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SUMMARY:"La mujer en el arte 1975. Colección MNBA"
DESCRIPTION:En el marco de la conmemoración de los 50 años del golpe militar\, a partir del 29 de junio se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes la muestra La mujer en el arte 1975\, que propone una revisión crítica de la versión homónima\, rescatando obras\, documentos y archivos que dan cuenta de los conceptos de “mujer” y de “artista”\, que se promovieron dentro de las salas del MNBA en el contexto de dictadura. \nCon la curatoría de Gloria Cortés Aliaga (MNBA) y las historiadoras del arte Nicole González Herrera y Mariairis Flores Leiva\, la exhibición forma parte de las reflexiones iniciadas en torno a la muestra de la colección MNBA Luchas por el arte. Mapa de relaciones y disputas por la hegemonía del arte (1843-1933). \nA partir de la revisión de la muestra de 1975 y de la documentación que se conserva en el Centro de Documentación MNBA Angélica Pérez Germain\, las curadoras revisan críticamente la noción de “mujer” y de “artista” que promovió la dictadura cívico-militar\, a través de las instituciones oficiales y la prensa. Esto significó una pauta respecto del rol de la mujer en las nuevas políticas culturales\, definidas ese mismo año por la dictadura y reforzadas en el discurso Mensaje a la mujer chilena\, pronunciado un año antes por Augusto Pinochet en el llamado proceso de la “Reconstrucción Nacional”. \n“El MNBA viene trabajando hace años desde la perspectiva de un enfoque de género y desde los feminismos\, en función de revertir la histórica invisibilización y preceptos acerca del rol de mujeres en el arte\, pero también haciéndose cargo de la historia institucional a partir de las ausencias tanto en las colecciones como en el ámbito de las exposiciones\, la escritura\, la gestión\, entre otras cuestiones fundamentales para el desarrollo de un museo igualitario. Está exposición\, en el marco de los 50 años del golpe\, revisa críticamente la definición de estos cánones y la enunciación engañosa del concepto de libertad en un momento en que la lucha de las mujeres resulta fundamental para la justicia social y los derechos humanos”\, expresa Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nLa exposición La Mujer en el Arte se realizó en la Sala Matta del museo durante 20 días en el mes de septiembre de 1975\, con motivo de la conmemoración del Año Internacional de la Mujer. Se exhibieron entonces 85 obras (pinturas\, grabados\, dibujos y esculturas)\, provenientes de colecciones públicas y privadas\, creadas por mujeres artistas de distintas generaciones. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes fue la institución organizadora junto a la Secretaría Nacional de la Mujer -organismo creado en 1972 durante el gobierno de Salvador Allende-. La directora del museo\, la escultora Lily Garafulic\, junto a Rosa Abarca (investigadora del museo)\, trabajaron arduamente en la muestra\, junto a un equipo integrado por Mercedes Gaju (coordinadora de la Secretaría Nacional de la Mujer)\, Ángela Riesco (ayudante de investigación)\, Paz Romero (ayudante coordinadora) y Ernesto Muñoz (secretario coordinador). \n“(…) es de suma importancia realizar ya\, aunque sea de forma sintética\, una valoración del significado de las artistas pintoras y escultoras de Chile. La jerarquía alcanzada por otras mujeres en otras disciplinas de la cultura\, nos impone una búsqueda en la espiritualidad de nuestras compatriotas expresadas en obras artísticas”\, expresaba Rosa Abarca en el catálogo que se publicó para dicha ocasión. En él se recreó un itinerario cronológico y se explicitaba la necesidad de incluir a muchas más\, pero no incorporó una reflexión que considerara la historia social y cultural de las mujeres. \nLa inédita investigación de Abarca se encontraba en los archivos del museo\, revelando un importante trabajo de levantamiento de información en más de 40 páginas que recién hoy salen a la luz y que\, finalmente\, fueron cortados y resumidos brevemente en el catálogo original de la muestra. En sus páginas puede darse cuenta de los procesos de censura que pudo haber sufrido la investigación\, así como la posición institucional sobre el arte contemporáneo\, las manifestaciones artísticas vinculadas a la política\, entre otras cuestiones fundamentales en el contexto del momento. \nLa exposición actual\, montada en el segundo piso del museo\, integra una selección de piezas de la colección exhibidas en 1975\, junto a obras de artistas mencionadas en la investigación\, pero que no se incluyeron en la muestra original a pesar de formar parte de la colección en ese entonces. Ante estos antecedentes\, las curadoras se preguntan cómo operó el proceso de selección de artistas y quiénes quedaron fuera por cuestiones eminentemente políticas. Tal es el caso también de mujeres artistas que en ese momento trabajaban intensamente\, pero que fueron apartadas del relato oficial. \n“Estas capas de visibilidad/invisibilidad permiten ver cómo operan las omisiones de la construcción historiográfica —hecho que la misma Garafulic señala en una entrevista— y otros argumentos institucionales\, estéticos y/o políticos que problematizan cuestiones como la censura\, la inscripción del arte contemporáneo\, la conformación de redes asociativas y la consecuente exclusión de la escena artística”\, explican las curadoras. \n“A través de este ejercicio\, queremos visibilizar no solo las omisiones inherentes al sistema artístico\, sino evidenciar lo que ocurre reiteradamente con las mujeres y así crear un espacio de reflexión crítica\, que desde el arte se expande a todos los ámbitos de la vida”\, continúan. \nJunto a páginas del catálogo con imágenes de las obras\, en la exposición se despliegan gráficamente citas de encabezados de prensa\, comentarios y críticas sobre la muestra de 1975\, además de enunciados oficiales referidos al rol de la mujer. En un diario se señala que el acto inaugural fue presidido por autoridades militares\, artísticas y eclesiásticas. Por su parte\, Gaby Garfias\, artista y crítica de arte\, anuncia “Matriarcado en la pintura chilena”\, en tanto que en el texto de un matutino se usa la expresión “sexo débil”. \nEn un gesto simbólico sobre las mujeres activistas y disidentes\, se ha incorporado la imagen de la joven Mónica Briones\, pintora y escultora asesinada en dictadura\, siendo considerado el primer caso documentado de un crimen de odio lesbofóbico. \n______________\nVisitas mediadas: Con previa reserva al correo mediacion.educacion@mnba.gob.cl \n29 de junio al 31 de diciembre de 2023 / Martes a domingo\, 10 a 18:30 horas. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/la-mujer-en-el-arte-1975-coleccion-mnba/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"Miradas sobre el Wallmapu. Territorios\, afueras y disputas. Colección MNBA"
DESCRIPTION:Una reflexión en torno a la representación del pueblo mapuche\, trazando una pequeña historia visual\, a la luz de conflictos y marginaciones\, propone la muestra Miradas sobre el Wallmapu. Territorios\, afueras y disputas. Colección MNBA\, que se presenta a partir del 13 de julio en el Museo Nacional de Bellas Artes.\n\n\nCon la curatoría de Cristián Vargas Paillahueque y la coordinación e investigación de Eva Cancino Fuentes\, encargada de colecciones MNBA\, la muestra incluye un conjunto de obras de la colección MNBA que instalan una reflexión crítica por la representación del pueblo mapuche a través de distintos abordajes y sensibilidades artísticas. La exhibición forma parte de las reflexiones iniciadas en torno a la muestra de la colección MNBA Luchas por el arte. Mapa de relaciones y disputas por la hegemonía del arte (1843-1933) y es parte del programa de exhibiciones con las que se conmemoran los 50 años del golpe de Estado. \n“Es relevante la que el Museo aborde la temática mapuche en su colección desde una perspectiva crítica\, dando cuenta de heridas y fricciones vigentes. La curatoría propone una reflexión que considera autores decimonónicos\, que en un principio ilustraron y abordaron la vida de este pueblo desde ideales y estereotipos colonialistas\, a la vez que releva la visión de autoras/es contemporáneas/os mapuche que en primera persona y con medios actuales\, desarman los discursos hegemónicos expresando su análisis y descontento”\, expresa Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nA través de imágenes\, documentos y citas la exposición permite trazar una panorámica\, visual e histórica\, sobre el Wallmapu. “Este último\, entendido como el concepto con que se denomina al territorio histórico transfronterizo del pueblo mapuche. De cierta manera\, propone una primera inquietud y reflexión por cómo y qué se ha dicho desde el arte respecto del mundo indígena y qué fuentes auxilian e interpelan estos relatos desde una multiplicidad de autores\, voces y agencias”\, explican Vargas y Cancino en el texto curatorial. \nEl punto inicial revisa cómo desde la institucionalidad “lo mapuche”\, principalmente a partir de las obras de la Colección MNBA\, se representa como “lo otro”. Las pocas obras que ejemplifican esta mirada también son prueba de la poca relevancia que han tenido los pueblos originarios en general en la oficialidad artística. \nEjes temáticos \nEscultura y monumentalidad: aborda las representaciones escultóricas del cuerpo según los imaginarios del canon hegemónico que estipularon cómo debía ser lo indígena a partir del “araucanismo” artístico.  El “araucanismo” fue un concepto polisémico que\, hacia fines del siglo XIX y durante la primera mitad del siglo XX\, constituye principalmente tres dimensiones: ser “experto” en “araucanos”\, ser sensible a las múltiples problemáticas de la población “araucana” y\, por último\, da cuenta de la enunciación estratégica que acuñan las organizaciones mapuche para disputar el campo político en el espacio público. \nEn esta perspectiva\, la tríada entre José Miguel Blanco (1839-1897)\, Nicanor Plaza (1841-1918) y Virginio Arias (1855-1941)\, aúnan una lectura “araucanista” del periodo con relación al arte y a la población mapuche. \nRetratos del territorio: señala una genealogía problemática y de influencias entre artistas y sensibilidades que esbozan etnográficamente a los sujetos indígenas desde distintas miradas. Se trata de búsquedas artísticas al alero de los avances en los métodos\, medios y disciplinas de conocimiento que conformaron una documentación visual novedosa. \nSe reivindica a Juan Antonio Sepúlveda (1879-1958)\, pintor\, escultor y político mapuche\, de enorme relevancia a principios de siglo\, que perteneció a la Sociedad Caupolicán Defensora de la Araucanía (1910)\, una de las primeras organizaciones mapuche. Fue discípulo de Ernesto Molina\, pintor y coleccionista que\, décadas antes\, también permaneció en distintos periodos en territorio mapuche. Pedro Luna (1896-1956) y Ramón Subirats (1891-1942)\, también dan cuenta de la amplitud de visiones. \nElaboración de paisajes: da cuenta de los abordajes que realizaron artistas viajeros\, cronistas y colonizadores en el Wallmapu del siglo XIX sobre problemáticas y disputas que se mantienen en la actualidad. \nJohann Moritz Rugendas (1802-1858)\, pintor y dibujante alemán\, creó un repertorio visual del mundo mapuche convergente\, con el imaginario decimonónico de la civilización y la barbarie y con la construcción de “tipos araucanos” en su diversidad de costumbres. Sus imágenes junto a las de Carl Alexander Simon (1805-1852) y Vicente Pérez Rosales (1807-1886)\, en correlato con una diversidad de fuentes\, son parte de una amalgama clara de problemáticas que trascienden lo puramente representacional. \nDesde las voces: aúna distintas autorías mapuche que\, haciéndose parte del dilema por la representación\, por los usos y desusos de los imaginarios\, permean una visión crítica de repertorios históricos y sociales\, elaborando nuevas visualidades emparentadas con sus propias biografías\, experiencias y abordajes disciplinares. De esta forma\, reflejan un panorama del arte mapuche contemporáneo como un campo clave para la descolonización de discursos que atañen al campo artístico. \nLos grabados de Santos Chávez (1934-2001) reformulan los imaginarios. En tanto que la crítica a los estereotipos\, al racismo\, la discriminación y la omisión de los cuerpos y singularidades indígenas en la sociedad actual\, queda expuesta en los abordajes de Bernardo Oyarzún (1963- ) y Paula Baeza Pailamilla (1988- ). Paula Coñoepan (1993- ) releva la búsqueda multidimensional por los orígenes\, las ausencias y los relatos. Seba Calfuqueo (1991- ) relata desde su biografía períodos históricos como el de la Unidad Popular desde la mirada mapuche. \n\n
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SUMMARY:“SALAR / agua en el desierto”
DESCRIPTION:APERTURA DE EXPOSICIÓN DE FOTOGRÁFICA VIRTUAL \nSOBRE EL SALAR DE ATACAMA \n31.07.2023 / 31.12.2023 \nProyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes\, Fondart Regional 2022\, área culturas regionales\, identidad regional de Antofagasta\, Chile. \nLa muestra se compone de un registro de fotografías de 4 lagunas ubicadas dentro del Salar de Atacama de la región de Antofagasta\, que por sus características constituyen lugares y ecosistemas únicos en el mundo\, estos lugares son depósitos de agua que se ubican en medio de la aridez del desierto. \nA la muestra de fotografía virtual se puede visitar a través de un link que está en la cuenta de Instagram del proyecto: @salar­_aguaeneldesierto \n“SALAR / agua en el desierto” es un proyecto desarrollado por la fotógrafa\, diseñadora y artista visual Carla Monforte\, que da a conocer a través de fotografías un fenómeno geográfico único en el mundo que es característico en el desierto de Atacama de la región de Antofagasta\, como es la formación de salares\, en este caso el Salar de Atacama que es el tercero más grande a nivel mundial y con una importante reserva de Litio. Este salar posee un ecosistema de una belleza muy frágil que a futuro sufrirá transformaciones a lo largo del tiempo\, ya sea por los cambios climáticos a los que está sometido el planeta o por la sobreexplotación minera de esta zona. \nLa muestra se centra en el registro de 4 lagunas que se encuentran dentro del Salar de Atacama\, se propone un recorrido visual por estos lugares donde se ve la sal brotando en las superficies de agua\, la flora y la fauna\, las texturas y colores propias del desierto\, invitando al espectador a un viaje sensorial a través de estas imágenes y de estos paisajes que muestran la profundidad y belleza del desierto de Atacama. \nSe trata de la reedición de un material contenido en un foto-libro realizado en 2017\, que también fue financiado a través de un FONDART regional\, pero en un formato nuevo y accesible a través de Instagram. La exposición virtual comprende el registro de 4 lagunas que son: Laguna Piedra\, Laguna Cejar\, Laguna Tebinquinche y Laguna Chaxa. Estos lugares son muy especiales ya que la sal brota del suelo\, el agua se evapora por el calor del desierto y esta se queda en la superficie como un sedimento\, las aguas de estas lagunas vienen de napas subterráneas que se recogen por deshielos y lluvias que hay en la cordillera de los Andes. \nLa exposición estará disponible hasta el 31 de diciembre del 2023\, y en ella se anexarán contenidos que complementen las imágenes como\, por ejemplo: una serie de fotografías “Agua”\, que son parte de las imágenes ya existentes\, y que se intervienen digitalmente en monocromo y se acentúa con color las zonas de agua de las lagunas ubicadas en su contexto geográfico\, mapas del Salar\, datos geográficos y otros contenidos relacionados al tema del proyecto. La exposición se lanza para abrir el mes de la fotografía y ser parte de sus celebraciones a nivel nacional (18 de agosto). \n “La única forma de fijar nuestros paisajes ahora es fotografiándolos pues ellos van cambiando con el tiempo\, se van transformando cada día. Se trata de una flora y fauna únicas en el mundo\, por lo que constituye un patrimonio que hay que conservar para que futuras generaciones puedan conocer y valorar el territorio que habitan”\, explica Monforte. \nSobre la artista \nCarla Monforte Kapstein nace en Madrid\, España (1974). De padre fotógrafo y madre arquitecta. Desde los seis años vive en Chile\, donde ha realizado sus estudios y proyectos\, entre la zona centro y el norte del país. Se titula de Diseñadora Gráfica y recibe un Diploma en Gestión Cultural en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Actualmente finaliza un Magíster en Edición Editorial de la Universidad Diego Portales. \nSe ha desempeñado como docente en diversos estratos educacionales y ha trabajado en diversos proyectos editoriales y de diseño gráfico para universidades\, empresas y particulares. Ha creado y gestionado distintos proyectos Fondart\, vinculados a la fotografía\, las artes visuales y al patrimonio natural\, cultural y territorial\, en 2005\, 2008\, 2014\, 2017 Y 2022. \nLa fotografía la comienza a desarrollar desde la adolescencia como una actividad diaria con una cámara análoga\, con imágenes siempre impresas en papel\, con ensayo y error\, con paciencia\, placer\, y la necesidad de dejar un registro de la vida cotidiana. Su trabajo evoluciona y tiene un giro en lo técnico hacia lo digital\, y en una mirada sensible hacia el territorio luego de habitar una región desértica\, del ir y venir también desde otros lugares de Chile\, y de comparar\, reobservar y registrar la luz\, los pliegues\, el color\, de este entorno abierto y sensorial como lo es el Desierto de Atacama. \nEXPOSICIÓN VIRTUAL \n\n\n\nPara la muestra virtual es necesario acceder a través de la red social de Instagram: @salar_aguaeneldesierto \n@carla_monforte\n\n\n\n
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SUMMARY:"Chile: Amnesia de la verdad"
