Panoramas Gratis

"Canción de cuna"
2021-12-18 10:00 - 2022-09-25 18:00 (UTC-3) | Centro Cultural La Moneda, Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago, Chile
Podrá visitarse desde el sábado 18 de diciembre
Centro Cultural La Moneda inaugura exposición con canciones de cuna de Sudamérica

La muestra utiliza dioramas de caja o teatrillos para ilustrar poemas y canciones infantiles que son interpretadas por artistas como Charo Cofré, Delfina Guzmán, Mario Mutis y otros reconocidos músicos y actores.

La exposición está ubicada en la Galería Cero, un espacio que tiene como objetivo ofrecerles sus primeras experiencias culturales y artísticas a niños y niñas de entre 0 y 8 años.

Desde el sábado 18 de diciembre, en la Galería Cero del Centro Cultural La Moneda (CCLM), se podrá visitar “Canción de cuna”, una exposición co-curada en conjunto con la ilustradora chilena Paloma Valdivia, en la que resaltan canciones infantiles de Sudamérica en una muestra lúdica y con elementos inmersivos.
“Duerme negrito”, “Mi niño Arrurú”, “Pajarito que cantas”, “Se va la lancha”, “Cucú, le llamó”, “Mira niñita” y “El establo” son las canciones y el poema interpretados por diferentes músicos y actores de Chile y Argentina, entre ellos María Rosario Cofré o “Charo” Cofré, Álvaro Díaz, Delfina Guzmán, Mario Mutis, Judith Akoschky y Atahualpa Yupanqui, que para esta instancia fueron ilustrados por la destacada artista de libros infantiles, Paloma Valdivia, quien además también cantó uno de los temas junto a su hijo, Guillem Ballesteros.
La muestra, que contó para su elaboración con la colaboración del Laboratorio de Modelos y Prototipos de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Universidad Católica de Chile, se compone de seis dioramas de caja o teatrillos y una obra inmersiva.
Los dioramas incluirán un sistema de audio que reproducirá las canciones y la obra inmersiva se conformará a partir de una proyección animada de una de las ilustraciones que se trazará en uno de los muros de la sala a escala real, acompañada de intervenciones construidas.
“Cientos de canciones de cuna se han creado a lo largo de la historia. Estas se han transmitido de generación en generación y, por lo mismo, han tenido variaciones a través del tiempo. Cada quien adapta la letra de acuerdo a su propia cultura, involucrando sus experiencias y sentimientos, aunque finalmente provienen de una tradición musical compartida. Acá establecemos un espacio de aprendizaje, donde confluyen la cultura y el patrimonio en un ambiente de sensaciones y estímulos positivos para la primera infancia”, comentó la directora del CCLM, Beatriz Bustos Oyanedel.
Es importante destacar que tres de las canciones que inspiran los dioramas de la muestra: “Se va la lancha”, “Cucú, le llamó” y “Mira niñita” fueron seleccionadas de una lista de temas infantiles que resultó de una convocatoria participativa realizada por el CCLM con su comunidad de seguidores a través de sus redes sociales.
Sobre la curadora
Paloma Valdivia es autora e ilustradora de libros infantiles. Nació en Chile en 1978. Estudió diseño en la Universidad Católica de Chile y realizó un posgrado de Ilustración Creativa en la Escuela de Arte y Diseño Eina, en Barcelona, y un diplomado en Antropología y Comunicación Audiovisual en la PUC.
Como docente trabajó varios años en la PUC y dirigió el diplomado de Ilustración y Narrativa Autobiográfica de la misma universidad. Su principal pasión son los libros ilustrados para niños. Su trabajo ha sido traducido a más de 20 idiomas y ha ganado varios premios internacionales. Es socia fundadora de Ediciones Liebre.
Coordenadas
Fecha apertura: 18 de diciembre de 2021
Fecha término: agosto 2022. Extendida hasta el 25 de septiembre de 2022.
De martes a domingo, de 10:00 a 18:30 horas.
Dirección: Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago de Chile.
Entrada gratuita previa reserva en www.cclm.cl

"De poéticas a políticas. Premio Jameel"
2022-03-05 10:00 - 2022-07-03 18:30 | Centro Cultural La Moneda, Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago, Chile
Desde el sábado 5 de marzo:
Centro Cultural La Moneda presenta exposición de diseño contemporáneo Inspirada en la tradición islámica, junto al Victoria and Albert Museum y Art Jameel

De poéticas a políticas. Premio Jameel es el nombre de la muestra que aborda la influencia de la tradición islámica en el diseño contemporáneo a través del trabajo de ocho diseñadores de India, Irán, Líbano, Pakistán, Arabia Saudita, los Emiratos Árabes Unidos y el Reino Unido.

Desde el sábado 5 de marzo, en la Sala Pacífico del Centro Cultural La Moneda (CCLM,) se podrá visitar De poéticas a políticas. Premio Jameel, una muestra que exhibe las obras de los ocho diseñadores finalistas de la sexta versión del Premio Jameel, quienes a través de su trabajo abordan la influencia de la tradición islámica en el presente, mediante prácticas como el diseño gráfico, la instalación, el activismo, la tipografía y el diseño textil.
Esta muestra, organizada por el CCLM junto al Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres, en asociación con Art Jameel (Arabia Saudita y Emiratos Árabes Unidos), es el resultado del Premio Jameel 6, que es la primera versión enfocada solo en el diseño contemporáneo y que se presentará de forma inédita en Sudamérica a través de esta exposición.
“De poéticas a políticas. Premio Jameel, presenta el trabajo de ocho diseñadores a través de los cuales recorremos sus biografías y experiencias íntimas, problemáticas locales y universales. Podemos reconocer y relacionar algunas de sus obras con nuestra memoria personal y colectiva, ya que quizás las emociones que habitan nuestras pequeñas historias son un factor común, pues revelan la irrupción de desgarradores procesos sociales, pérdidas, duelos, evidenciando a la vez el anhelo colectivo de bienestar y justicia, asuntos que emergen con fuerza en Chile y en muchas partes del mundo”, destacó la directora del Centro Cultural La Moneda, Beatriz Bustos Oyanedel.
El Premio Jameel es un concurso abierto que hace 12 años es organizado por Art Jameel y V&A para apoyar a artistas que abordan la tradición islámica desde sus prácticas en el presente. Por ello, esta nueva exhibición avanza en la implementación de políticas de interculturalidad y participación que ha llevado a cabo en los últimos años el Centro Cultural La Moneda.
Los ocho diseñadores contemporáneos finalistas de la sexta versión del Premio Jameel que se presentarán en CCLM son: Golnar Adili (Irán), Hadeyeh Badri (Emiratos Árabes Unidos), Kallol Datta (India), Farah Fayyad (Líbano), Sofia Karim (Reino Unido), Jana Traboulsi (Líbano), Bushra Waqas Khan (Pakistán) y el ganador, Ajlan Gharem (Arabia Saudita).
Sobre el Victoria and Albert Museum y el Jameel Prize
El Victoria and Albert Museum (V&A), Londres, Reino Unido, es el principal museo de arte, diseño y performance del mundo. Las colecciones del V&A son inigualables en su alcance y diversidad, abarcando 5.000 años de creatividad humana. El museo se estableció en el año 1852 con el propósito de situar obras de arte al alcance de todos e inspirar a los diseñadores y fabricantes británicos.
La colección del período islámico del V&A es una de las mejores de su tipo en el mundo. Esta surgió porque los fundadores del museo consideraron que el arte y el diseño del mundo islámico eran una fuente de inspiración para los diseñadores británicos del siglo XIX. La Jameel Gallery of Islamic Art (Galería Jameel de Arte Islámico) en el V&A es la principal exhibición de la colección de arte y diseño islámico de este museo, y la renovación de la galería el año 2006 fue financiada por Mohammed Jameel y su familia.
La Galería Jameel celebra la continua relación entre la producción islámica del pasado y las prácticas de los artistas y diseñadores de hoy. Por ello, Mohammed Jameel propuso establecer el Premio Jameel, que desde 2009 ha sido organizado por V&A con el apoyo de Art Jameel y la organización de la familia Jameel para el arte y el patrimonio. El Premio Jameel muestra las formas en que la tradición islámica sigue siendo hoy una rica fuente de inspiración para los artistas y diseñadores contemporáneos.
El Premio Jameel está dirigido a todas las formas de prácticas creativas: escultura, pintura, artes gráficas, moda, arquitectura, así como también, artesanía, diseño y medios digitales. Las postulaciones están abiertas sin límites de edad, nacionalidad, etnia o creencia religiosa. Desde su creación, el Premio ha recibido más de 1.200 postulaciones de artistas y diseñadores de todo el mundo y ha expuesto las obras de sus 56 creadores finalistas por más de 20 países. Esta edición es la primera vez en que el Premio Jameel se ha centrado en el diseño inspirado en la tradición islámica.
Coordenadas
5 de marzo al 3 de julio, 2022.
10:00 a 18:30 horas
Sala Pacífico | Nivel -3
Centro Cultural La Moneda | Plaza de la Ciudadanía 26
Santiago de Chile, Metro La Moneda.
Entrada general: $1500
Estudiantes: $1000
Convenios: $1000
Amigos del CCLM: liberada
Niños menores de 12 años: liberada
Personas mayores de 60 años: liberada
Días martes entrada liberada

