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SUMMARY:"Soñar el agua"
DESCRIPTION:Con casi 60 años de labor ininterrumpida\, la poeta\, artista visual y activista feminista y primera mujer artista latinoamericana en recibir el León de Oro a la Trayectoria en la 59° Bienal de Arte de Venecia\, Cecilia Vicuña\, presenta la exposición Soñar el agua entre mayo y agosto de 2023 en el Museo Nacional de Bellas Artes\, dando cuenta de su obra como una forma de accionar político y medioambiental. \nLa muestra presenta una propuesta contemporánea frente a las problemáticas actuales de Chile y el mundo\, de una de las artistas nacionales con mayor reconocimiento a nivel internacional. \nCon la selección del curador Miguel A. López\, contempla alrededor de 70 obras del acervo MNBA y de otras colecciones públicas y privadas\, constituyendo el primer hito de un programa de itinerancia en Latinoamérica. \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"Materia Gris"
DESCRIPTION:Con la exposición Materia Gris el artista chileno Nicolás Franco presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes\, entre el 26 de mayo y el 20 de agosto\, piezas inéditas que procesan fotografías de obras de la colección MNBA\, para abordar el género de la pintura y poner en relieve las interacciones cíclicas y seculares presentes en nuestra historia visual. \nEl artista chileno pone en relieve las interacciones cíclicas y seculares presentes en la historia visual. De esta forma\, su trabajo tematiza conceptos como el tiempo\, el azar\, el cambio\, la creación y la destrucción para revisar\, dentro de una matriz abstracta y minimalista\, el modo en que la realidad y la historia han sido y son procesadas materialmente como imagen. \nDurante los últimos quince años\, Nicolás Franco ha examinado diversas formas de desplegar la contemplación y la historia a través de las imágenes. Su trabajo procesa y reedita objetos visuales y materias impresas\, movido por alguna obsesión de archivo cuyo propósito nunca resulta evidente. Diversos proyectos suyos\, realizados entre los años 2008 y 2023\, comprometen traspasos mediales de imágenes documentales que\, desde una cierta lateralidad\, aluden a reconocibles procesos culturales\, geopolíticos y técnicos que marcaron el devenir del siglo XX. \nSean informes científicos sobre los efectos de la primera guerra o cartas que albergan la precaria caligrafía y existencia del Chacal de Nahueltoro\, estas huellas aparecen en la obra de Franco reeditadas bajo una óptica fría\, que oscila entre el formalismo y el concepto. Con una atención concreta en la pintura\, su trabajo propone una meditación sobre el despliegue técnico que modula\, transforma y reorganiza la experiencia visual\, es decir\, una apelación a la historia técnica de la imagen imprescindible a la hora de pensar las imágenes de la historia. \nPara Materia Gris\, el artista ha utilizado fotografías de obras pertenecientes a la colección del MNBA – pinturas\, esculturas\, ornamentos\, documentos\, prensa-. Cada matriz\, meticulosamente registrada\, ha sido fijada sobre gruesos paneles de aluminio por medio de una reacción química producida por el contacto de diversos tipos de ácido con el metal. Este proceso funciona como punto de partida para una serie de inmensos cuadros\, de hasta cuatro metros de ancho en los que se combinan procesos industriales de gran complejidad con sutiles intervenciones artesanales. \n“La colección del museo es un mundo en sí mismo. Era para mí una oportunidad de revisar nuestra historia y de enfrentarme a lo real\, a lo que somos o fuimos.  Es un archivo temáticamente abierto\, pero al mismo tiempo delimitado. Funciona como un cerco que paradójicamente abre más posibilidades de las que cierra”\, explica Nicolás Franco. \nLa escala monumental\, la réplica precisa de los grises fotográficos\, las marcas de color casi inadvertidas\, los errores fotomecánicos\, los brillos y opacidades del soporte y las intervenciones más calculadas del artista imbuyen a las pinturas de un aura cinematográfica. Tensadas e interpeladas por este juego de entradas y salidas\, de pequeños eventos fugaces de forma y figura producidos por lo inestable del material van surgiendo encuentros diferidos e interrumpidos con una memoria histórica y personal. \nCon curatoría del historiador del arte