DESCRIPTION:Con esta exhibición\, el artista chileno radicado en México Carlos Arias regresa al Museo Nacional de Bellas Artes para presentar una serie de bordados con los que rompe las convenciones en torno a la práctica artística y la noción de género\, dando cuenta de su relación con nuestro país y su vivencia en torno a la violación de los Derechos Humanos.\n\nCon la curaduría de Cuauhtémoc Medina\, curador en jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de México\, la muestra forma parte del Programa Conmemoración 50 años del golpe de Estado del MNBA.\n\nSe trata de 22 bordados en los que Carlos Arias (Santiago\, 1964)\, a modo de un diario hecho a la distancia\, compila los hechos asociados a la violación de los derechos humanos que lo marcaron tras el golpe militar de 1973\, así como el cambio cultural que siguió al advenimiento de la democracia. También se incluye una pintura de 1990 -que le otorga el título a la exposición- en la que el artista representa huesos y fragmentos frente al telón de fondo de la cordillera. Sumándose a este año en el que los actos de memoria son centrales\, a partir de una iniciativa personal\, el artista donará este óleo al MNBA\, que se suma a la adquisición del bordado El hombre orgía (2017).\n\n\n“Las obras de esta muestra oscilan entre la violencia\, la irreverencia y una profunda tristeza. Una historia que se hilvana\, escribe y reescribe en un tiempo inconcluso que no termina de ser desterrado. Sumar esta exposición al programa  de la conmemoración de los 50 años del golpe de 1973\, permite incorporar una mirada cuestionadora que aporta al debate acerca de una fractura aún abierta\, las consecuencias de la irrupción de la democracia y su devenir”\, comenta Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nEn sus bordados Arias conforma una narrativa poética que cuestiona las jerarquías tradicionales en torno a “lo artístico” y “lo artesanal”. Así\, a partir de una práctica asociada al mundo de lo femenino\, fija con hilos nombres y acontecimientos que pueblan su memoria personal\, pero también las de nuestro país. Algunas de esas crónicas son obras abiertas\, es decir\, no tienen fecha de término\, ya que el autor va registrando sus pérdidas y eventos decisivos\, como una forma de tomar apuntes a lo largo del tiempo. \n“Al bordar cambiaron mis estrategias de trabajo\, por ser tan lento el proceso. La relación clásica de figura y fondo de la pintura cambió radicalmente. En el bordado tengo la memoria y el soporte. En cambio\, en la pintura\, tengo la narrativa y la composición. Por tener un origen “doméstico”\, ligado a la artesanía y a lo femenino\, el bordado se constituyó en mi verdadero territorio\, luego de haber perdido mi país por decisión propia\, o porque borré el drama y la barbarie. Un espacio tercero\, que está ligado profundamente al arraigo con la obra\, con lo personal y con esta tensión de pertenencia entre Chile y México”\, explica el artista. \n“Desde inicios de la década de 1990 optó por una afortunadísima excentricidad: derivar de las normas materiales y técnicas de la pintura occidental hacia el uso del bordado como campo de producción visual y material. Este artista\, que se expatrió en México con su familia como consecuencia de la dictadura chilena\, encontró así un camino felizmente anacrónico que cuestionaba la división jerárquica y de género entre “lo artístico” y “lo artesanal”\, para también servir de superficie al pespunteo y zurcido de la memoria personal e histórica”\, plantea el curador. \nSobre el artista\nNace en Santiago de Chile\, 1964. Como consecuencia de la dictadura militar en Chile\, Carlos Arias se exilió con su familia a México\, donde residió de 1975 a 1983. Regresó a Chile para estudiar artes plásticas y posteriormente realizó una maestría en la UNAM en la Ciudad de México en 1988. En 1994 decidió abandonar la pintura y dedicarse al bordado como un medio para la reflexión conceptual\, siendo también un punto desde donde hacer una crítica a la representación identitaria y problemáticas de género en la América postcolonial\, retomando la pintura en 2004. \nSu carrera se ha desarrollado en el ámbito internacional y\, en particular\, en México\, donde su trabajo ha sido ampliamente reconocido y curado por historiadores del arte fundamentales en América Latina. \nEn 1999 presentó su trabajo en el Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago\, Chile) en la exposición Bordado: 1994-1998. Ha participado en: Primera Bienal de Liverpool\, Inglaterra\, 1999; ARS 01 Kiasma\, Finlandia; San Diego Museum of Art\, 2002; Museum Beelden aan Zee\, Holanda\, 2002; Il Racconto del Filo\, Italia\, 2003; Eco: arte contemporáneo mexicano\, España\, 2005; Plataforma 01\, México\, 2006; La era de la discrepancia\, México; IV Bienal de Praga\, 2009; Neomexicanismos\, MAM\, México\, 2011; El hombre al desnudo\, Munal y Autorretratos en lo común\, Museo textil de Oaxaca\, 2014; El hilo de la vida. Capilla del arte. Puebla\, 2015; El hilo de la vida. Museo Universitario del Chopo CDMX\, 2016; El hilo está puesto. Galería Marso CDMX\, 2017; Contra el olvido. ARTBO. Bogotá\, 2018; Bordados. Museo Internacional del Barroco. Puebla\, 2019. \nFue profesor en la Universidad de las Américas Puebla entre 1998 y 2021. \nEncuentro entre el artista y el curador | Viernes 11 de agosto a las 12:00 h CL (10:00 MX)\nCarlos Arias y Cuauhtémoc Medina dialogarán en el Salón José Miguel Blanco del MNBA para reflexionar sobre los conceptos de arraigo y memoria. Aforo limitado. Inscripción en el siguiente link. \nLa actividad también se transmitirá en vivo a través de la cuenta de YouTube @MNBAChile. \nCatálogo\nLa publicación del librillo de la exposición está disponible en pdf en el sitio www.mnba.gob.cl y será entregado en la inauguración el 10 de agosto a las 12:00 h. \n\n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"Retratos de la Memoria 2023. Relatos contra el olvido"
DESCRIPTION:Exposición con más de 90 fotografías compartidas por la comunidad\, que relevan la importancia del respeto a los derechos humanos. \nLa 16° versión de la tradicional exposición participativa\, organizada por el MNBA y el Museo de la Memoria (MMDH) reúne una selección de 91 fotografías familiares compartidas por la comunidad -captadas entre 1890 y 1990- que visibilizan la importancia del respeto y protección a los Derechos Humanos en nuestra sociedad\, así como su impacto en nuestra vida cotidiana; ya sea por las transformaciones que genera su reconocimiento\, como también cuando estos derechos son vulnerados. \nLas imágenes escogidas fueron enviadas por personas de prácticamente todas las regiones del país\, y también por chilenas y chilenos que viven en el exterior\, muchos de ellos debido al exilio. A diferencia de ediciones anteriores\, en las que la temática de la muestra invitaba a la emotividad y la nostalgia\, en esta oportunidad se generó un ejercicio más reflexivo y con un importante componente de crítica social. \nEn tanto\, el equipo del MMDH contribuyó con la revisión de las fotografías del periodo entre 1973 y 1990\, y además aportó información relevante sobre las imágenes anteriores a esas fechas; complementando así los relatos de los participantes con datos y material proveniente de su acervo. \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"Vestigios"
DESCRIPTION:Exposición Vestigios\, a 50 años del Golpe Videoinstalación recuerda a 6 adolescentes víctimas de desaparición forzada en dictadura\n\n\n\nSe trata de un proyecto interdisciplinario de la Universidad Diego Portales en coproducción con el estudio australiano Distil Immersive.\nLa muestra se inaugura el 22 de agosto\, en el Centro Cultural La Moneda (CCLM).\n\n\n\nVestigios rinde homenaje a 51 adolescentes víctimas de desaparición forzada\, cuyos cuerpos aún no han sido encontrados\, a través de la historia de 6 de ellos. Gracias a las nuevas tecnologías narrativas\, el público podrá vivir una conmovedora experiencia inmersiva; ingresando a una sala con el celular que se conecta automáticamente a una red wifi y se convierte en un puntero donde cada visitante podrá elegir el testimonio de una de 6 mujeres: hermanas y sobrinas de estos adolescentes\, todos menores de 18 años. La persona seleccionada se pondrá de pie y en una proyección a escala humana se escuchará la historia de su familiar\, mientras ella mira a los ojos al visitante de la videoinstalación. \nEste es un proyecto de la Universidad Diego Portales y el estudio australiano Distil Immersive y se exhibirá en el Centro Cultural La Moneda desde el 22 de agosto hasta el 5 de noviembre en la Galería de Patrimonio. \nManuel Vicuña\, historiador y director del Centro para las Humanidades de la Universidad Diego Portales (UDP) -centro responsable del proyecto\, junto al Laboratorio Digital de la UDP- detalla la importancia de la muestra: “Los menores de 18 años víctimas de desaparición forzada representan un grupo etario nunca antes tratado por separado. Eso los ha mantenido al margen de la conciencia pública\, pese a tratarse de las víctimas que mejor expresan el alcance de la represión política. La mayoría de ellos no tenían militancia. Eran adolescentes de entornos vulnerables\, a veces muy pobres. Eso prueba que debajo del manto de la represión política se escondió una razziasocial\, de la cual nadie ha hablado hasta ahora”. \nVestigios conecta una investigación periodística y de archivo con una videoinstalación inmersiva. Este proceso implicó entrevistas con profesionales y activistas involucrados en la defensa de los derechos humanos\, y la revisión de bases de datos\, archivos institucionales y expedientes judiciales. Además\, se realizaron entrevistas en terreno en búsqueda de los testimonios de familiares de estos menores de edad en Iquique\, Santiago\, Melipilla\, Paine\, Parral\, Chillán\, Concepción\, Los Ángeles\, Mulchén\, Temuco\, Valdivia y Osorno. \nLa videoinstalación apela a la pedagogía de la memoria como medio para abrir cauces de reflexión pública\, estimular conversaciones intergeneracionales y sentar las bases para la construcción de futuros comunes. Viviana Flores Marín\, periodista y documentalista de la Escuela de Periodismo UDP y del Laboratorio Digital UDP\, explica que “la tecnología inmersiva trae al presente historias de duelo y memoria a través de objetos significativos\, vestigios\, que marcaron la vida de estos adolescentes\, estableciendo una conexión íntima entre testimonio y espectador. Cada uno de estos seis objetos que sus familiares tienen en sus manos es lo único que queda para contar la historia de sus vidas”. \nRegina Rodríguez\, directora del CCLM\, dice que “esta muestra será un remezón conmovedor a la memoria más invisibilizada en estos 50 años: el trauma de adolescentes asesinados y hechos desaparecer. El horror\, con esta videoinstalación inmersiva\, se presenta en dispositivos creativos de la cultura y la tecnología que harán sentir en los visitantes la presencia de estos niños asesinados y desaparecidos”. \nEl énfasis en el uso de nuevas tecnologías se da por la alianza que se forja hace un año con el equipo australiano de Distil Immersive\, que tienen una premiada experiencia en testimonios de temáticas sociales complejas\, como refugiados y problemáticas indígenas. “Como estudio de diseño con raíces chilenas\, este proyecto es profundamente personal y significativo para Distil. Estamos entretejiendo memoria\, narración y tecnología para iluminar las sombras del pasado y honrar a las familias que siguen cargando con el peso de la historia. Estamos orgullosos de ayudar a dar vida a esta asociación con la Universidad Diego Portales\,» concluye John-Paul Marín\, director de Distil. \nCOORDENADAS \nVestigios\nMenores de 18 años víctimas de desaparición forzada en Chile\nDel 23 de agosto al 5 de noviembre 2023\nCentro Cultural La Moneda / Galería de Patrimonio (nivel -1)\nPlaza de la Ciudadanía 26\, Metro La Moneda (Santiago) \n\n\n
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SUMMARY:“Infinito”
DESCRIPTION:“Infinito” \nRetrospectiva de Gonzalo Sánchez -Pikti- \nExposición individual de arte lumínico en Museo Ralli Santiago \n26 agosto – 16 diciembre de 2023 \nInauguración | sábado 26 agosto a las 12:00 hr. \nLos Museos Ralli son una institución privada\, sin fines de lucro\, cuyo objetivo es\, desde sus inicios\, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay\, 1988; Chile\, 1992; Israel\, 1993; España\, 2000; Israel\, 2007). \nMuseo Ralli Santiago\, ubicado en la comuna de Vitacura\, exhibirá por primera vez en Sala 4 (subsuelo) obras del artista visual y abogado experto en propiedad intelectual y nuevas tecnologías\, Gonzalo Sánchez\, bajo el seudónimo de Pikti. La muestra retrospectiva -compuesta por 30 obras en pequeño\, mediano y gran formato- estará abierta al público a partir del 26 de agosto hasta el 16 diciembre de 2023\, en horario de lunes a sábado de 10:30 a 17:00 horas\, #EntradaLiberada.  \nEn esta oportunidad\, el artista lumínico explora las posibilidades expresivas de la luz\, el color y el uso de tecnologías de punta en diferentes medios y espacios; combina\, cristales\, espejos\, leds\, papeles y tinturas vegetales. Sus instalaciones se traducen en montajes complejos con una fuerte carga poética y espiritual. El uso de la luz y el movimiento como materias primas y herramientas le permite transformar la realidad y crear atmósferas envolventes\, dinámicas y sensoriales. En definitiva\, ambientes inmersivos que invitan al espectador a experimentar nuevas sensaciones y emociones.  \nSánchez\, se formó con los artistas nacionales contemporáneos Virginia Huneeus\, Eugenio Dittborn y Carlos Montes de Oca. Su obra tiene un carácter humanista y\, desde la innovación\, busca generar una introspección a través del lenguaje lumínico\, que a su vez genera una reflexión sobre la identidad territorial chilena. Destacan las series de obras sal de Cahuil y Boyeruca\, polvo de la cordillera de los Andes\, lapislázuli\, entre otros. Un imaginario andino\, que lo llevó a crear un serie denominada “geometría sagrada” focalizándose a la estética y contenido cosmogónico de la Chakana (cruz andina). \nGonzalo Sánchez [https://www.pikti.cl/] ha exhibido su obra en varios países y Bienales de Arte Contemporáneo en Europa y USA\, obteniendo reconocimientos y premios por su innovación\, originalidad y profunda carga semántica. Su último galardón fue el Primer Lugar en la Bienal de arte contemporáneo en Argentina (Centro Borges). \nEl museo puede ser visitado de lunes a sábado entre las 10.30 y 17.00 horas y su entrada es gratuita. Uno de sus propósitos es fomentar el contacto directo entre el público y las obras\, razón por la cual no hay visitas guiadas y se pueden tomar fotografías (sin flash) durante el recorrido con total libertad. \nDirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura\, Santiago. Chile \nEntrada liberada.\n\nLa muestra permanecerá en exhibición hasta el sábado 16 de diciembre  de 2023. \n
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SUMMARY:"Enrique Lihn: Por fuerza mayor"
DESCRIPTION:Enrique Lihn vuelve a la Galería Gabriela Mistral en múltiples formatos \nLos folletos\, poemas\, cómics y videos que forman parte de la obra del poeta chileno durante el período de la dictadura estarán en la GGM a partir del 30 de agosto. \nLa muestra “Enrique Lihn: Por fuerza mayor” trae\, a partir del 30 de agosto en la Galería Gabriela Mistral (GGM)\, una selección de obras en distintos formatos que el poeta creó entre 1975 y 1988\, año en que falleció. \nHasta el 15 de diciembre\, en la GGM (Av. Libertador Bernardo O’Higgins 1381\, estación de Metro Moneda) se exhibirá una diversidad de obras que van desde los sonetos de “Por fuerza mayor” (1975)\, el primer poemario que Lihn editó después del golpe del 11 de septiembre. Son poemas escritos bajo la métrica del Siglo de Oro español\, que buscan procesar la agresión ejercida por la dictadura sobre el discurso poético\, haciendo del humor y la repulsión su principal herramienta. \nUna de las novedades de la muestra será la exhibición\, por primera vez abierta al público y en forma completa de la película “La (ex) cena última” (1985)\, un trabajo audiovisual que da cuenta de la capacidad de convocatoria del poeta. Los actores Tito Bustamante\, Gregory Cohen y Aldo Parodi\, su hija actriz Andrea Lihn\, los artistas visuales Nemesio Antúnez y Hugo Marín\, el escritor Felipe Alliende y el cineasta Carlos Flores\, entre otros\, son parte de esta película\, registrada en cintas de video y con una duración de 54 minutos. \nInauguración miércoles 30 de agosto a las 19:00 horas. Exposición abierta hasta el 15 de diciembre\, de lunes a viernes\, de 10 a 19 horas. \n
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SUMMARY:"Mariela Rivera. Imágenes suspendidas en el corazón y la memoria"