"El Canon revisitado. Una mirada al arte europeo desde América Latina"
2022-04-08 12:00 - 2022-08-21 17:30 | Museo Nacional de Bellas Artes, Parque Forestal s/n, Santiago, 3209, Chile
Exposición internacional que revisa 70 obras de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) y el Museo Nacional de San Carlos (México), para reflexionar sobre para reflexionar sobre las ideas y principios del canon occidental que se instauraron en el continente, a través de la circulación de las imágenes.
La curatoría conjunta entre ambas instituciones es parte de un largo y extenso proyecto que, a través de obras realizadas en Europa entre los siglos XVI y XVIII, permitirá comprender de forma crítica las colecciones e imaginarios que estos museos comparten.
La muestra incluye producciones entendidas como universales, elaboradas por artistas como Tintoretto, el Pontormo, José de Rivera, Francisco de Zurbarán o Andrea Vaccaro, entre otros nombres. Son originales y copias que circularon ampliamente por territorios americanos. En ellas se reflejan las grandes exclusiones, como las mujeres. Tal es el caso de Joanna Vergouwen, la única artista presente en la exposición, o la copia de una obra de Ginevra Cantofoli, por más de 300 años atribuida a Guido Reni.
El canon revisitado está organizada en cinco grandes temáticas, que abordan críticamente las piezas seleccionadas: Historia de las colecciones, Estética de la moral y las virtudes, La pictocracia y la jerarquía de los cuerpos y Las copias y la reproducción ideológica del canon. El guión de la muestra podrá escucharse a través de la cuenta de Spotify del Museo.
La exposición incorpora además diversas herramientas de interacción y accesibilidad, como un formulario online con preguntas abiertas que los visitantes podrán contestar, y pantones que dan cuenta de la diversidad de colores de piel existentes en las obras, invitando a reflexionar sobre estereotipos y prejuicios. También incluye videos en lengua de señas chilenas, audiodescripciones para algunas piezas y textos de alto contraste (macrotipo) para personas con discapacidad visual.
La exposición internacional El Canon revisitado. Una mirada al arte europeo desde América Latina, ha recibido más de 100 mil visitantes. En virtud de esta exitosa recepción por parte del público el MNBA cambió la fecha de cierre de la exhibición.
¡Se extiende hasta el 21 de agosto!
A través de un enfoque contemporáneo la muestra revisa críticamente 70 obras del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y del Museo Nacional de San Carlos de México, realizadas en Europa entre los siglos XVI y XVIII.
Esta curatoría conjunta indaga en los imaginarios presentes en ambos museos, para comprender el canon que se instaló en América Latina a partir de la circulación de imágenes.

"En la selva hay mucho por hacer"
2022-04-09 16:30 - 2023-01-29 18:00 | Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Av. República 475, Santiago, Chile
Celebrando el aniversario desde la primera muestra de la entonces incipiente colección del Museo de la Solidaridad en 1972, la exposición En la selva hay mucho por hacer. 50 años MSSA se pregunta por la continuidad y la contingencia de los principios y valores fundacionales que dieron luz al Museo. La curaduría de la exposición está a cargo de la chilena María Berríos, quien fue una de las cuatro curadoras de la reciente 11 Berlin Biennale (2020).
El concepto de “un museo permeable, sin adentro ni afuera” es explorado mediante una museografía transgeneracional que se despliega por todo el edificio del Museo con más de 110 obras, archivos y libros, la mayoría pertenecientes a la Colección MSSA. La selección de obras se centra en piezas menos exhibidas, interrogando sus historias particulares, como también en los silencios y exclusiones de la Colección. Sus piezas dialogan con obras contemporáneas, archivos, libros álbum y gráficas populares. El proyecto de exposición reflexiona en torno a la noción de “antimuseo” que se opone a la reclusión del arte para las élites metropolitanas y la posibilidad de una institución cultural para el pueblo. En la muestra se exploran estas nociones a partir de la creación de espacios intergeneracionales e inclusivos, creando una suerte de biblioteca popular abierta que incorpora un nutrido programa público en otras ciudades del país, que permitirán acercar la Colección del Museo y sus problemáticas a diversos públicos.
El título de la exposición y su conceptualización se basa en el libro álbum En la selva hay mucho por hacer publicado en 1971 por Comunidad del Sur en Montevideo, que cuenta la historia de un grupo de animales que se organizan para asegurar que la riquezas de la selva beneficie a todos. La historia relata la llegada de un cazador que se lleva a los animales al zoológico en la ciudad, y como ellos traman su liberación. El cuento es una fabulación anarquista de la prisión política y la solidaridad interespecies escrita por el uruguayo Mauricio Gatti en un esfuerzo por comunicar, a través de cartas-dibujo a su hija de tres años, los motivos de su reclusión en un recinto militar. Se trata de una fábula contra la reclusión y una celebración de la solidaridad colectiva.
María Berríos (Santiago, 1978) es madre, socióloga, editora y curadora independiente, su trabajo se enfoca en arte y cultura contemporánea en América Latina, y más allá, con especial interés en experimentos culturales colectivos, y movimientos del Tercer mundo entre los 60 y 70. Es cofundadora del colectivo vaticanochico y entre sus curadurías destacadas están la 11 Berlin Biennale (2020), Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre en el MAVI (2017) y Desvíos de la deriva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2010). Actualmente vive y trabaja entre Berlín y Copenhague.
Participantes
Noor Abuarafeh, Marta Adams, Inés Agüero, Jesús Álvarez Amaya, Paula Baeza Pailamilla, Octavio Bajonero, Alexandra Bill, Rafael Canogar, Ernesto Cardenal, Leonora Carrington, Beatriz Aurora Castedo, Bélgica Castro, Ch. Galsahdorj, Santos Chávez, Diane di Prima, Zehra Doğan, Luz Donoso, Artistas El pueblo tiene arte con Allende (José Balmes, Jorge Barba, Gracia Barrios, Francisco Brugnoli, Alfredo Canete, Santos Chávez, Patricio de la O, Delia del Carril, Dino Di Rosa, Gonzalo Díaz, Luz Donoso, Eduardo Garreaud, Patricia Israel, Carmen Johnson, Eduardo Martínez Bonati, Ricardo Mesa, Pedro Millar, José Moreno, Guillermo Núñez, Aníbal Ortizpozo, Julio Palazuelos, Alberto Pérez, Gustavo Poblete, Alfonso Puente, Israel Roa, Fernando Undurraga, Elsa Urzúa, Eduardo Vilches), Virginia Errázuriz, León Ferrari, José Gamarra, Héctor García, Mauricio Gatti, Teresa Gazitúa, Beatriz González, Ernesto González Puig, Grupo experimental de cine (Alfredo Echániz, Gabriel Peluffo, Walter Tournier), Ramón Haití, Hermanos Mayo, Elena Huerta, Francisco Huichaqueo, Miguel Ángel Ibarra, Sarah Jiménez Vernis, Paulina Lavista, Claude Lazar, Nacho López, Clemencia Lucena, Roberto Matta, Leandro Mbomio, Emilio Miguel, Joan Miró, Teresa Montiel, Óscar Fernando Morales Martínez, Akila Mouhobi, Mujeres Guna de la Comarca de Guna Yala, Ngo Quang Nam, Guillermo Núñez, John Phillips, Joan Rabascall, Torsten Renqvist, Naomi Rincón Gallardo, Victoria Santa Cruz, Serigrafía Instantánea, Taller 4 Rojo (Diego Arango, Nirma Zárate), Tapio Tapiovaara (Tapsa), María Teresa Toral, Jiri Trnka, José Val del Omar, José Venturelli, María Helena Vieira da Silva, Eduardo Vilches, Maximiliano Mamani (Bartolina Xixa).
Libros-álbum/ Picture books
Mauricio Amster, Patricia Ayelef, Daniel Blanco Pantoja, Jairo Buitrago, José Calandín, Leonora Carrington, Beatriz Aurora Castedo, Centro Chileno Nórdico de Literatura Infantil (Libro Alegre), Belén Chávez, Eusebio Cimorra, Adolfo Córdova, Junot Díaz, Leo Espinosa, María José Ferrada, Armando Fonseca, Luis Garay, Carolina Garrido, Mauricio Gatti, Mónica Hughes, José Tomás Ibarra, María Lara, Jessica Love, José Manuel Mateo, Javier Martínez Pedro, Rocío Martínez, Amanda Mijangos, Gastón Norambuena, Ana Penyas, Ariel Rojas Lizana, Sol Rojas Lizana, Francesca Sanna, Francisca Santana, Subcomandante Marcos, José Val del Omar, Jóvenes de la cárcel de menores de Limache, María Elena Valdez, Atahualpa Yupanqui.
Colaboradores
Alboroto Ediciones, Archivo General de la Universidad (AGU) y Cinemateca Uruguaya, Archivo Guillermo Ñúñez, Colectivo Serigrafía Instantánea, Escuela de Diseño de la Universidad Diego Portales, Fundación Pablo Neruda, Fundación Salvador Allende, Generalitat Valencia + Instituto Valencia, Odin Teatret Archives y Odin Teatret Film, Orjikh Editores, Textileras MSSA.
El primer piso de la exposición estará abierto hasta el 29 de enero de 2023. Mientras que el segundo piso cierra el 7 de agosto de 2022.
Días domingo es gratis para todo el público, 10 a 18 horas.

"Paul Klee en Chile"
2022-04-12 10:00 - 2022-07-31 18:30 | Centro Cultural La Moneda, Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago, Chile
Paul Klee en Chile: Centro Cultural La Moneda presenta exposición retrospectiva del artista suizo

A través de dibujos, pinturas, acuarelas, títeres, fotografías, documentos y herramientas de su taller, la muestra, realizada en conjunto con Zentrum Paul Klee de Berna, exhibirá no solo su faceta como artista, sino que también el lado más humano e íntimo de uno de los referentes más importantes del arte moderno de la primera mitad del siglo XX.

