArtistas participantes: Alain Bourges – Alfredo Jaar – C.A.D.A.- Carlos Altamirano – Carlos Flores – Carlos Leppe – Claudia Aravena – Diamela Eltit – Dominique Belloir – Eugenio Dittborn – Francisco Arévalo – Francisco Fábrega – Gonzalo Justiniano – Gonzalo Mezza – Gloria Camiruaga – Guillermo Cifuentes – Hervé Nisic – Ignacio Aliaga – Jean-François Néplaz – Jean-Louis Le Tacon – Jean-Paul Fargier – Juan Castillo – Juan Downey – Juan Forch – Juan Francisco Vargas – Leopoldo Correa – Lotty Rosenfeld – Magali Meneses – Marcela Serrano – Mario Fonseca – Michaël Gaumnitz – Michel Jaffrennou – Néstor Olhagaray – Pablo Lavín – Pablo Perelman – Patrick Prado – Raúl Zúrita – Robert Cahen – Roberto Farriol – Sergio Navarro – Silvio Caiozzi (ICTUS) – Soledad Fariña – Sophie-Catherine Gallet – Tatiana Gaviola – Yerko Yankovic – Ximena Prieto. \n
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LOCATION:Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos\, Pedro Aguirre Cerda 6100\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:"Balmaceda Visual: Arte Joven para un país despierto"
DESCRIPTION:Balmaceda Visual: Más de 80 artistas jóvenes llegan a MAC Quinta Normal \n\n\nCreadores de las regiones de Tarapacá\, Antofagasta\, Coquimbo\, Valparaíso\, Metropolitana\, O’Higgins\, Maule\, Araucanía\, Los Ríos y Los Lagos\, se presentan en la sede de Quinta Normal del Museo de Arte Contemporáneo\, en una nueva edición de Balmaceda Visual: Arte Joven para un país despierto. La exhibición colectiva se inaugura el miércoles 6 de julio a las 18:30 hrs y se presentará hasta el 14 de septiembre. \n\n\nExhibición: Balmaceda Visual: Arte Joven para un país despierto \nLugar: MAC Quinta Normal \nFechas: 7 de julio a 14 de septiembre -> al 15 de octubre de 2022. Inauguración: 6 de julio a las 18:30hrs. \nCon más de 80 artistas convocados y 70 obras expuestas\, Balmaceda Visual: Arte Joven para un país despierto\, llega al Museo de Arte Contemporáneo\, sede Quinta Normal. Las movilizaciones sociales\, la pandemia y el proceso constituyente\, entre otros aspectos que han transformado el país\, son fuente de inspiración para las y los jóvenes artistas que son parte de esta exposición. \n“Esta muestra\, donde se presentarán más de ochenta artistas seleccionados de un total de 430 postulantes de todo el país\, es muy importante para la misión de Balmaceda Arte Joven. Somos\, entre muchas otras cosas\, una plataforma de difusión de artistas jóvenes única en Chile. Los y las asistentes a esta gran exposición podrán constatar cuáles son las preocupaciones estéticas\, políticas\, sociales de los y las artistas. Es una reflexión colectiva sobre los problemas del mundo y del arte contemporáneo muy pertinente al momento que vivimos”\, afirma Loreto Bravo\, directora ejecutiva de Balmaceda Arte Joven. \nEsta exposición -que se inaugurará el 6 de julio a las 18:30 hrs- cuenta con cuatro ejes curatoriales que atraviesan su contenido. Soportes para un estallido: octubre del 2019 como un hito que entrega sentido a la producción de jóvenes creadores; Materialidades oníricas: el mundo del inconsciente que se comunica a través del arte; Lo íntimo y lo social: una mirada de cómo ambos conceptos se vinculan constantemente en la vida de las personas; Reconstruyendo identidades: observar el origen\, el entorno\, la familia y la pertenencia cultural\, para luego reconstruirse. \n“Como ya se ha venido realizando sostenidamente desde 2009\, Balmaceda Arte Joven y el MAC trabajan juntos para presentar Balmaceda Visual en nuestra sede de Quinta Normal. En esta oportunidad\, más de ochenta artistas de diversas regiones del país ocupan todo el edificio\, ofreciendo un recorrido por sus imaginarios y sus resultados de investigación y creación\, a partir de los aconteceres locales y globales. Se trata de una invitación\, desde el arte emergente\, a explorar el mundo y mirarnos también a nosotros mismos. Esta exhibición llega a fortalecer nuestras celebraciones en el aniversario número 75 del MAC\, donde nos hemos planteado como un museo permeable\, situado y en un vínculo constante con nuestro contexto y nuestra contingencia”\, señala Daniel Cruz\, director del MAC. \nLos artistas participantes de esta versión son: Connie Chantal Swaneck Santander\, Pedro Albertini Guerra\, Kristian Felipe Orellana González\, Betzabeth Dayana Diaz Huichacura\, Daniel Augusto Viscarra Aranda\, Sofía Pino Brenning\, Milena Paz Moena Moreno\, Cristian Andrés Arriagada Seguel\, Francisca Castillo González\, Renata Ayala Becerra\, Joaquín Andrés Hidalgo Soto\, Catalina Zarzar Cumsille\, Francisca Estefanía Chacón Cerda\, Paula Isabel Carmona Araya\, José Manuel Pérez Sepúlveda\, Andrea Carrión Salinas\, Laura Josefina Ibáñez Kuzmanic\, Octavia Helena Pérez Aravena\, María Trinidad Barros Becker\, Oscar Alejandro González Galaz\, Amanda Sofía Montenegro Ávila\, Constanza del Pilar Guerrero Morales\, Gabriela Rosario Bahamonde Courbis\, Paulina Kim Joo\, Isidora Paz González Kukulis\, Paula Ximena Lizama Flores\, Aylén Ayala Ayala\, Andrés Parra Herrera\, Camila Francisca Murúa Solís\, Felipe Javier Pineda Rojas\, Felipe Ignacio Oyaneder Santibáñez\, Jacinta Aurora Canessa Suárez\, Augusta Lecaros Solar\, Carlos Ignacio Palma Muñoz\, Carla Rocío Mora Ovando\, Natalia Belén Montoya Lecaros\, Valentina Lola Morales Soto\, Diego Alejandro Dreckmann Brito\, Geraldine Javiera Peralta Lagos\, Javiera Castillo Varas\, Melisa Belén Castillo Santander\, María Loreto Azola Pérez\, Catalina Paz Olave Fernández\, Roberto Quilaqueo Rojas\, Francisca Mellado Carreño\, Ignacio Lara Bustos\, Mariana Alejandra Arellano Rojas\, Oscar Matías Díaz Jara\, Vanya Simoné Sepúlveda Soto\, Danila Lou Ilabaca Argandoña\, María Cristina Gacitúa Mansilla\, Catalina de los Ángeles Soto Curaqueo\, Ignacio Esteban Quezada Ayala\, Francisca Valentina Álvarez Valderrama\, Mariette Lefranc Acuña\, Marina Yu\, Sofía Guzmán Soto\, Astrid Milena González Quintero\, Martín Andre Bonnefont Gacitua\, Diego Ignacio Mora Meneses\, Pablo Suazo Suazo\, Milla Belén Gutiérrez Gutiérrez\, Simón Díaz Cuffin\, Antonio Castillo Coo\, Erick Bastián Alejandro Labra Olave\, Camila Paz Pizarro Rojas\, Diego David Aguilera Argote\, Michelle Andrea Bravo Peña\, Rocío Toledo Toledo y Omar Camilo Antileo Espina. \nAdemás\, con el propósito de descentralizar y promover la circulación de obras de los artistas seleccionados para esta muestra\, es que durante este año se ha programado el desarrollo de diversos laboratorios de investigación y la realización de 9 exposiciones en las galerías de arte de las cinco sedes regionales de Balmaceda Arte Joven. \nBalmaceda Visual: Arte Joven para un país despierto\, podrá ser visitada hasta el 14 de septiembre de martes a viernes\, de 11:00 a 16:00 hrs y los sábados\, de 11:00 a 17:30 hrs. \nMuseo de Arte Contemporáneo \n\n\nSede Quinta Normal \n\n\nAv. Matucana 464\, metro Quinta Normal. \nHorarios: \n11:00 a 16:00 horas\, martes a viernes \n11:00 a 17:30 horas\, sábado \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Quinta Normal\, Av Matucana 464\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Partituras pregnantes”