Sebastián Vidal Valenzuela\, la exposición explora la colección del museo desde un punto de vista ambiguo y visceral. Cada pintura que compone Materia Gris\, con sus distintas intensidades\, trasmuta en materia este acervo de imágenes para otorgarles un nuevo umbral de intensidad\, una textura enigmática. Como en casi todos los trabajos de Franco\, el archivo es solo un punto de partida que funciona como un vehículo para profundizar en las preocupaciones más amplias de su trabajo\, que tienen relación con la naturaleza de la creación y con la capacidad de hacer visible y palpable el misterio que ciertas imágenes y objetos contienen. \n“Resulta interesante y provocativo que Materia Gris explore desde el ejercicio de materialidades pictóricas\, referentes de la historia del arte local\, como las obras que el propio museo alberga en sus colecciones. A partir de la mirada particular de un artista\, obras emblemáticas que son también testimonio de tiempos y eventos del pasado\, son revisitadas y alteradas como fórmulas complejas que tensionan – en sus límites entre la figuración y la abstracción- la contemporaneidad de la imagen y de la cultura visual tanto en su estatuto de pintura\, como de escultura e instalación”\, comenta el curador. \nJunto con la serie de pinturas\, se exhiben también un grupo de esculturas que forman parte de la serie titulada NN. Perfiles de aluminio dispuestos de suelo a cielo en el espacio de la sala\, contienen en su interior un conjunto de objetos encontrados\, imágenes\, textos y residuos materiales utilizados en la producción de las obras. Esta serie de trabajos\, iniciado por Franco el año 2010\, constantemente reaparecen y acompañan las obras centrales de sus proyectos. \nLa exposición fue posible gracias al Fondo Nacional de la Cultura y Las Artes\, convocatoria 2022 perteneciente al Ministerio de la Cultura\, las Artes y el Patrimonio y el apoyo del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. \nNicolas Franco (Santiago\, 1973)\, realizó sus estudios en la Universidad de Chile y en De Ateliers\, Amsterdam. Ha sido galardonado con numerosos premios\, entre ellos TECNOPOL\, Universidad Alberto Hurtado y University of Oxford (2016); The Pollock Krasner Foundation Grant\, NY (2010 – 2001); Union Latine culture et Comunicación (2008); Nominado Prix Pictet (2015); Beca AMA-Gasworks\, Fundación AMA (2013); De – Ateliers\, Mondrian Foundation y Ministerio de Cultura y Ciencias de Los Países Bajos (1998-2000)\, entre otros.  Su trabajo ha sido objeto de doce exhibiciones individuales en Museos y ha sido presentado en Europa\, Norte y Sud América\, destacando Tate Modern\, Londres (2019-20); Migros Museum\, Zurich (2016); MEIAC Badajoz (2010); LIMAC – Museo de Arte Contemporáneo de Lima (2017); Museo del Barro\, Asunción (2009); Museo Blanes\, Montevideo (2008); Museo de la Memoria y los Derechos Humanos\, Santiago (2018); Museo de Arte Contemporáneo\, Santiago (2015); Museo Nacional de Bellas Artes\, Santiago (2011\, 2017); Museo de Artes Visuales\, Santiago (2011-2019); Fundación Corpartes Santiago (2013); Cromwell Place\, Londres (2022)\, Centre Of Contemporary Art Znaki CZASU\, Torun (2018)\, Sala Alcalá 31\, Madrid (2020)\, Centro de Arte La Conservera\, Murcia (2015). \nSu obra está presente en las colecciones de Tate Modern (Londres)\, Museo de Arte Contemporáneo (Santiago)\, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Santiago)\, Museo de Artes Visuales (Santiago)\, Centre of Contemporary Art Znaki Czasu (Poland)\, Colección Eduardo Hochschild (Lima)\, Il Posto (Santiago)\, Colección Juan Yarur (Santiago)\, Colección Fundación Engel (Santiago)\, Colección Celia Sredni Birbragher (Bogotá)\, Colección Leticia y Stanislas Poniatowski (Paris)\, Fundación AMA (Santiago)\, Fundación de Artes Visuales\, (Santiago)\, Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (Santiago). \n______________\nVisitas mediadas: Con previa reserva al correo mediacion.educacion@mnba.gob.cl \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"La mujer en el arte 1975. Colección MNBA"