Dos años lleva trabajando Centro Cultural La Moneda (CCLM) con el Zentrum Paul Klee en Berna. La institución suiza alberga la mayor colección de obras del artista, cuya principal producción fue el dibujo, y junto al Centro han preparado una exposición que traerá por primera vez al maestro del arte moderno a Chile, con una retrospectiva que aborda sus diferentes facetas.
“Ya que es la primera exposición de Paul Klee en Chile decidimos hacer una retrospectiva. Quisimos mostrar obras de diferentes épocas, dibujos de su infancia hasta uno de los últimos cuadros que hizo antes de morir. La idea es mostrar diversos aspectos, cómo fue evolucionando su trabajo, y también ir recogiendo algunos aspectos que son muy importantes para su obra artística, todo en forma más o menos cronológica, para explorar a Paul Klee”, relata la curadora jefa y directora de Colección, Exposiciones e Investigación del Zentrum Paul Klee en Berna, Fabienne Eggelhöfer.
La exposición tendrá 107 elementos entre obras, notas de clase, títeres, dibujos, pinturas, acuarelas, fotografías, documentos y herramientas del taller de Paul Klee, revelando aspectos nuevos y desconocidos de su personalidad y trabajo, que permite presentar al artista que experimentó contextos históricos como la Primera Guerra Mundial, el ascenso del nazismo y la censura.
“Podemos considerar a Paul Klee un maestro por su capacidad para tocar temas complejos y hacerlos universales”, afirma la directora del CCLM, Beatriz Bustos Oyanedel, al referirse a una de las secciones de la exposición llamada 1933, que muestra cómo Paul Klee utilizó el dibujo para dar cuenta y dejar testimonio de las violaciones a los derechos humanos llevadas a cabo sistemáticamente previo a la Primera Guerra Mundial y que lo llevó a emigrar desde Alemania a Suiza. “Estos asuntos nos permiten establecer un vínculo con nuestro contexto histórico, reforzando el compromiso que tenemos en CCLM con la reflexión y los derechos humanos, que es uno de nuestros lineamientos curatoriales”, explica.
Además de la sección 1933, la muestra despliega otras siete secciones que son el resultado de la investigación curatorial que indagó en escritos, testimonios, historias personales y diversas fuentes de información, para generar una propuesta que aborda no solo la trayectoria artística de Klee, sino que también su lado más humano e íntimo. Así, la sala de exhibiciones se organiza en: Infancia, Naturaleza, Abstracción, Teatro, Bauhaus, 1933, Ángeles y Reducción, mostrando diferentes momentos y contextos de la vida y obra del artista.
“La investigación que se realizó para la exposición es un ejercicio que reafirma la importancia de contar y visibilizar diferentes fuentes, donde las pequeñas historias son indispensables para presentar a un artista y su obra de manera integral. Aquí, se da cuenta de que un artista no es ajeno a su obra, como no lo es a todos los sucesos de su vida”, precisa la directora del Centro Cultural La Moneda, Beatriz Bustos Oyanedel, respecto a la curaduría de Fabienne Eggelhöfer.
Una de las fuentes de inspiración y de creación de Paul Klee fue la naturaleza. Desde muy joven buscó copiar el entorno natural, pero luego comenzó a estudiar y analizar el crecimiento de la naturaleza. “Él siempre dijo que el trabajo artístico debe crecer como plantas; no están solamente ahí, sino que se convierten, se transforman. Para Klee, el proceso era más importante que el resultado. Él creaba su arte pensando en el crecimiento, en lugar de solo plasmar algo específico”, indica Eggelhöfer en relación a esta sección de la exposición que expondrá siete dibujos realizados con lápiz sobre papel, dos grabados y dos pinturas.
“Ha sido muy importante el énfasis que destaca la curadora en el eje de la Naturaleza, ya que nos permite, junto a aquellos bocetos y dibujos naturalistas, destacar uno de los asuntos que nos hemos propuesto abordar con urgencia en el CCLM: la importancia del cuidado del medioambiente y la relevancia de la naturaleza. Asunto que ampliamos a través de las acciones que se llevan a cabo desde el área de Aprendizajes a raíz de esta exposición”, enfatiza Beatriz Bustos Oyanedel, quien destaca la conexión de esta exhibición con los contextos que vive Chile y el mundo en el último tiempo.
“Es un aporte a la academia y los aprendizajes”
La exposición y la investigación curatorial que la antecede ofrecen la posibilidad de mostrar a un artista conectado con sus tiempos, muy estudioso y que fue fundamental en fomentar el aprendizaje de los procesos en torno al dibujo, las técnicas pictóricas y la teoría del color. Paul Klee fue profesor de la Bauhaus y uno de los protagonistas de la vanguardia alemana, ya que Wassily Kandinsky le presentó a Franz Marc y a los artistas del Jinete Azul (Der Blaue Reiter), entre otros, vinculándolo así con la escena artística progresista.
“Él no era solamente un genio capaz de crear estas fantásticas obras, sino que estudiaba muchas cosas; movimientos de arte contemporáneos alrededor del mundo, como el cubismo o constructivismo, y al a vez quería inventar algo nuevo a partir de los orígenes del arte; mirar los dibujos de los niños, las raíces del arte prehistórico, el art brut y, por supuesto, el arte fuera de Europa”, señala Fabienne Eggelhöfer.
En la misma línea, desde el CCLM detallan que esta exposición permitirá ampliar la mirada sobre el artista y la propuesta de Aprendizajes, que incluye materiales didácticos, talleres y recorridos que configuran un aporte a la difusión de la creación de Paul Klee, sus técnicas, conocimientos y visión de su entorno. “Esta exposición nos desafiará a poner en duda lo ya aprendido. La curaduría es un aporte a la academia y al aprendizaje, ya que no solo sabremos más sobre Paul Klee y la historia del arte, sino que además constataremos que las historias son asuntos plurales de sentido”, expresa Beatriz Bustos Oyanedel.
Al igual que el CCLM, el Zentrum Paul Klee espera que a través de esta exposición se puedan establecer puentes de diálogo y conocer nuevas opiniones sobre el artista. “Queremos escuchar a los públicos chilenos, a los académicos, a los artistas y a quienes visiten esta retrospectiva y que a través de esas conversaciones podamos aprender de sus experiencias”, enfatiza Fabienne Eggelhöfer.
La exposición estará abierta desde el 12 de abril hasta el 31 de julio y las personas podrán asistir de martes a domingo entre las 10:00 y las 18:30 horas. Asimismo, desde el sitio www.cclm.cl se podrá acceder a material de Aprendizajes, reserva de tickets para la sala de exhibiciones y cupos de talleres, además de solicitar recorridos especiales para escuelas, instituciones de educación superior y otras organizaciones que quieran conocer la muestra de Paul Klee en Chile.
Días martes entrada gratuita previa reserva aquí

MAC Setenta y Cinco Años
2022-05-03 18:30 - 2022-07-09 17:30 | Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Santiago, Chile
MAC inicia las celebraciones de su aniversario n°75 con exhibiciones que cruzan arte, ciencia y política

El Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile inaugura en su sede de Parque Forestal nueve exhibiciones de diversos artistas, reafirmando su rol de museo universitario, promoviendo la interdisciplinariedad y el diálogo entre arte, ciencia, naturaleza y cuestiones políticas.

El evento, programado para el martes 3 de mayo, marca el puntapié inicial de las celebraciones enmarcadas en el aniversario n°75 del museo, fundado el 15 de agosto de 1947.