DESCRIPTION:Exposición llega a la Galería de Fotografía del CCLM\nEl Chile íntimo y afectivo en el lente de Mariela Rivera\n\n\n\nA partir del 1 de septiembre\, el Centro Cultural La Moneda presenta la primera muestra individual de esta destacada fotógrafa\, producto de una selección y reflexión conjunta con la curadora Andrea Josch.\nLa muestra forma parte del programa de conmemoración de los 50 años del golpe civil-militar en Chile.\n\n\n\nCon una cámara prestada se inició en la fotografía Mariela Rivera hace ya cuatro décadas. Con el tiempo se transformó en reportera gráfica para diferentes medios de comunicación\, una profesión que en Chile no solía convocar a muchas mujeres\, lo que ha ido cambiando en los últimos años. Una selección de 75 fotografías de su archivo personal conforman la exposición Mariela Rivera. Imágenes suspendidas en el corazón y la memoria\, que inaugura en la Galería de Fotografía del Centro Cultural La Moneda. Bajo la curatoría de la académica y también fotógrafa Andrea Josch\, la muestra fue organizada en conjunto con el Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio.  \nAdemás de fotógrafa\, Mariela Rivera (1960) es profesora de biodanza\, ámbito que también se plasma en su obra\, ya que realiza fotografías sintiéndolas en su cuerpo\, pues para ella todo vuelve siempre a pasar por el corazón. En sus recorridos por comunidades\, y en sus relaciones humanas\, la artista ha ido construyendo un archivo valioso\, que visibiliza acontecimientos sociales y políticos de Chile\, especialmente de los últimos 30 años. Sus imágenes capturan momentos inéditos de nuestra historia reciente\, acontecimientos sociales\, políticos y personales inmortalizados desde la resistencia y los afectos. En sus registros\, las luchas feministas\, la defensa de las infancias y de los derechos humanos -acciones que cruzan su biografía- son protagonistas y muestran su forma de habitar el mundo como mujer\, madre\, activista y terapeuta. \nLa artista valora especialmente el rol de Andrea Josch en darle una dirección al enorme material fotográfico reunido en sus largos años de oficio. Relata: «Este ha sido un viaje al corazón de la memoria\, tantos caminos que seguí y momentos que fotografié. Si bien en la exposición no estará lo realizado en los años 80\, pues eran imágenes que yo capturaba para inmediatamente entregarle el chasis a alguien que llevaría al exterior estos testimonios de lo que estaba sucediendo en Chile\, eran imágenes no solo del centro de la ciudad sino también muchas de zonas periféricas\, fotografías que ni siquiera llegué a ver pero que sirvieron como denuncia en tiempos críticos\, y con esta exposición quiero honrarlas. La fotografía para mí siempre ha sido una vivencia\, no quiero ser espectadora\, quiero ser parte y me involucro con lo que sucede o con la persona que está frente a mi lente. Todos estos años me he conectado con las personas\, con sus familiares\, y es importante para mí traerlos de nuevo\, porque solo la memoria sostiene la verdad”.  \nAndrea revisó el archivo completo de la artista y reconoció allí una obra coherente y de largo aliento\, un proceso de trabajo meticuloso y situado\, donde los relatos visuales se entremezclaban con las narraciones en la voz de la fotógrafa. Unas de las primeras imágenes que Mariela le enseñó a Andrea fueron unos retratos de Ana González de Recabarren (1925-2018). En ellos\, Ana se encuentra sentada sobre su cama\, peinando su larga cabellera\, la secuencia de esta gran luchadora por los Derechos Humanos muestra gestos cotidianos\, de autocuidado\, en un entorno íntimo que la cobija. Cuatro miembros de su familia fueron detenidos\, torturados y luego desaparecidos por la dictadura civil militar en 1976. La curadora había visto cientos de imágenes de prensa de sus búsquedas y demandas\, pero jamás un retrato con esa potencia de vida\, ternura y cariño. Mariela le comentó que se peinaba todos los días pensando en Manuel\, su compañero\, esperando encontrarlo y que aquellos momentos le daban el coraje para seguir su lucha. \nAndrea Josch destaca que esta muestra “es un transitar colectivo y contingente; una invitación para abrir espacios de diálogo a través de tres núcleos de imágenes: los registros de manifestaciones y romerías que ponen en valor a la resistencia colectiva en la defensa de los DD.HH\, como también en reivindicaciones de feminismos y disidencias. Por otra parte\, están las luchas indígenas\, medioambientales y feministas de la actualidad\, entrecruzadas con las recientes circunstancias políticas. Y finalmente\, imágenes correspondientes a espacios de intimidad\, con retratos de mujeres y niñeses que han sido fundamentales en la vida de Mariela y en la historia de nuestro país”.    \nLa Galería de Fotografía del CCLM recibe este trabajo con un fuerte espíritu de reconocimiento ante una obra extensa y consolidada\, que no había tenido la oportunidad de visibilizarse de esta manera. Al respecto\, Regina Rodríguez\, directora ejecutiva\, sostiene: “Cuando la memoria cobra una especial relevancia por la conmemoración de los 50 años del Golpe civil militar trabajos documentales como el de Mariela Rivera resultan fundamentales por la reconstitución de una memoria emotiva\, individual y colectiva\, que habla de resistencias\, solidaridades y despertares en la sociedad chilena reciente y las mujeres como protagonistas”.\n\nMariela Rivera. Imágenes suspendidas en el corazón y la memoria se presentará al público en forma gratuita a partir del 1 de septiembre en la Galería de Fotografía del Centro Cultural La Moneda\, junto a una nutrida programación conmemorativa\, que ha sido organizada bajo los conceptos de democracia\, memoria\, cultura y participación. \nCOORDENADAS \nMariela Rivera. Imágenes suspendidas en el corazón y la memoria \nDel 1 de septiembre al 19 de noviembre\, 2023 / 10 a 19 horas.\nCentro Cultural La Moneda / Galería de Fotografía (nivel -3)\nPlaza de la Ciudadanía 26\, Metro La Moneda (Santiago) \n\n\n
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SUMMARY:"Ninguna Isla"
DESCRIPTION:“Ninguna Isla”\, una exposición sobre el doble exilio de Mariano Rawicz y Mauricio Amster\, diseñadores polacos de origen judío que se asentaron en Chile tras huir de Alemania y España  \n\n La exposición se inauguró el 5 de septiembre y está abierta al público de lunes a viernes\, de 11:00 a 20:00 horas\, hasta el 27 de enero de 2024\, en el Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago)\, ubicado en la Avenida Providencia 927. \n\nEl Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago) inauguró la muestra “Ninguna Isla”\, que aborda las vidas de Mariano Rawicz y Mauricio Amster\, diseñadores y tipógrafos polacos de origen judío que fueron refugiados de la Guerra Civil Española y terminaron asentándose en Chile durante el siglo pasado.  \nLa muestra\, disponible hasta finales de enero y de entrada gratuita\, explora no solo la obra de Rawicz y Amster\, sino también los tránsitos\, los exilios\, la capacidad del ser humano para construirse a través del otro\, los intercambios culturales entre países y cómo la identidad personal evoluciona a lo largo de la vida.  \n“La relación entre ellos es bien interesante porque primero fue Mariano quien rescató a Mauricio del antisemitismo en Alemania previo a la Segunda Guerra Mundial y se lo lleva a España\, y luego fue Mauricio quien salva a Mariano de la represión franquista y se lo trae a Chile”\, explica su curador\, Rafael Guendelman.  \nLa muestra\, apunta Guendelman\, “establece un diálogo entre las vidas de Rawicz y Amster con las obras de once artistas contemporáneos que han trabajado los temas de exilio\, migración\, identidad y memoria”. \nLos artistas son Gonzalo Aguirre\, Claudia Aravena Abughosh\, Seba Calfuqueo\, Ana Edwards\, Ernesto Gauguin\, Celeste Rojas Mugica\, Jeannette Muñoz\, Barbara Oettinger\, Wiki Pirela\, Enrique Ramírez y Sebastián Jatz Rawicz  \nLa exposición es una de las actividades del programa “Trashumancias”\, coordinado por Beatriz Lorenzo Gómez de la Serna\, que aborda la memoria\, el exilio y el asilo en el marco del 30° aniversario del CCESantiago y de los 50 años del golpe de Estado en Chile\, y consta también de una audioserie\, dos ciclos de cine y otra exposición titulada “LUNA. Refugios de nocturnidad”\, una muestra colectiva que busca homenajear y visibilizar la primera revista cultural del exilio español creada por un grupo de republicanos antifascistas refugiados en 1939 en la Embajada de Chile.  \nPara saber más sobre “Ninguna Isla” y conocer más detalles de las otras actividades de “Trashumancias”\, puedes visitar la página web del CCESantiago.  \nEl Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago) inaugurará el próximo 5 de septiembre “Ninguna Isla”\, que aborda las vidas de Mariano Rawicz y Mauricio Amster\, diseñadores y tipógrafos polacos de origen judío que fueron refugiados de la Guerra Civil Española y terminaron asentándose en Chile durante el siglo pasado  \nLa muestra\, disponible hasta finales de enero y de entrada gratuita\, habla no solo de la obra de Rawicz y Amster sino también de los tránsitos\, de los exilios\, de la capacidad del ser humano de construirse a través del otro\, de los intercambios culturales entre países y de cómo la identidad personal va mutando a lo largo de la vida  \n“La relación entre ellos es bien interesante porque primero fue Mariano quien rescató a Mauricio del antisemitismo en Alemania previo a la Segunda Guerra Mundial y se lo lleva a España\, y luego fue Mauricio quien salva a Mariano de la represión franquista y se lo trae a Chile”\, explica su curador\, Rafael Guendelman.  \nLa muestra\, apunta Guendelman\, “establece un diálogo entre las vidas de Rawicz y Amster con las obras de once artistas contemporáneos que han trabajado los temas de exilio\, migración\, identidad y memoria”. \nLos artistas son Gonzalo Aguirre\, Claudia Aravena Abughosh\, Seba Calfuqueo\, Ana Edwards\, Ernesto Gauguin\, Celeste Rojas Mugica\, Jeannette Muñoz\, Barbara Oettinger\, Wiki Pirela\, Enrique Ramírez y Sebastián Jatz Rawicz  \nLa exposición es una de las actividades del programa “Trashumancias”\, coordinado por Beatriz Lorenzo Gómez de la Serna\, que aborda la memoria\, el exilio y el asilo en el marco del 30° aniversario del CCESantiago y de los 50 años del golpe de Estado en Chile\, y consta también de una audioserie\, dos ciclos de cine y otra exposición titulada “LUNA. Refugios de nocturnidad”\, una muestra colectiva que busca homenajear y visibilizar la primera revista cultural del exilio español creada por un grupo de republicanos antifascistas refugiados en 1939 en la Embajada de Chile.  \nPara saber más sobre “Ninguna Isla” y conocer más detalles de las otras actividades de “Trashumancias”\, puedes visitar la página web del CCESantiago. \n
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SUMMARY:"LUNA. Refugios de nocturnidad forzada"
DESCRIPTION:Una exposición del CCESantiago homenajea a LUNA\, revista que refugiados de la Guerra Civil española fundaron en la Embajada de Chile en Madrid en 1939  \n\n La inauguración de “LUNA. Refugios de nocturnidad forzada” será el próximo 5 de septiembre a las 19:30 horas en el Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago)\, ubicado en Avenida Providencia 927. \n\nAl poco de iniciar la dictadura de Francisco Franco\, en un Madrid destrozado por las bombas\, un grupo de 17 republicanos antifascistas se refugió durante varios meses en la Embajada de Chile\, dando vida a un significativo episodio de solidaridad diplomática y creativa en la historia de ambos países.  \nOcho de ellos\, Antonio Aparicio\, Edmundo Barbero\, José Campos\, Pablo de la Fuente\, Antonio de Lezama\, Santiago Ontañón\, Aurelio Romeo del Valle y Julio Romeo del Valle\, crearon clandestinamente entre noviembre de 1939 y junio de 1940 la revista LUNA\, donde reunieron sus experiencias y pensamientos en estado de reclusión.  \nLUNA\, considerada la primera revista cultural del exilio español\, es una joya bibliográfica no sólo por el contexto hostil y violento en el que fue creada\, sino por su extraordinaria calidad artística\, en contraste con el vacío provocado por la represión franquista tras la Guerra Civil española.  \nLa revista permaneció inédita hasta el año 2000\, cuando el entonces director del Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago)\, Jesucristo Riquelme\, le siguió la pista hasta el Archivo Central Andrés Bello de la Universidad de Chile\, donde hasta el día de hoy permanecen preservados sus 30 números originales\, y que hoy se encuentran en proceso de digitalización gracias al trabajo colectivo del Archivo\, el CCESantiago y la Biblioteca Nacional de Chile. \nEl CCESantiago\, perteneciente a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)\, inaugurará el próximo 5 de septiembre “LUNA. Refugios de nocturnidad forzada“\, una exposición colectiva\, multidisciplinaria y de carácter escenográfico-experimental\, que homenajea y visibiliza a la primera revista cultural del exilio español.  \n“La revista reúne muchos refugios. La embajada\, por ejemplo\, fue un refugio físico que posibilitó la creación de LUNA. Asimismo\, la revista fue un refugio para poder combatir el encierro forzado\, la incertidumbre de las esperas y sus destinos\, y encontrar sigilo en la escritura\, la pintura y la manufactura de la revista”\, explica Soledad García Saavedra\, curadora de la muestra.  \nAdemás\, apunta García\, “había dificultades técnicas para contar con una máquina de escribir\, tinta u otros materiales necesarios para su confección\, por lo que en todos estos ámbitos la revista encarna de manera palpable una supervivencia física y grupal. La revista fue un medio para mantener viva la cultura\, la libertad y sus convicciones políticas frente a todos estos acorralamientos represivos”.  \nLa traducción a un formato escenográfico y expositivo fue concebida mediante un proceso de residencia curatorial y artística realizado por Soledad García Saavedra\, Fernanda Aránguiz Mardones y Ana Corbalán Herrera\, al que se integraron también las creaciones de las artistas invitadas Bárbara González\, Valentina Morales\, Sandra Marín\, Wiki Pirela\, Carla Salgado y Fundación OANI Teatro.  \nLa exposición\, de entrada gratuita y disponible hasta finales de enero\, está organizada como un recorrido que permite transitar gradualmente por distintos ambientes escenográficos\, algunos más sombríos que otros\, inspirados en las creaciones de la revista y el contexto de sus creadores. Uno de estos ambientes es “Noctambulandia”\, el nombre con el que los republicanos refugiados se referían no sólo al lugar oscuro donde trabajaron de noche\, sino también a los lazos de amistad que crearon durante el encierro.  \n“El objetivo es\, por una parte\, entrar a los universos bélicos\, poéticos y teatrales de la revista y\, por otra\, a las experiencias de los refugiados. Las revistas originales son consideradas un tesoro histórico por el Archivo Central Andrés Bello\, quien las resguarda. Frente a su escasa visibilidad y estudio\, la exposición busca activar la memoria de la revista\, los relatos e imaginarios de los refugiados”\, agrega García.  \nLa muestra es una de las actividades del programa “Trashumancias”\, coordinado por Beatriz Lorenzo Gómez de la Serna\, que aborda la memoria\, el exilio y el asilo en el marco del 30° aniversario del CCESantiago y de los 50 años del golpe de Estado en Chile\, y consta también de una audioserie\, dos ciclos de cine y otra exposición titulada “Ninguna Isla”\, curada por Rafael Guendelman Hales\, que aborda\, en diálogo con artistas contemporáneos\, las vidas de Mariano Rawicz y Mauricio Amster\, diseñadores y tipógrafos polacos de origen judío que fueron refugiados de la Guerra Civil Española y terminaron asentándose en Chile. \nPara saber más sobre LUNA y conocer más detalles de las otras actividades de “Trashumancias”\, puedes visitar la página web del CCESantiago. \n
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SUMMARY:“La Resistencia de una Espora. Museo de la Solidaridad vuelve a GAM”
DESCRIPTION:Nueva exposición: \nA 50 AÑOS DEL GOLPE\, EL MUSEO DE LA SOLIDARIDAD VUELVE A GAM CON MÁS DE 40 OBRAS DE SU COLECCIÓN \n“La Resistencia de una Espora. Museo de la Solidaridad vuelve a GAM”\, es una exposición que revisita el entusiasmo cultural que existía durante la Unidad Popular\, la historia de las obras desaparecidas tras el Golpe y la recuperación de algunas de ellas. \nLa muestra se compone de más de 40 obras de la Colección MSSA\, reúne archivos y material audiovisual y estará en la sala de artes visuales GAM desde el 7 de septiembre en forma gratuita. \nEl edificio de GAM se inauguró en 1972 para la UNCTAD III y en septiembre del mismo año cambió su nombre a Centro Cultural Metropolitano Gabriela Mistral. La primera exposición que acogió fue del Museo de la Solidaridad con obras de artistas internacionales. \nAquella muestra\, compuesta por casi 50 obras donadas para el pueblo chileno\, daba cuenta del apoyo de la comunidad internacional al gobierno de Salvador Allende y presentó piezas de reconocidos artistas como Víctor Vasarely (Hungría)\, Joan Miró (España)\, Robert Israel (Estados Unidos)\, Adigio Benítez (Cuba)\, Sérvulo Esmeraldo (Brasil) y Eduardo Chillida (España). \nEstas obras volverán a exhibirse en GAM como parte de la exposición “La resistencia de una espora. Museo de la Solidaridad vuelve a GAM”\, que se inaugurará el 6 de septiembre en la Sala de Artes Visuales. \nLa muestra\, curada por el equipo del Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA)\, abordará los vínculos afectivos y el entusiasmo cultural que se generaron durante la Unidad Popular\, como también la historia de las obras desaparecidas tras el golpe de Estado y la recuperación de algunas de ellas. \nSe incluirá más de 40 obras de la Colección MSSA\, archivos y material audiovisual\, y reunirá por primera vez\, después de 50 años\, dos históricos y monumentales textiles: Multitud III de la artista Gracia Barrios y el bordado colectivo de las Bordadoras de Isla Negra\, que fueron parte del edificio de la UNCTAD III y que desaparecieron tras el golpe. \n“A 50 años del golpe de Estado\, recordamos con mirada de futuro dos proyectos culturales que son símbolos de la fractura democrática de 1973. Tanto el Museo de la Solidaridad como el Centro Cultural Metropolitano Gabriela Mistral tuvieron una vocación popular de estrecha relación con la ciudadanía\, entendían el arte y la cultura como ejes fundamentales de la transformación social. Hoy estos valores resurgen como un homenaje a quienes han sido víctimas de la dictadura civil militar”\, comenta Claudia Zaldívar\, directora del MSSA. \n“Estamos muy emocionados de volver a acoger estas obras que se exhibieron en nuestro edificio hace 50 años. En un comunicado de la exposición de 1973 realizada en la UNCTAD dice: La solidaridad cultural y artística de esos artistas es el cemento que une indisolublemente esas donaciones entre sí\, de modo tal que esa solidaridad no se esfume en el tiempo como un simple gesto\, sino que se solidifique en un edificio que marque con su presencia la historia cultural de Chile”\, asegura el director ejecutivo de GAM\, Felipe Mella. \nEn la muestra se abordará la etapa fundacional del Museo de la Solidaridad y el contexto político en el cual surgió\, con obras de Víctor Vasarely\, Antonio Frasconi\, Octavio Podestá\, Arroyo de Lourdes Castro\, Rafael Canogar\, Adigio Benítez y Sérvulo Esmeraldo; como también un collage de Eduardo Chillida y una serie de grabados de Robert Israel. A esta selección se suma el icónico Gallo de la victoria pintado por Joan Miró. \nObras desaparecidas y restituidas \nTras el Golpe de Estado\, muchas obras de la colección del Museo y de la UNCTAD desaparecieron. En 2017\, el Museo Nacional de Bellas Artes restituyó al MSSA 43 obras que habían sido depositadas clandestinamente bajo su custodia. De ellas\, serán exhibidos los trabajos de Tetsuya Noda (Japón)\, Laura Márquez (Paraguay)\, César Paternosto (Argentina)\, Liliana Porter (Argentina)\, Ueli Berger (Suiza)\, Nancy Graves (Estados Unidos)\, Omar Rayo (Colombia)\, Arnold Gross (Hungría) y Gérald Ducimetière (Suiza). \nA ellos se suma Carl Andre (Estados Unidos) con una escultura minimalista que se perdió en la aduana de Valparaíso tras el golpe. Otro caso emblemático es la escultura La niña y la paloma\, obra desaparecida del artista uruguayo Armando González\, que fue reconocida en el documental Pinochet y sus tres generales (1976) del español José María Berzosa. Allí aparece esta obra junto al almirante José Toribio Merino\, en su oficina del edificio Diego Portales (ex UNCTAD III). A 50 años del golpe\, ésta y otras 51 obras donadas siguen desaparecidas. \nAsí como se perdieron obras de la colección del Museo de la Solidaridad\, también desaparecieron importantes piezas que habían sido creadas para el edificio de la UNCTAD III y que décadas más tarde fueron recuperadas. La exposición reunirá dos de estas emblemáticas obras: \nMultitud III (1972)\, de Gracia Barrios\, es una pieza textil de casi ocho metros de largo\, confeccionada con la técnica del patchwork. Después de 27 años perdida\, fue entregada a la artista tras haber sido encontrada en un remate. La otra es el bordado colectivo confeccionado por las Bordadoras de Isla Negra\, que estuvo perdida por 47 años\, y que retornó a GAM el 2021. \nLa exposición contará con talleres\, recorridos y actividades abiertas al público\, que buscarán abrir un espacio de diálogo enfocado en la exposición\, la memoria\, el edificio y su historia. Las actividades incluirán también un almuerzo y una once popular\, organizadas junto al Comedor Popular Margarita Ancacoy para recordar las experiencias vividas en el casino popular de la UNCTAD. \n7 de Septiembre al 5 de Noviembre de 2023 / Martes a Domingo\, 10 a 21 horas. Entrada liberada \n