DESCRIPTION:“Partituras pregnantes” \nExposición individual de Sol Guillon en Museo Ralli Santiago \nSala 10 y 11 | 9 julio – 23 diciembre de 2022  \nInauguración | Sábado 9 julio a las 12:00 horas \nLos Museos Ralli son una institución privada\, sin fines de lucro\, cuyo objetivo es\, desde sus inicios\, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección.  La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay\, 1988; Chile\, 1992; Israel\, 1993; España\, 2000; Israel\, 2007). \nMuseo Ralli Santiago\, ubicado en la comuna de Vitacura\, exhibirá a partir de julio hasta diciembre de 2022\, una veintena de obras de la destacada artista nacional Sol Guillon\, realizadas entre 2017 y la actualidad.  \nEl proyecto expositivo de Guillon\, “Partituras pregnantes” inundará de color las salas 10 y 11 del segundo piso de #MuseoRalliSantiago. Las composiciones bidimensionales en madera\, más abstractas que su propuesta escultórica\, buscan motivar la percepción del espectador. Generar una sinestesia que permita experimentar -a través sensaciones visuales y táctiles- la secuencia de formas\, el encuentro de planos\, el ajuste de proporciones\, la agitación de equilibrios y mezclas yuxtapuestas de color. Las conexiones sensoriales de las tramas de Guillon\, nos evocan las secuencias melódicas y rítmicas de la música de distintas parte del mundo y la diversidad de instrumentos que la generan.  \nLas obras que componen esta exposición pueden ser descritas como una pintura volumétrica de mediano y gran formato\, creadas en diversas maderas como roble\, pino\, álamo\, aglomerada y terciada\, pintadas con tintas y pinturas al agua\, barnizadas y vitrificadas.  \nEstas partituras visuales transitan desde la bidimensionalidad de la pintura a la tridimensionalidad de la escultura\, sus volúmenes generan juegos de tensión entre luces y sombras\, y de percepción óptica en el visitante. La paleta cromática entrega una atractiva ilusión rítmica de recursos gráficos e interacción de color\, que evitan que las maderas se vuelvan planas\, por el contrario\, con diversos relieves y profundidades transmiten su coherencia entre lo formal (líneas puras) y significado (ritmos musicales).  \nBrevemente sobre Sol Guillón\n \nDiseñadora de profesión de la Pontificia Universidad Católica\, artista miembro de APECH – AIAP\, 20 años de experiencia como docente en Pontificia Universidad Católica\, Universidad Finis Terrae y Universidad del Desarrollo.   \nDesde el año 2000\, incursiona en diferentes disciplinas artísticas\, a través del lenguaje de la pintura\, escultura y manejo tecnológico en traspaso de planos virtuales 2D a cuerpos volumétricos\, crea universos basados en la abstracción geométrica\, las proporciones y las líneas puras. Ha realizado murales o composiciones en madera para diferentes empresas\, accesos a edificios habitacionales e instituciones culturales. Con la obra “Carro del cielo” (Homenaje a Gabriela Mistral)\, emplazado en el Patio Zócalo de Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)\, obtuvo el Primer lugar en Concurso de Arte Público CNA-MOP Chile. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en galerías de arte y centros culturales a nivel nacional y en el extranjero\, participando en varias oportunidades en Ferias de Arte Internacionales (Brasil\, Estados Unidos\, Emiratos Árabes Unidos\, Corea\, entre otros).  \n@solguillon | Videos: https://www.youtube.com/channel/UC9iUOY4qxvJugTbBmwbMCZA \nLa muestra estará abierta a público hasta el 23 de diciembre de 2022.  \nHorario de #MuseoRalliSantiago de lunes a sábado de 10:30 a 17:00 horas. Días domingo y festivos\, cerrado. #ENTRADALIBERADA \n
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LOCATION:Museo Ralli\, Alonso de Sotomayor 4110\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Cartel sur"
DESCRIPTION:Esta exposición presenta una selección de carteles producidos por talleres e imprentas de Argentina\, Brasil\, Chile y Uruguay\, bajo la técnica de impresión con tipos móviles. Antiguo oficio de impresión tipográfica que resiste al paso del tiempo y al advenimiento de nuevas tecnologías. \nCartel Sur da cuenta de los usos contemporáneos de la impresión con tipos móviles a través de una selección de más de 40 obras creadas\, entre los años 2006 y 2022\, por los talleres: 62 pontos (Belo Horizonte)\, Caja Baja (Canelones)\, De la Munda (Villa La Angostura)\, Imprenta Rescate\, Magianegra\, Prensa La Libertad (Buenos Aires)\, Laboratorio Artífice y Obrera Gráfica (Santiago de Chile). \nLos carteles seleccionados conjugan técnicas\, poéticas y políticas que dialogan sobre el papel\, evidenciando la potencia y vigencia de la palabra impresa junto al diseño\, la experimentación\, expresión y acción colectiva. \n
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LOCATION:Centro Cultural La Moneda\, Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Sitio El Olivar. Colección Museo Arqueológico de La Serena"
DESCRIPTION:Esta muestra\, cocurada entre Museo Arqueológico de La Serena y Centro Cultural La Moneda\, se centra en la historia y las diversas excavaciones de este sitio arqueológico y abre una reflexión\, junto a representantes de comunidades y asociaciones Diaguita organizadas\, sobre el pasado\, presente y futuro de su pueblo y la proyección del sitio El Olivar. \nLa exposición exhibirá distintas piezas de alfarería como vasijas\, jarros pato\, objetos ceremoniales\, objetos de pesca como anzuelos\, herramientas para el trabajo textil y de caza\, entre otros\, que muestran las formas de vida ancestrales del Pueblo Diaguita\, además de algunas pertenecientes al complejo cultural Las Ánimas. De esta forma\, la exhibición muestra la riqueza de las culturas agroalfareras que habitaron y habitan el territorio que hoy comprende el sitio El Olivar. \nSitio El Olivar. Colección Museo Arqueológico de La Serena recoge los rescates arqueológicos organizados -con ocasión de esta muestra- en cuatro periodos: c.1930-1954\, 1989\, 2008 y 2010\, y 2015-2017. Todas ellas han ido aportando nuevos antecedentes científicos sobre el pasado de los asentamientos que estuvieron en el territorio de El Olivar\, ubicado entre 2 y 4 km al norte de la ciudad de La Serena\, unos 2 km al este de la línea de costa y cuya superficie se estima en\, al menos\, unas 35 hectáreas\, aunque aún no se tiene certeza de sus límites geográficos. \nEl proceso de participación e interculturalidad que se está impulsando desde CCLM está basado en experiencias y convenios internacionales\, como el Convenio 169 de la Organización Internacional del Trabajo (OIT)\, que es uno de los principales marcos normativos en materia indígena en Chile\, el cual aborda el respeto al principio de integralidad cultural\, que señala que serán los propios pueblos indígenas quienes decidirán aspectos referidos a su patrimonio cultural y la participación de las iniciativas que los involucran\, por medio de representantes elegidos por sus comunidades. \n21 de julio al 20 de noviembre | 2022\nMartes a domingo | 10:00 a 18:30 horas\nGalería de Patrimonio | Nivel -1\nEntada liberada\n
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LOCATION:Centro Cultural La Moneda\, Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Pliegues de luz"
DESCRIPTION:SALA GASCO PRESENTA EXPOSICIÓN INSPIRADA EN EL ARTE GEOMÉTRICO: \n“PLIEGUES DE LUZ”: LAS ESCULTURAS Y MOSAICOS SE HACEN PRESENTE ENTREGANDO UNA ILUSIÓN ÓPTICA PARA EL OBSERVADOR \nA partir del 27 de julio\, Sala Gasco Arte Contemporáneo presentará el trabajo del artista francés Alain Tergny\, quien lleva desarrollando la muestra desde el 2012. \nLa exposición consta de una serie de 36 obras compuestas por esculturas bajo relieves\, mosaicos y moviles que están divididas en las dos salas del destacado espacio. \nSala Gasco Arte Contemporáneo ha destacado en su colaboración con artistas nacionales y extranjeros\, en donde cada uno de ellos ha podido exhibir sus diferentes obras\, estableciendo de esta forma\, una instancia inédita de diálogo cultural entre los protagonistas y los transeúntes de una de las calles más concurridas de Santiago. En ese sentido\, es que en esta oportunidad se desarrollará la tercera presentación de lo que va del 2022\, en la cual el artista francés\, Alain Tergny\, presentará su obra llamada “Pliegues de Luz”. \nEste trabajo\, que se gestó en 2011\, muestra diferentes obras de forma geométrica que destacan por ser