Inauguración: 3 de mayo. 18.30h
MAC Parque Forestal
Ismael Valdés Vergara 506
El Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile celebra la inauguración de nueve exhibiciones en su sede de Parque Forestal. Se trata de una selección de muestras de artistas nacionales e internacionales que reafirman la labor de museo universitario del MAC, promoviendo la interdisciplinariedad, y las relaciones entre arte, política y ciencia.
Esta inauguración, programada para el martes 3 de mayo, inicia las celebraciones del aniversario número 75 del museo, fundado el 15 de agosto de 1947. “Estamos muy felices de iniciar las celebraciones de un nuevo aniversario MAC, el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Queremos reforzar la idea de un museo universitario comprometido con el desarrollo del conocimiento y con el innegable cuestionamiento a nuestra contemporaneidad. Las exhibiciones de este primer periodo, el cual abriremos en mayo, proponen diversas miradas sobre cómo el arte contemporáneo de víncula con sus contextos, ya sean políticos, sociales y los saberes que permiten desde diversos procesos de investigación y creación, explorar los enigmas de nuestro tiempo. Hay investigaciones vinculadas a las ciencias, a la geología, a lo político”, cuenta Daniel Cruz, director del MAC quien en mayo cumple su primer año en la dirección del museo. “Además, tenemos diversos hitos que se presentarán durante el año para reforzar la idea de un museo anclado en los diversos procesos culturales y en la comprensión de mundo desde el pensamiento sensible que emerge de la práctica artística”, agrega el director.
Estas nueve exhibiciones se suman a otras tres muestras inauguradas recientemente en MAC Quinta Normal. La entrada a ambas sedes, como siempre, es gratuita. “Queremos que venir al MAC sea una instancia de aprendizaje y de cuestionamientos amplios. Esta temporada de exhibiciones, en ambas sedes del museo, se configura como un muestrario de los imaginarios por los que transitan los artistas hoy, desde diversas disciplinas y focos de interés, dando cuenta de procesos de investigación de larga data como también de exploraciones materiales que sustentan el campo poético, exploratorio y crítico del arte situado en la contemporaneidad”, cuenta el director.
Arte, ciencia y naturaleza desde una mirada austral
Entre las muestras que se inaugurarán destaca un eje que explora las posibilidades del arte contemporáneo en diálogo con la ciencia, la naturaleza y extensos trabajos exploratorios. Una de estas exhibiciones es Terra Ignota del artista chileno Nicolás Spencer. La muestra, curada por Alessandra Burotto, corresponde a una serie de investigaciones artístico-científicas en estrecha relación con las comunidades nativas de la Región de Magallanes y la Antártica Chilena. Este proyecto releva un trabajo iniciado en 2015, que en esta ocasión exhibe una serie de instalaciones escultóricas/espaciales, obras sonoras y mediáticas basadas en la investigación transdisciplinaria; además de elementos de archivo y resultados de investigación.
Por otra parte se presenta Efecto Pichillancahue exhibición que evidencia un trabajo de recopilación y documentación de Ignacio Bahna, curado por Mariagrazia Muscatello, en torno a la relación entre el glaciar Pichillancahue en la Región de la Araucanía y el macizo volcánico Rukapillan. Tras su última erupción, Bahna comenzó a documentar el proceso de deshielo del glaciar dando cuenta de la reducción de su extensión, presentándose como un territorio complejo, geológica y políticamente.
En esa misma línea Hidropoética 2012-2022, de Sandra Ulloa y Nataniel Álvarez, Colectivo Últimaesperanza, exhibe una serie de archivos fotográficos, sonoros y audiovisuales. Con la curatoría de Rodolfo Andaur se presentan acciones que fusionan ciencia y nuevos medios enfatizando en la protección de los hielos eternos que yacen en gran parte de los territorios terrestres y marinos del extremo sur del continente.
Cerrando este eje se encuentra Delira de Nicole L’Huillier. Se trata de una muestra de la Colección MAC. Delira consiste en una instalación que utiliza componentes electrónicos hechos de metal, madera, materiales sintéticos y cerámica, que juntos se aúnan en una sola pieza. Esta obra es una celebración sonora en la cual, a través de una composición musical dedicada a la constelación Lyra, se construye un espacio de cacofonías y vibraciones.
Una reflexión crítica de lo sociopolítico
En tanto, otro eje de exhibiciones transita por imaginarios en torno a cuestiones y sucesos sociopolíticos. Se trata de artistas que han basado su trabajo en vivencias propias, ya sea en torno al género, la guerra, la reflexión en torno al encierro por la pandemia o los vínculos genealógicos.
Entre estas exhibiciones se encuentra Boris Lurie: NO!art pin-ups, excremento, protesta, jew art, curada por Mariagrazia Muscatello y Montserrat Rojas. La exhibición, la única internacional del periodo, se centra en el trabajo del artista visual, escritor y poeta Boris Lurie. Su trabajo, compuesto por collages, pinturas y esculturas, fue una forma de protesta contra el arte pop y el expresionismo abstracto que en los años sesenta dominaban el circuito cultural y de mercado en Estados Unidos. En esta década, junto con Stanley Fisher y Sam Goodman, fundó el movimiento NO! Art. Para Lurie, «NO» significaba poner en discusión el estatus quo, proponiendo un arte políticamente comprometido que exigía una acción social. Su vida se vio profundamente afectada por el Holocausto y su trabajo se vincula a esta experiencia.
Por otra parte, OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información, curada por Alejandro de la Fuente, exhibe parte del archivo personal del artista Hernán Parada. Las obras, en su mayoría inéditas, abordan la desaparición y los abusos a los Derechos Humanos ocurridos durante la dictadura militar chilena. Gran parte del trabajo de Parada, está marcado por la desaparición de su hermano Alejandro en 1974.
En Tocar el tiempo, María de los Ángeles Cornejos propone una mirada desde el espacio íntimo del hogar. Con obras gráficas-textiles, la artista utiliza como punto principal una ventana. Es así como a través de la fotografía, busca capturar esta imagen interviniéndola con un bordado para construir una relación íntima con el espacio.
Desde otra vereda, Cosima zu Knyphausen presenta Pinturas de género, muestra que hace alusión al término que consiste en la representación pictórica de escenas de la vida cotidiana. Esta categoría dentro de la historia del arte y su jerarquía académica, es considerada de un grado menor, junto con el paisaje y el bodegón, y a través de óleos la artista busca cuestionar esta premisa.
Cerrando este eje, el cineasta Nicolás Superby nos invita a explorar el pasado del edificio que alberga MAC Parque Forestal. En María y los espíritus, se revelan archivos filmados por la familia del cineasta, además de cartas y diarios de su bisabuela María Tupper (1896-1965), pintora y artista chilena que dedicó gran parte de su vida a la búsqueda espiritual, lo que la llevó a realizar ejercicios rosacruces para salir del cuerpo en alma y contactarse con espíritus, en las mismas salas que albergan estas exhibiciones.
La inauguración en MAC Parque Forestal se desarrollará el próximo martes 3 de mayo a las 18.30h en Ismael Valdés Vergara 506. La entrada es liberada y sin previa inscripción. Se pedirá pase de movilidad al ingresar.
Museo de Arte Contemporáneo

Sede Parque Forestal

Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.
Horarios:
11:00 a 16:00 horas, martes a viernes
11:00 a 17:30 horas, sábado
Entrada liberada

"OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información"
2022-05-03 18:30 - 2022-07-09 17:30 | Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Santiago, Chile
MAC Parque Forestal presenta primera exhibición individual de Hernán Parada González con obras inéditas

La muestra, curada por Alejandro de la Fuente, cuenta con fotografías, registros de performance, documentos y objetos personales del artista. Además, incluye la obra Obrabierta A, que forma parte de la Colección MAC desde el 2010. Gran parte del trabajo del artista inicia conceptualmente a partir de la desaparición de su hermano Alejandro Parada en 1974.

OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información releva la trayectoria artística de Parada y además visibiliza la historia de violencia político-social que vivió Chile durante la dictadura, recalcando la importancia de la memoria y la defensa de los derechos humanos como consigna.

Muestra: OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información
Lugar: MAC Parque Forestal
Fecha: 4 de mayo – 9 de julio
El Museo de Arte Contemporáneo presenta OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información de Hernán Parada, curada por Alejandro de la Fuente en su sede de Parque Forestal. Esta muestra exhibe, de forma inédita, una selección de archivos y fotografías del artista. Las obras de esta primera exhibición individual de Parada abordan la desaparición de personas y los abusos a los Derechos Humanos ocurridos durante la dictadura militar chilena.
Gran parte del trabajo artístico de Parada, en su mayoría performances y registros fotográficos de estas, está marcado por la desaparición de su hermano Alejandro en 1974. Permanentemente ha trabajado su ausencia, articulando un cuerpo ficticio y temporal con el fin de representar esta desaparición. En su trabajo se puede ver cómo el artista ocupaba una imagen del rostro de su hermano como máscara, poniendo su cuerpo a disposición de la memoria de un otro que ya no está presente.
»Para mí, esas acciones fueron el paso siguiente para buscar información sobre mi hermano desaparecido. Con el uso de una máscara cubriendo mi rostro, yo intenté prestar mi cuerpo a Alejandro; quise y planeé expresar lo que él desearía preguntar y arengar. Fueron performances muy emocionales para mí, cada vez que lo hacía se agregaba un peso de extraños sentires. Me fue costando cada vez más el realizar estas acciones”, cuenta el artista.
“Las obras de esta muestra hablan sobre un pasado reciente doloroso y difícil de procesar. No obstante, creo que a través de las artes visuales es posible acercarse a hechos del pasado desde otras miradas. Los aspectos violentos como la desaparición forzada, los secuestros y las torturas ocurridas durante la dictadura militar de Pinochet, contrastan con la suavidad y el afecto presente en el trabajo de Hernán Parada, así como, con la organización de la Agrupación de Familiares de Detenidos Desaparecidos”, destaca el curador, Alejandro de la Fuente.
El título de la muestra tiene su origen en un documento mecanografiado en 1983 donde Hernán Parada González señala los tres factores que están presentes en sus trabajos: el tiempo, la vida y la información. Según de la Fuente: “Esto da cuenta de la necesidad de preservar una memoria material. En efecto, Parada acumuló y conservó una fracción del repertorio visual de una época. Más allá de su archivo personal y de la diferencia de estatuto entre documentos de archivo y piezas de colección de museos. Los archivos son fuentes de poder y contrapoder que de manera performativa inciden en la vida cotidiana de las personas ya sea a través de su valor probatorio, testimonial o histórico-cultural”.
Además de las fotografías y archivos de Hernán Parada, esta muestra incluye la obra de la Colección MAC, Obrabierta A, una instalación que inicia conceptualmente luego de la desaparición de su hermano. Como lo indica el título se trata de un trabajo que está constantemente en proceso y desarrollo, mientras su hermano siga desaparecido. Esta instalación se compone de material biográfico y documentación, incluyendo fotografías, escritos y objetos personales.
“Esta muestra es un sueño hecho realidad, gracias a Alejandro de la Fuente, el curador. El poder exhibir todo el trabajo en relación a este concepto de Obrabierta y la influencia en el desarrollo de la misma, es una gran potencialización de todo aquello realizado en varios años, desde 1979 al 1987. Realmente me siento muy feliz por esta exhibición”, destaca el artista Hernán Parada.
OBRABIERTA: El tiempo, la vida, la información releva la trayectoria artística de Hernán Parada, y además visibiliza la historia de violencia político-social que vivió Chile durante la dictadura, recalcando la importancia de la memoria y la defensa de los derechos humanos como consigna.
Museo de Arte Contemporáneo Sede Parque Forestal.
Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.
Horarios:
11 a 16 hrs, martes a viernes.
11 a 17.30 hrs, sábado.
Entrada liberada