DESCRIPTION:En el marco de la conmemoración de los 50 años del golpe militar\, a partir del 29 de junio se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes la muestra La mujer en el arte 1975\, que propone una revisión crítica de la versión homónima\, rescatando obras\, documentos y archivos que dan cuenta de los conceptos de “mujer” y de “artista”\, que se promovieron dentro de las salas del MNBA en el contexto de dictadura. \nCon la curatoría de Gloria Cortés Aliaga (MNBA) y las historiadoras del arte Nicole González Herrera y Mariairis Flores Leiva\, la exhibición forma parte de las reflexiones iniciadas en torno a la muestra de la colección MNBA Luchas por el arte. Mapa de relaciones y disputas por la hegemonía del arte (1843-1933). \nA partir de la revisión de la muestra de 1975 y de la documentación que se conserva en el Centro de Documentación MNBA Angélica Pérez Germain\, las curadoras revisan críticamente la noción de “mujer” y de “artista” que promovió la dictadura cívico-militar\, a través de las instituciones oficiales y la prensa. Esto significó una pauta respecto del rol de la mujer en las nuevas políticas culturales\, definidas ese mismo año por la dictadura y reforzadas en el discurso Mensaje a la mujer chilena\, pronunciado un año antes por Augusto Pinochet en el llamado proceso de la “Reconstrucción Nacional”. \n“El MNBA viene trabajando hace años desde la perspectiva de un enfoque de género y desde los feminismos\, en función de revertir la histórica invisibilización y preceptos acerca del rol de mujeres en el arte\, pero también haciéndose cargo de la historia institucional a partir de las ausencias tanto en las colecciones como en el ámbito de las exposiciones\, la escritura\, la gestión\, entre otras cuestiones fundamentales para el desarrollo de un museo igualitario. Está exposición\, en el marco de los 50 años del golpe\, revisa críticamente la definición de estos cánones y la enunciación engañosa del concepto de libertad en un momento en que la lucha de las mujeres resulta fundamental para la justicia social y los derechos humanos”\, expresa Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nLa exposición La Mujer en el Arte se realizó en la Sala Matta del museo durante 20 días en el mes de septiembre de 1975\, con motivo de la conmemoración del Año Internacional de la Mujer. Se exhibieron entonces 85 obras (pinturas\, grabados\, dibujos y esculturas)\, provenientes de colecciones públicas y privadas\, creadas por mujeres artistas de distintas generaciones. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes fue la institución organizadora junto a la Secretaría Nacional de la Mujer -organismo creado en 1972 durante el gobierno de Salvador Allende-. La directora del museo\, la escultora Lily Garafulic\, junto a Rosa Abarca (investigadora del museo)\, trabajaron arduamente en la muestra\, junto a un equipo integrado por Mercedes Gaju (coordinadora de la Secretaría Nacional de la Mujer)\, Ángela Riesco (ayudante de investigación)\, Paz Romero (ayudante coordinadora) y Ernesto Muñoz (secretario coordinador). \n“(…) es de suma importancia realizar ya\, aunque sea de forma sintética\, una valoración del significado de las artistas pintoras y escultoras de Chile. La jerarquía alcanzada por otras mujeres en otras disciplinas de la cultura\, nos impone una búsqueda en la espiritualidad de nuestras compatriotas expresadas en obras artísticas”\, expresaba Rosa Abarca en el catálogo que se publicó para dicha ocasión. En él se recreó un itinerario cronológico y se explicitaba la necesidad de incluir a muchas más\, pero no incorporó una reflexión que considerara la historia social y cultural de las mujeres. \nLa inédita investigación de Abarca se encontraba en los archivos del museo\, revelando un importante trabajo de levantamiento de información en más de 40 páginas que recién hoy salen a la luz y que\, finalmente\, fueron cortados y resumidos brevemente en el catálogo original de la muestra. En sus páginas puede darse cuenta de los procesos de censura que pudo haber sufrido la investigación\, así como la posición institucional sobre el arte contemporáneo\, las manifestaciones artísticas vinculadas a la política\, entre otras cuestiones fundamentales en el contexto del momento. \nLa exposición actual\, montada en el segundo piso del museo\, integra una selección de piezas de la colección exhibidas en 1975\, junto a obras de artistas mencionadas en la investigación\, pero que no se incluyeron en la muestra original a pesar de formar parte de la colección en ese entonces. Ante estos antecedentes\, las curadoras se