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LOCATION:Centro Cultural Gabriela Mistral\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 227\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño”
DESCRIPTION:«Cómo diseñar una revolución«: la gran exposición del CCLM para conmemorar los 50 años del Golpe\n\n\n\nCon motivo de la conmemoración de los 50 años del golpe civil-militar\, el Centro Cultural La Moneda (CCLM) presenta Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño\, la mayor exposición sobre el diseño creado durante el gobierno de Salvador Allende.\nLa muestra inaugura una nueva aproximación y análisis sobre este periodo\, fundamental para Chile y el mundo. Instancia que cuenta con 350 piezas\, a las que se suma la primera reconstrucción de la sala de operaciones Cybersyn\, un proyecto pionero de la cibernética. \nLa exposición permite comprender cómo Chile pensó y construyó alternativas de cambio y justicia social a través del diseño\, un momento histórico donde el proyecto inédito de elegir una revolución a través del voto\, condujo también\, a la primera respuesta de un país para diseñar su futuro uniendo socialismo y democracia.\n\n\n\nCómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño es una exposición sobre el diseño gráfico e industrial realizado durante el gobierno del presidente Salvador Allende (1970-1973)\, producida en conjunto por la Pontificia Universidad Católica de Chile (UC)\, el MIT International Science and Technology Initiatives (MISTI)\,  el MIT International Science and Technology Initiatives (MISTI)\, MIT Program in Science\, Technology\, and Society (STS) y el Centro Cultural La Moneda (CCLM)\, con la colaboración del Ministerio de Ciencia\, Tecnología\, Conocimiento e Innovación y Goethe-Institut Chile. \nCon la curaduría de Hugo Palmarola (UC)\, Eden Medina (MIT) y Pedro Ignacio Alonso (UC)\, la exposición reúne piezas originales de diseño\, destinadas en el periodo a la acción colectiva\, la democratización de la lectura y la música\, la reducción de la dependencia tecnológica y la superación de la desnutrición infantil. La muestra cuenta también con la primera reconstrucción integral y funcional de la sala de operaciones Cybersyn\, obra de los curadores de la exposición. Hoy\, situada en las inmediaciones del palacio de Gobierno — edificio donde Cybersyn se pensaba instalar hace 50 años— esta reconstrucción adquiere un especial significado y se abre a nuevas perspectivas de análisis. \nLa exposición presenta un recorrido amplio y sensible sobre la cultura visual y material de un momento histórico fundamental\, donde el proyecto inédito de elegir una revolución a través del voto implicó\, también\, la primera respuesta de un país a una interrogante esencial del diseño global: cómo diseñar conjugando socialismo y democracia. “En plena Guerra Fría\, Chile fue pionero en proponer una alternativa al capitalismo estadounidense y al socialismo soviético\, creando una tercera vía no solo económica\, sino también en su producción gráfica e industrial”\, indican los curadores. Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño se enmarca en las actividades de conmemoración de los 50 años del golpe de Estado civil-militar en Chile. “Una nueva mirada a las esperanzas depositadas en los futuros que imaginó el proyecto político-social y de diseño liderado por Salvador Allende. Las piezas exhibidas\, en su momento\, tuvieron el propósito de mejorar las condiciones de vida de la población\, a través de proyectos que buscaron implementar el diseño gráfico e industrial en el impulso de políticas públicas de alto impacto social”. \nPara Regina Rodríguez Covarrubias\, directora del Centro Cultural La Moneda\, se trata de la exposición más importante del año: “En el marco de los 50 años del golpe civil-militar\, esta exposición nos habla desde un lugar poco explorado\, más allá del trauma del golpe civil-militar y la dictadura: nos permite conocer y valorar un Chile vanguardista que usó sus recursos creativos para democratizar la cultura\, educar y construir lazos de convivencia en favor de la equidad y la innovación. Si bien el país tiene tareas pendientes e ineludibles en torno a la violación de los derechos humanos por parte de la dictadura\, ello no nos impide activar la memoria personal y colectiva\, rescatar lo que hemos sido capaces de construir trabajando colaborativamente. Chile es un país lleno de creatividad y merecemos que la cultura visual y material generada por el diseño sea puesta en el centro del debate local y global desde los creadores y las comunidades”. \nLas piezas de esta exposición\, seleccionadas cuidadosamente\, constituyen la materialización de los episodios más destacados de la “vía chilena al socialismo”. Según los curadores: “Exponer la historia del diseño durante el gobierno de Salvador Allende\, 50 años después de su violento final\, permite apreciar el significado de un momento de inflexión y quiebre en Chile y el mundo\, y a su vez comprender qué destruyó\, desmanteló e imposibilitó la dictadura con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973\, a partir del reemplazo de las políticas públicas orientadas al desarrollo social y a la industria\, imponiendo lo que sería el primer experimento de neoliberalismo a escala nacional”. \nCómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño reúne por primera vez lo más significativo del diseño chileno\, a través de piezas como los afiches de la Oficina de los hermanos Larrea junto a sus carátulas de discos para la Nueva Canción Chilena\, los libros y revistas de la Editorial Quimantú\, el diseño gráfico de Santiago Nattino para la educación técnica de los campesinos\, los afiches de Waldo González y Mario Quiroz para el Servicio Nacional de Salud\, las innovaciones de productos para vivienda\, agricultura\, electrónica y salud del Área de Diseño Industrial INTEC\, las adaptaciones productivas de trabajadores industriales\, así como el trabajo editorial del Taller Gráfico UTE y sus afiches para la exposición que inauguraría Salvador Allende junto a Víctor Jara el 11 de septiembre de 1973. \nLa exposición valora especialmente también el trabajo de mujeres pioneras del diseño en Latinoamérica\, en proyectos para la visualización de datos de la sala de operaciones Cybersyn y para la señalética de la UNCTAD III desarrollados por Eddy Carmona\, Jessie Cintolesi\, Pepa Foncea y Lucia Wormald\, y los juguetes didácticos de Marisol Navarro para el Instituto de Psicología Aplicada. \nAdicionalmente\, algunos destacados diseñadores viajarán a Chile para participar de la exposición\, como el jefe del área de diseño INTEC Gui Bonsiepe desde Argentina\, el diseñador INTEC Fernando Shultz desde México y el director operacional de Cybersyn Raúl Espejo desde Reino Unido. \nLa ministra de Ciencia\, Tecnología\, Conocimiento e Innovación\, Aisén Echeverry\, se refiere a la importancia del proyecto Cybersyn: «La historia de Cybersyn tiene que ser observada y analizada con mucha atención por todos aquellos a quienes nos importa la tecnología\, porque abrió la reflexión sobre lo que ella significa en el desarrollo\, no solo económico\, sino que político y cultural de un país. Se trató de un caso de experimentación al interior del Estado\, y es un hito que los interesados en innovación y tecnología deben conocer. Por eso valoramos que Cybersyn sea parte de esta muestra».\nUn libro especializado en las temáticas de la exposición se publicará en ediciones en español e inglés. El volumen será publicado y distribuido internacionalmente por la reconocida editorial suiza Lars Müller Publishers y contará con artículos de destacados investigadores del diseño\, la tecnología\, la historia de Chile\, y la cultura visual y material. \nLa muestra será inaugurada en el Centro Cultural La Moneda\, el jueves 7 de septiembre\, por el rector de la Pontificia Universidad Católica de Chile\, Ignacio Sánchez\, y la directora ejecutiva del CCLM\, Regina Rodríguez. La apertura a público será desde el 8 de septiembre 2023 y permanecerá en exhibición hasta el 28 de enero de 2024. \nSobre los Curadores: \nHugo Palmarola (Santiago de Chile\, 1977) es diseñador\, doctor en Estudios Latinoamericanos por UNAM y profesor asociado de la Escuela de Diseño UC en Chile. Su investigación doctoral recibió el Design History Society Student Essay Prize de Reino Unido (2018). Junto a Pedro Ignacio Alonso obtuvo el León de Plata por Monoloith Controversies\, Pabellón de Chile en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2014) y\, por el libro asociado\, recibieron el Deutsches Architekturmuseum Book Award (2014). Monoloith Controversies forma parte de la exposición permanente del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos de Chile. Palmarola y Alonso publicaron el libro Panel (Architectural Association\, 2014)\, curaron la exposición Flying Panels: How Concrete Panels Changed the World en The Swedish Center for Architecture and Design (2019-20)\, publicando un libro bajo el mismo título (Dom\, 2019)\, y realizaron investigaciones Fondecyt sobre los observatorios soviéticos Pulkovo y las estaciones de la NASA en Latinoamérica (2015-21). Palmarola fue becario en The Society for the History of Technology de Estados Unidos (2008). Sus textos fueron seleccionados para el libro Extinct: A Compendium of Obsolete Objects (Reaktion Books\, 2021). \nEden Medina (Bogotá\, Colombia\, 1976) es historiadora de la ciencia y la tecnología\, doctorada en Historia y Estudios Sociales de la Ciencia y la Tecnología del MIT y magíster en Estudios de Derecho por la Facultad de Derecho de Yale University. Actualmente se desempeña como profesora asociada del Programa de Ciencia\, Tecnología y Sociedad del MIT. Medina es autora de Cybernetic Revolutionaries: Technology and Politics in Allende’s Chile (MIT Press\, 2011)\, libro que obtuvo el Edelstein Prize al mejor libro sobre la historia de la tecnología (2012) y el Computer History Museum Prize (2012) al mejor libro sobre la historia de la computación. Su libro Beyond Imported Magic: Essays on Science\, Technology\, and Society in Latin America (MIT Press\, 2014)\, donde es coeditora\, recibió el European Society for the Study of Science and Technology Amsterdamska Award (2016). Sus investigaciones se centran en la relación de la ciencia\, la tecnología y el diseño con los procesos de cambio político en la historia de Chile. \nPedro Ignacio Alonso (Santiago de Chile\, 1975) es doctor en Arquitectura por The Architectural Association de Reino Unido y jefe del Doctorado en Arquitectura y Estudios Urbanos UC en Chile. Fue Princeton-Mellon Fellow en Princeton University (2015-16) y arquitecto residente en Rockefeller Foundation Bellagio Center (2019). Junto a Hugo Palmarola obtuvo el León de Plata por Monoloith Controversies\, Pabellón de Chile en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2014) y\, por el libro asociado\, recibieron el Deutsches Architekturmuseum Book Award (2014). Alonso y Palmarola publicaron el libro Panel (Architectural Association\, 2014)\, curaron la exposición Flying Panels: How Concrete Panels Changed the Worlden The Swedish Center for Architecture and Design (2019-20)\, publicando un libro bajo el mismo título (Dom\, 2019)\, y realizaron investigaciones Fondecyt sobre los observatorios soviéticos Pulkovo y las estaciones de la NASA en Latinoamérica (2015-21). Otras publicaciones de Alonso incluyen\, junto con Pamela Prado\, Cycles: The Architects Who Never Threw Anything Away (Circo de Ideias\, 2022) y\, próximamente con Paulina Bitrán\, The Additional Element in Architecture: On Kazimir Malevich Arkhitektons and Planits (MIT Press\, 2024). \n\nCOORDENADAS \nCómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño\nDel 8 de septiembre\, 2023 al 28 de enero\, 2024 (Días martes y domingo la entrada es gratis)\, 10 a 19 horas.\nCentro Cultural La Moneda / Sala Pacífico – Hall Central (nivel -3)\nPlaza de la Ciudadanía 26\, Metro La Moneda (Santiago) \n\n\n
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SUMMARY:“Fotoperiodismo y dictadura: Brasil 1964 / Chile 1973”
DESCRIPTION:50 años del golpe de 1973:  \nFotografías inéditas de la dictadura del brasileño Evandro Teixeira llegan al Museo de la Memoria \n\nCorresponsal registró con su cámara la prisión política en el Estadio Nacional y la destrucción del Palacio de La Moneda. \nEl histórico reportero fue el primer fotógrafo que captó al recién fallecido Pablo Neruda. Tras acceder en exclusiva a su entorno familiar\, se convirtió en el único profesional de la prensa mundial que documentó el momento. \n\nLa exposición de fotografía del brasileño Evandro Teixeira (1935) “Fotoperiodismo y dictadura: Brasil 1964 / Chile 1973” llega este 10 de septiembre al Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (MMDH)\, como parte de las conmemoraciones por los 50 años del golpe de Estado.  \n“Fotoperiodismo y dictadura: Brasil 1964 / Chile 1973” reúne imágenes inéditas del Palacio de La Moneda bombardeado y el Estadio Nacional convertido en centro de detención\, así como de la muerte de Pablo Neruda. Teixeira fue el único fotógrafo que captó al recién fallecido poeta\, tras acceder en exclusiva a su entorno familiar.  \nLa exposición se presentó entre marzo y julio de este año en la sede paulista del Instituto Moreira Salles\, bajo el título “Chile 1973”. Desde el 30 de agosto permanecerá en exhibición en Río de Janeiro\, casi en simultáneo con Santiago. En total\, la muestra recogió 160 fotografías en blanco y negro con registros realizados en Chile y en Brasil\, además de libros\, facsímiles y otros objetos\, como cámaras y acreditaciones de prensa. En esa ocasión\, la exposición\, también presentó imágenes producidas durante la dictadura cívico-militar brasileña\, en un diálogo entre los contextos históricos de ambos países.  \nEvandro Teixeira es uno de los principales nombres de la historia del fotoperiodismo sudamericano y trabajó en la prensa durante casi seis décadas. Con su lente registró la trastienda del poder\, en particular\, las manifestaciones contra el régimen militar\, además de temas asociados al deporte\, la moda y la cultura\, que se suman a numerosas coberturas internacionales.  \nEn 1973\, acompañado por el periodista Paulo Cesar de Araújo\, el reportero gráfico viajó a Chile un día después del golpe militar del 11 de septiembre\, ambos en calidad de corresponsales del Jornal do Brasil\, el medio escrito brasileño más importante de la época\, para el que laboró por 47 años. Detenido junto con decenas de otros enviados internacionales en la frontera\, cerrada deliberadamente por las fuerzas militares\, consiguió ingresar a Santiago el 21 de septiembre. Teixeira montó un pequeño e improvisado laboratorio en el baño de su hotel. \nEl propio fotógrafo ha catalogado como uno de los hitos más importantes de su carrera los registros de Neruda. Alertado por la esposa de un diplomático\, visitó sin suerte la clínica donde estaba internado y posteriormente fallecería\, pero regresó a la mañana siguiente en busca de la noticia.  \n“Estoy ahí\, dando vueltas por el hospital (sic) y\, de repente\, se abre una puerta lateral\, miro\, tomo la (cámara) Leica\, que siempre la dejaba lista para dos metros\, lo que sea que suceda. Entro\, Neruda está en la camilla\, Matilde (Urrutia)\, su esposa\, sentada con su hermano”\, relató al sitio web del Instituto Moreira Salles\, la institución que estrenó en Sao Paulo la muestra visual en marzo pasado.  \nTras recordarle que había fotografiado a su esposo en un encuentro con el escritor Jorge Amado en Brasil\, Teixeira captó el cuerpo del poeta con permiso de la viuda. Posteriormente\, Urrutia le invitaría al velatorio a la casa de La Chascona.  \n“Me subí a la camilla dentro de la clínica\, tomé varias fotos\, aterrado. Miré a mi alrededor\, pensé en ese mundo de los fotógrafos en Santiago y me dije: ‘No\, no se puede\, ¿solo yo estoy aquí\, solo yo?’”\, recordó. Teixeira luego plasmaría con su lente la antesala y el funeral del poeta\, que contó con gran participación popular y se convirtió en el primer gran acto de protesta contra el régimen de Pinochet.  \nPara el fotoperiodista\, “mi aventura personal se identifica con la aventura vivida por el mundo. No tengo méritos para eso\, soy un hombre manejando una cámara\, que es un fósforo encendido en la oscuridad cuando es bien utilizada. Ilumina hechos que no siempre son muy comprensibles\, ofrece destellos\, revela dolores del impasse del mundo y despierta en los hombres el deseo de acabar con ese impasse”.  \nDiálogo entre países \nPara el curador de la exposición en Brasil\, Sergio Burgi\, las fotografías constituyen un “documento excepcional y en gran parte inédito”. “Surge de la obstinación y la audacia de un fotoperiodista brasileño que logró penetrar como incógnito al lugar donde yacía el poeta que conoció y admiró en Brasil”\, complementó.  \n“Cinco décadas después\, sus imágenes sobre las dictaduras militares siguen reafirmando la importancia de la democracia y el respeto absoluto al estado de derecho y a la ciudadanía para nuestros países y pueblos. Son fotografías que no dejan dudas sobre el papel decisivo de la imagen y de la información en este contexto de resistencia y lucha contra el autoritarismo y la opresión”\, añadió.  \nFICHA TÉCNICA:  \n– Exposición “Evandro Teixeira – Fotoperiodismo y dictadura: Brasil 1964 / Chile 1973”. \n– Descripción: la exposición tendrá en exhibición 41 fotografías montadas en secciones dedicadas a Chile\, Brasil y Neruda\, acompañadas de relatos explicativos de la época\, además de una cronología con la trayectoria profesional del fotoperiodista.  \n– Fecha: del 10 de septiembre al 15 de octubre de 2023. Extendida hasta el 26 de noviembre de 2023. \n– Lugar: Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (MMDH).  \n– Dirección: Matucana 501\, Santiago Centro. Estación Metro Quinta Normal.  \n– Horarios: martes a domingo\, de 10 a 18 horas. \n