traslúcidas\, generando una ilusión óptica en el espectador. Son un total de 36 piezas las cuales están divididas en las salas Poniente y Oriente. \nEn esta última se exhiben 12 esculturas de varios tamaños\, que están articulados por prismas rectangulares de mediano formato\, produciendo una ilusión óptica que proporciona el esbozo generado en la unión de bordes que delinean segmentos opacos\, donde se permite observar el dibujo de la estructura. Estos son integrados por rectas\, secantes\, tangentes\, paralelas y perpendiculares\, que tiene como fin\, denotar la virtuosidad en el uso de la luz\, sobre un material que permite el diálogo de reflejos amplificados por la visualización del propio transitar en la ciudad de Santiago. \nMientras que en la Sala Poniente\, se muestran 18 mosaicos bidimensionales\, que fueron producidos mediante dobleces en papel diamante. Estos\, se superponen y se repiten en formas de mínimas rectas\, en capas semi traslúcidas que están encima de una superficie lisa de color negro. Además\, estas interactúan con un móvil suspendido en un cilindro virtual\, el cual es reflectado entre espejos situados en la base y en la cara superior. \n“Las interpretaciones de estos pliegues son múltiples: resultan del desplazamiento  alrededor de la escultura\, de los diferentes reflejos de la luz natural\, según el  momento del día o de la noche\, y de las líneas luminosas dibujadas por la luz artificial. La luz natural hace aparecer o desaparecer las superficies según los reflejos que se producen en los planos. Eso lleva nuestra mirada hacia otras perspectivas\, creando “llenos” y “vacíos” que definen nuevos volúmenes”\, asegura Alain Tergny. Agrega también que en la oscuridad\, la luz artificial (leds) recorre el volumen desde la base a través de los pliegues hasta las  aristas exteriores. \nAlian Tergny nació en 1944 en la ciudad de Saintes\, en la Charente Maritime\, ubicada a 100 kilómetros del norte de Burdeos. Inició su formación profesional estudiando escultura en la reconocida escuela Ecole Boulle de París\, en donde priorizó la madera como material de diseño en un comienzo. Luego de egresar en 1963\, Alian se dedicó principalmente a participar en cursos de arte cinético y óptico\, para emigrar posteriormente al campo del diseño industrial de luminarias. En 2004 arribó a Chile para continuar utilizando el acrílico en sus obras\, en las cuales también incorporó planos coloreados y la iluminación led para resaltar el grafismo de las obras. \n“Pliegues de Luz”\, se encontrará disponible de manera gratuita a partir del miércoles 27 de julio hasta el viernes 23 de septiembre. Se puede visitar de forma presencial en Sala Gasco y mediante una detallada visita virtual en 360º disponible en www.fundaciongasco.cl/sala-gasco. \nSala Gasco Arte Contemporáneo: Santo Domingo 1061\, Metro Plaza de Armas. Horario de 9 a 17 horas. Abierto a todo público de manera gratuita. \nSobre Sala Gasco \nSala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte\, en pleno centro de Santiago. Abre de lunes a viernes\, entre 09:00 y 17:00 hrs\, en Santo Domingo 1061\, Metro Plaza de Armas. Desde su apertura en agosto de 2001 Sala Gasco ha recibido a aproximadamente 218.000 personas\, en más de noventa exposiciones. \nPrograma de mediación de Sala Gasco \nPara cada una de sus exposiciones Fundación Gasco ofrece un programa de Visitas Mediadas\, adaptadas a las características de los asistentes: escolares\, universitarios\, adultos mayores\, personas con necesidades educativas especiales (NEE)\, instituciones y familias\, entre otros. Y están disponibles en forma gratuita mediante reserva previa a través de mediacionsalagasco@gasco.cl \nTODAS LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO SON GRATUITAS Y ESTÁN ACOGIDAS A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES \n
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LOCATION:Sala Gasco Arte Contemporáneo\, Santo Domingo 1061\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Rauschmittel"
DESCRIPTION:En Rauschmittel\, el artista y docente del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile\, Rainer Krause trabaja el sonido como material estético. Con grabaciones binaurales y altavoces de distribución multicanal se invita a la escucha tridimensional de paisajes sonoros registrados en la ciudad\, en diversos momentos como el estallido social de 2019\, el inicio de la pandemia en 2020\, entre otros. Esta muestra\, ubicada en el subsuelo del museo\, incluye también esculturas\, obras bidimensionales y trabajos web que pueden ser visitados fuera de la sala de exhibición. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Beberemos el vino de nuevo\, juntos!"
DESCRIPTION:En Beberemos el vino de nuevo\, juntos!\, la dupla compuesta por la neozelandesa Alys Longley y el artista chileno Máximo Corvalán-Pincheira\, propone un intercambio artístico internacional de alrededor de 100 artistas\, desde todos los continentes del mundo\, que surge en plena pandemia en 2020. Con la idea de cruzar fronteras geográficas\, lingüísticas y disciplinarias\, la muestra da cuenta de distintas realidades a través de una radiografía global\, con diversos ejercicios creativos. Se incluye un proyecto de intercambio postal\, un mapa intervenido colectivamente\, además de una exhibición virtual que muestra los resultados. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Get ready for my mango"
DESCRIPTION:Esta se trata de la primera muestra individual de Manuela Viera-Gallo en un museo de Chile y la primera dedicada exclusivamente a su obra pictórica. En Get ready for my mango\, la artista radicada en Nueva York\, presenta un relato visual que se pregunta por la existencia desde una perspectiva feminista. Las protagonistas de estas obras son mujeres que protestan y tratan de responder a los desafíos y las complejidades del mundo actual. La muestra está compuesta exclusivamente por trabajos pictóricos\, junto a un gran mural que se despliega en los cuatro muros de una de las salas del museo. \n
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SUMMARY:"Analogías de la realidad"
DESCRIPTION:Analogías de la realidad de Norton Maza\, toma como punto de partida el desequilibrio global provocado por los humanos\, que ha generado un daño ecológico irreversible y la extinción de especies. Son situaciones que podrían ocurrir en cualquier contexto del capitalismo mundial. Se aborda también la relación entre la violencia\, el poder y su precario equilibrio. Maza transita por las desigualdades y contradicciones sociales que entiende y presenta en clave global sin referencias específicas. Todo\, en una muestra donde el tiempo parece haber sido detenido. \n
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SUMMARY:"Cinco episodios y una búsqueda permanente"
DESCRIPTION:Magdalena Correa explicita su interés por adentrarse en territorios lejanos y aislados\, desde el punto de vista físico y conceptual. En Cinco episodios y una búsqueda permanente\, la artista presenta una serie de proyectos audiovisuales que reflejan escenas de diversos lugares del mundo\, entre ellos: el pueblo Suiti\, ubicado en la parte occidental de Letonia; la vida del asentamiento La Rinconada\, a casi seis mil metros de altitud en la provincia de San Antonio de Putina\, en Perú; pasajes de villa Las Estrellas en el territorio chileno antártico ubicado en Bahía Fildes\, Isla Rey Jorge; sumado a registros en Nairobi\, Kenia y tribus de la península de La Guajira\, en Colombia. Con estas obras\, Magdalena Correa reafirma su interés por explorar el aislamiento extremo\, la precariedad y el posible olvido de diversas etnias y grupos culturales. \n
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SUMMARY:"Plebiscito en Chile\, 1988"