preguntan cómo operó el proceso de selección de artistas y quiénes quedaron fuera por cuestiones eminentemente políticas. Tal es el caso también de mujeres artistas que en ese momento trabajaban intensamente\, pero que fueron apartadas del relato oficial. \n“Estas capas de visibilidad/invisibilidad permiten ver cómo operan las omisiones de la construcción historiográfica —hecho que la misma Garafulic señala en una entrevista— y otros argumentos institucionales\, estéticos y/o políticos que problematizan cuestiones como la censura\, la inscripción del arte contemporáneo\, la conformación de redes asociativas y la consecuente exclusión de la escena artística”\, explican las curadoras. \n“A través de este ejercicio\, queremos visibilizar no solo las omisiones inherentes al sistema artístico\, sino evidenciar lo que ocurre reiteradamente con las mujeres y así crear un espacio de reflexión crítica\, que desde el arte se expande a todos los ámbitos de la vida”\, continúan. \nJunto a páginas del catálogo con imágenes de las obras\, en la exposición se despliegan gráficamente citas de encabezados de prensa\, comentarios y críticas sobre la muestra de 1975\, además de enunciados oficiales referidos al rol de la mujer. En un diario se señala que el acto inaugural fue presidido por autoridades militares\, artísticas y eclesiásticas. Por su parte\, Gaby Garfias\, artista y crítica de arte\, anuncia “Matriarcado en la pintura chilena”\, en tanto que en el texto de un matutino se usa la expresión “sexo débil”. \nEn un gesto simbólico sobre las mujeres activistas y disidentes\, se ha incorporado la imagen de la joven Mónica Briones\, pintora y escultora asesinada en dictadura\, siendo considerado el primer caso documentado de un crimen de odio lesbofóbico. \n______________\nVisitas mediadas: Con previa reserva al correo mediacion.educacion@mnba.gob.cl \n29 de junio al 31 de diciembre de 2023 / Martes a domingo\, 10 a 18:30 horas. \n
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SUMMARY:“Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia”
DESCRIPTION:Por primera vez en Chile\, llegan vestigios arqueológicos originales\n“FORMAS Y COLORES DE LA ITALIA PRERROMANA. CANOSA DI PUGLIA” (Otro título: “Forme e colori dall’Italia preromana – Canosa di Puglia”) \n[ÚLTIMA SEMANA: Desde el Lunes 25 hasta el jueves 28 de septiembre estarán abiertos hasta las 21:00 horas\, mientras que viernes 29\, sábado 30 de septiembre y domingo 1 de octubre cerrarán a las 18:00 horas.] \n• Importantes hallazgos arqueológicos\, de las colonias griegas que llegaron a Apulia antes de la dominación romana son exhibidos por primera vez en Chile y en América Latina. \n• Piezas originales de armaduras\, cerámicas\, joyas y ornamentos son exhibidas en una impresionante instalación multimedia\, dando vida a una exposición única en Chile. \n• “Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia” que contará con una sede central y una sede satélite. \n• Ambas acercan al público en Chile a las formas de vida e ideas de la muerte de la cultura dauna\, una de las colonias de la Magna Grecia que habitaron la península itálica entre los siglos VII al II a.C. \n• Material proveniente de Hipogeos\, de los depósitos de los Museos de la Apulia o del tráfico ilegal recuperado forman el conjunto de vestigios arqueológicos que se exhiben en esta muestra itinerante. \n• Santiago de Chile será la primera sede de exhibición\, desde el 6 de julio hasta 1 de octubre de 2023. Dos sedes forman parte de una única exhibición. \n• La exhibición central\, se lleva a cabo en el Istituto Italiano di Cultura Santiago. Decenas de hallazgos se presentan en el salón de esta Oficina Cultural de la Embajada de Italia en Chile\, de lunes a sábado en Triana 843\, Providencia (Lun y Mier de 9:00 a 17:00 / Mar y Jue de 9:00 a 21:00 / Vie y Sab de 9:00 a 13:00). \n• La exhibición satélite\, exhibe cuatro vestigios en el Hall Central del Museo Nacional de Bellas Artes Santiago\, de martes a domingo. \n• “Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia” es la primera actividad del Programa de valorización y promoción del patrimonio cultural italiano en el extranjero llamado Narrar la Belleza (Il racconto della belleza). \n• Esta exposición en Chile se realiza gracias a una colaboración conjunta de la Dirección General de Museos del