“La Transformación de Santiago. A 150 años del plan de Vicuña Mackenna"
2022-05-05 10:00 - 2022-07-29 16:00 | Museo Nacional Benjamín Vicuña Mackenna, Museo Benjamin Vicuña Mackenna, Santiago, Chile
Exposición Temporal
“La Transformación de Santiago. A 150 años del plan de Vicuña Mackenna»
En 1872 Benjamín Vicuña Mackenna asumió como Intendente de Santiago, imponiéndose el desafío de su transformación. 150 años después, el Museo Benjamín Vicuña Mackenna y el proyecto de investigación Fondecyt Regular N° 1191393, patrocinado por la Pontificia Universidad Católica de Chile y financiado por la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo (ANID), inauguran esta muestra que conmemora tan inigualable iniciativa.
El 20 de abril de 2022 se cumplieron 150 años desde que Benjamín Vicuña Mackenna asumiera como Intendente de Santiago y dos semanas después, el miércoles 4 de mayo, se realizó la inauguración de esta exposición temporal. La apertura se llevó a cabo con aforo reducido debido a las condiciones sanitarias, pero ya se encuentra abierta al público para que todas y todos puedan disfrutarla.
En la exposición se pueden apreciar diversos materiales gráficos que dan cuenta de la transformación urbana de Santiago realizada por Vicuña Mackenna, producidos en el contexto del proyecto de investigación Fondecyt, “Santiago 1875. Desmontando el plano de Ernesto Ansart y el plan de transformación de Benjamín Vicuña Mackenna: entre la modernización de la ciudad capital y el emergente urbanismo residencial” dirigido por el investigador Germán Hidalgo y los co-investigadores José Rosas, Wren Strabucchi y Macarena Ibarra, además de un equipo interdisciplinario.
La investigación analizó el plano de Santiago de 1875, del ingeniero Ernesto Ansart, quien fue contratado por Vicuña Mackenna para esta tarea. Además, se estudiaron los textos redactados por el Intendente y sus colaboradores, traduciéndolos a un lenguaje gráfico. Todo lo anterior, con el propósito de develar y comprender la ciudad que Vicuña Mackenna se propuso transformar y de precisar la índole de sus principales proyectos.
El académico Germán Hidalgo señala que “además del nuevo conocimiento generado en torno al plano de Ansart, una cartografía urbana pionera de Santiago por su alta precisión y rigor técnico, la investigación pudo profundizar en el conocimiento de la realidad urbana de la época, de un modo cartográfico, hasta ahora inédito, que permitió fijar una imagen de Santiago en 1872”.
Una imagen de la misma ciudad que entre expectación, duda y desconcierto recibió el plan de veinte puntos de transformación ideado por Vicuña Mackenna y comunicado dos días después de asumir el cargo, el 22 de abril de 1872, ante la Ilustre Municipalidad de Santiago. Entre aquellos veinte puntos destacaba la canalización del río Mapocho, la transformación de los barrios del sur, un camino de cintura, la construcción de un paseo en el cerro Santa Lucía, la creación de 18 plazas y plantación de 2.000 árboles, además de la creación de nuevas escuelas, la regulación de las casas de prendas, la organización de la policía y la búsqueda de agua para abastecer la ciudad, entre otros muchos proyectos.
Para Vicuña Mackenna, se trataba de “de ser ciudad o de ser potrero”, dado lo cual decidió asumir “la grave responsabilidad de ofreceros en un plazo, más o menos breve, un plan que entonces, y tal vez con alguna temeridad, me atreví a denominar: “la transformación Santiago” (En: Benjamín Vicuña Mackenna. La Transformación de Santiago, 1872).
Ricardo Brodsky Baudet, director del museo, señala que “esta exposición nos permite ver el inmenso papel que jugó Vicuña Mackenna para definir el carácter de nuestra ciudad de Santiago en las décadas iniciales de la república. El plano Ansart es mucho más que un plano de la ciudad, es una obra de la imaginación y del rigor científico y urbanístico, una verdadera obra de arte”.
La exposición estará abierta al público entre el jueves 5 de mayo y el 29 de julio de 2022 en la sala de muestras temporales del Museo Benjamín Vicuña Mackenna, ubicado en Av. Vicuña Mackenna 94, a pasos del metro Bustamante. Entrada liberada.

"Estilos de encuadernación artesanal y artística en la colección de la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica"
2022-05-12 12:00 - 2022-08-27 14:00 | Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica, Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica, Santiago, Chile
Exposición saca a relucir destacadas encuadernaciones artesanales y artísticas de la BPRD
El 12 de mayo se inaugurará la muestra, que permanecerá hasta fines de agosto, y permitirá a los visitantes observar de cerca libros hechos a mano, a través de técnicas y estilos históricos.
Los lectores de hoy casi no conocen los libros encuadernados artesanalmente y mucho menos saben que, antes de que el mundo editorial se industrializara, la encuadernación era un verdadero arte en sí misma. En la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica (BPRD) es posible encontrar ejemplares únicos, trabajados con técnicas antiguas por artesanos y especialistas de distintas épocas y lugares.
A partir del 12 de mayo y hasta el 26 de agosto, la comunidad podrá apreciar de cerca estos auténticos tesoros bibliográficos, en la exposición temporal «Estilos de encuadernación artesanal y artística en la colección de la Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica», realizada por el equipo de investigadoras compuesto por la encuadernadora Elizabeth Gallegos, la gestora cultural Pamela Tighe y la periodista Victoria Ramírez, ganadoras de un proyecto Fondart 2020.
La directora de la BPRD, Raquel Abella, destaca que “para nuestra institución es sumamente gratificante poder abrir estos espacios a la comunidad y llevar estos conocimientos a todas las personas interesadas. El fondo de la Biblioteca tiene muchas joyas para sorprendernos, y esta exposición ha logrado identificar un importante número de ellas”.
Las especialistas en la materia seleccionaron alrededor de ochenta ejemplares que destacan por su belleza, trabajo, novedad y otras características que se explicarán en la muestra. Así, conceptos como «pasta española», «encuadernación holandesa», «pergamino» o «cantos decorados» saldrán de las estanterías para formar parte del conocimiento del público general, pues el objetivo de la exposición es difundir el oficio y los estilos de encuadernación que han marcado la historia de cada época, tanto en el soporte como en la estructura material y la decoración y elementos ornamentales.
Elizabeth Gallegos, quien lidera el equipo de investigación, relata que durante el proceso curatorial “en la colección de la Biblioteca pudimos encontrar desde ejemplares que datan del siglo XVI hasta algunos más recientes. Es sorprendente cómo estos libros parecen hablarnos: según el estilo en que estén encuadernados podemos intuir dónde fueron confeccionados, el tipo de artesanos que los intervino, si son encuadernaciones originales o si fueron intervenidos o reparados posteriormente. Gracias a esta exposición podemos construir, o al menos comenzar a trazar, un nuevo capítulo en la historia de esta disciplina”.
Históricamente, la encuadernación se vincula al libro y al trabajo de antiguos maestros artesanos, considerando que las instancias de formación y difusión sobre esto son, en general, escasas. Esta muestra permitirá situar históricamente esta disciplina a través de la exhibición de diversos estilos y tipos de encuadernaciones artesanales.
Cabe destacar que, en el marco de este proyecto, también se realizará un Seminario Internacional de Encuadernación, que contará con destacadas expositoras y expositores de distintas latitudes, a través de Zoom.
Inauguración Exposición temporal:

Cuándo: 12 de mayo de 2022, 12:00 horas.
Dónde: Biblioteca Patrimonial Recoleta Dominica. Av. Recoleta 683, Recoleta (metro Cerro blanco).
Evento para todo público, se requerirá pase de movilidad.
Estacionamientos disponibles.

Horarios de Exposición: Desde el 13 de mayo al 26 de agosto, de martes a viernes, de 10:00 a 17:00 horas.
También tendremos una apertura extraordinaria con motivo del cierre de esta muestra, el sábado 27 de agosto, de 11:00 a 14:00 horas.

"Concéntricos"
2022-05-12 12:00 - 2022-07-31 17:30 | Museo Nacional de Bellas Artes, Parque Forestal s/n, Santiago, 3209, Chile
Concéntricos, la exhibición individual de la artista chilena Liliana Iturriaga, que se inaugura este jueves 12 de mayo a las 12:00 h.
Con la curatoría de Patricio M. Zárate, la autora apela al mundo sensible a través de un vibrante universo cinético, conformado por artefactos originados en el gesto lineal y traspasados industrialmente al formato tridimensional, una serie de pinturas geométricas y una proyección audiovisual con efecto 3D.

"Post Tenebras Lux"
2022-05-12 19:00 - 2022-06-30 19:00 | Centro de Extensión UC, Av Libertador Bernardo O'Higgins 390, Santiago, Chile
Pinturas y collages recientes del artista visual egresado de la Escuela de Arte UC Víctor Mahana, que proyectan un tránsito por la identidad personal y colectiva; el miedo, la oscuridad, la incertidumbre, la muerte y la vida.
Inauguración Jueves 12 de mayo, 19 horas.
Muestra abierta hasta el 30 de junio de 2022.
Lunes a viernes, 10 a 18 horas.

"Fuera de norma: Pintura ingenua en Chile"
2022-05-14 10:30 - 2022-07-17 19:00 | Corporación Cultural de Las Condes, Apoquindo 6570, Santiago, Chile
“Como palomas inmunes a terremotos y pandemias de toda especie, imperturbables ante irrupciones de nuevas tendencias y quiebres de lo tradicional, también los pintores ingenuos chilenos de cualquier época transitan solitarios en medio de los agitados tiempos que han conocido los dos últimos siglos. Su visión candorosa e individualista del mundo los impermeabiliza. El gozo de volcar sobre la tela la visión inmediata les resulta demasiado urgente. Y para llevarlo a cabo les basta el propio instinto”.
Así define el crítico de arte Waldemar Sommer a los artistas ingenuos o naif chilenos en el libro Ingenuidad y creación, que la Corporación Cultural de Las Condes y Ediciones UC presenta oficialmente el sábado 14 de mayo, a las 12:30 horas, en el Centro Cultural Las Condes.
En la oportunidad, se inaugura la muestra Fuera de norma, que reúne alrededor de cuarenta obras de catorce autores fundamentales de la pintura ingenua, incluidos en el libro, e incorpora una selección de la Fundación Bordadoras de Isla Negra.
Integran la muestra Julio Aciares, Armando Arcos, María Luisa Bermúdez, Ivonne de Bernales, Dorila Guevara, Luis Herrera Guevara, Víctor Inostroza, Alberto Jerez, Juana Lecaros, Federico Lohse, María Mohor, Carlos Paeile, Arturo Rojo y Fortunato San Martín, y las bordadoras Teresa Ureta, Francisca Llanca y Narcisa Catalán.
Como señala Waldemar Sommer, “cada uno de los autores aquí seleccionados constituye un mundo aparte, cerrado en sí mismo y carente del más mínimo interés por mirar o tomar en cuenta la obra de cualquiera de sus colegas, ni mucho menos considerar las más influyentes orientaciones plásticas del momento”.
Las obras expuestas pertenecen al Banco Central; Museo Nacional de Bellas Artes; Fundación María Mohor; Museo de Arte Popular Americano y el Museo de Arte Contemporáneo, ambos de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Fundación Bordadoras de Isla Negra, Fundación Lustro, Galería Modigliani y colecciones particulares.
Waldemar Sommer se tituló de ingeniero agrónomo en la Pontificia Universidad Católica de Chile en 1955 y durante veinticinco años se dedicó a la práctica de su profesión. Luego, en la década del sesenta, siguió estudios de arte en la Universidad de Chile con los profesores José Balmes, Gracia Barrios, Martínez Bonatti, Alberto Pérez y Romolo Trevi. Durante los años setenta inició su labor como crítico en la revista Qué Pasa. Desde 1975 hasta la actualidad es el crítico de artes visuales de “Artes y Letras” del diario El Mercurio, donde ha publicado más de 1600 columnas.
Participó en el libro Galería personal, editado junto a Verónica Waissbluth (2008); y en A todo arte (Edit. Universidad de Talca), editado por Cecilia Valdés (2018). Es autor del libro Arte en viaje (2019) y ahora Ingenuidad y creación, ambos de Ediciones UC.
14 de mayo al 17 de julio de 2022.
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.
Cerrado por sanitización, 14:00 a 15:00 horas.
Entrada liberada con Pase de Movilidad habilitado mayores de 12 años.
Av. Apoquindo 6570.