DESCRIPTION:Luego del exitoso lanzamiento de su libro\, presentado virtualmente en el MAC durante 2020 y ad portas de conmemorarse 50 años del golpe de Estado\, el fotógrafo nacional Álvaro Hoppe Guiñez exhibe parte importante de su obra en Plebiscito en Chile\, 1988. Se trata de fotografías que muestran el proceso político\, histórico y social chileno que culminó con el plebiscito del 5 de octubre de 1988\, donde se decidía si Augusto Pinochet seguía a la cabeza del país o no. A través de su registro\, se reviven las primeras manifestaciones por la democracia\, las campañas del SÍ y el NO\, los acontecimientos del mismo día de las votaciones y las primeras celebraciones nocturnas en la ciudad. \nUn mes antes de que se realice el plebiscito por la Nueva Constitución\, el Museo de Arte Contemporáneo\, MAC\, inaugurará exposición con más de 70 fotografías del plebiscito que puso fin a la Dictadura en 1988. \nLa obra de Álvaro Hoppe Guiñez forma parte de la memoria histórica del país. El destacado fotógrafo nacional ha estado en primera línea de la historia reciente: ha sido integrante de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI)\, de la Unión de Reporteros Gráficos y Camarógrafos\, de la Revista APSI\, y de diversos medios impresos y digitales.  \nHoppe siguió el proceso político\, histórico y social que culminó el 5 de octubre de 1988. A través de su mirada\, podemos revivir las primeras manifestaciones por la democracia durante la década de los ochenta; las campañas del SÍ y el NO; los registros del mismo día de las votaciones y las primeras celebraciones nocturnas en la ciudad. \n“Han pasado más de 37 años desde la fotografía más antigua que se muestra en esta exposición y revisitar el archivo me ha traído alegrías\, dolores\, miedos\, incertidumbre y esperanza” relata Hoppe. “Me gustaría que estas imágenes retumben en los espectadores\, especialmente en los más jóvenes; para que puedan tener una perspectiva más amplia de la historia” \nVisitar esta exposición no sólo es un viaje a través del tiempo\, es también una travesía por el espejo de un país que ya no teme mirarse a sí mismo. Pasado y presente se encuentran y se hablan con poesía y sin eufemismos. “Hoy\, en un nuevo momento de cambios\, estas fotografías nos convocan a reflexionar sobre las memorias colectivas para proyectar nuestro futuro como sociedad”\, comenta Alexis Díaz Belmar\, fotógrafo y curador de la exposición. \nDíaz Belmar es también el editor del libro publicado por Haikén ediciones\, que reúne estas fotografías y que incluye textos del escritor Pablo Azócar\, la investigadora Ángeles Donoso\, y el ex director del Museo Nacional de Bellas Artes\, Roberto Farriol. \n“Para el MAC es muy relevante contar con esta exhibición en el marco de nuestros 75 años. La fotografía en su dimensión de interpelación de la realidad\, archivo histórico y exploración artística\, nos convoca desde el origen de nuestra fototeca el año 1976\, la cual abre un espacio disciplinar. Por otro lado\, el próximo año se conmemoran 50 años del Golpe Militar\, lo que nos convoca a propiciar una reflexión crítica a partir del cruce entre lo político y los diferentes lenguajes artísticos»\, destaca Daniel Cruz\, director del Museo de Arte Contemporáneo. \nLa exposición se inaugura el 3 de agosto y estará abierta de martes a sábado en el MAC Parque Forestal\, Ismael Valdés Vergara 506\, Metro Bellas Artes. El acceso al museo es gratuito y requiere pase de movilidad. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Mining data"
DESCRIPTION:José Ulloa explora la minería de datos para revelar la ambigua relación entre filantropía\, explotación minera en Chile y fortuna de la familia Guggenheim\, en Mining Data. A medio camino entre la minería y la arqueología\, el artista excava y recopila datos\, para luego transformar esos archivos\, creando un corpus de obra tanto digital como análogo. Videos\, fotografías\, esculturas y documentos reescriben la historia\, para resignificar nuestra mirada en torno a determinados hechos y acontecimientos. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Narraciones extraordinarias"
DESCRIPTION:Narraciones extraordinarias de Nelson Plaza\, artista y Director del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile\, propone un rescate a la tradición del grabado\, a través de imágenes inspiradas por ilustraciones de viajeros y científicos\, usualmente contenidas en enciclopedias. Son cerca de cincuenta obras\, incluyendo serigrafías\, litografías\, grabados y objetos\, resaltando el estudio del color y su impresión a través de capas y tramas; y que abordan las creaciones más recientes del artista. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Derrotero Australis"
DESCRIPTION:En Derrotero Australis\, Carlos Damacio invita a una reflexión en torno a la representación de los pueblos y el territorio austral durante los siglos XVI y XIX\, con grabados que piensan la exploración\, ocupación y genocidio ocurrido con las y los habitantes originarios de la Patagonia. \nDesde el aguafuerte (manteniendo sus fundamentos técnicos desde el S. XVI )\, y retomando la iconografía\, el artista ejecuta contemporáneamente una serie de grabados que piensan en el mito de la búsqueda de La Ciudad de los Césares\, ciudad oculta entre la bruma patagónica y protegida de la humanidad. Derrotero Australis sitúa al espectador entre la ficción y la realidad\, proponiendo una alegoría de una posible realidad\, una utopía de un mundo imaginario en donde existió resistencia por parte de pueblos y etnias australes a las exploraciones que buscaban esta rica ciudad encantada\, y no ocurrió el genocidio que les devastó. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Joyitas de Colección" y "120 km/h"
DESCRIPTION:Enrique Matthey presenta Joyitas de Colección y 120 km/h que abordan la cultura egipcia y las combinaciones de colores a través de fórmulas matemáticas. \nEn 120 km/h se exhiben 120 superficies de trupán que exploran el uso de color a través de mezclas dadas por un patrón específico. La sala es complementada por cuatro pinturas que van directamente a muro. Por su parte\, Joyitas de Colección está compuesta por 55 pequeñas figuras realizadas en cerámica gres esmaltadas\, instaladas dentro de acuarios\, tensionando diversos conceptos\, como la puesta en valor de las obras de arte. \nProyecto financiado por el Fondo CreArt de la Dirección de Creación Artística de la VID de la Universidad de Chile. \n
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Mestizaje Light”
DESCRIPTION:SALA DE ARTE CCU VIRTUAL PRESENTA “MESTIZAJE LIGHT” DE MACARENA ALVARADO \n\nLa exposición está disponible hasta el 03 de octubre en https://ccuenelarte.cl/exposicionvirtual/mestizaje-light/\n\n“Mestizaje Light” de la artista visual Macarena Alvarado es la segunda muestra de este año de la Sala de Arte CCU Virtual.  