Ministerio de Cultura Italiano (MIC) y de la Dirección General de Diplomacia Pública y Cultural del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional de Italia (MAECI)\, organizada en Chile por el Instituto Italiano de Cultura Santiago\, en colaboración con el Museo Nacional de Bellas Artes. \n• Con especial referencia a los hallazgos de Canosa di Puglia\, esta exposición da a conocer la notable cantidad y calidad estética del patrimonio arqueológico conservados en sitios culturales en Apulia\, pertenecientes a la Direzione Regionale Musei Puglia y al Museo Archeologico Nazionale di Taranto (MArTA). \n• En ocasión de la inauguración estarán presentes Francesco Longobardi\, coordinador de proyecto; Anita Rocco\, arqueóloga y coordinadora científica; Eleonora Crimi\, responsable conservación y restauración desde el Ministerio de las Culturas de Italia; Filippo La Rosa\, jefe del departamento de la promoción cultural e Institutos Italianos de Cultura y Alessandra Botta\, responsable proyecto\, desde el Ministerio de Asuntos Exteriores de Italia. \nDesde del próximo 6 de julio y hasta el 1 de octubre de 2023\, el público en Santiago podrá apreciar por primera vez increíbles hallazgos arqueológicos prerromanos pertenecientes a la cultura dauna (entre el siglo VII y el siglo II a.C.). \n“Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia” se llevará a cabo en dos sedes: el Istituto Italiano di Cultura\, en la Comuna de Providencia y el Museo Nacional de Bellas Artes\, en la Comuna de Santiago. \nLa exposición principal\, con nueve vitrinas\, se presentará en el salón expositivo de la sede del Istituto Italiano di Cultura\, ubicado en Triana 843\, Providencia. Piezas originales de armaduras\, cerámicas\, joyas y ornamentos serán exhibidas en una una impresionante instalación multimedia\, dando vida a una exposición única en Chile. \nLa exposición satélite se exhibirá en el Hall Central del Museo Nacional de Bellas Artes\, en la Comuna de Santiago. \nEl territorio de la Italia actual\, antes de la unificación del Imperio Romano\, fue habitado por diferentes pueblos que tenían diferentes características culturales. De hecho\, en la zona hoy conocida como Puglia (Apulia)\, desde el siglo VIII a.C. coexistían colonos griegos que partieron de Esparta para fundar Taranto\, los Mesapios en el sur de la región\, los Peucezi en el centro y los Daunos en la parte más septentrional. \nDaunia\, Peucetia y Mesapia formaban entonces la llamada Yapigia. Particularmente llamativa es la cerámica dauna (aún poco estudiada) que fue incluyendo refinadas policromías y figuras humanas que la exposición “Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia” brinda la oportunidad de conocerlas en detalle. \nLa exposición ilustra las peculiaridades y características de la antigua Daunia a través de materiales arqueológicos de uno de los principales centros de la región\, el área de la actual Canosa di Puglia. Aquí los llamados príncipes\, jefes de clanes aristocráticos\, titulares de roles hegemónicos en la sociedad\, son enterrados con ricos objetos funerarios que manifiestan su superioridad a la comunidad. \nParte de esos objetos funerarios son los que se exhiben en la Exposición “Formas y Colores de la Italia prerromana. Canosa di Puglia”. Los hallazgos seleccionados provienen en gran parte de los depósitos del Museo Arqueológico Nacional de Canosa di Puglia y el Museo Arqueológico Nacional de Tarento\, pero también de los depósitos de la Superintendencia de Arqueología\, Bellas Artes y Paisaje de las provincias de Foggia y Barletta-Andria Trani\, el Museo Arqueológico de Santa Escolástica (Ciudad Metropolitana de Bari) y la Superintendencia Nacional de Patrimonio Cultural Subacuático con sede en Tarento. \nSerán cuatro las Oficinas Culturales de la Embajada de Italia en América Latina que exhibirán esta exposición hasta agosto de 2024; siendo Santiago de Chile la primera\, para proseguir en el Istituto Italiano di Cultura de Buenos Aires\, luego en el Istituto Italiano di Cultura de Ciudad de México y finalizar en el Istituto Italiano di Cultura de Sao Paolo\, a fines de agosto de 2024.\nLa realización de esta extraordinaria exposición es parte del programa de valorización y promoción del patrimonio cultural italiano en el extranjero llamado “Narrar la belleza». Este programa nace del intenso trabajo de colaboración conjunta entre la Dirección General de Museos del Ministerio de Cultura (MIC) y la Dirección General de Diplomacia Pública y Cultural del Ministerio de Relaciones Exteriores y Cooperación Internacional (MAECI)\, red de la cual forma parte cada Istituto Italiano di Cultura\, que hoy alcanza noventa sedes en el mundo. \n