“Cuando el paisaje se representa a sí mismo”
2022-05-18 09:00 - 2022-07-15 17:00 | Sala Gasco Arte Contemporáneo, Santo Domingo 1061, Santiago, Chile
LA SEGUNDA EXPOSICIÓN DEL AÑO DE SALA GASCO PRESENTA:
“CUANDO EL PAISAJE SE REPRESENTA A SÍ MISMO”: LA TEMPERATURA COMO FACTOR PRINCIPAL DE LA IMAGEN
A partir de mediados de mayo, Sala Gasco Arte Contemporáneo presentará el trabajo fotográfico de Patricia Novoa, quien desde 2017 comenzó su proyecto en torno a la temática del paisaje.
La exposición recoge fotografías de lugares históricos y varios de ellos declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, pero con un estilo único, donde la luz pierde relevancia, siendo la temperatura el eje central de cada imagen.
El miércoles 18 de mayo comenzará la segunda exhibición del año en Sala Gasco, llamada “Cuando el paisaje se representa a sí mismo”. La exposición reúne diversas fotografías tomadas por Patricia Novoa, fotógrafa y artista visual de la Universidad Católica. En su obra, Patricia muestra un compendio de 54 fotografías de paisajes de lugares históricos de Chile e Italia, en donde éstos fueron fotografiadas con película infrarroja, siendo la temperatura del lugar el componente principal y no la luz como principio básico de formación de la imagen fotográfica.
“Esta exposición es una muestra de un proyecto en proceso, en la cual no hay una idea preconcebida, sino que las lecturas de las imágenes pueden ser diversas, como diverso es el público que las observa”, explica Novoa. Además, puntualiza que el nombre que recibe la obra hace referencia a la forma de cómo son capturadas estas imágenes y un resultado no predecible.
En ese sentido, esta obra viene a coronar una destacada trayectoria de la artista visual, que en el transcurso de los años, ha sorprendido con sus diversas entregas. Dentro de ellas, se encuentra, “Vestigios y huellas en el paisaje chileno”, una colección de paisajes chilenos que se realizó en un periodo de 17 años. A este trabajo se le suma la obra “Retrato de familia”, la cual evidencia el registro fotográfico de los integrantes de su familia cada 10 años, bajo el mismo escenario y con las mismas poses, hasta alcanzar los 50 años de historia. Este proyecto se desarrolla en una casa abandonada en Quinta Normal que ha ido evolucionando también con el paso del tiempo.
Dicho esto, esta nueva entrega «Cuando el paisaje se representa a sí mismo», mantiene los códigos de la fotografía documental, en lo que respecta al tipo de composición y encuadre. Ahora bien, en esta obra, se realizaron capturas con tecnología sensible a la temperatura, lo que produjo imágenes termográficas que muestran una cara misteriosa de los reconocibles lugares. Para ello, la fotógrafa utilizó material infrarrojo de longitud de onda alrededor de los 900 nanómetros, en donde los resultados en su visualidad pueden ser cercanos al dibujo o al grabado como herramientas de representación de paisajes.
Si bien es cierto que este tipo de material se utiliza comúnmente en labores relacionadas con la ciencia, Novoa ha conseguido experimentar, desde un enfoque artístico, las emulsiones, los tiempos de exposición y el proceso de revelado, logrando de esta manera, impresiones azarosas e impredecibles, generadas por el proceso del calor sobre la película.
“He trabajado durante muchos años con material infrarrojo y el primer pensamiento que se te viene después de un fracaso, fue como tener al menos un poco de control en el resultado de las imágenes, ya que a diferencia de los trabajos anteriores que eran retratos, estos se “iluminaban” con fuentes que generaban mucho calor, por lo tanto eran controlables, asegura Patricia.
Los paisajes fueron la temática abordada por la artista nacional en su obra que por medio de varias fotografías tomadas en lugares históricos que han sido declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Así se decidió por Chile e Italia, siendo este último el que cuenta con mayores sitios históricos protegidos en el mundo.
Es así como la fotógrafa se centró en captar imágenes de diferentes lugares de estos dos países, como Rapa Nui y Sewell en Chile, y en Italia; Pompeya y Herculano, Venecia, Florencia, Agrigento, Centro histórico de Siena y de Roma, entre otros.
La exposición “Cuando el paisaje se representa a sí mismo”, se encontrará disponible de manera gratuita a partir del miércoles 18 de mayo hasta el 15 de julio. Se puede visitar de forma presencial en Sala Gasco y mediante una detallada visita virtual en 360º disponible en www.fundaciongasco.cl/sala-gasco.
Sala Gasco Arte Contemporáneo: Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Horario de 9 a 17 horas. Abierto a todo público de manera gratuita.
Sobre Sala Gasco
Sala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte, en pleno centro de Santiago. Abre de lunes a viernes, entre 09:00 y 17:00 hrs, en Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Desde su apertura en agosto de 2001 Sala Gasco ha recibido a aproximadamente 218.000 personas, en más de noventa exposiciones.
Programa de mediación de Sala Gasco
Para cada una de sus exposiciones Fundación Gasco ofrece un programa de Visitas Mediadas, adaptadas a las características de los asistentes: escolares, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales (NEE), instituciones y familias, entre otros. Y están disponibles en forma gratuita mediante reserva previa a través de mediacionsalagasco@gasco.cl
TODAS LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO SON GRATUITAS Y ESTÁN ACOGIDAS A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES

“Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”
2022-05-26 10:30 - 2022-06-26 18:00 | Casa Museo Eduardo Frei Montalva, Hindenburg 683, Santiago, Chile
• En el marco de la celebración del Día de los Patrimonios 2022 y de nuestro 14° aniversario, Casa Museo EFM, con la colaboración del Museo Histórico Nacional – MHN a través del préstamo de ilustraciones que forman parte de la Colección de Libros y Documentos, se inaugura una nueva muestra temporal el jueves 26 de mayo: “Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”.
• La exhibición incluye una serie de caricaturas de dos mandatarios chilenos: Eduardo Frei Montalva (retratado por Luis Goyenechea Zegarra, “Lugoze”) y Eduardo Frei Ruiz-Tagle (inmortalizado por Jorge Carvallo Muñoz, “Jorcar”), padre e hijo, quienes −como casi toda la élite política− fueron representados por el agudo trazo de estos artistas del dibujo y el humor, quienes colaboraron con una de las publicaciones más recordadas del siglo XX en Chile, la revista Topaze.
• La muestra podrá ser visitada de forma presencial por el público de martes a viernes de 10:30 a 16:30 horas y fines de semana, de 10:00 a 18:00 horas. Entrada gratuita.
En lo político y en lo artístico, a través de la historia hemos recurrido a diferentes formas de expresar aquello que sentimos respecto de las figuras de poder: desde la comedia griega o los rayados en los muros de Roma dirigidos hacia el Emperador y su familia, pasando por las caricaturas del Rey en la Francia de fines del siglo XVI y las publicaciones especializadas en humor político que proliferan en el siglo XX, hasta el meme, esa expresión gráfica llena de ironía tan contemporánea y presente en nuestro mundo digital actual.
En el marco del Día de los Patrimonios 2022 y nuestro aniversario, los invitamos a conocer esta nueva muestra temporal “Tómeselo con humor. Padre e hijo en la sátira política chilena”, para recordar, reír y abordar la caricatura política como género, a través de una serie de ilustraciones de dos mandatarios chilenos: Eduardo Frei Montalva (retratado por Luis Goyenechea Zegarra, “Lugoze”) y Eduardo Frei Ruiz-Tagle (inmortalizado por Jorge Carvallo Muñoz, “Jorcar”), padre e hijo, quienes −como casi toda la élite política− fueron representados por el agudo trazo de estos artistas del dibujo y el humor, quienes colaboraron con una de las publicaciones más recordadas del siglo XX en Chile, la revista Topaze.
Topaze, la trinchera de la caricatura política nacional
Fundada por Jorge Délano en pleno contexto de convulsión política hacia el final del gobierno de Carlos Ibáñez del Campo, la revista Topaze debutó en la escena editorial en agosto de 1931 convirtiéndose rápidamente en un referente en el género de la caricatura gráfica y política. Su época dorada se extendió hasta la década del 50, no exenta de algunas disputas memorables, como aquella con el Presidente Arturo Alessandri, quien −molesto por una publicación que contenía una caricatura alusiva a su persona, − mandó a decomisar y quemar el número 285 de la revista desatando un escándalo que llegó hasta la justicia.
Ya para la década de 1960 su impacto fue decayendo paulatinamente, y en 1970 dejó de circular, hasta 1989 cuando volvió en plena campaña para las elecciones presidenciales, pero como suplemento del diario La Tercera, con menos visibilidad y el comité editorial del diario la mantuvo dentro de un rango humorístico y caricaturesco mucho más moderado que en su versión original. Al llegar a septiembre de 1996, de forma abrupta y sin previo aviso siquiera para sus artistas colaboradores, Topaze dejó de publicarse.
Desde: jueves 26 de mayo de martes a domingo.
Lugar: Casa Museo Eduardo Frei Montalva. Hindenburg 683, Providencia.
Horario para recorridos y para ver la muestra: De martes a viernes, de 10:30 a 16:30 horas; sábados y domingos, de 10:00 a 18:00 hrs.
La entrada para ver la muestra temporal es liberada.
Agradecemos la colaboración del Museo Histórico Nacional – MHN a través del préstamo de ilustraciones que forman parte de la Colección de Libros y Documentos.

