«Tres amantes»

TRES AMANTES | Magdalena Atria
Inauguración Jueves 10 de Junio, 19:30 hrs.

Galería MADRE presenta la exposición TRES AMANTES de la artista chilena Magdalena Atria. La muestra reúne un conjunto de esculturas, pinturas y dibujos recientes que, siendo abstractos, están habitados por la presencia de los cuerpos. Referencias variadas, a la escultura modernista, a la artesanía altiplánica o a fenómenos naturales, se materializan en imágenes sugerentes, que invitan a ser tocadas con la mirada y contempladas con el tacto.

Artista formada en la Universidad Católica de Chile y en Parsons School of Design, Nueva York. Ha desarrollado un trabajo en el que intenta conectar el ámbito de lo ideal, de lo anhelado y de lo incorpóreo -expresado en la forma abstracta, muchas veces geométrica- con la dimensión vivencial y existencial de la cotidianeidad, con sus accidentes y su realidad concreta.

Su trabajo ha sido expuesto en múltiples muestras colectivas locales e internacionales, entre las que destacan recientemente: Tong, templo Haeinsa, Corea del Sur; Overture, Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, EEUU; XI Bienal de Cuenca, Ecuador; Tectonic Shift: Contemporary Art from Chile, Saatchi Gallery-Phillips de Pury & Company, Londres, UK; Arte Contemporáneo Hoy, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Valdivia; Arte Contemporáneo y Patios de Quito, Quito, Ecuador; El patio de mi casa/ The Sky Within My House, Patios de Córdoba, España; Accomplished, The George Gallery, Los Angeles, EEUU, Poetics of the Handmade, The Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Angeles, EEUU; Sur Scéne, Castilo de Tours, Tours, Francia; VI Bienal de Mercosur, Portoalegre, Brasil; Del otro lado, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago.

Entre sus exposiciones individuales recientes se cuentan Cenotes, Matadero Madrid, España (2013); Love and Space, MAVI, Santiago (2013); Sólidos Platónicos, Galería YONO, Santiago (2011); Monstrous Moonshine, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, EEUU (2010); El lugar de lo invisible, Sala Gasco, Santiago (2009); Ahora todo es peor, Galería Moro, Santiago (2008).

Ha sido curadora de las muestras Voluntad y Representación, Sala Juan Egenau, Facultad de Artes U. de Chile (2013); La Oscura Vida Radiante, Centro de Arte Contemporáneo Las Condes(2011) y Textualidades, Fundación Itaú, (2008). Además, ha sido beneficiaria de las becas Presidente de la República, Fulbright, Fundación Andes y, en varias ocasiones, FONDART. Actualmente se desempeña como docente en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile.

La muestra estará abierta al público hasta el 9 de julio de 2021, y los horarios de la galería son de Lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:00 hrs.

Sexto Concurso Artespacio Joven 2021

ÚLTIMO LLAMADO A CONCURSO

Postulaciones hasta el 31 de marzo de 2021

 VI CONCURSO ARTESPACIO JOVEN 2021

Galería Artespacio – Larraín Vial – Tánica

Los jóvenes ganadores exhibirán en Galería Artespacio desde el 20 de julio al 20 de agosto de 2021. El VI Concurso Artespacio Joven 2021 cuenta con el apoyo de la Ley de Donaciones Culturales y la gestión de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile.

Galería Artespacio, en su interés por difundir y promover a nuevas generaciones de artistas, invita a los medios a convocarlos a través de un nuevo llamado. En su sexta versión, este concurso auspiciado por Larraín Vial y Tánica, busca incentivar la proyección de artistas locales menores de 30 años, generando un espacio de acercamiento entre artistas emergentes y las audiencias ligadas al arte: medios de comunicación, críticos, curadores y coleccionistas, para constituirse como una plataforma de detección y difusión de jóvenes talentos nacionales y extranjeros, con residencia en Chile. 

En un año especialmente difícil, se invita a los artistas participantes a presentar lo mejor de su producción a un exigente jurado, quiénes desde su experiencia y trayectoria, seleccionan y premian los trabajos más destacados, consistente en tres primeros lugares y tres menciones honrosas. 

Finalmente, considerando la complejidad sanitaria mundial, creemos que es una obligación para instituciones como Galería Artespacio buscar caminos de acercamiento entre la comunidad y los creadores de las nuevas generaciones. 

Los invitamos a revisar las bases en www.artespacio.cl / @galeria.artespacio

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN DE OBRAS Y PROYECTOS RECIENTES DE MÓNICA BENGOA

Desde la literatura y mediante la fotografía y manuales vinculados al trabajo textil, que se han mantenido constantes en los más de 25 años de producción de la artista, la muestra considera una serie de trabajos recientes en los que se incorpora la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen.

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso”, de la artista Mónica Bengoa, es  la nueva y última exposición del año de la  Sala de Arte CCU. En esta se retoman proyectos anteriores y se presentan otros nuevos surgidos de observaciones y procesos realizados en el contexto particular reciente: la situación de encierro y distancia social derivadas de la pandemia.

La muestra está compuesta de una serie de obras y proyectos en los que la artista ha trabajado la naturaleza, el paisaje y el texto como problema central en la imagen, tanto desde sus aspectos formales como desde su temática. En estas continúa su trabajo con la literatura como elemento que, junto a la investigación en torno a la fotografía y la utilización de medios manuales vinculados al trabajo textil, se ha mantenido constante en sus más de 25 años de producción artística. 

Una producción que, en palabras de la investigadora Lorena Amaro, surge “en un contexto absolutamente excepcional, anómalo, el de un encierro prolongado, que nos obliga a pensar la misma palabra ‘exposición’: ¿exponer qué, exponerse a qué?”