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SUMMARY:"El lado oscuro de la luna"
DESCRIPTION:El artista Alfredo Jaar presenta un grupo de obras realizadas en Chile y sobre Chile\, principalmente entre 1974 y 1981\, a partir de su experiencia ante el golpe de Estado de 1973 y el proceso posterior. \nLa muestra del ganador del Premio Nacional de Artes Pláticas (2013) que se presenta entre el 14 de septiembre y el 25 de febrero\, es parte del Programa de conmemoración de los 50 años del golpe de Estado del MNBA\, y cuenta con la curatoría de Pablo Chiuminatto\, quien denomina al conjunto de obras como “El capítulo chileno de Alfredo Jaar”. \n“Esta exposición reúne por primera vez todo este grupo de obras que antecede su destacada carrera internacional. En esta selección ya está presente la fuerza\, la mirada crítica y la lucidez que lo caracterizan. Una muestra que reúne obras de los años en que trabajó como artista en Chile (entre 1974 y 1981)\, además de trabajos posteriores relacionados con los hechos\, la historia y la memoria de ese tiempo”\, explica el curador. \nEl título de la muestra proviene del disco que en marzo de 1973 lanzó el grupo inglés de rock progresivo Pink Floyd. Las composiciones de ese álbum incluyen grabaciones experimentales de sonidos\, secuencias de latidos\, risas y ecos. Temas que el artista -que incluso pensó en dedicarse a la música-\, escuchó obsesivamente convirtiéndose en símbolo y refugio\, antes de salir de Chile.  \nLas piezas de la exhibición son inéditas en nuestro país. El autor las creó a partir del golpe de 1973\, que se convirtió en una temática de un período central en su trayectoria\, pero poco conocido. Al igual que otros sucesos mundiales\, este hecho traumático lo interpeló por la tragedia que encerró\, no solo por las muertes y desapariciones\, sino también por el sistema que se impuso en el plano social\, económico\, político y cultural.  \n“Es una tremenda emoción instalar esta obra 50 años después del golpe. Cuando ocurrió\, yo tenía 17 años\, estaba saliendo del colegio\, iba a estudiar arquitectura. No tenía idea que eso era arte\, al principio me gustaba el diseño gráfico\, entonces los primeros calendarios y mis dibujos\, se inscribían en ese campo. Terminaron siendo obras de arte y el comienzo de una carrera de 50 años\, por lo tanto es una experiencia y una emoción impresionante\, instalar esta obra en la sala Matta del Museo Nacional de Bellas Artes”\, expresa Jaar. \n“Alfredo Jaar alude a la irrupción que afectó para siempre su mirada crítica y su devenir como artista\, deteniendo el tiempo en la fecha crucial; un 11 que queda en la memoria del país\, que a 50 años\, retumba como imagen de la violencia. \nSu obra reconocida internacionalmente\, ha puesto la alarma sobre problemáticas de carácter humanitario\, conjuga lo visual\, lo arquitectónico y la palabra\, generando una interpelación sensible”\, comenta Varinia Brodsky\, directora (s) MNBA. \nA lo largo de su extensa trayectoria\, Jaar aborda profundas reflexiones políticas y sociales sobre el poder de los medios de comunicación\, el sistema de información dominante y sus implicancias éticas en nuestra cultura. Sin utilizar imágenes explícitas\, se vale de signos y significados que se pueden inscribir en una operación para desarticular la mirada colonial. \nLa exposición “evidencia el desafío de los artistas al probar el silencio que a veces impone la abrumadora realidad histórica\, que no siempre se puede presentar directamente”\, comenta Chiuminatto en el texto de sala. \nEl público podrá apreciar la serie Septiembre 11\, 1973 en las que enfatiza en la fecha e incluso la hora del bombardeo a La Moneda marcando un tiempo en detención. A la serie Estudios de la felicidad se suma el retrato del mismo artista\, dando cuenta de su propia infelicidad o de él caracterizado como un mago\, una de sus ocupaciones\, pero a la vez un gesto irónico ante la fantasía que ofrecía la abundancia económica prometida por el modelo neoliberal impuesto y que lo motivó a preguntar con carteles en el espacio público “¿Es usted feliz?”. \nLa serie Buscando a Kissinger\, consistente en la intervención de archivos desclasificados y fotografías\, interpela directamente al ex secretario de Estado estadounidense\, por su intervención y gestión para consumar el golpe y destruir la democracia. La fotografía del Palacio de La Moneda tras el bombardeo\, captada por Luis Poirot\, también es intervenida como símbolo y referente fragmentado. \nEl autor también cuestiona la construcción del sentido de “identidad nacional”\, como proyecto dictatorial y reduccionista\, a través de mapas\, banderas y emblemas. Llama a preguntarse por la imagen en Chile\, así como su vínculo con Latinoamérica y Norteamérica. En esta senda se inscribe la serie Un logo para América\, realizada a partir del registro de la instalación de un letrero luminoso en el espacio público\, en Times Square (New York\, 1987). \nAlfredo Jaar (Santiago de Chile\, 1956) es arquitecto\, artista visual y cineasta. Deja Chile en 1982 para radicarse en la ciudad de Nueva York (EE. UU.). En los últimos cuarenta años su obra ha sido reconocida a nivel mundial y forma parte de las colecciones de los museos más importantes del mundo. En Chile fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas el año 2013 y ha obtenido relevantes galardones internacionales como el premio de arte de Hiroshima en 2018 y el premio Hasselblad en 2020\, entre otras distinciones. En numerosas oportunidades ha sido invitado a la Bienal de Venecia (Italia) y la de Sao Paulo (Brasil)\, además de la Documenta de Kassel (Alemania). Creador de obras emblemáticas como Un logo para América (1987)\, El Proyecto Ruanda (1994-2000)\, El lamento de las imágenes (2002)\, y La Geometría de la conciencia (2010) en el Museo de la Memoria de Santiago. \nEncuentro entre el artista y el curador | Viernes 15 de septiembre\, 12:00 h. \nDesde el 14 de septiembre de 2023 al 25 de febrero de 2024. \nMartes a domingo\, de 10:00 a 18:30 horas.  \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:"Devenir corporalidad"
DESCRIPTION:“Devenir corporalidad”: Seis artistas emergentes exploran las posibilidades del cuerpo con propuestas pictóricas\, gráficas y audiovisuales \n\nA través de instalaciones\, video\, pintura y serigrafía\, seis artistas exploran diversas formas y narrativas para reflexionar en torno al cuerpo.\nLa exposición estará abierta al público entre el 21 de septiembre y el 29 de octubre en Matucana 100.\n\n“Devenir corporalidad” es el nombre de la exposición colectiva de las y los artistas Juan Esteban Reyes\, Natalia Alarcón\, Valentina Arellano\, María Jesús Schultz\, Roco y Sebastián Robles\, quienes profundizan y complejizan sus investigaciones artísticas\, en lo individual pero también desde lo colectivo\, a través de la instalaciones\, video\, pintura y serigrafía\, cuestionando las imágenes que construyen ciertas realidades -sociales\, políticas\, culturales- en torno a la corporalidad. Esta es su segunda muestra abordando esta temática\, ya que en 2022 presentaron sus obras en la Galería Nemesio Antúnez. Ahora es el turno de la Galería Concreta de Matucana 100\, donde la muestra estará abierta al público entre el 21 de septiembre y el 29 de octubre. \n“Como grupo consideramos que el cuerpo es forma y hábitat\, espacio de refugio y lucha\, es nuestro vínculo directo con nuestro entorno\, es nuestra primera barrera frente a la violencia y el amor. Como tal\, nuestra forma de abordar esta temática\, si bien es colectiva\, en cada obra hay un proceso personal donde memorias e intereses son expuestos a través de la plástica\, cada obra es ejecutada con las manos. Hay un desplante físico en cada una de las propuestas”\, explica Roco\, uno de los artistas que componen el colectivo. \nDe esta forma\, cada artista\, con sus exploraciones personales respecto del cuerpo\, con técnicas y medios diversos\, conforman un recorrido particular que genera una experiencia multimedial sobre las formas de hacer aparecer\, ocupar\, encarnar y simbolizar el cuerpo. \n“Lo que nos une tiene que ver con la problemática de la re-presentación del cuerpo\, en tanto lo pensamos como una posibilidad de transformación a través de distintas temporalidades y espacios\, donde podemos hacerlo presente mediante distintos gestos\, como en un ir y venir entre lo visible y lo invisible\, entre el yo y el otro\, para posicionar diferentes posibilidades corpóreas y distanciarnos de una imagen establecida” asegura la artista Natalia Alarcón. \nEl recorrido \nLa muestra propone un recorrido por los tres espacios de la Galería Concreta\, a partir de los procesos exploratorios de las y los artistas con distintos formatos. “Nos gustaría que la audiencia viera en nuestro trabajo un cuestionamiento sobre la percepción del cuerpo\, desde la visualidad\, que constantemente se ha reducido a la noción de belleza imperante\, como también su funcionalidad dentro de algún rol o labor y a lo que constantemente éste es sometido. Cada cuerpo es un campo de exploración\, estudio\, referencia\, cambio y transformación”\, afirma Roco. \nAsí\, con el predominio de la pintura\, el recorrido comienza en la primera sala que es compartida por Juan Esteban Reyes\, quien aborda la presentación de los cuerpos por los medios de comunicación\, a través del velo de la sobreinformación; Natalia Alarcón sobrescribe y modifica cuerpos en sus pinturas con técnica mixta; y Valentina Arellano explorando lo etéreo y onírico del cuerpo con pinturas sobre muselina. \nLa relación cuerpo y mecanicidad la explora María Jesús Schultz\, cuyas obras están a continuación\, en la segunda sala de la galería. A partir de elementos de uso cotidiano que están hechos en función del cuerpo humano\, la artista crea una serie de ensamblajes que\, a su vez\, generan un cuerpo otro\, cuya interacción es presentada en formato audiovisual. \nEn la tercera sala\, y última parada del recorrido\, en un diálogo más gráfico se encuentran las obras de Sebastián Robles y Roco. Sebastián Robles trabaja con archivos policiales de cuerpos sometidos a algún hecho violento\, los cuales edita y manipula con técnicas de serigrafía y puño seco; mientras que Roco reflexiona en torno al cuerpo como una cárcel y representa\, a través de gestos gráfico-pictóricos de carácter expresionista\, a distintos personajes que intentan separarse de su cuerpo. \n“La invitación es pensarnos en tanto corporalidad que se constituye en forma\, materialidades\, tiempo y espacios y en interrelación con otres\, es decir\, ponemos el cuerpo en el centro para que luego cada persona lo haga presente desde su historia”\, concluye Natalia Alarcón. \nLas y los artistas \nJuan Esteban Reyes \nLicenciado en Arte con mención en Artes Plásticas por la Universidad de Chile (2012). Titulado en la especialidad de Pintura por la Universidad de Chile (2013). Magíster en Artes\, mención Artes Visuales de la misma institución (2022).  Desde 2012 ha expuesto su trabajo en ciudades nacionales e internacionales. Actualmente trabaja como docente en la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales y paralelo a esto\, desarrolla su investigación artística en pintura y gráfica. \nValentina Arellano \nLicenciada en Artes Visuales con mención en Pintura de la Universidad de Chile (2013) y Magíster en la misma casa de estudios (2022). Ha expuesto en espacios artísticos nacionales e internacionales desde el año 2012. Se ha desempeñado como ayudante en el curso de Pintura de la Universidad Alberto Hurtado y actualmente ejerce como docente adjunta en la Universidad Andrés Bello\, en el mismo ramo. Su obra reúne distintas perspectivas sobre la relación del cuerpo con el espacio\, siempre desde la pintura y el dibujo. \nNatalia Alarcón \nLicenciada en Pedagogía en artes visuales el 2014\, de la UMCE\, Chile. Máster en Producción Artística de la UPV\, Valencia\, España\, 2016. En fase de lectura de tesis del doctorado en la UPV. Doctorado en arte\, producción e investigación artística\, en España. Ha realizado diferentes publicaciones sobre investigación artística. Ha realizado cursos complementarios de mediación en museos\, libro de artista y grabado y estampación en Valencia\, España. Ha participado en exposiciones colectivas desde el 2013 hasta la fecha. \nRoco \nLicenciado en Arte con mención en Artes Plásticas por la Universidad de Chile (2011) y titulado en la especialidad de Pintura en la misma institución (2012). Desde 2009 ha expuesto en distintos espacios culturales del país. Su desarrollo artístico es abordado a través de la pintura y xilografía\, visualizando la relación sociedad-individuo. También ha colaborado como asistente en la realización de obras y textos curatoriales. Actualmente se encuentra trabajando en el proyecto de grabado “Resiliencias en el bajo Pisagua”\, adjudicado al Fondo de Cultura 2023. \nMaría Jesús Schultz \nLicenciada en Artes Plásticas y titulada de Pintura en la Universidad de Chile. Magíster en Estudios de la Imagen de la Universidad Alberto Hurtado. Actualmente se desempeña como artista\, investigadora y docente. Como artista\, su desarrollo es diverso y corresponde al ámbito experimental con un particular interés en la composición\, arte gráfico\, el collage\, el ensamblaje\, el uso de materiales orgánicos y las tecnologías. Actualmente\, desarrolla el proyecto interdisciplinario Sensible al código\, que inició en 2021. Como investigadora\, ha desarrollado textos bipersonales indexados en revistas científicas y ha participado en el desarrollo de imaginacionmaquinica.cl. Como docente\, realiza clases universitarias desde 2015. Actualmente realiza clases en talleres de proyecto en Licenciatura en Artes Visuales y de talleres iniciales en Arquitectura. \nSebastián Robles \nMagíster en Estudios de la Imagen Universidad Alberto Hurtado (2019). Licenciado en Artes Visuales (2012) y Grabador de la Universidad de Chile (2014). Desde el 2011 ha expuesto su trabajo en ciudades nacionales e internacionales. Actualmente trabaja como docente en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chile y en la carrera de Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Chile. Paralelamente se encuentra trabajando en el proyecto de grabado “Resiliencias en el bajo Pisagua”\, adjudicado al Fondo de Cultura 2023. Su investigación se desarrolla principalmente desde la gráfica y el archivo. \n«Devenir corporalidad» \nDesde el 21 de septiembre al 29 de octubre de 2023. \nGalería Concreta | Entrada liberada \nMiércoles a Viernes: 12 a 14 y de 15 a 21 horas; Sábado: 16 a 21 horas; Domingo: 16 a 20 horas. \n
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SUMMARY:“Lejos\, muy lejos”