"El Ojo TV"
2022-05-27 19:00 - 2022-07-08 19:30 | Galería Gabriela Mistral, Av Libertador Bernardo O'Higgins 1381, Santiago, Chile
Exposición de Enrique Flores.
La exposición se exhibirá hasta el viernes 8 de julio en Alameda 1381, metro Moneda. Abierta de 11:00 a 19:30 horas de lunes a viernes y de 11:00 a 19:30 horas los sábados, con acceso liberado.

"Fragmentos"
2022-05-28 12:00 - 2022-07-02 14:00 | AMS Galería, Juan de Valiente 3681, Vitacura, Región Metropolitana, Chile
El próximo 28 de mayo, se inaugurará, en AMS galería, una muestra fotográfica titulada “Fragmentos”, del destacado artista nacional Eduardo Vilches.
Eduardo Vilches, grabador, nació en Concepción el año 1932. Dibujante desde la infancia, perfeccionó sus habilidades artísticas en la academia de Gregorio de la Fuente. Más tarde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile como alumno libre, donde estudió técnicas de pintura al fresco y mosaico. Su encuentro definitivo con la gráfica y la técnica del grabado se produjo hacia 1958 al incorporarse al taller 99 por invitación de Nemesio Antúnez.
Siguió sus estudios en la Universidad de Chile donde tuvo la oportunidad de progresar en sus conocimientos gráficos con el norteamericano Sewell Sillman y obtiene el título de licenciado en artes con mención en grabado.
“Fragmentos” nace de su última muestra el año 2017 en el antiguo espacio de AMS galería. Según dice….: “descubrí, al registrar la exposición, que, mirando desde ciertos ángulos, interactuaban muy bien las fotografías expuestas con la arquitectura del lugar. Uniendo fragmentos de ellas con partes de muros o resguardos, nacían nuevas obras. Ese fue el punto de partida en el desarrollo de esta exposición. No siempre están expuestas ambas formas. En algunos casos, objetos como pasamanos o peldaños de una escalera, cobran vida propia constituyéndose en nuevos protagonistas.”
La muestra consistirá de 20 fotografías de diversos formatos, y estará abierta al público hasta el 2 de julio.
Horario: Lunes a Viernes, 11.00 – 14.00, 16.00 – 19.30 horas.
Sábado, 11.00 – 14.00 horas.

“Eclosaurio”
2022-06-02 12:00 - 2022-08-19 18:00 | Centro Cultural de Puente Alto, Centro Cultural Alcalde Juan Estay, Puente Alto, Región Metropolitana, Chile
“Eclosaurio” es el nombre de la nueva exposición que el artista visual Jorge Pato Toro ha preparado especialmente para Centro Cultural de Puente Alto.
La exhibición consta de 83 piezas gráficas que se enmarcan en los géneros dark y surrealismo pop, aludiendo a la poesía visual, con elementos de cartoon, graffiti y cómic; puede apreciarse a través de las creaciones la deliberación de distintos lenguajes, que transitan por la ilustración, la narrativa gráfica, la pintura, el collage y el fanzine.
Se trata de obras confeccionadas en técnica mixta, inspiradas en cultura popular, vida urbana, ensoñaciones y exploraciones de índole metafísico, creadas con las tradicionales propuestas estéticas de Toro: entidades blandas con miradas exaltadas, universos oníricos atiborrados de señales abstractas, destellos, sombras volátiles, alegorías y símbolos imprevisibles que brotan desenvueltamente.
Paralelamente a su labor como artista, Jorge Pato Toro se ha desempeñado en infinidad de labores de desarrollo cultural, impulsando enérgicamente la autogestión, el arte independiente y la creación de avanzada, a la par de promover el trabajo en red de carácter colaborativo.
Para el director de la Corporación Cultural, Juan Pablo Sáez, “contar en nuestra comuna con una exposición de esta calidad es un privilegio. Jorge Pato Toro es un artista visual consagrado y reconocido por su trabajo como productor cultural, investigador y ensayista. Invitamos a todos a visitar esta exhibición que estará tres meses en el Centro Cultural”.
Título de exposición: “Eclosaurio”.
Autor: Jorge Pato Toro.
Fecha: Hasta el 19 de agosto de 2022.
Lugar: Centro Cultural de Puente Alto.
Organiza: Corporación Cultural de Puente Alto.
Dirección: Av. Eyzaguirre #02115, esquina Pie Andino. Villa Primavera, Puente Alto. Santiago. Chile.
Horario: Lunes a viernes de 10:00 hrs. a 18:00 hrs. Sábados de 10:00 hrs. a 16:00 hrs.

"Retrospectiva Política Ilustrada: Un paso a la fantasía revolucionaria"
2022-06-07 19:30 - 2022-08-07 20:00 | Centro Cultural Matucana 100, Matucana 100, Santiago, Chile
El artista visual Claudio Herrera llega a Matucana 100 con “Retrospectiva Política Ilustrada: Un paso a la fantasía revolucionaria”
La inauguración de “Retrospectiva Política Ilustrada: Un paso a la fantasía revolucionaria” se realizará el martes 7 de junio en la Galería Principal de Matucana 100; esta exhibición se extenderá hasta el domingo 7 de agosto.
Claudio Herrera ha realizado decenas de exhibiciones tanto personales como colectivas durante los últimos 30 años. A partir de este ya extenso recorrido nace esta muestra que reúne un amplio compilado de su trabajo. Trazos con potencia, pinceladas seguras, collages modernos y otras expresiones artísticas se tomarán la Galería Principal de Artes Visuales de M100.
Claudio Herrera dice que su “obra tiene dimensiones urbanas, sociológicas, políticas y antropológicas muy fuertes”. Son estos y otros sucesos los que ha privilegiado a lo largo de su desarrollo artístico.
Según el artista, sus dibujos y pinturas se basan en asuntos no discutidos dentro de las artes visuales en este país. Le interesa exponer un tipo de obra expresiva y poli dimensional, que posibilite diversas lecturas y por eso nos presenta una selección de su trabajo realizado en los últimos 30 años.
En el recorrido que realiza en esta retrospectiva, Claudio Herrera, señala que parte exhibiendo “ un tipo de dibujo que tiene poco color para llegar a mi última producción donde lo cromático se agudiza notoriamente, pasando por obras que en un momento fueron bastante más políticas que otras, y que hoy ya no lo son tanto“. Agrega que hoy pondera un interés de cómo se inscribe lo “esencialmente estético” en su obra que, además, se presenta con un texto crítico del curador y crítico de arte Justo Pastor Mellado.
Coordenadas:
La exposición Retrospectiva Política Ilustrada: Un paso a la fantasía revolucionaria, se podrá visitar en la Galería Principal de Artes Visuales de Matucana 100 de miércoles a domingo entre las 11 y 14 horas, y entre las 15 y 20 horas. La muestra estará abierta al público entre el 7 de junio y el 7 de agosto. Entrada Liberada para todo espectador. Se solicitará Pase de Movilidad y documento de identificación.

“Volcán Sudamericano. Constelaciones"
2022-06-15 19:00 - 2023-01-21 17:30 | Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, Santiago, Chile
Universidad de Chile celebra donación del artista Guillermo Núñez con exhibición en MAC Parque Forestal

El valioso acervo que el artista nacional ha entregado a la casa de estudios será resguardado en los depósitos del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Se trata de casi 150 obras y archivos, entre pinturas, grabados, dibujos, catálogos y más, que datan de 1958 al 2022. Una selección de estas obras será exhibida en MAC Parque Forestal durante todo el año.