La obra fue una de las cuatro ganadoras de la convocatoria abierta realizada para que artistas pudieran exponer sus obras durante este 2022\, dándoles un espacio único de exposición\, difusión y visibilidad a través del sitio web de CCU en el Arte. \nLa muestra está conformada por seis trajes confeccionados con esponjas de lavar\, que cosidas con alambre generan una pieza única que es intervenida con cemento. Acompañan a estas piezas\, 12 collages que mezclan dibujos y fotografías\, formando cuadros abstractos que toman patrones de culturas antiguas. \nEstos elementos se enfrentan a un gran mural que interviene todo el muro de fondo de la Sala Virtual\, que se basa en las culturas Huasa\, Mapuche\, Azteca\, Japonesa\, Otomana e Inglesa desde un patrón ornamental. Cada una de estas culturas es representada en un área equivalente\, en un color que emula algún tipo de piel\, con un fondo de hojas verdes en representación de la naturaleza. \nGonzalo Pedraza\, curador del ciclo de exposiciones de la Sala de Arte CCU Virtual\, comenta que “la artista en esta muestra virtual crea piezas que toman estrategias de extraer del cotidiano\, de convertir lo útil en inútil\, para armar misteriosos trajes mitad chamánicos mitad guerreros. Formando una historia ancestral a través de collages abstractos y creando un ambiente inmersivo para el espectador a través de su mural”. \n“Mestizaje Light se denomina la segunda muestra del año en la Sala de Arte CCU Virtual\, plataforma que permite a los artistas a dar a conocer sus obras en un formato digital\, y a la cual pueden acceder personas de cualquier parte del mundo\, aumentando así la difusión de las obras artísticas y acercando el arte a la gente”\, expresa Marisol Bravo\, gerente de Asuntos Corporativos y Sustentabilidad de CCU. \n“Mestizaje Light” está disponible en https://ccuenelarte.cl/exposicionvirtual/mestizaje-light/ hasta el 3 de octubre. \nCONVOCATORIA SALA DE ARTE CCU VIRTUAL \nLa Sala de Arte CCU Virtual es un espacio online que debutó en pandemia y que ha seguido entregando visibilidad a los artistas nacionales tras el cierre de los espacios de exhibición tradicionales. \nLas muestras virtuales de los artistas Emilio Fuentes\, Macarena Alvarado\, Jimena Tapia y Andrea González\, que fueron elegidas mediante una convocatoria abierta\, conforman el calendario de este año y se podrán visitar en https://ccuenelarte.cl/sala-de-arte-ccu-virtual/. \nCCU EN EL ARTE \nCCU lleva más de 29 años apoyando de distintas formas la cultura nacional. La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena\, a través de proyectos que pongan énfasis en las distintas expresiones del arte contemporáneo. \nA ella posteriormente se sumó la Beca Arte CCU\, que se entrega cada dos años\, y que es parte del programa “CCU en el Arte”\, plataforma desde la cual se han diseñado diversos programas para “Acercar el Arte a la Gente” aportando a la accesibilidad y descentralización de la cultura\, a la ampliación de la oferta artística y a la difusión del arte chileno\, a través del apoyo a artistas y sus proyectos. \n
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SUMMARY:"Vibrantes: Alexander Calder y Pancha Núñez"
DESCRIPTION:\n\nHace 50 años\, en 1972\, un terremoto asoló a Nicaragua\, provocando miles de muertes y millares de damnificados. Ante ello\, Kitty Meyer\, una filántropa y mecenas neoyorkina que había vivido en el país centroamericano tras salir de su natal Hungría\, convocó a artistas de talla mundial para que produjeran obras en beneficio de los nicaragüenses. \nAlexander Calder (1898-1976)\, el gran artista norteamericano\, se hizo eco de la convocatoria y junto a artesanos de Nicaragua y Guatemala trabajó una serie de tapices inspirados en sus conocidos gouaches. Años después\, parte de esas obras fueron adquiridas por el coleccionista chileno Juan Eduardo Salinas y permanecieron guardadas hasta ahora con el fin de traspasarlas a sus hijos\, conformando la Colección Salinas de la Piedra Humeres. \nHoy y gracias a la producción de la Corporación Cultural de Las Condes el coleccionista expone al público la serie 51 de los tapices y en un ejercicio de audacia\, los reúne con otras obras de su colección\, las esculturas y bordados de la artista chilena Pancha Núñez (1961)\, cuya materialidad y lenguaje renovaron la escultura chilena a fines del siglo pasado. \nEste insólito encuentro es contextualizado por el teórico del arte Guillermo Carrasco Notario\, estudioso de la obra de Núñez\, quien señala: \n“Existe una sincronicidad entre ambas obras\, en la elección del color\, en cierto desparpajo del dibujo\, especialmente en el uso de líneas y espirales\, en aquello que algunos llaman lúdico; pero sería inoficioso forzar analogías cuando podemos definir con más precisión la poética de este encuentro artístico por sus diferencias”. \nY agrega: “Muchos tenemos en la retina a ese niño grande\, viejo niño\, jugando con los personajes del circo que él mismo fabricó con alambres\, trapos rotos y otros desechos animados por el ingenio… Pancha Núñez también tiene una porción de niña en su ser; y también con alambres\, telas\, cartones y otras materias reciclables puebla su universo con sus reconocibles personajes… Pero lo que en Calder son juegos de niño contento; en el caso de nuestra escultora lo son de niña triste. En el imaginario de Pancha Núñez el vibrante colorido de sus bufones no puede separarse de la sombría presencia de otros…”. \nAlexander Calder fue un destacado artista nacido en Pensilvania\, quien se hizo conocido por ser el inventor del móvil\, esculturas cinéticas colgantes\, siendo precursor de la escultura cinética. También creó pinturas\, grabados\, miniaturas\, escenografías\, joyas\, alfombras y carteles. Ante el llamado de Kitty Meyer\, a inicios de los 70\, trabajó en forma colaborativa con artesanos e hilanderos en torno a sus gouaches. \n“Podríamos decir que los tapices de Calder presentes en esta muestra tienen\, por su gestación en lo telúrico de nuestro continente\, por la manufactura artesanal centroamericana y por la impronta característica de la materialidad elegida para su ejecución\, sobradas sintonías con las esculturas a las que sirven de telón de fondo. Éstas son obras recientes de Pancha Núñez\, realizadas en su taller de Laguna Verde\, durante la pandemia y luego de recuperarse la propia artista del Covid19 que sufrió el año 2020”\, concluye Carrasco. \nPara el teórico\, el principal valor de una colección\, como la de Salinas de la Piedra Humeres\, tiene que ver con el discurso que subyace a la reunión de obras. El coleccionista busca transformar el caos en un cosmos organizado. \n”Juan Eduardo Salinas ha tenido un reconocido ojo para lograr el encuentro\, pleno de sentido\, de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección\, para recordar la célebre paradoja surrealista\, propiciando el encuentro caprichoso y poético de dos creadores aparentemente distantes; pero que reunidos en el recinto acotado de la colección\, generan diálogos inesperados y plenos de significados”. \n6 de agosto al 25 de septiembre de 2022.\nMartes a domingo\, 10:30 a 14:00 y 15:00 a 19:00 horas. \nEntrada liberada con Pase de Movilidad habilitado mayores de 12 años. \nApoquindo 6570. \n\n\n
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SUMMARY:"Habitar el siglo XIX\, espacios íntimos"
DESCRIPTION:En la segunda muestra relativa a las artes decorativas del siglo XIX\, desarrollada junto al Museo del Carmen de Maipú\, la Casona Santa Rosa De Apoquindo presenta un particular conjunto de muebles\, objetos y piezas de arte usadas en los dormitorios de las antiguas casonas chilenas y que hoy forman parte de la reconocida colección del museo. \nLa pieza más importante es sin dudas una elegante cama española de estilo neoclásico\, característico del reinado de Carlos IV de España (1788 – 1808)\, que perteneció al dormitorio de don Francisco Antonio Ruiz de Tagle\, ciudadano español nacido en las montañas de Burgos\, quien tenía su casa en su fundo de Calera de Tango\, a las afueras de Santiago. De acuerdo a documentos históricos\, en ella habría alojado el general San Martín. Se destaca la fina marquetería del respaldo del lecho\, de silueta curva\, tal como lo analizan los expertos del Museo del Carmen de Maipú\, quienes expresan: “Ornamentado simétricamente de estrías\, grecas y guirnaldas mitológicas\, todo dibujado con marquetería”. \nEste tipo de muebles constituyó un verdadero lujo para Chile\, ya que al costo de manufactura debía agregarse el largo y costoso flete entre Cádiz y Buenos Aires y luego el cruce por mar o tierra hacia su destino final. En la ambientación se suman muebles de guardar\, alfombras de oración e imaginería religiosa\, elementos que no podían faltar en los dormitorios de antaño. \nA partir de fines del siglo XVIII y como su nombre lo indica\, los dormitorios eran usados exclusivamente para dormir\, además de otras funciones de carácter íntimo. Por eso –a diferencia de épocas pasadas- se constituyeron en espacios privados dentro de la casa\, lugares a los que sólo accedían sus ocupantes y quienes ellos autorizaran. Poco a poco\, ya en el siglo XIX y ya instaurada la idea de intimidad\, se comienza a llevar a cabo todo tipo de soluciones que permitieran cumplir con la nueva necesidad de privacidad. \nSábado 13 de agosto al Domingo 13 de noviembre de 2022.\nMartes a domingo\, 10:30 a 14:00 y 15:00 a 19:00 horas\nEntrada liberada con Pase de Movilidad habilitado\nPadre Hurtado Sur 1195 / Visviri 1200 \n