DESCRIPTION:Pensar Chile fuera de Chile: trece artistas chilenos radicados en el extranjero miran la historia nacional en “Lejos\, muy lejos” \n\nBajo la pregunta por los efectos que ha tenido el Golpe de Estado en el arte contemporáneo chileno\, el curador Ignacio Szmulewicz presenta una muestra que incluye piezas que van desde el video\, la instalación\, la performance\, la fotografía\, la pintura y el arte textil de artistas que residen en Alemania\, España\, Suiza\, Estados Unidos\, Argentina y Holanda.\nLa exposición se inaugurará el 26 de septiembre\, y desde el 27 de ese mes estará abierta al público hasta el 19 de noviembre en la Galería Artes Visuales de Matucana 100.\n\nEl 26 de septiembre llega a la Galería Artes Visuales de Matucana 100 “Lejos\, muy lejos”\, una exposición de trece obras de artistas chilenos\, de una amplia gama generacional\, que comparten la experiencia de habitar en la diáspora del mundo globalizado. Ellos y ellas vuelcan su mirada -desde Alemania\, España\, Suiza\, Estados Unidos\, Argentina\, Holanda- al país de origen para hacer una revisión artística de su pasado\, identidad y heridas\, a partir de experiencias personales\, investigaciones de archivo\, diálogos comunitarios e incluso hallazgos arqueológicos. \nEl nombre de la exposición proviene de “Diálogo de exiliados”\, película de 1975 dirigida por Raúl Ruiz que narra la historia de exiliados chilenos en París\, donde uno de ellos responde a la pregunta por su procedencia con la letanía “lejos\, muy lejos”. La experiencia del exilio y la distancia son los tópicos de la película y también los que utilizó el historiador del arte y curador de la muestra Ignacio Szmulewicz (1986\, reside en Santiago de Chile)\, para preguntarse por los efectos que ha tenido el Golpe de Estado en el arte contemporáneo chileno. \n“Creo que las actuales generaciones miran el Golpe no solo desde un punto de vista\, sino que se han abierto a diferentes relatos”\, explica Szmulewicz. Las miradas son diversas y\, así\, afirma\, un grupo de artistas explora el interrumpido proyecto social y utópico de la Unidad Popular; otro mira el Sur Global y las relaciones internacionales que se tejieron en ese momento de la historia; y otros miran sus consecuencias\, con la llegada de la transición y el anhelo de transformaciones más radicales. “La distancia es tanto física\, emocional\, territorial\, temporal y conceptual\, en la medida que se encuentran nuevas formas de narrar y visualizar el pasado y hoy nuevas temáticas que hacen repensar la historia”\, puntualiza el curador. \nLa muestra -que estará hasta el 19 de noviembre y con entrada liberada- incluye piezas que van desde el video\, la instalación\, la performance\, la fotografía\, la pintura y el arte textil de las y los artistas Enrique Ramírez\, Johanna Unzueta\, Patrick Hamilton\, Pilar Quinteros\, Paula Baeza Pailamilla\, Diego Urbina\, Camila Galaz\, Celeste Rojas Mugica\, Martín La Roche\, María Verónica San Martín\, Krasna Vukasovic\, Ignacio Gatica y Claudia Gutiérrez. \n“La generación de un relato histórico común\, que nos permita sentar las bases de nuestra democracia en el respeto de la memoria y una proyección de futuro\, requiere de miradas y elaboraciones artísticas críticas que lo alimente y enriquezca. He ahí el valor de curatorías como la de Lejos\, muy lejos. Nos parece valioso poder ofrecer\, a través de esta exposición\, una mirada distinta que contribuya al momento histórico que estamos revisando”\, asegura Cristóbal Gumucio\, director ejecutivo de Matucana 100. \nPara Paula Baeza Pailamilla (1988) -una de las trece artistas que participan de la muestra y cuyo video-performance Anümn / Plantar / Sow (2020) cuestiona el colonialismo contemporáneo de Europa con los pueblos originarios de América Latina-\, revisitar la historia de Chile desde el arte es una excelente oportunidad para reflexionar y pensar críticamente las narrativas oficiales del país. \n“Existen relatos individuales\, comunitarios\, familiares\, locales\, que han sido invisibilizados\, borrados o poco difundidos\, existiendo más bien múltiples historias en un territorio. El desafío está en develar esas otras historias y experiencias que componen el núcleo de la historia de un país y forman parte de la memoria histórica. Para mí Chile no solo implica lo «chileno»\, tiene que ver con las identidades que siempre nos hemos sentido extranjeras en ese territorio\, y así también cómo nos hemos extendido a otras latitudes del mundo. Seguimos activando memorias\, relatos e identidades que vienen a definir nuestra herida colonial al pensar en Chile fuera de Chile”\, explica. \nLa artista es enfática respecto de la relevancia que tiene hacer esta reflexión\, especialmente ante la conmemoración de los 50 años del Golpe de Estado: “Debido a los eventos que hemos experimentado en los últimos años\, teniendo un panorama mucho mayor de cómo el saqueo en su amplio sentido ha mermado los territorios y a las personas\, y además el duro contexto de avance de la derecha en Chile\, es que es tan importante que continuemos reflexionando sobre nuestra propia historia a nivel político\, económico\, social y cultural. Es fundamental continuar resistiendo a los embates del neoliberalismo y creo que desde una práctica artística consciente es posible mantener este tipo de discusiones”. \nLas y los artistas \n\nPaula Baeza Pailamilla (1988\, reside en Suiza)\n\nTrabaja desde la performance\, el textil y la investigación sobre la identidad mapuche y el cuestionamiento al contexto político. Forma parte del colectivo Rangiñtulewfü. Anümn / Plantar / Sow (2020) es una video-performance basada en la recolección de especies vegetales etiquetadas como foráneas en el antiguo Jardín Botánico de Zúrich con el fin de cuestionar el colonialismo de Europa a través de la relación entre las especies arbóreas foráneas y los cuerpos migrantes en Suiza. \n\nCamila Galaz (1989\, reside en Estados Unidos)\n\nExperimenta con el género documental y la autoficción. Vecino vecino (2022) es una instalación multimedial que deconstruye un archivo realizado para la televisión francesa durante la dictadura que abordó la organización armada MAPU Lautaro. \n\nIgnacio Gatica (1988\, reside en Estados Unidos)\n\nCrea instalaciones que estudian los conflictos sociopolíticos del sur global\, las maneras en que las ideologías se insertan en nuestro entorno y las formas de colonización actuales. Preface for an automated stratosphere (2023) es un dispositivo tecnológico que presenta en tiempo real la deuda externa de los países de ingresos bajos y medios\, excluyendo a Chile que no forma parte de la OCDE\, basado en la información que entrega el Banco Mundial. \n\nClaudia Gutiérrez (1987\, reside en Suiza)\n\nDespliega obras desde el arte textil que representan paisajes periféricos\, objetos o situaciones marginales y de abandono. Confraternidad: el ocaso de las callampas (2023) es un bordado que muestra el desplazamiento de poblaciones durante la dictadura con el propósito de segregar a la población y privatizar el territorio. \n\nPatrick Hamilton (1974\, reside en España)\n\nCuestiona los conceptos de trabajo\, desigualdad y mito del Chile posdictatorial\, a la vez que desentierra historias reprimidas por la clase política\, económica y cultural. Ultramar Sur (2008-2016) es una instalación multimedial que se aproxima a la historia de dos submarinos nazis instalados en las costas de la Patagonia chilena y argentina. Esta presencia\, nunca aclarada oficialmente\, la utiliza como metáfora para hablar de la historia oculta de Chile. \n\nMartín La Roche (1988\, reside en Holanda)\n\nColecciona objetos\, imágenes y textos que exploran la construcción de la memoria colectiva desde publicaciones\, instalaciones y performances. Museo Legítimo (2017-) consiste en la instalación y performance de un museo itinerante alojado en un sombrero que cuestiona y experimenta con los límites de la autoría y la participación. Para esta curaduría\, el artista incluyó objetos de artesanía carcelaria de los centros de detención del archivo del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos. \n\nPilar Quinteros (1988\, reside en España)\n\nConstruye sus obras con materiales efímeros y encontrados\, a la vez que explora el video desde lo documental y la ficción. Aceptación radical (Monumento a la desgracia de aquí) (2023) es una pieza de site- specific que toma las figuras del Chonchón y el Piuché\, seres mitológicos de la zona central de Chile y Chiloé\, como representaciones del mal augurio\, la adversidad y nuestra entereza para sobrellevarla una y otra vez. \n\nEnrique Ramírez (1979\, reside en Alemania)\n\nConstruye narrativas que circulan entre lo poético y lo político\, que tratan temas como el viaje\, la historia y los flujos migratorios. Océano (2013) es una videoinstalación que retrata el viaje de un barco carguero desde Valparaíso\, Chile\, a Dunkerque\, Francia\, creando un paisaje sublime del consumo global. \n\nCeleste Rojas Mugica (1987\, reside en Argentina)\n\nAborda la relación entre memoria\, violencia e imaginarios en los territorios. En sus obras rastrea la potencia política de los archivos. Ejercicios de aridez (2017-2021) es un proyecto polimorfo de fotografía\, videoinstalaciones\, instalación y web que revisa la imagen de un corvo trazado en el desierto de Atacama para abordar las complejidades actuales de la violación a los derechos humanos y los territorios durante la dictadura. \n\nMaría Verónica San Martín (1981\, reside en Estados Unidos)\n\nExplora las huellas de la historia\, la memoria y el trauma por medio de libros de artista\, instalaciones y performances. Dignidad (2018-) es un libro de artista\, un archivo y una serie de performance que proponen una exploración crítica de las violaciones a los derechos humanos ocurridas en Colonia Dignidad. \n\nJohanna Unzueta (1974\, reside en Alemania)\n\nExplora el impacto tecnológico y social del trabajo junto a su relación con la naturaleza a través de acciones\, textiles\, videos\, dibujos y pinturas abstractas. La fábrica (2020) es un video en formato 8mm que registra a la industria textil Bellavista Oveja Tomé y su abandono producto del cambio neoliberal en la sociedad chilena. \n\nDiego Urbina (1991\, reside en Estados Unidos)\n\nFotografía la contingencia política\, social y cultural de Chile. El retrato\, lo textual y el archivo son constantes en su obra. Marica tú\, marica yo (2023) aborda la inmigración y la actualidad. Realizada para esta curaduría\, el proyecto fotográfico está orientado a retratar a chilenos de la comunidad queer en Nueva York y registrar sus relatos. \n\nKrasna Vukasovic (1993\, reside en Alemania)\n\nElabora sus pinturas a partir de archivos que refieren a episodios históricos. Forma parte del colectivo artístico La Farmacéutica Nacional. Operación Silencio (2023) es una serie de pinturas realizadas en base a las fotografías del libro «Operación Silencio»\, publicado en Alemania Oriental (República Democrática Alemana) en 1974 y que documenta el Chile de comienzos de la dictadura. \nLEJOS\, MUY LEJOS | Galería Artes Visuales \nDel 27 de septiembre al 19 de noviembre de 2023. \nEntrada liberada \nMiércoles a Viernes: 12 a 14 y de 15 a 21 hrs / Sábado: 16 a 21 hrs / Domingo: 16 a 20 hrs \n
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SUMMARY:"Lotty Rosenfeld. Entrecruces de la memoria 1979-2020"
DESCRIPTION:Desde el 28 de septiembre de 2023 al 27 de enero de 2024 \n«Lotty Rosenfeld. Entrecruces de la memoria 1979-2020» \nUna selección de las obras más significativas de la artista Lotty Rosenfeld se exhibe en su primera restrospectiva en Chile\, con el título Entrecruces de la memoria 1979-2020. \nCon alrededor de 70 obras y una gran cantidad de documentos y recortes de prensa -resguardados por la Fundación Lotty Rosenfeld-\, la exposición cuenta con la curatoría de Nelly Richard y la investigación de Mariairis Flores\, y es parte del Programa MNBA para la conmemoración de los 50 años del golpe de Estado. \nSe trata de una muestra que releva la obra de Lotty Rosenfeld (1943 – 2020)\, quien a lo largo de más de cuarenta años traspasó las fronteras de los géneros\, entrecruzando historia y memorias desde el cuerpo\, la ciudad y el trabajo audiovisual. “La obra de Lotty Rosenfeld nos convoca a pensar en colectivo y a preguntarnos acerca de nuestros contextos sociales\, mediáticos y códigos normativos. En términos artísticos\, a cómo quebrar el lenguaje en su amplio sentido\, y como sujetos políticos\, a permanecer en la inquietud que nos hace seres críticos”\, comenta Varinia Brodsky\, directora MNBA. \n“Lotty Rosenfeld trabajó obsesivamente con la atormentada memoria de la dictadura chilena\, sometiendo los fragmentos documentales y testimoniales de esta memoria inconclusa a una permanente reedición de sus huellas que no deja nunca quietas las imágenes de lo acontecido\, para que la mirada del espectador se mantenga alerta. Lo que nos traspasa la obra ejemplar de Lotty Rosenfeld\, es una mirada entrenada para denunciar las maniobras que hoy pretenden obliterar la violencia del pasado dictatorial o mortificar nuevamente su recuerdo traumado”\, explican Nelly Richard y Mariaris Flores. \nFue la primera mujer en Chile en trabajar con video\, formato que la mantuvo siempre a la vanguardia de las tecnologías. Junto a los artistas Juan Castillo\, Fernando Balcelles\, Diamela Eltit y Raúl Zurita\, fundó en 1979 el Colectivo de Acciones de Arte (CADA)\, que años más tarde va a ser reconocido por la teórica y crítica del arte Nelly Richard dentro de la denominada Escena de Avanzada. Entre 1983 y 1989 formó parte de la agrupación “Mujeres por la vida”. \nEn 1979\, en plena dictadura militar\, Lotty realizó la icónica intervención Una milla de cruces sobre el pavimento. Consistió en trazar líneas en el pavimento\, para intervenir los ejes que regulan el tránsito formando un signo más\, a modo de cruces blancas en un gesto de desacato y cuestionamiento del autoritarismo y sus sistemas de control. \n“(…) entrecruzamiento de dos líneas\, la primera impuesta por un código de reglamentación social y la segunda propuesta por el arte a modo de interrogación. La obra invita al sujeto a reflexionar sobre sus dependencias a los códigos. Esta acción de arte\, que he realizado por años\, tiene por objeto interrogarse acerca del problema del poder en su relación con las instituciones y la vida cotidiana. Este signo alterado ha operado como metáfora en espacios que contienen marcas históricas\, sociales o políticas de algún conflicto\, desde aquello que afecta a la civilidad”\, en palabras de la artista*. \nDe esta forma\, reiteró esta intervención en distintos lugares apelando a su significancia. Por ejemplo frente a la Casa Blanca en Washington\, el Allied Checkpoint en Berlín y el Arco del Triunfo en París. Asimismo\, registró estas acciones\, mezclándolas con otras imágenes provenientes de los medios de comunicación\, generando nuevas obras de video arte o video instalación. \nEsta forma de accionar le permitió “abrir una reflexión colectiva sobre los mecanismos de disciplinamiento social que uniforman las conductas mientras\, en sus video-instalaciones\, se propuso desajustar el formato mediático de la cultura neoliberal quebrando los ángulos de visión de sus tecnologías del consumo”\, agregan la curadora y la investigadora. \nRosenfeld representó a Chile en el Pabellón Nacional de la 56° Bienal de Venecia junto a la fotógrafa Paz Errázuriz en la muestra Poéticas de la disidencia (2015)\, bajo la curaduría de Nelly Richard. \nA lo largo de su carrera\, fue galardonada con importantes premios nacionales e internacionales\, entre ellos el Premio Especial del Jurado otorgado en 1982 por la First Tokyo International Video Biennal de Japón y el Premio Altazor de las Artes Nacionales en 2001 y 2003. Su obra es parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de New York (MoMA)\, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, Tate Modern de Londres\, Colección FRAC Lorraine de París\, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. \n* Escrito de la artista disponible en el CEDOC MNBA – Angélica Pérez Germain. \n
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, 3209\, Chile
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SUMMARY:“Poética de la Geometría”
DESCRIPTION:“Poética de la Geometría” \nExposición individual de Carmen Piemonte \n29 de septiembre de 2023 – 28 junio de 2024 \nInauguración | jueves 28 de Septiembre de 2023 a las 19:00 hrs  \nLos Museos Ralli son una institución privada\, sin fines de lucro\, cuyo objetivo es\, desde sus inicios\, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli: \nUruguay\, 1988; Chile\, 1992; Israel\, 1993; España\, 2000; Israel\, 2007. \nMuseo Ralli Santiago\, emplazado en la comuna de Vitacura desde 1992\, expondrá la muestra individual “Poética de la Geometría” de la destacada artista nacional\, de origen italiano: Carmen Piemonte (Buia\, 1930). La muestra estará abierta al público a partir del jueves 28 de septiembre de 2023 hasta el  28 junio de 2024\, en horario de lunes a sábado de 10:30 a 17:00 horas (Entrada liberada).  \nEn esta oportunidad\, podremos disfrutar de 40 obras en diversos formatos\, entre ellos se exhibirá un mural de 10 x 1.80 metros en las Salas 12 y 13 del segundo piso de #MuseoRalliSantiago. Entre las otras obras destacamos 40 telas realizadas entre los años 1961 y 2012. En éstas\, se puede observar esferas encerradas en cubos herméticos\, frutas que levitan en el espacio sideral\, figuras geométricas que revelan un mundo interior más allá de la realidad\, su propia concepción del ser humano y de las preguntas existenciales: “Me gusta hacer reflexiones sobre las visiones\, imágenes o símbolos que en mi caso ocupo. Al respecto\, he llegado a una etapa de madurez intelectual en que me he dado ciertas licencias y libertades\, para crear imágenes abstractas que necesito disponer en espacios de telas que me satisfacen y me dan cierta seguridad y goce de vida. Tuve un maestro\, Ramón Vergara Grez\, de quién fui también su asistente en la cátedra de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Él\, me incorporó al grupo Forma y Espacio en que discutíamos para entender una nueva visión sobre el campo de la abstracción. Nuestras experiencias las volcábamos en telas\, cartones o cualquier soporte que nos acomodara”\, comenta la artista.  \nRespecto a la abstracción\, señala: “Cuando el artista se adentra en el mundo de la abstracción\, es necesario cierta reflexión sobre las imágenes a emplear\, definir una proposición y un estilo determinado. En cuanto a esto último\, en mi caso\, me gusta hacer alguna fundamentación para hacer más”. De acuerdo a lo anterior\, nos conmueve contándonos\, “He investigado\, estudiado\, he recorrido países\, entrado a museos. He realizado numerosas exposiciones fuera y dentro de este país. Estuve viviendo en Italia\, Roma donde estuve becada\, todas esas vivencias que recogí me reafirmaron que la figuración no es mi camino y cada día me confirma que para mí la creación que escogí me invita a soñar: es como la poesía. He conformado un mundo interior que va más allá de la realidad y de alguna manera\, lo quiero reproducir en nuevas imágenes Es por esta razón que los cambios a veces son estructurales”. \nCarmen Piemonte \nEstudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile\, donde fue alumna de Ramón Vergara Grez –fundador de grupo Rectángulo- y luego\, en 1960\, obtiene el título de Profesora de Artes plásticas. Se dedicó a la docencia en colegios y universidades de Santiago hasta 1974. En la década de los 70 fue becada por el gobierno italiano para realizar estudios de perfeccionamiento en la Academia de Roma\, con Gentillini. Su trabajo artístico emerge\, siendo parte\, del movimiento Forma y Espacio\, agrupación continuadora de la abstracción geométrica del Grupo Rectángulo. En 2020 recibió el Premio Artista Mujer\, otorgado por Collection Studio Digital y Capítulo Chileno de National Museum in the Arts. Ha participado en innumerables exposiciones\, tanto colectivas como individuales\, destacando la II Muestra Nacional del Movimiento Forma y Espacio en MAC Santiago.  \nEl museo puede ser visitado de lunes a sábado entre las 10.30 y 17.00 horas y su entrada es gratuita. Uno de sus propósitos es fomentar el contacto directo entre el público y las obras\, razón por la cual no hay visitas guiadas y se pueden tomar fotografías (sin flash)\, con toda libertad\, durante el recorrido. \nDirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura\, Santiago. Chile \nLa muestra permanecerá en exhibición hasta el día 28 junio de 2024. Entrada liberada. \n