Recientemente, el artista Guillermo Núñez ha realizado una generosa donación al patrimonio de la Universidad de Chile. Se trata de una selección de obras y archivos cuyas fechas de producción van desde 1958 al 2022, y dan cuenta de los diversos imaginarios y técnicas por las que ha transitado este artista, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2007. Las casi 150 piezas serán resguardadas en los depósitos del Museo de Arte Contemporáneo de la Facultad de Artes. Esta llegada al acervo del MAC es particularmente simbólica pues Núñez ha cultivado una estrecha relación con el Museo y la Universidad: fue en ella donde cursó sus estudios superiores y tiempo después fue director del MAC entre 1970 y 1971.
Esta donación incluye dibujos y grabados, abordando técnicas como collage, tinta, aguadas, pastel, lápices de colores y otros. Hay también una decena de pinturas sobre telas en diversos formatos. La colección del MAC ya tiene alrededor de 270 piezas de Guillermo Núñez, contando dibujos, grabados, pinturas, objetos y esculturas; todas donaciones previas del artista enmarcadas en proyectos y exhibiciones presentadas anteriormente.
“Por su calidad artística, su espíritu crítico e innovador y su constante esfuerzo por acercar el arte a la ciudadanía, es indudable que Guillermo Núñez es una figura invaluable para el país. Pero para la Universidad de Chile, Núñez es además gran aliado por su profundo compromiso con lo público, una convicción que no se queda solo en palabras y que hoy se vuelve concreta con esta enorme donación de su obra al museo que dirigió y, por ende, a la Universidad. Legar su trabajo al MAC, muy bien lo sabe Núñez, es garantizar que siga siendo de todo el conjunto del país. Compartimos con él la certeza de que el patrimonio cultural de Chile debe permanecer en el ámbito de lo público, y nos comprometemos hoy a resguardar su obra y difundir su inmenso legado”, afirma Ennio Vivaldi, rector de la Universidad de Chile.
Por su parte, el artista afirma: “mi formación se la debo a la Universidad de Chile, lo mínimo que puedo hacer es entregar algo que la institución me dio. Todo se lo debo a la educación gratuita, el haber conocido a mis amigos en el Instituto Nacional, con los cuales nos formamos juntos y con quien nos formamos después en la Universidad. Este es el lugar donde deben estar las obras, no en el taller, ni en una bodega; y por eso el museo es necesario”.
Un volcán sudamericano en Europa
Una selección de las obras donadas dará forma a la muestra “Volcán Sudamericano”. Constelaciones que será inaugurada el 15 de junio a las 19h en MAC Parque Forestal.
La exhibición estará abierta hasta enero de 2023 en la sala de conferencias de la sede conviviendo durante todo el año con los diversos conversatorios, talleres, lanzamientos y más que se programan en el MAC. Por otra parte, esta donación abre la posibilidad de generar espacios de exhibición permanente en el museo, relevando la Colección MAC y el patrimonio de la Universidad de Chile, en un año especial pues el MAC celebra 75 años de existencia.
Esta muestra debe su nombre a una anécdota que da cuenta del ímpetu creativo del artista quien en 1959 obtuvo una beca para estudiar grabado en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Praga. En aquel lugar se hizo conocido por estar constantemente revolucionando los procesos formativos entre sus compañeros, a quienes incitaba a no seguir siempre las reglas y las instrucciones de trabajo. Su ímpetu era tal, que a pesar de haber mantenido la beca, se le solicitó no seguir asistiendo a clases, pues claramente ya tenía las aptitudes para seguir desarrollándose. Guillermo Núñez considera hasta el día de hoy que la práctica artística debe ser espontánea y con soltura, escapando de las normas.
“Nos llena de una alegría profunda seguir fortaleciendo el vínculo del MAC con Guillermo Núñez, un artista cercano al museo; no sólo porque hemos presentado diversas exhibiciones en torno a su obra y porque es parte importante del acervo del MAC, sino también porque dirigió la institución hace cincuenta años. Esto nos hace seguir reencontrándonos en el plano creativo y afectivo. Se trata de un artista único, tremendamente relevante para la escena nacional, destacando la constancia, sensibilidad y generosidad de su obra. Núñez tiene un claro sentido hacia lo público, y comprende el rol de nuestro museo con la sociedad de manera amplia. Por esto hemos querido presentar “Volcán Sudamericano”. Constelaciones, con miras a generar una sala de exhibición, inédita y permanente en el MAC, que permita una difusión constante del patrimonio del museo y de la Universidad de Chile. Es una de las misiones que nos hemos propuesto y que estamos felices de iniciar, a propósito de la celebración de los 75 años del MAC”, cuenta Daniel Cruz, director del Museo de Arte Contemporáneo.
Sobre el artista
Guillermo Núñez (Santiago, 1930) fue Premio Nacional de Arte 2007 y director del MAC entre 1970 y 1971. En su gestión en el museo apuntó a ampliar los márgenes de lo que se comprendía como arte para hacer ingresar el espíritu de la calle y del espectador no especializado: el espacio público, teñido de manifestaciones artísticas más espontáneas y conectadas con la contingencia, ingresó al museo a través de exhibiciones tales como Las brigadas muralistas. Bajo su dirección también se realizó Las 40 medidas del Gobierno Popular de los artistas plásticos de la Unidad Popular, marcando el vínculo entre su gestión y los lineamientos del gobierno de la época.
A sus 44 años fue detenido por la dictadura militar, siendo arrestado y torturado en Villa Grimaldi. En 1975, Núñez fue expulsado del país y vivió en Francia hasta que fue autorizado a regresar al país en 1983.
Ha sido protagonista de la historia reciente del arte en Chile, siendo uno de los creadores visuales más importantes. En 1949 ingresó a la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y paralelamente entró a la Escuela de Bellas Artes de la misma Universidad, donde participó del Grupo de Estudiantes Plásticos. Entre 1959 y 1961, gracias a una beca otorgada por el gobierno de Checoslovaquia, estudió grabado en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Praga.
A sus 85 años, el MAC revisó su trayectoria artística, presentando la muestra Núñez 85. Dibujar con sangre en el ojo, que se enfocó en sus dibujos y producción gráfica, realizados desde fines de los años 60 hasta el 2015. Profundamente comprometida con los movimientos políticos de la historia reciente de nuestro país, la obra de Núñez se vinculó directamente a los principales acontecimientos que han marcado la sociedad chilena.
Museo de Arte Contemporáneo Sede Parque Forestal
Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.
Horarios:
11:00 a 16:00 horas, martes a viernes
11:00 a 17:30 horas, sábado

"Plantemos Futuro"
2022-06-17 13:00 - 2022-07-17 12:30 | Centro Cívico de Las Condes, Apoquindo 3300, Santiago, Chile
Jardines sustentables para Las Condes / Intervención urbana
Hace algunos meses, dado el grave problema de escasez hídrica que enfrenta el país, la Municipalidad de Las Condes lanzó el plan “Menos agua, más conciencia”, que agrupa una decena de iniciativas que tienen como foco lograr un cambio cultural en los vecinos, promocionando el ahorro y el buen uso del agua.
Dentro de las iniciativas, la que tuvo mayor impacto es Plantemos Futuro, mediante la cual se destinaron más de 100 millones de pesos para cerca de mil antejardines, con el objeto de reconvertir los frentes prediales de alto consumo hídrico por especies que nos permiten disminuir en casi un 70% el consumo de agua por metro cuadrado reemplazado.
Continuando esta línea, la Municipalidad de Las Condes, junto a su Corporación Cultural y su Dirección de Parques y Jardines, han impulsado una exhibición de jardines sustentables, frente al Centro Cívico. La intervención urbana invita al público a hacer un alto en su rutina y vivir la experiencia de un jardín sustentable en un lugar cien por ciento urbano, reflexionar sobre la crisis hídrica medioambiental y aprender un poco más sobre cómo contribuir a la disminución en el uso del agua.
PLANTEMOS FUTURO presentará seis jardineras con diferentes especies vegetales nativas y endémicas:

Nativas

Huilmo (Sisyrinchium striatum) / Chupalla (Eryngium paniculatum) / Baccharis (Baccharis poeppigiana) / Tiqui Tiqui: (Phyla reptans)

Endémicas

Erigeron (Erigeron luxurians) / Chamiza (Bahía ambrosioides)
La exposición incluye paneles con imágenes y especificaciones técnicas de las especies, como tipo de riego, exposición y floración, y contará, las dos primeras semanas, con el apoyo de monitores de Duoc UC (Lunes a viernes, 13:00 a 17:30 horas / Sábado, 10:00 a 12:30 horas)
17 de junio al 17 de julio de 2022 / Apoquindo 3300.

"Esta imagen no carga"
2022-06-18 12:00 - 2022-07-24 18:00 | Factoría Santa Rosa, Av. Santa Rosa 2260, Santiago, Chile
FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURA MUESTRA DE PINTURAS Y FOTOGRAFÍAS “ESTA IMAGEN NO CARGA”
Exposición abierta al público en forma gratuita hasta el 24 de julio de 2022. Av. Santa Rosa 2260 esquina Placer. De miércoles a viernes de 11:00 a 16:00 y los fines de semana de 11:00 a 18:00. Lunes y martes cerrado.
Factoría Santa Rosa inauguró “Esta imagen no carga”, muestra de pinturas y fotografías de los jóvenes artistas chilenos Josefina Cruzat y Cristóbal Traslaviña, con obras que dialogan entre lo digital y análogo.
En este marco, Cruzat presenta en la sala principal de la galería una serie de pinturas acrílicas sobre tela cuyas imágenes son elaboradas a partir de pixeles matéricos simulando reproducciones en descarga, propias de la interfaces digitales.
Por su parte en el espacio de Gabinete, Traslaviña despliega un trabajo fotográfico análogo con imágenes espontáneas y realistas de personajes marginados o vulnerables o escenas de su vida cotidiana.
“Ambos artistas pertenecen a esa extraña generación que se crió sin internet y tuvo que actualizarse, en medio de sus procesos creativos ya andando, a la velocidad desbordante que exige la actualidad. No es raro entonces, que nos encontremos en estas salas con una serie de gestos que reflexionan acerca de la imagen en un hálito de naturaleza análoga-casi-anacrónica”, señala el texto curatorial de la muestra desarrollado por Camila Alegría.
SOBRE LOS ARTISTAS
Josefina Cruzat (Santiago de Chile, 1990). Pintora y artista visual, Licenciada en Artes mención Pintura de la Universidad Finis Terrae y diplomada como Psicoplástica en la Universidad Católica. Ha participado en diversas exposiciones y ferias nacionales e internacionales de las que destacan: Feria MAC Córdoba, Factoría Santa Rosa, Argentina 2018; Galería Enlace, Perú, 2018; Universidad Finis Terrae, Chile, 2017; Casas Lo Matta, Chile, 2015; Municipalidad de Las Condes, Chile, 2014; Galería Blanco y Negro, Chile, 2014; Factoría Santa Rosa, 2013. En su obra utiliza como principal herramienta la composición simétrica, por medio de la cual crea imágenes que exploran lo pictórico desde su materialidad y la representación.
Cristóbal Traslaviña (Santiago de Chile, 1982). Egresado de fotografía profesional en la Escuela de Arte y Comunicación (ARCOS), ha obtenido varios premios y becas y ha expuesto individual y colectivamente en Chile y en el extranjero. Ha sido publicado en varias revistas especializadas chilenas y extranjeras y nominado en dos ocasiones al Premio Altazor a las Artes Nacionales, Chile, en 2011 y 2013. Premio FULL CONTACT, Festival Internacional de Fotografía SCAN de Tarragona, España (2016). Ha sido parte de los libros: Fotografía Chilena Contemporánea 02 / CNCA (2010), Residencia Artística en Fotografía Nelson Garrido (2010), CNCA, Más pan, Edición FIFV (2012), Valparaíso II (2012) y FIFV Editions. En la actualidad trabaja en su primer libro monográfico.