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SUMMARY:“Palimpsesto. Muros del Estallido”
DESCRIPTION:El martes 16 de agosto a las 19:30 horas\, se inaugurará en el GAM\, la exposición “Palimpsesto. Muros del Estallido”\, un registro de las expresiones gráficas que se plasmaron en los alrededores de Plaza Dignidad durante las protestas del 2019. \nA partir de cientos de imágenes tomadas durante el estallido social en muros cercanos a Plaza Baquedano o Plaza de la Dignidad\, el fotógrafo Alexis Díaz Belmar reconstruye el patrimonio inmaterial de un momento histórico y propone un relato coral de la revuelta de octubre\, denominado Palimpsesto. \nEl corazón de la exposición es una experiencia inmersiva\, una proyección audiovisual de gran formato que muestra la evolución de las intervenciones gráficas\, acompañada de una composición sonora realizada por la artista Ana María Estrada. \nDurante los 6 meses más álgidos de las manifestaciones del 2019 y 2020\, Díaz Belmar registró sistemáticamente\, fotografías de tres muros colindantes a la Plaza Baquedano: el Centro Cultural Gabriela Mistral\, el Edificio Movistar y calle Irene Morales. \nEste trabajo tiene como objetivo “preservar la memoria de un momento histórico\, conservar un patrimonio urbano y visual efímero por naturaleza y\, sobre todo\, aportar a la comprensión del sentir ciudadano expresado espontáneamente durante el estallido” relata Díaz Belmar. Por esta razón\, el Laboratorio de Antropología y Arqueología Visual de la Universidad Católica se ha involucrado en un trabajo colaborativo para el estudio de estas imágenes. \nActualmente se puede ver el teaser del proyecto en la web www.palimpsesto.info\, sitio que se lanzará oficialmente con el resto de las fotografías\, el mismo 16 de agosto. \nMapping de norte a sur \nAdemás de la proyección principal\, la muestra contiene 3 piezas adicionales: la primera es una cronología del estallido; la segunda corresponde al último registro realizado de los muros\, el día 22 de marzo del 2020\, un día antes de la declaración de la cuarentena total; y la tercera es una serie de testimonios audiovisuales sobre el estallido y sus expresiones gráficas\, que incluye a la poeta Carmen Berenguer\, la antropóloga Francisca Márquez y la filósofa feminista Karen Glavic\, entre otras voces. \nSin embargo\, Palimpsesto es más que un registro documental. Su objetivo es resignificar las imágenes del estallido desplazándolas a otros territorios en conflicto. Por eso\, durante el 2021\, se hicieron proyecciones en las regiones de Tarapacá\, Los Lagos y Valparaíso. \nMes de la Fotografía \nAdemás de Palimpsesto\, Alexis Díaz Belmar participa en otras tres exposiciones como autor\, curador y editor. \nEl pasado 3 de agosto se inauguró en el Museo de Artes Contemporáneo\, la exposición del fotógrafo Álvaro Hoppe\, “Plebiscito en Chile\, 1988”\, de la cuál Díaz Belmar es su curador. La muestra estará abierta hasta el 1 de octubre y su entrada es gratuita\, con pase de movilidad obligatorio. \nA partir del 12 de agosto\, se puede visitar en Sala de Máquinas (Dardignac 111) la exposición “Golpes” que registra las huellas del Golpe Militar de 1973 que aún existen en el centro de Santiago. Alexis Díaz es autor de este registro. \nFinalmente\, el 17 de agosto en Matucana 100\, se lanza el libro “Tiempo de Vals” de Carla Yovane\, de la cual Díaz es editor. Todos estos eventos se enmarcan en el Mes de la Fotografía. \n
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LOCATION:Centro Cultural Gabriela Mistral\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 227\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Tiempo de vals"
DESCRIPTION:TIEMPO DE VALS \nUNA MIRADA ÍNTIMA A LA PROSTITUCIÓN MASCULINA \nEl próximo 17 de agosto a las 19:00 horas\, se inaugura en Sala Project de Matucana 100\, la exposición Tiempo de Vals de la fotógrafa Carla Yovane. \nTiempo de Vals presenta un registro fotográfico de momentos íntimos\, ocultos\, cotidianos y a veces tormentosos de trabajadores sexuales y sus clientes masculinos\, en el centro de Santiago de Chile. La fotógrafa Carla Yovane acompañó a 9 hombres durante sus jornadas de trabajo en las cercanías de Plaza de Armas\, y sus fotografías se expondrán a partir del 17 de agosto en M100. \nDe la dedicación\, la confianza\, el tiempo y la empatía\, surgieron 60 imágenes que retratan la vida cotidiana de los trabajadores en los moteles\, antes y después de los encuentros con sus clientes. “Yo quise capturar estas escenas de día\, con luz natural\, para salir del cliché\, del tabú\, y retratar con la mayor honestidad posible la vida de estas personas que aceptaron mi presencia”\, cuenta Carla Yovane. \n“Lo que me encontré fue una comunidad de hombres cariñosos\, solidarios\, sensibles\, resilientes\, que se cuidaban unos a otros. Una comunidad que no calzaba de ninguna manera con los prejuicios de su entorno. Sentí que entraba en una crónica de Pedro Lemebel”\, cuenta Yovane. \nCarla Yovane es psicóloga\, fotógrafa y realizadora audiovisual. El 2020 ganó la convocatoria «Fotógrafas Latam Paris» de la Fundación de Fotógrafas Latinoamericanas. El 2019 obtuvo el primer lugar en la categoría Vida Cotidiana de Foto Prensa Chile. Y el 2018 fue reconocida por el Mejor Portafolio en el Festival de Fotografía de Valparaíso\, por este mismo proyecto que hoy se expone en M100. \nLa curadoría estuvo a cargo de Andrea Jösch y el libro del mismo nombre fue publicado bajo el sello de Haiken Ediciones y Galería Zebra. \n
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LOCATION:Centro Cultural Matucana 100\, Matucana 100\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Ciudad de la memoria y la utopía"
DESCRIPTION:INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN \n«CIUDAD DE LA MEMORIA Y LA UTOPÍA»   \nFECHA: JUEVES 18 DE AGOSTO 2022. \nHORA: 12 HORAS \nLUGAR: SALÓN RICARDO DONOSO\, ARCHIVO NACIONAL DE CHILE \nDIRECCIÓN: MIRAFLORES 50\, SANTIAGO (ESTACIÓN METRO SANTA LUCÍA\, LÍNEA 1). \nLa muestra «Ciudad de la memoria y la utopía» es un proyecto fotográfico iniciado el año 2018 y que culminará el próximo año. Son 5 años de registro en el cual Jorge Prat Altuzarra ha tomado el pulso urbano de Santiago\, plasmando en sus imágenes las huellas del pasado\, así como de la transformación de la ciudad. \nLa exposición «Ciudad de la memoria y la utopía» fue curada por el académico e investigador Gonzalo Leiva y reúne 16 imágenes en blanco y negro que develan las evidencias y las contradicciones de las modernizaciones del país que han dado forma a nuestra capital en los últimos años. \nJorge Prat trabaja exclusivamente en formato analógico desde hace más de 20 años\, revelando manualmente los negativos con antiguas técnicas. Estudió en el taller de Luis Poirot\, y ha expuesto su trabajo individual y colectivamente. \n
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LOCATION:Archivo Nacional\, Miraflores 50\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Frente al espejo”