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SUMMARY:"Carmelo Arden Quin\, en la trama del arte constructivo"
DESCRIPTION:Centro Cultural La Moneda expone legado creativo del uruguayo Carmelo Arden Quin\, gran artista del siglo XX\n\n\n\nLa muestra Carmelo Arden Quin\, en la trama del arte constructivo\, reúne más de 200 piezas\, incluyendo pinturas\, esculturas\, ilustraciones y collages\, así como archivos y videos tanto del artista uruguayo como de autores que lo inspiraron o colaboraron con él. Organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina (Buenos Aires) y producida en asociación con el Centro Cultural La Moneda\, la exhibición podrá visitarse hasta el 24 de septiembre 8 de octubre en la Sala Andes de CCLM.\n\n\n\nDar cuenta de la trayectoria e influencia del artista uruguayo\, figura central en la historia moderna y contemporánea del continente latinoamericano\, es la propuesta de la muestra Carmelo Arden Quin\, en la trama del arte constructivo. Con la curadoría de María Cristina Rossi\, doctora\, profesora e investigadora argentina especialista en arte latinoamericano\, la exposición podrá visitarse hasta el 24 de septiembre en la Sala Andes del Centro Cultural La Moneda. \nOrganizada por el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina (Buenos Aires) y producida en asociación con el Centro Cultural La Moneda\, la exhibición pone en diálogo los trabajos tempranos de Carmelo Arden Quin con la obra de Joaquín Torres García e inscribe sus propuestas vanguardistas en el seno de las agrupaciones que fundó a lo largo de su trayectoria: el grupo de la revista Arturo\, el movimiento de Arte Concreto Invención (MACI)\, el Movimiento MADI en Buenos Aires y en París\, el Centre de Recherches et d’Études MADI\, la Asociación de Arte Nuevo y el Movimiento MADI Internacional. Una trayectoria en la que este creador vanguardista propuso una conexión con el arte de forma didáctica\, plural y lúdica. \nPresentada el año pasado en el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina\, en su arribo a Chile la investigación curatorial fue actualizada y complementada con un núcleo especial titulado “Intercambios con artistas chilenos”\, en donde se exhibirán obras y documentos que evidencian los contactos mantenidos entre Arden Quin y distintos agentes culturales del país. En esta fructífera relación\, resaltan nombres como Vicente Huidobro\, Godofredo Iommi\, Claudio Girola y Gustavo Poblete\, con quienes el artista compartió ideas\, actividades y publicaciones siguiendo intereses similares de corte vanguardista. \n“Más que dar cuenta de un orden cronológico\, la exposición busca mostrar las tipologías que cruzaron el trabajo de Carmelo Arden Quin. Su visión integradora fue el motor que impulsó la construcción de una red y que\, también\, lo mantuvo activo por tantas décadas”\, explica la curadora María Cristina Rossi\, haciendo referencia a los principios de la reunión y del trabajo colaborativo como condición requerida en aquella época para lograr transformaciones sociales y políticas. \nCarmelo Arden Quin nació el 16 de marzo de 1913 en Rivera\, Uruguay. Su acercamiento a las artes plásticas se inició a través del escritor catalán Emilio Sans\, amigo de su familia. En 1935\, conoció al connotado artista uruguayo Joaquín Torres García (1874-1949) en una conferencia que dictó en la Sede de la Sociedad Teosófica. Desde ese momento\, Arden Quin abrió su horizonte hacia las ideas de vanguardia\, y comprendió la importancia del trabajo grupal y la creación de revistas propias para la circulación de propuestas estéticas que transgredieron los límites tradicionales del rectángulo y la figuración. \nA través de seis núcleos temáticos –organizados bajos los títulos “Entre Montevideo y Buenos Aires”\, “París-Buenos Aires-París”\, “La revista Ailleurs y la poesía experimental”\, “El movimiento MADI Internacional”\, “Proyecciones de la plástica plural y lúdica”\, además del ya mencionado “Intercambios con artistas