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LOCATION:Museo Ralli\, Alonso de Sotomayor 4110\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Plegando Silencios"
DESCRIPTION:“Plegando Silencios”\, exposición de la artista Carolina Yrarrázaval en galería D21. \nA partir del 28 de septiembre y hasta el 9 de noviembre se podrá visitar en galería D21 la exposición “Plegando Silencios” de la artista nacional Carolina Yrarrázaval. \nLa muestra consiste en una serie de doce tapices que la artista ha trabajado durante los últimos años bajo la experimentación con materiales de origen vegetal\, principalmente con fibra de coco\, que es intervenida para obtener sugerentes relieves\, texturas y transparencias que reclaman una nueva mirada en el trabajo de la artista. El acto creativo del teñir\, plegar e incorporar la materia prima se transforma en la estructura inicial de una obra textil que seduce e incita en la búsqueda de nuevas sensaciones. \nLa exhibición también se encontrará disponible en la plataforma web www.d21.cl para ser visitada de manera remota en 360º. \nSobre la artista \nCarolina Yrarrázaval (Santiago\, 1960) comenzó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile y a partir de entonces ha sido una activa impulsora del arte textil a través de diversos talleres y la docencia que desarrolla desde el año 1982. Ha participado de importantes exposiciones internacionales\, tales como la III Bienal de La Habana de 1989\, la VIII Trienal Internacional de Tapicería en Polonia en 1995\, la galería Browngrotta de Nueva York y en Gallery Gallery en Kioto\, Japón\, 2021. \nHorario lunes a viernes de 11:00 a 19:00 hrs. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/plegando-silencios/
LOCATION:D21 Galería de Arte\, Nueva de Lyon 19\, departamento 21\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Cumbres y costas"
DESCRIPTION:Liga Chileno-Alemana te invita a «Cumbres y Costas»\, de Ricardo Bitrán\, una exposición inmersiva que nace de la constante búsqueda de formas pictóricas alternativas para representar el paisaje. La exposición reúne una serie de pinturas\, la mayoría en acuarela y unas pocas en óleo\, que el artista ha desarrollado durante los últimos tres años. Las obras seleccionadas representan rocas\, montañas y mar\, y en ellas Bitrán extiende los límites de la representación pictórica tradicional del paisaje\, para preguntarse ¿de cuántas formas diferentes es posible abordarlo? \nPintar es un ejercicio solitario\, un afán silencioso\, un encuentro con las pulsiones visuales más intuitivas\, instintivas y desconocidas. Estas pinturas constituyen una mirada al interior de la mente del artista que permite develar los múltiples recursos de su creatividad. Cada imagen es el retrato de una batalla por encontrar ese nuevo vocabulario para conectar al artista y al espectador con el paisaje. \nRicardo Bitrán Dicowsky\, es economista y artista visual chileno. Como artista se ha forjado por medio de las cátedras Color Theory Series\, de la School of the Museum of Fine Arts\, Boston\, Massachusetts\, EEUU\, los cursos de pintura Figura Humana\, de la Pontificia Universidad Católica de Chile\, en Santiago\, y varias tutorías en producción de obra junto a Eugenio Dittborn y Eduardo Garreaud. \nInauguración 28 de septiembre 19:30 hrs / La exposición es de lunes a viernes de 9:00 a 17:00 hrs (hasta el 26 de octubre) pero finaliza el día sábado 28 de octubre donde estará abierta de 11:00 a 14:00 hrs.\nAv. Vitacura 5878 \nVisita guiada a la exposición\, Sábado 21 de octubre\, 11:00 horas. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/cumbres-y-costas/
LOCATION:Liga Chileno-Alemana\, Av. Vitacura 5878\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:"Cabeza"
DESCRIPTION:Galería Madre  \nCABEZA  \nAdolfo Martínez  \nInauguración Jueves 28 de septiembre 19 hrs / Hasta el 28 de octubre | Horario: Lunes a viernes\, 11:00 a 14:00 | 16:00 a 19:00 hrs / sábado\, 11:00 a 14:00 hrs \nJuan de valiente 3681\, Vitacura  \nGalería Madre\, en el contexto de Gallery Weekend\, se complace en presentar “CABEZA”\,  una muestra individual del artista chileno Adolfo Martínez. A partir de un trabajo  interdisciplinar\, Martínez indaga sobre la transformación y sincretismo producido entre  campo y ciudad\, generando una poética visual\, objetual y escultórica de carácter  enigmático\, irónico y melancólico.  \nEn esta exposición presentará una serie de esculturas donde el diálogo de materiales tan  diversos como bronce\, hojalata\, madera\, acero entre otros\, dan lugar a procedimientos y  soportes específicos\, destacando el ensamble de objetos\, fundición en bronce de elementos  orgánicos\, entre ellos una cabeza de girasol o un grillo sobre una rama. Este conjunto de  obras se reúnen a modo de ensayo\, con el propósito de construir una poética como figura  errante\, incompleta y en tránsito permanente. \n(Texto Tomás Fernández)  \nEn “CABEZA” de Adolfo Martínez\, convergen objetos encontrados\, asistidos y otros  construidos por él mismo. Bajo su apariencia despojada\, varios de ellos esconden\, como  secretos inconfesables\, procedimientos escultóricos y mecanismos de sofisticada  complejidad. Plantas e insectos intercambian la brevedad que los determina\, por la  perpetuidad del bronce patinado. Una pirita gira lenta\, hipnóticamente sobre el vidrio que  enmarca una bucólica y añosa imagen\, como la cristalización de una tristeza arrastrada por  generaciones\, un tumor de piedra facetada.  \nEste tránsito entre superficies -de lo opaco a lo rutilante\, de lo áspero a lo pulido\, de lo  blandengue a lo rígido- permite realizar asociaciones\, evocar espacios\, despertar recuerdos  difusos que\, en su vaguedad\, suelen confundirse con ensoñaciones. De esta manera\, los  contradictorios encuentros materiales\, contraviniendo su extrañeza\, nos resultan  profundamente familiares  \nAdolfo Martínez Abarca (Lampa\, 1976) Artista visual Chileno\, Licenciado en Artes Plásticas  y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile. A partir de un trabajo  interdisciplinar\, indaga sobre la transformación y sincretismo producido entre campo y  ciudad\, generando una poética visual\, objetual y escultórica de carácter enigmático\, irónico\,  melancólico. En palabras del artista\, » la imaginación y la libre asociación de imágenes y  conceptos\, funciona cuál dispositivo magnético; atrae o rechaza elementos según sea las  características de la imagen que se quiera construir. La obra es una condensación de ideas\,  conceptos y sensaciones. Su desarrollo\, el trabajo físico con los materiales que la  constituyen».  \nEn exhibiciones individuales destacan; Más corazón que odio\, Galería XS\, Santiago de Chile  (2014); La gente es la misma\, Galería Gabriela Mistral\, Santiago de Chile (2016); Resta\,  Sagrada Mercancía\, Santiago de Chile (2017); Canciones para escuchar de lejos\, CasaPlan\,  Valparaíso\, Chile (2019); Mal de ojo\, Espacio Cultural Iglesia la Merced\, Rancagua\, Chile  (2019); Confecciones\, Galería TIM\, Santiago de Chile (2021); Una cosa lleva a la otra\, Posada  del Corregidor\, Santiago de Chile (2022).  \nDe manera colectiva ha participado en; Umbral\, 15 Bienal de Artes Mediales\, MAC\, Santiago  de Chile (2022); Musée de Millau et des Grands Causses\, Millau\, Francia (2022); Festival  Alpes-Andes\, Borgata Paraloup\, Rittana\, Italia (2022); De aquí a la modernidad\, Museo  Nacional de Bellas Artes\, Santiago de Chile (2018-2019); Leer un rayo\, Galería Patricia  Ready\, Santiago de Chile (2018); Lo que ha dejado huellas\, Centro Nacional de Arte  Contemporáneo Cerrillos\, Santiago de Chile (2017). Forma parte del libro Transferencias:  escritos de artistas; producciones textuales en las artes visuales Chilenas\, Galería Gabriela  Mistral 30 años (2021); Escritos de obra\, revista [Cuatro treintaitrés] » Imaginarios  Potenciales»\, Artes Visuales Universidad de Chile (2023). También ha participado en ArtLima  (2018); Ch.aco (2016); ArteBa (2010). \n
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LOCATION:Galería MADRE\, Juan de Valiente 3681\, Vitacura\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:"Cuerpo afecto"
DESCRIPTION:“CUERPO AFECTO” \nElisa Assler \nSala Principal \nDesde el 30.09.2023 Hasta al 04.11.2023 \nHorario: Lunes – Viernes 10:30 a 19:30 horas / Sábado\, 11:00 a 14:00 hrs \nLa exhibición “CUERPO AFECTO” en Galería Aninat\, trata de un despliegue visual del trabajo de la artista Elisa Assler\, entre los años 2020 y 2023\, que aborda disciplinas desde el dibujo\, la pintura\, video y la performance\, en técnicas y formatos no convencionales\, muestra que se mantendrá en exhibición entre el 30 de Septiembre y el 04 de Noviembre \nLa artista nos invita a reflexionar en torno al afecto en la vida actual\, recordándonos como este es una herramienta funcional que permea las relaciones personales\, sociales y de poder\, generando una nueva capa sensible. \nAssler trabaja desde el color\, el movimiento y la improvisación para incitar al espectador a detenerse y experimentar a partir de pequeños estímulos\, hallazgos capturados en la memoria del cuerpo. \nEl trabajo de Elisa es dibujo\, y pintura\, y es también contacto\, improvisación y performance. En realidad\, su práctica artística describe un gesto donde su cuerpo combina una respuesta afectiva mezclada con una inquietud espiritual. Dentro de un proceso abierto y en constante movimiento\, Elisa reacciona a diferentes lenguajes para tratar de expandir y llegar al fondo de sus intenciones. \nEn el trabajo de Assler entendemos que el acto creativo tiene lugar en las fronteras de los distintos paisajes\, de la naturaleza\, del movimiento\, del desplazamiento\, del dibujo\, del contacto con otro y del cuerpo como motor. “Traducir” dice la artista\, “remite a una forma de desplegar el cuerpo que se habita\, toda su piel como una mano que toca\, toda su piel como un ojo que observa\, toda su piel como una escucha\, como un transmisor y receptor de un lenguaje infinito e invisible. \nLa técnica es\, en su modo de trabajo\, funcional al caos que se quiere conocer\, algo que supera las polaridades positivo-negativo\, desborde versus quietud. Finalmente\, el único propósito de la técnica es liberar lo que permanece inconsciente. \nElisa Assler (Madrid\, 1977) ha desarrollado una obra que se mezcla con su biografía y que se inicia con la publicación de libros infantiles y exposiciones en España. A partir de ahí\, sus obras se orientan a múltiples formatos desde el trabajo textil\, al dibujo en gran formato\, las intervenciones site-specific\, el contacto improvisación\, el video y la performance. Entre sus exposiciones destacan la instalación para Eme3 density en CCCB (Barcelona\, 2002)\, “Formas de hacer lugar” con el colectivo Ejercicios impermanentes (Centro Cultural las Condes\, 2017). “ La opacidad del deseo” (Sala de Arte el Farol de la Universidad de Valparaíso\, 2018) “Pandemencia”\, exposición colectiva (Parque Cultural de Valparaíso\, 2021). En “naturaleza”\, su última exposición\, en Galería Isabel Rosas (Valparaíso\, 2022)\, su obra muestra la presencia de elementos cromáticos en intervenciones performativas que ahora forman parte de la presente exposición. \n
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LOCATION:Galería Isabel Aninat\, Alonso de Córdova 4355\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Gres”
DESCRIPTION:“Gres” \nClaudia Hidalgo \nGabinete \nDesde 30.09.2023 al 30.11.2023 \nLunes – Viernes 10:30 a 19:30 horas. Sábado\, 11:00 a 14:00 horas. \nClaudia Hidalgo\, trabaja el gres como una forma de terapia\, por eso la artista invita a sus alumnos a salir de la rutina al aprender todos los procesos de producción de esta cerámica. Utiliza colores fuertes para darle un sello personal y conectar este antiguo oficio con lo moderno. Sus trabajos en cerámica se caracterizan por grandes piezas\, cuya construcción está dada casi como un tejido muy delgado\, con el que va levantando con sus manos y llevando el material hasta el extremo de su resistencia. \nClaudia emplea conceptos de la historia latinoamericana de la cerámica con un alto grado de abstracción\, alterando los formatos del objeto\, transformando su carga utilitaria y transformándolo en una pieza de arte contemporáneo\, dejando en evidencia los conceptos históricos de la cerámica. \nClaudia Hidalgo reparte su tiempo entre pintar\, hacer clases de cerámica y analizar obras. Además de una tienda de decoración en Santiago. Aunque parece no tener pausa\, dice que en todos sus trabajos descansa porque le fascina lo que hace y es por esto que\, en cerámica\, por lo menos\, va repitiendo las mismas formas y modelos. \nEstudió Arte en la Universidad de Chile\, con especialización en pintura y cerámica. Y desde hace cinco años dicta cursos de cerámica gres en un taller ubicado en su casa\, en las faldas del Cerro Calán. Encontró en estas clases una especie de terapia de relajación\, tanto para ella como para los que van a aprender. Claudia se preocupa de que sus alumnos —en su mayoría mujeres— aprendan todos los procesos necesarios para trabajar de forma individual e incluso\, formar su propio taller. Cada pieza de cerámica es diseñada\, producida y fabricada en sus propios talleres\, siendo cada una de ellas piezas únicas y exclusivas. Utiliza solamente las manos como técnica y enseña a trabajar la pasta y fabricar esmaltes únicos y originales\, de colores llamativos. Busca salir de los tonos opacos y oscuros que tiene la mayoría de estas piezas\, empleando amarillos\, rojos o calipsos. Su vasta experiencia y su capacidad de producción propia le permite experimentar en distintas técnicas como Raku y Gres. También Se define como autodidacta porque le encanta experimentar y “romper técnicas” para hacer un trabajo cada vez más original\, pero siempre respetando los procesos de cocción. En Sus piezas utilitarias\, como platos\, fuentes o bandejas\, además de decorativos\, sirven también para la cocina\, ya que se pueden usar al horno y calentar sin problemas. \n
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LOCATION:Galería Isabel Aninat\, Alonso de Córdova 4355\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"1973: memorias y documentos de un país fracturado"
DESCRIPTION:Represión y resistencia \nLa muestra “1973: memorias y documentos de un país fracturado” está integrada por fotografías\, documentos\, videos y objetos que dan cuenta del actuar del Estado durante la dictadura civil-militar\, así como la acción de los grupos organizados de la sociedad civil\, evidenciando por un lado la represión ejercida desde la institucionalidad y por otro la resistencia de parte de importantes sectores de la sociedad civil. \nLa documentación exhibida forma parte del acervo del AN\, más no contienen toda la verdad histórica\, pero forman parte importante de ella. Muchos de estos documentos oficiales son una fuente indispensable para conocer la forma en que el Estado conceptualizó y actuó para contarrestrar a la oposición política contra la dictadura. La muestra incluye un espacio para aquella producción documental de familiares de las víctimas y agrupaciones defensoras de los derechos humanos. \nDe esta manera\, la exhibición busca constituirse en un aporte a los debates sobre nuestro pasado reciente. \nLa inauguración será el jueves 5 de octubre\, a las 17:00 horas\, en el Salón Los Conservadores del AN\, en Miraflores 50\, Santiago. \n
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LOCATION:Archivo Nacional\, Miraflores 50\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:“Demográfica”
DESCRIPTION:Muestra fotográfica “Demográfica” \nde Marcial Ugarte en Galería Ekho \nInauguración: sábado 7 de octubre de 2023. La muestra permanecerá abierta hasta el viernes 10 de noviembre. Dirección galería Ekho: Merced 349 – Local 12\, Santiago de Chile.  Lunes a viernes de 10:00 a 15:00 horas. Entrada gratuita. \nEl artista visual y fotógrafo Marcial Ugarte presenta una serie de trabajos realizados en los últimos 10 años en la que reflexiona sobre problemáticas contemporáneas que enfrenta la humanidad\, como la sobrepoblación\, migración y hacinamiento\, entre otras. \nEl artista juega en sus obras aspectos  del espacio que ocupan los seres humanos en diferentes culturas y escenarios\,  convierte una realidad compleja y abrumadora en armónicas composiciones. Así\, imágenes de la vida cotidiana\,  composiciones de estructuras arquitectónicas\, grupos humanos transitando en diversos lugares\, playas atiborradas de gente son algunos temas que el artista interpreta con su mirada a través del lente y nos ofrece como resultado una interesante propuesta  estética. \n“El juego visual\, la reiteración y superposición de imágenes\, son las herramientas que utilizo para componer una metáfora de la realidad\, la idea de un lugar perdido y recóndito prácticamente no existe\, la ocupación del territorio es masiva\, los pueblos se transforman en ciudades y las ciudades en megápolis”\, explica el artista. \nSOBRE EL ARTISTA \nAlejado de una enseñanza académica formal\, Marcial Ugarte Vergara (Santiago de Chile\, 1960) ha desarrollado la fotografía en forma autodidacta retratando reiteradamente paisajes\, personajes\, situaciones y elementos de la naturaleza que luego reescribe digitalmente en composiciones que resultan surreales y cautivantes. Con agudeza y sensibilidad plasma en cada obra paisajes de sus viajes por Chile y el mundo. \n
URL:https://panoramasgratis.cl/event/demografica/
LOCATION:Ekho Gallery\, Merced 349\, Local 12\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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SUMMARY:"Tres estados de suspensión"