DESCRIPTION:En el marco de la celebración del Día Internacional de la Fotografía\, el Teatro Municipal de Las Condes presenta la exposición fotográfica virtual: “Frente al espejo” \nA partir del viernes 19 de agosto\, en la página web del Teatro Municipal de Las Condes\, se podrá visitar esta interesante muestra fotográfica. \nBajo el lente de su autora\, la fotógrafa chilena Natalia Espina\, la exposición virtual “Frente al Espejo” se compone de una serie de fotografías de connotados artistas de la escena nacional e internacional\, que han sido parte de la cartelera del Teatro Municipal de Las Condes. Los artistas fueron retratados en el camarín\, durante el ejercicio de maquillarse\, buscar concentración o entrar en su personaje antes de salir a escena. \nEn palabras de la artista “Para el oficio de la fotografía el espejo resulta ser un objeto tan atractivo que prontamente se puede transformar en amplios conceptos provenientes del reflejo. ¿Somos realmente lo que ven nuestros ojos o lo que captura una fotografía?”.  \nEntre algunos de los artistas retratados se encuentran actores\, bailarines\, comediantes\, músicos y cantantes de la talla de Francisca Walker\, Francisco Melo\, Gepe\, Valentín Trujillo\, Héctor Noguera\, Juanita Parra y María Izquierdo entre muchos otros. \nUna mágica invitación a descubrir\, a través de las imágenes\, la inspiración\, la sensación y la transformación de los artistas\, lo cual va más allá del espejo\, internándonos en la metamorfosis de la persona en el personaje.  \nExposición “Frente al Espejo” / fotografías de Natalia Espina  \nA partir del Viernes 19 de Agosto en www.tmlascondes.cl y la Redes Sociales del Teatro \n
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SUMMARY:“Vidrio: Versatilidad y transformación”
DESCRIPTION:Exposición  “Vidrio: Versatilidad y transformación” \n20 de agosto – 20 septiembre  /    Artespacio Piso  \nGalería Artespacio presenta la exposición “Vidrio: Versatilidad y transformación”\, buscando desmarcar al vidrio solo como objeto utilitario sino ponerlo en valor como obra de arte. \nEsta exposición reúne a 21 artistas para mostrar en toda su magnitud la utilización del vidrio artístico: Alejandra De Solminihac\, Bárbara Compte\, Bernardita Serrano\, Daniela Cortés\, Ingrid Bahna\, Javiera Fréraut\, Jorge López\, Keka Ruiz Tagle\, Lisette Robles\, Lorena Saavedra\, Luisa Espinoza\, Maria Inés Varela\, Nicolás Pesce\, Paola Baeza\, Pascal Martínez\, Pepa Madrid\, Sebastián Carrión\, Sofía Vidal\, Soledad Omeñaca\, Valentina Garretón y Ximena Guzmán. \nLa Comisión Internacional del Vidrio (ICG)\, junto con la Comunidad de Asociaciones del Vidrio (CGA) y el ICOM- Glass han promovido la declaración del Año Internacional del Vidrio (IYOG en inglés) por parte de las Naciones Unidas\, para 2022. Este material que ha estado vinculado al hombre desde sus orígenes\, cumpliendo una doble función\, como elemento de utilidad y como objeto decorativo y artístico. Los restos de vidrio más antiguos datan de unos 5.000 años a.c. y se han hallado en zonas de Asia Menor\, Mesopotamia y del Antiguo Egipto. El vidrio lleva demasiado tiempo acompañándonos.  \nEl vidrio es un material 100% reciclable\, debido a que no se degrada durante el proceso de reciclado\, es impermeable\, hermético y no se oxida.  \nLo que se intenta con esta exposición es que el espectador conozca el material y también el oficio del vidrio en todo su abanico de posibilidades\, y que al mismo tiempo el público visitante conozca elementos históricos a través de una didáctica museográfica previamente trabajada\, la cual dará cuenta de elementos históricos y de oficio del vidrio. \nEsta exposición formará parte de las actividades de celebración del año del vidrio\, siendo esta una de las más importantes.  \nCuratoria: Antonia Cea \nDirección General de proyecto: Valentina Garretón \n
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LOCATION:Galería Artespacio\, Alonso de Córdova 2600\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Antes de esto no había límites\, solo tiempo.”
DESCRIPTION:“Antes de esto no había límites\, solo tiempo.”\, exposición del destacado escultor Cristián Salineros F. con la curatoría de Paula Solimano en D21 Proyectos de Arte.  \nA partir del 26 de agosto hasta el 6 de octubre se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición “Antes de esto no había límites\, solo tiempo.” del destacado escultor chileno Cristián Salineros F. con la curatoría de la destacada crítica e historiadora del arte Paula Solimano. \nLa muestra está compuesta por una serie de obras fotográficas y tres piezas escultóricas que nos hablan del proceso de investigación desarrollado por Salineros sobre el comportamiento de aves dentro de espacios predeterminados\, esto se traduce en el registro temporal de los ciclos vitales de estos animales donde la idea del espacio y la noción de territorio se despliega en D21 a través de fotografías y aproximaciones visuales en torno a esos contenidos que a pesar de su lógica bidimensional no abandonan el pensamiento espacial característico del trabajo del artista.  \n“Salineros nos invita a reflexionar sobre temas como la migración o el sentido de pertenencia mostrando los límites como una construcción humana. Sugiere que el único agente realmente capaz de dictar nuestros desplazamientos o de formar nuestro vínculo con el entorno es el tiempo”\, relata la curadora de la muestra.  \nLa exhibición también se encontrará disponible en la plataforma web www.d21virtual.cl para ser visitada de manera remota en 360º.  \nSobre el autor \nCristián Salineros F. (1969)\, Realiza estudios de grabado en el Taller de Artes Visuales T.A.V.\, Chile. Es licenciado de Bellas Artes con mención en escultura de la Universidad Arcis\, Chile. En el año 2003 se hace merecedor de la beca de intercambio académico Alemán DAAD para realizar estudios de pos grado en la Kunstakademie de Düsseldorf\, Alemania\, desarrollando proyectos bajo la tutoría de Daniel Buren y Rita Mc Bride. \nHa realizado diversas muestras individuales y colectivas tanto en Chile como en el extranjero\, destacando por ejemplo muestras individuales en la Kunstverein de Göttingen\, Alemania\, en la Joachim Gallery de Berlín\, Alemania\, en la galería 713 Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Riffe Gallery Ohio\, USA\, Museo de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de la Sierra\, Bolivia\, y en el DKM Museum en Alemania\, Galería El Museo en Bogotá\, Colombia\, Galería de Arte Patricia Ready y La fundación NC-arte\, Bogotá\, Colombia. \nHa participado en la Bienal de Santa Cruz de la Sierra\, Bolivia (Curadores: Cecilia Bayá y Alfons Hug)\, en la XX Bienal de Arte Contemporáneo de Guatemala (Curadores: Alma Ruiz Furlán y Alexia Tala) y en la Bienal de París en el Grand Palais. \nLa obra de Salineros se caracteriza por establecer relaciones entre la concepción del espacio\, el emplazamiento\, el paisaje\, la arquitectura y los métodos constructivos\, indagando la relación existente entre las materialidades y su arraigada vinculación con algunos procesos tanto artesanales como tecnológicos. Su trabajo siempre está en relación al ser humano con una buena dosis de crítica\, humor e ironía\, ha desarrollado importantes proyectos en el espacio público\, como así también en la investigación de las problemáticas objetuales y constructivas vinculadas a las artes visuales y a las políticas espaciales que nos regulan. \nD21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19\, departamento 21\, Providencia (Metro Los Leones) Santiago de Chile\, CP 7510054 / Entrada liberada / lunes a viernes de 11 a 19 hrs. / +56 2 23356301 / info@d21.cl / www.d21.cl / www.d21virtual.cl \n
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SUMMARY:"Virtudes cardinales"