chilenos”–\, la exhibición Carmelo Arden Quin\, en la trama del arte constructivo despliega pinturas\, esculturas\, ilustraciones y collages\, así como archivos y videos que permiten el acercamiento a las distintas dimensiones de lo constructivo en el arte y en la vida\, dando cuenta de la trascendencia de este autor. \n“Gracias a un programa de itinerancia emprendido por el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina –espacio donde esta muestra se originó-\, la exposición que arriba al Centro Cultural La Moneda busca difundir el legado de Arden Quin y hace eco del intercambio transfronterizo que sustentó su trabajo. Se trata de una muestra que se alinea con la intención que como Centro Cultural tenemos de dar a conocer el arte latinoamericano\, el que se ha concretado con exposiciones como Cartel Sur (2022-2023)\, Soplo. Ernesto Netto(2020)\, Joaquín Torres García. Obra viva (2019)\, por nombrar las más recientes”\, agrega Regina Rodríguez Covarrubias\, directora ejecutiva del Centro Cultural La Moneda. \n«Celebramos la llegada a Centro Cultural La Moneda de esta muestra de Arden Quin\, que despliega las distintas variantes de obra plástica y sus poemas móviles\, en diálogo con la producción de algunos artistas que compartieron su trabajo en la revista Arturo\, el grupo MADI\, el Centre de Recherches et d’Études MADI de la rue Froidevaux en París\, la porteña Asociación Arte Nuevo y el movimiento MADI Internacional. El recorrido que propone esta exposición permitirá al público chileno descubrir la vitalidad de un creador que redobló su apuesta por un arte plural y lúdico»\, complementa Andrés Duprat\, director del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina. \nLa exposición Carmelo Arden Quin\, en la trama del arte constructivo podrá visitarse de martes a domingo de 10:00 a 19:30 horas en la Sala Andes del Centro Cultural La Moneda\, nivel –3\, y estará en exhibición hasta el 24 de septiembre 8 de octubre. Entrada público general: $2.500. Entrada público general ambas salas (incluye exposición Libre acceso: espacio público contemporáneo en América Latina\, en Sala Pacífico): $3.000. Estudiantes: $1.500. Tercera edad: entrada liberada en todo horario. Martes y domingo: entrada liberada para todo público. Más información y reservas en cclm.cl \n\n\n
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LOCATION:Centro Cultural La Moneda\, Plaza de la Ciudadanía 26\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Miradas sobre el Wallmapu. Territorios\, afueras y disputas. Colección MNBA"
DESCRIPTION:Una reflexión en torno a la representación del pueblo mapuche\, trazando una pequeña historia visual\, a la luz de conflictos y marginaciones\, propone la muestra Miradas sobre el Wallmapu. Territorios\, afueras y disputas. Colección MNBA\, que se presenta a partir del 13 de julio en el Museo Nacional de Bellas Artes.\n\n\nCon la curatoría de Cristián Vargas Paillahueque y la coordinación e investigación de Eva Cancino Fuentes\, encargada de colecciones MNBA\, la muestra incluye un conjunto de obras de la colección MNBA que instalan una reflexión crítica por la representación del pueblo mapuche a través de distintos abordajes y sensibilidades artísticas. La exhibición forma parte de las reflexiones iniciadas en torno a la muestra de la colección MNBA Luchas por el arte. Mapa de relaciones y disputas por la hegemonía del arte (1843-1933) y es parte del programa de exhibiciones con las que se conmemoran los 50 años del golpe de Estado. \n“Es relevante la que el Museo aborde la temática mapuche en su colección desde una perspectiva crítica\, dando cuenta de heridas y fricciones vigentes. La curatoría propone una reflexión que considera autores decimonónicos\, que en un principio ilustraron y abordaron la vida de este pueblo desde ideales y estereotipos colonialistas\, a la vez que releva la visión de autoras/es contemporáneas/os mapuche que en primera persona y con medios actuales\, desarman los discursos hegemónicos expresando su análisis y descontento”\, expresa Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nA través de imágenes\, documentos y citas la exposición permite trazar una panorámica\, visual e histórica\, sobre el Wallmapu. “Este último\, entendido como el concepto con que se denomina al territorio histórico transfronterizo del