DESCRIPTION:Tres estados de suspensión\n \nPERFORMANCE INSPIRADA EN VENTANAS Y ZONAS DE SACRIFICIO DEBUTA EN EL PARQUE CULTURAL DE VALPARAÍSO\n \nAgua\, aire\, tierra. Tres elementos\, tres artistas\, tres acciones performáticas. A través de la fotoperformance\, videoperformance\, instalación y gráfica; las creadoras Denisse Viera\, Fernanda López y Rocío López reflexionan sobre el impacto de la globalización en el medioambiente y su incidencia en los territorios. \nEl proyecto financiado por Fondart Regional convocatoria 2022\, que se basa en la experiencia del lugar que cada una habita: Valparaíso/agua\, Santiago/aire y Araucanía/tierra; estará disponible a partir del sábado 7 de octubre en el Parque Cultural de Valparaíso. \nFormas de sobrevivencia simbiótica\, Circunferencias para un sacrificio\, Hielos y Pulso son las acciones performáticas de las artistas Fernanda López\, Rocío López y Denisse Viera\, que dan forma a la muestra Tres estados de suspensión en la que\, a través de diversos medios como fotoperformance\, video performance e instalación; indagan en el impacto de la globalización en la degradación ambiental\, particularmente\, en las zonas en las que ellas trabajan y habitan: La Araucanía\, Santiago y Valparaíso. \nEl proyecto de investigación\, creación y producción financiado por Fondart Regional convocatoria 2022 -que se inaugura en Valparaíso el próximo sábado 7 de octubre en la sala Laboratorio del Parque Cultural de Valparaíso-; responde a inquietudes actuales\, planteadas desde distintas formas de repensar el territorio que\, debido al impacto socio-ambiental que se vive en ellos\, son denominados “zonas de sacrificio”. A partir de cada lugar se configuran diferentes elementos como diagramas de creación que\, desde la experiencia del cuerpo\, han desarrollado diferentes poéticas\, llevando a cabo acciones performáticas que visibilizan\, evidencian y subsanan metafóricamente la relación cuerpo/territorio. \nPara esta investigación\, Rocío López Montaner\, trabaja a partir de la noción de afecto desde el cuerpo\, entendido como una extensión del territorio. Si éste se encuentra en crisis\, el cuerpo\, sus percepciones y sensibilidades también lo estarán. Entender diversos territorios como zonas de sacrificio\, exige la necesidad de visibilizar un existir vulnerable que nos enfrenta a la transgresión de lo sensible. Estas obras de performance realizadas en diferentes territorios\, reflexionan a partir de la configuración entre imagen y soporte\, a través de la fotografía\, el video y el concepto de libro. \n“Me interesa mezclar asociaciones entre las ideas de libro\, imagen y video\, para ampliar posibilidades formales y conceptuales\, multiplicando posibilidades como soportes de una performance\, por lo tanto\, se puede entender el cuerpo como un espacio de conocimiento y\, a su vez\, un libro como un cuerpo afectable”\, cuenta. \nCircunferencias para un sacrificio\, el registro de caminatas circulares\, realizadas en tres territorios distintos. Fueron realizadas a cuerpo desnudo\, cubierto sólo por palabras escritas con pigmento de polvo de carbón. El texto transcrito por otra mujer (Ana\, madre de la artista) refiere a la correspondencia sensible entre diversos conceptos en clave poética\, aludiendo a la relación de intimidad y vulnerabilidad que plantea el vínculo madre- hija con el territorio afectado. \nEn Formas de sobrevivencia simbiótica la artista Fernanda López Quilodrán realiza un traje de medición de CO2 de tres canales que le permite dialogar\, por medio de la exhalación\, con la papa y con el aire. Los datos capturados se transforman en palabras asociadas a cada reino y los efectos en cada uno debido a la crisis climática. Permite configurar poemas\, gráficos\, imágenes y acciones\, a modo de conjeturas que posibiliten la comunicación con otros reinos\, estableciendo conexiones y colaboraciones para la construcción de nuevas cartografías y relatos\, comprendiendo lo vivo y su capacidad de sobrevivencia\, mutación o simbiosis en el contexto de las llamadas zonas de sacrificio. \nEstos datos y poemas se visualizan en una instalación que combina las artes y la ciencia por medio del video\, la acción\, el texto y la electrónica. “Me pareció pertinente realizar esta simbiosis con la papa\, por su característica de tubérculo vernáculo de la región andina de América\, por su capacidad de resistencia y por ser un agente principal en la salvación de la hambruna”\, comenta. \nDenisse Viera\, en Hielos y Pulso\, responde a las inquietudes vinculadas a los tres territorios explorados\, sus espacios naturales\, las intervenciones humanas junto a sus huellas\, así como las tecnologías empleadas\, desde una mirada retrospectiva. A través del despliegue de las cargas simbólicas\, el uso de los elementos\, agua\, fuego y humo como materialidades\, presenta imágenes de diálogo entre paisaje\, cuerpo y objeto. \nEl agua y su particular tránsito de estados físicos\, así como su paso a objeto\, el fuego cuyo carácter dicotómico que\, por un lado\, se presenta amable y envolvente\, desprendiendo calidez y luz\, cuando se libera de sus cadenas\, danza y retuerce\, arrasa\, devora\, consume e invade todo a su paso\, y el humo que\, con su cualidad penetra los rincones y espacios más recónditos\, simbólicamente cargado\, cuya capacidad de limpieza y transmutación es transversal a los territorios y culturas del planeta\, son los ejes transversales que se materializan en foto performance e instalaciones. “Mi trabajo es reflejo de la curiosidad por explorar los territorios\, sumergirme en sus historias y contextos sociopolíticos. Identificar las tensiones entre naturaleza\, cuerpo – comunidad e intereses económicos\, ha sido la columna vertebral que sostiene las imágenes e instalaciones presentadas”\, declara. \nTres estados de suspensión\, contó con una primera etapa de investigación en la que también participaron las curadoras\, Cynthia Francica\, Inés Ortega Márquez y Gloria Cortés; una segunda de creación y producción donde se realizó la confección material\, grabación y edición de las propuestas performáticas llevadas a cabo en las localidades de Valparaíso\, Santiago y La Araucanía; para finalizar con la fase de exhibición que tuvo la muestra en Galería Réplica de Valdivia (junio)\, Museo Ferroviario Pablo Neruda de Temuco (agosto) y ahora en el Parque Cultural de Valparaíso (octubre). \nCOORDENADAS\nInauguración: sábado 7 de octubre\, 12 h\nHasta 6 de noviembre\nmartes a domingo\, 10 a 20 h\nSala Laboratorio\nParque Cultural de Valparaíso\nCalle Cumming 590\, Cerro Cárcel\, Valparaíso.\nGRATIS \nRESEÑA\nEl proyecto de investigación\, creación y producción Tres estados de suspensión responde a inquietudes actuales\, planteadas desde distintas formas de repensar el territorio entendido como zona de sacrificio debido al impacto socio-ambiental que se vive en ellos. A partir de cada lugar\, se configuran diferentes elementos como diagramas de creación: tierra/Araucanía\, aire/Santiago\, agua/Valparaíso. Desde la experiencia del cuerpo\, se han desarrollado diferentes poéticas llevando a cabo acciones performáticas que visibilizan\, evidencian y subsanan metafóricamente la relación cuerpo/territorio. La investigación se exhibe en diversos medios y soportes\, transitando entre la foto performance\, el video performance\, la instalación\, la escultura\, el textil y la gráfica. \nFICHA ARTÍSTICA\nArtistas: Rocío López Montaner\, Fernanda López Quilodrán y Denisse Viera Díaz/ Curadoras: Cynthia Francica\, Inés Ortega Márquez Prensa: Claudia Palominos \nSOBRE LAS ARTISTAS\nRocío López M. (n. 1989\, Chile). Artista visual\, Licenciada en Artes de la Universidad de Chile (2019)\, realiza clases de Artes Visuales en la Araucanía. Parte de su trabajo artístico fue abordado en el 6to Simposio Pensar los Afectos en la Universidad de Buenos Aires. El 2022 fue becada para el Diplomado “Arte en su representación territorial” en la escuela de Arquitectura de la USACH y Balmaceda Arte Jóven. Ha participado en diversas exposiciones dentro de las que destacan; Festival de Arte Contemporáneo Periférica 2021\, Ex juzgado Pudahuel\, Galería Metropolitana\, Contínuo Latinoamericano de Performance 2020. Primer lugar en la categoría Performance del Premio Municipal Arte Joven de Santiago\, Posada del Corregidor 2019. Concurso de video en Matucana 100 y el 5to Concurso Nacional Balmaceda Arte Joven MAC 2017\, obteniendo Mención Honrosa. Una de sus obras fue adquirida por la colección de la Subsecretaría de las Culturas y las Artes en categoría artista emergente 2020. \nFernanda López Q (n. 1991\, Chile). Artista visual\, Licenciada en Artes de la Universidad Católica y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Ha expuesto y proyectado su trabajo en Chile\, Estados Unidos\, Ecuador\, Perú\, Bolivia\, Argentina y Suecia). Ha obtenido premios\, como Beca ChileCrea para estudios de magíster (2021)\, primer lugar en V Concurso Artespacio Joven Itaú (2020)\, Mención Honrosa en Premios Municipales de Santiago (2018-2015)\, entre otros. Ha participado en programas de residencias como AIREMOT\, Suecia (2019) y Laboratorio Desierto Intervenido II\, Chile (2018). Su obra es parte de colecciones públicas como Colección Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio; y privadas como CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation (Estados Unidos)\, Colección IL Posto (Chile)\, Fundación Engel (Chile). \nDenisse Viera (n. 1989\, Chile). Artista visual\, Licenciada en Artes Visuales\, Escultora y Magíster en Estudios Internacionales (c) de la Universidad de Chile. Dispositivos de Resistencia al Olvido Casa Palacio\, Chile (2023) / Bienal Nómade  MMAM\, Cuenca\, Ecuador (2022) / Selecta MAAC\, Guayaquil\, Ecuador (2022)/ POSTESCULTURA MAC\, Chile (2021) / Lago film Festival\, Venecia\, Italia (2021)/ Continuo Latinoamericano de Performance\, Chile (2020) / El Vigor del Cuerpo\,  Museo de Bellas Artes\, Chile (2020) / Premio Mavi Arte Joven\, Chile (2020) / Urban Body In Action\, Valencia\, España (2020) / II Festival Internacional de Performances Mínimas Urbanas\, España-Brasil (2020) / Galería Cuarentena\, Chile (2020)/ International Contemporary Video Art display VAF\, Colombia-Cuba (2020)/ Memorias de Futuro\, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos\, Chile (2020) / Hélice\, Centro Nacional de Arte Contemporáneo\, Chile (2020) / Porno Espectral III\, MAC\, Chile (2020). \n
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LOCATION:Parque Cultural de Valparaíso\, Calle Cárcel 471\, C° Cárcel\, Valparaíso\, Chile
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SUMMARY:Ciclo de Cine Brasileño en Casa Museo EFM
DESCRIPTION:Casa Museo Eduardo Frei Montalva\, en su misión de ser un espacio de reflexión\, aprendizaje y enriquecimiento cultural\, en conjunto con la Embajada de Brasil\, y en el marco de las relaciones bilaterales entre ambas naciones\, en el Gobierno de Eduardo Frei Montalva\, organizan un ciclo de cine gratuito brasilero durante el mes de octubre. \n\nLos domingos 8\, 15\, 22 y 29 de octubre a las 16:00 horas en la sala audiovisual\, Casa Museo EFM en calle Hindenburg 683\, providencia.\nPelículas en idioma original subtituladas al español\nPara mayores de 16 años.\nEntrada liberada. Cupos limitados (Disponibles 35 butacas). Las vacantes son por orden de llegada.\n\nCon el objetivo de celebrar la larga tradición de colaboración entre las hermanas repúblicas de Chile y Brasil\, comenzadas en 1836 como fecha de inicio de las relaciones bilaterales entre ambos países y conmemorando además las visitas de Estado que Eduardo Frei Montalva realizó durante su mandato presidencial al país de la samba en 1965 y 1968\, es que Casa Museo EFM\, en conjunto a la embajada brasileña\,  organizan un ciclo de cine con una selección de películas del país carioca que serán exhibidas los días domingo 8\, 15\, 22 y 29 de octubre en la sala audiovisual del museo en calle Hindenburg 683\, Providencia. \nDomingo 8: “Cidade dos homens” Secuela de “Ciudad de Dios” del director Paulo Morelli (2007)\, trata sobre dos amigos (Douglas Silva\, Darlan Cunha) quienes terminan en lados opuestos de una guerra de pandillas en los barrios bajos de Río de Janeiro. \nDomingo 15: “Prohibido Prohibir” Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine Latinoamericano de Biarritz (2006) y dirigida por el chileno Jorge Durán\, relata la historia de un estudiante de sociología y su novia\, una estudiante de arquitectura\, que se enamora del mejor amigo del primer mencionado. \nDomingo 22: “El año que mis padres se fueron de vacaciones” Film seleccionado para los Oscars como mejor película extranjera (2006). Director Cao Hamburger. Ambientada en el Brasil de 1970\, la película trata de un vecino judío que se hace cargo de un niño\, cuyos padres son fugitivos y cuyo abuelo acaba de fallecer inesperadamente. \nDomingo 29: “Ó Paí\, Ó” Nominada al Emmy internacional (2007). Película dirigida por Monique Gardenberg\, cuenta la historia de los habitantes de un barrio vulnerable en Salvador de Bahía y lo que ocurre en el último día de Carnaval\, cuando todo el mundo se divierte en medio de la música\, la danza y la alegría. \nEn el marco de la conmemoración de las visitas de Estado que el Presidente Eduardo Frei Montalva realizó a Brasil en 1965 y 1968\, la subdirectora de Casa Museo EFM enfatizó en lo importante que son estás instancias\, señalando que: “Los museos no solo son espacios rígidos que muestran sus colecciones permanentes\, también son aulas no formales de aprendizaje y lugares abiertos a la comunidad para el ocio\, la reflexión y que deben entender el beneficio de la retroalimentación de las actividades colectivas\,  al igual que el Presidente Frei Montalva entendía las ganancias que traía para los pueblos la colaboración mutua\, no solo desde el plano material\, sino que también  desde el incremento del acervo cultural que esto supone. En ese sentido organizar un ciclo de cine con la Embajada de Brasil que promueva y dé a conocer la idiosincrasia y cultura de un país hermano\, va justamente en línea con ese espíritu y convicción que tenemos en Casa Museo”. \nCabe destacar que quienes asistan al ciclo de cine\, podrán realizar sin costo\, un recorrido guiado\, antes de que comiencen las funciones. El recorrido empieza a las 15:00 hrs. por la casa del exmandatario Frei Montalva\, lugar donde vivió con su familia por más de 40 años y en el que podrán apreciar una colección de más de 360 objetos patrimoniales\, condecoraciones\, numismática\, acervo de pintura\, fragmentos lunares y mucho más. La función de los filmes comienza a las 16:00 hrs. \n
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LOCATION:Casa Museo Eduardo Frei Montalva\, Hindenburg 683\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:"Corea del Norte. El país de la fantasía"
DESCRIPTION:Con la gestión de Verónica Besnier\, por primera vez se exhibe en Latinoamérica esta excepcional muestra fotográfica sobre Corea del Norte. No se trata del registro de un turista\, -puesto que sabemos que ello no ocurre- sino de un proyecto trabajado durante largo tiempo por el fotógrafo Stéphan Gladieu (Francia\, 1969)\, y ejecutado mediante cinco viajes a dicho país\, entre 2016 y 2020. El interés de Gladieu deviene de sus constantes viajes por el mundo y sus investigaciones en torno a fenómenos culturales locales. Para hacer realidad su proyecto inició conversaciones con autoridades norcoreanas en París y se concretó siguiendo un estricto protocolo respecto a los “códigos de imagen” y “tablas de color” vigentes en Corea del Norte. \nApasionado del retrato y siempre acompañado por agentes del Estado\, el autor dio forma a una inusual exploración social\, puesto que en Corea del Norte el retrato no existe por considerarse un acto individual y allá todo es colectivo y comunitario. De esta manera\, el fotógrafo creo verdaderas composiciones grupales\, a las que aportó su particular elección de colores\, de decoración y de pausas\, con una dimensión plástica y teatral. El resultado sorprende porque\, a pesar de erigirse como verdaderos montajes\, da cuenta de las estrictas reglas imperantes en el país y de cuáles son los conceptos que al régimen dictatorial le interesa transmitir. \nViernes 13 de octubre al Domingo 10 de diciembre de 2023. \nMartes a domingo\, 10:30 a 19:00 horas. \n
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SUMMARY:"Mama\, I'm Coming Home"
DESCRIPTION:Pascuala Lira  / Alejandro Palacios / Colombina Parra / Samy Benmayor / Rodrigo Galecio / Martín Daiber / Francisca Sanchez / Michael Swaney (CAN) / Ces McCully (AUS) / Monica Kim Garza (USA)  / Humberto Poblete Bustamante. \nMAMA I’M COMING HOME \n14 Octubre – 11 Noviembre \nTIM Arte Contemporáneo presenta la exposición MAMA I’M COMING HOME\, una exposición colectiva que reúne las obras de nueve destacados artistas chilenos y tres extranjeros. La muestra se propone como un diálogo transnacional enfocado en lo pictórico\, en donde el imaginario personal y la materialidad de la obras moviliza y acerca la individualidad hacia un universo común\, creando una trama visual que le pertenece a todos y a nadie al mismo tiempo. \nEn el texto de la muestra\, Carolina Castro Jorquiera comenta: “Aunque suene anecdótico\, varios de estos artistas se conocieron gracias a la plataforma de Instagram\, por curiosidad o por recomendación de otros que vieron hilos comunes entre sus obras. Allí comenzaron a compartir su proceso creativo e ideas emergentes\, para apoyarse mutuamente en un viaje artístico que nace de una suerte de parentesco o afinidad pictórica”. \nEl recorrido por MAMA I’M COMING HOME se propone como un ejercicio de distancias virtuales y cercanías pictóricas\, en el cual el quehacer de la intuición promueve la superposición de capas y la precisión cromática\, cualidades todas concurriendo hacia un lugar común\, aún desconocido. \nLa exposición cuenta con un texto de la curadora Carolina Castro Jorquiera. \n_______ \nTIM Arte Contemporáneo forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio\, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio que integra\, articula y coordina de forma transversal los planes\, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones\, de la infraestructura cultural\, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada\, mecanismos participativos\, y la promoción de la creación de redes y asociaciones. \nTIM Arte Contemporáneo \nCalle Rafael Sotomayor 232\, Santiago\, Chile. \nHorarios: Jueves\, viernes de 11 a 18 hrs. y sábado de 11 a 17 hrs. \n
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LOCATION:TIM Arte Contemporáneo\, Calle Rafael Sotomayor 232\, Santiago\, Región Metropolitana\, Chile
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