DESCRIPTION:GALERÍA LA SALA PRESENTA MUESTRA “VIRTUDES CARDINALES” DE FERNANDA GUTIÉRREZ \nDesde el 26 de agosto hasta el 26 de septiembre 1 de septiembre al 1 de octubre. Galería La Sala\, Francisco de Aguirre 3720\, Vitacura\, Santiago de Chile. Abierto de lunes a sábado de 10:00 a 20:00 horas. Entrada gratuita. \nLa muestra presenta los trabajos de la artista chilena Fernanda Gutiérrez\, objetos intervenidos e instalaciones donde reflexiona críticamente en torno a los mandatos sociales a los que está expuesto el género femenino y cómo éstos influyen en diversos ámbitos de su existencia como la estética física\, los logros profesionales o los valores éticos. \nEl título de la muestra “Virtudes Cardinales”\, alude a las cuatro virtudes morales de conducta enunciadas por el filósofo griego Platón en el contexto de la tradición filosófica clásica y que ejercieron gran influencia sobre el cristianismo. Éstas son fortaleza\, justicia\, prudencia y templanza sobre las cuales descansa la moral humana. A partir de esta temática esencial\, Gutiérrez desarrolló para su muestra una serie de cinco trabajos donde pone de manifiesto su visión crítica sobre la sociedad\, la religión\, las tradiciones\, el statu quo y el rol de la mujer en todas estas dimensiones. \nLas temáticas que propone la artista son de carácter autobiográfico\, utilizando puntos de referencia del ambiente conservador y religioso en que creció y se educó\, experiencia que marcaría su vida y constituye la fuente de su trabajo artístico. “Recibí una educación represiva basada en la tradición y la religión\, lo que provocó lo que yo denomino deformación\, porque lo viví con impotencia y frustración\, lo que derivó luego en miedo y en sumisión al aceptar las reglas sociales y religiosas que me protegerían de mí misma”\, señala la artista quien a través de su trabajo pudo redimir y catalizar dichas temáticas\, siendo la educación\, la autoestima y el juicio social sus tópicos recurrentes. \n “A partir de mis recuerdos\, el proceso creativo se va nutriendo con algunos hallazgos que me hacen sentido\, como objetos\, prendas o telas que despiertan y gatillan la memoria\, para luego transformarlos y recrearlos”\, precisa. \nLA MUESTRA \nEFECTOS SECUNDARIOS: es una instalación consistente en un maniquí vestido de novia\, sus zapatos\, guantes y tocado\, todo dispuesto en la habitación como un solo conjunto. Están bordados con medicamentos\, reguladores del estado de ánimo\, sueño\, apetito\, mejora de la concentración y anticonceptivos. Todo lo necesario para ser más eficiente\, lograr las metas que se esperan de una mujer y también reprimir los impulsos que amenazan ese éxito. \nDECENCIA: es una composición elaborada con las almohadillas creadas para disimular o tapar el pezón de las mujeres\, usados en sostenes y trajes de baño. Este trabajo reflexiona sobre la virtud de no mostrar ni provocar estímulos sexuales. \nDAR A LUZ: es una escultura que representa el acto y obligación de parir. \nINSISTENCIA: tres dibujos realizados con cautín sobre pañal de gasa o “tutos” de guagua. El trabajo metódico del puntillismo como un ejercicio de meditación\, de calmar la mente\, la ansiedad y la necesidad de postergar las inquietudes intelectuales de la mujer en pos de la maternidad\, entendida como responsabilidad que recae exclusivamente en la madre. \nDOLOR POR AMOR: una caja de bombones de caramelo hechos de cera depilatoria reutilizada. Reflexiona en torno a los rituales estéticos a los que se someten las mujeres para gustar y agradar. \nSOBRE LA ARTISTA \nFernanda Gutiérrez (Santiago de Chile\, 1973) es Licenciada en Artes Visuales de la Universidad del Desarrollo\, diplomada en grabado con el artista Francisco Copello\, en esa misma universidad\, con estudios de pintura y escultura experimental en San Diego State University\, California\, USA. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales\, incluyendo Ch.ACO\, Feria Chile Arte Contemporáneo en Santiago de Chile. Destacan sus exposiciones individuales en Espacio O y Galería La Sala. \n
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SUMMARY:"Acromías"
DESCRIPTION:AFA presenta su Exposición #106  \nCarlos Rivera  \n«ACROMÍAS» \nACROMÍAS es el título de la exposición individual en AFA galería (originada en contexto de estallido social y pandemia) que recorre aspectos esenciales del trabajo del artista Carlos Rivera\, obras retro iluminadas realizadas con masking tape\, archivos de objetos cortantes\, impresiones de sombras y arqueologías  residuales que nos invitan a reflexionar sobre el interior (confinamiento) y  exterior (la calle) del Chile más reciente.   \nEtimológicamente\, la palabra ACROMÍA está formada por el prefijo a: sin\,  Khroma: color\, más el sufijo ia: cualidad; es la “cualidad de no tener color”.  Entonces\, lo “acromático” es un adjetivo que refiere a aquello que carece de  color (a diferencia de lo que es cromático)\, por lo que el blanco y el negro son  tonos acromáticos\, es decir\, “colores” sin color que\, combinados\, conforman  los grises.  \nMetafóricamente\, el blanco y negro\, siempre se ha utilizado para describir los  opuestos\, por ejemplo\, la verdad versus la ignorancia\, el bien versus el mal\, lo  externo versus lo profundo\, la “Edad Oscura” en contra posición a la “Era de la  Iluminación”. Oposiciones que nos invitan a reflexionar sobre la actualidad de  \nuna sociedad tensionada entre las incandescentes luces del poder y sus  inseparables sombras sociales.   \nLas obras de masking tape son creadas por el artista añadiendo capas  recortadas de cinta adhesiva sobre telas para pintar. Siendo ambos materiales  de una blancura similar y apariencia casi monocromática\, estas solo logran  destacarse del fondo a condición de ser retro-iluminadas. Es así como van  apareciendo y emergiendo sus espesores\, relieves y contornos.  \nEn palabras del artista:  \n“…la experiencia poética visual entre la luz y la oscuridad me ha permitido  desarrollar una serie de proyectos artísticos en los que intentó metaforizar en  torno a las incandescentes luces del poder y la supervivencia de la oscuridad en  la sociedad contemporánea; una victoria semántica en las que alternó la  lucidez del paraíso con su noche más profunda…”  \nComo un artesano de las sombras o un pintor de fantasmas\, Rivera hace de la  luz y sus opuestos sus materiales de trabajos. Desde el 2010 comenzó a  desarrollar una técnica autoral de claroscuro; “pinturas” elaboradas por suma  y resta de cinta adhesiva -masking tape- sobre superficies asistidas por luz\, en  las que utilizó un cuchillo cartonero -como si fuera un pincel- para recortar  figuras y crear escenas que visibilicen diversos relatos asociados a las sombras  de las grandes metrópolis.  \nActualmente\, estas motivaciones de intermitencias le han permitido extender  sus investigaciones a partir de la re significación arqueológica de diferentes  materiales de residuo que acopia de los lugares que habita; un archivo  inagotable de falsas opacidades. \nCarlos Rivera  \nBettembourg\, Luxemburgo\, 1985  \nVive y trabaja en Chile  \nLicenciado en Artes\, Mención Pintura  \nDirector de Carrera de Artes Visuales de la Universidad Católica de Temuco www.rivera-carlos.com  \nInstagram @rioderiveracarlos  \nGalerías que lo representan:  \nSOBERING Galerie\, París-Francia  \nAFA Galería\, Santiago-Chile  \nPara más información\, comunicarse al correo info@galeriaafa.com  \nInauguración sábado 27 de agosto\, 12:00 hrs.  \nLa muestra permanecerá abierta hasta el día Domingo 16 de Octubre de 2022. Horarios: viernes a domingo de 11:00 – 17:00 hrs. \n
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LOCATION:Galería AFA en Franklin\, Franklin 741\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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