pueblo mapuche. De cierta manera\, propone una primera inquietud y reflexión por cómo y qué se ha dicho desde el arte respecto del mundo indígena y qué fuentes auxilian e interpelan estos relatos desde una multiplicidad de autores\, voces y agencias”\, explican Vargas y Cancino en el texto curatorial. \nEl punto inicial revisa cómo desde la institucionalidad “lo mapuche”\, principalmente a partir de las obras de la Colección MNBA\, se representa como “lo otro”. Las pocas obras que ejemplifican esta mirada también son prueba de la poca relevancia que han tenido los pueblos originarios en general en la oficialidad artística. \nEjes temáticos \nEscultura y monumentalidad: aborda las representaciones escultóricas del cuerpo según los imaginarios del canon hegemónico que estipularon cómo debía ser lo indígena a partir del “araucanismo” artístico.  El “araucanismo” fue un concepto polisémico que\, hacia fines del siglo XIX y durante la primera mitad del siglo XX\, constituye principalmente tres dimensiones: ser “experto” en “araucanos”\, ser sensible a las múltiples problemáticas de la población “araucana” y\, por último\, da cuenta de la enunciación estratégica que acuñan las organizaciones mapuche para disputar el campo político en el espacio público. \nEn esta perspectiva\, la tríada entre José Miguel Blanco (1839-1897)\, Nicanor Plaza (1841-1918) y Virginio Arias (1855-1941)\, aúnan una lectura “araucanista” del periodo con relación al arte y a la población mapuche. \nRetratos del territorio: señala una genealogía problemática y de influencias entre artistas y sensibilidades que esbozan etnográficamente a los sujetos indígenas desde distintas miradas. Se trata de búsquedas artísticas al alero de los avances en los métodos\, medios y disciplinas de conocimiento que conformaron una documentación visual novedosa. \nSe reivindica a Juan Antonio Sepúlveda (1879-1958)\, pintor\, escultor y político mapuche\, de enorme relevancia a principios de siglo\, que perteneció a la Sociedad Caupolicán Defensora de la Araucanía (1910)\, una de las primeras organizaciones mapuche. Fue discípulo de Ernesto Molina\, pintor y coleccionista que\, décadas antes\, también permaneció en distintos periodos en territorio mapuche. Pedro Luna (1896-1956) y Ramón Subirats (1891-1942)\, también dan cuenta de la amplitud de visiones. \nElaboración de paisajes: da cuenta de los abordajes que realizaron artistas viajeros\, cronistas y colonizadores en el Wallmapu del siglo XIX sobre problemáticas y disputas que se mantienen en la actualidad. \nJohann Moritz Rugendas (1802-1858)\, pintor y dibujante alemán\, creó un repertorio visual del mundo mapuche convergente\, con el imaginario decimonónico de la civilización y la barbarie y con la construcción de “tipos araucanos” en su diversidad de costumbres. Sus imágenes junto a las de Carl Alexander Simon (1805-1852) y Vicente Pérez Rosales (1807-1886)\, en correlato con una diversidad de fuentes\, son parte de una amalgama clara de problemáticas que trascienden lo puramente representacional. \nDesde las voces: aúna distintas autorías mapuche que\, haciéndose parte del dilema por la representación\, por los usos y desusos de los imaginarios\, permean una visión crítica de repertorios históricos y sociales\, elaborando nuevas visualidades emparentadas con sus propias biografías\, experiencias y abordajes disciplinares. De esta forma\, reflejan un panorama del arte mapuche contemporáneo como un campo clave para la descolonización de discursos que atañen al campo artístico. \nLos grabados de Santos Chávez (1934-2001) reformulan los imaginarios. En tanto que la crítica a los estereotipos\, al racismo\, la discriminación y la omisión de los cuerpos y singularidades indígenas en la sociedad actual\, queda expuesta en los abordajes de Bernardo Oyarzún (1963- ) y Paula Baeza Pailamilla (1988- ). Paula Coñoepan (1993- ) releva la búsqueda multidimensional por los orígenes\, las ausencias y los relatos. Seba Calfuqueo (1991- ) relata desde su biografía períodos históricos como el de la Unidad Popular desde la mirada mapuche. \n\n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/miradas-sobre-el-wallmapu-territorios-afueras-y-disputas-coleccion-mnba/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
CATEGORIES:Expos
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