“De lo que iba a ser, pero no fue; lo que no imaginé pero sí sucedió, y el intento de ajuste entre todo eso” podrá visitarse de manera presencial entre el 22 de diciembre y el 9 de abril de 2021 en la Sala de Arte CCU, previo agendamiento de hora en  https://forms.gle/x4dB7c3yc48H4kqx8 o mandando mail a saladearteccu@ccu.cl  y bajo estrictos controles sanitarios. Además, las personas podrán ver la muestra de forma online a partir del 28 de diciembre en la Sala de Arte CCU Virtual en https://ccuenelarte.cl/exposiciones/de-lo-que-iba-a-ser-pero-no-fue-lo-que-no-imagine-pero-si-sucedio-y-el-intento-de-ajuste-entre-todo-eso-foco-curatorial/ 

ARTECCU EN VIVO

La Sala de Arte CCU Virtual se suma al programa “ArteCCU en vivo”, que desde fines de abril a través de su plataforma Instagram Live 25 connotados artistas nacionales ya han relatado sobre sus obras y proyecciones. También, el concurso “CCU te invita a ilustrar a tu superhéroe y contar su historia”, instancia que congregó a menores de entre 7 y 18 años para desarrollar su creatividad, acercándose de una forma divertida al arte durante la cuarentena y “#ReciclarEsUnArte”, junto a Kyklos que invitó a artistas de todas las edades a crear una obra únicamente con residuos reciclados.

CCU EN EL ARTE

CCU lleva más de 26 años apoyando de distintas formas la cultura nacional. La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales. 

A ella posteriormente se sumó la Beca Arte CCU, que se entrega cada dos años, y que es parte del programa “CCU en el Arte”, plataforma desde la cual se han diseñado diversos programas para “Acercar el Arte a la Gente” aportando a la accesibilidad y descentralización de la cultura, a la ampliación de la oferta artística y a la difusión del arte chileno, a través del apoyo a artistas y sus proyectos.

«Afterall»

Antología personal y obra reciente se mezclan en AFTERALL, la primera exhibición individual de Nicolás Franco en Aninat Galería. No son casuales ni el título, ni la forma expositiva. Devoto de las técnicas del montaje, el artista trabaja con su trayectoria, como lo haría un director de cine en la sala de edición, combinando obras anteriores con otras de reciente producción. El conjunto, de seguro dará nuevas perspectivas a quienes están familiarizados con la obra del artista. Para quienes aún no lo conocen es una buena oportunidad de ver un resumen particular de su trayectoria.

AFTERALL, después de todo en castellano, puede leerse como una frase ajustada para describir el balance de una vida o de una carrera artística, pero también como el comentario escueto de quien ha logrado sobrevivir a una catástrofe. Como las propias obras de Franco, imágenes y procedimientos técnicos, suponen casi sin excepciones, distintas formas de devastación: cortes, rayas, quemaduras, traumas.

Las imágenes, de fuentes tan amplias como la antropología o la prensa popular, sufren radicales transformaciones. Sus restos pasan a convivir en el espacio que crea el artista a partir de procedimientos fotomecánicos y plásticos muy diversos. A veces las obras toman las formas precisas del diseño editorial, en otras en cambio, el resultado recuerda al expresionismo abstracto. El ojo atento, sin embargo, pronto descubre las imágenes, que se antojan como una fosa común.

Desde la serie Afterall (1998-00), realizada durante su residencia en De Ateliers, Amsterdam hasta Cómo Es (2020), un conjunto de obras pictóricas de gran formato sobre metal desplegado. En todas es posible reconocer la forma particular en la que Franco interpreta y funde las tradiciones de la pintura, la fotografía y el collage. Alegorías de la pérdida y la derrota. Completan el montaje las series Magasin d´education et de recreation (2018 – actualidad), que se centra en el fotomontaje y la naturaleza discursiva de los procesos de edición y una serie de trabajos realizados entre los años 2011 y 2019, que comprometen reproducciones, traspasos mediales y combinaciones de imágenes.

La selección de obras se presenta como una trama de iconografías que se debaten entre lo banal y lo aurático, lo personal y lo colectivo, lo viejo y lo nuevo, lo visto y lo oculto, para ofrecer una paciente reflexión sobre el modo en como la realidad es procesada materialmente como imagen.

Nicolás Franco nació en 1973 en Santiago, donde actualmente vive y trabaja. Realizó sus estudios de arte en la Universidad de Chile, Universidad Complutense de Madrid y   en De Ateliers, Amsterdam. Sus obras han sido exhibidas en Museos que incluyen Tate Modern (Londres), Migros Museum für Gegenwartskunst (Zurich), MEIAC (Badajoz), Museo de Arte Contemporáneo (Lima), Museo Blanes (Montevideo), Museo del Barro (Asunción), MUUA (Antioquia), Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Museo de la Memoria y los derechos Humanos (Santiago), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), entre otros. Su trabajo se encuentra presente en las colecciones públicas de Tate Modern (Londres), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Centro de Arte Contemporáneo Znaki Czasu (Polonia), Fundación Engel (Santiago), Fundación AMA (Santiago), Fundación de Artes Visuales, (Santiago).

De lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y Sábado de 11:00 a 14:00 horas en Aninat Galería.

“Diálogo con la Geometría”

COMUNICADO.- Museo Ralli Santiago (1992, Chile) emplazado en la comuna de Vitacura reabrirá sus puertas al público en forma gradual de martes a viernes de 10:30 a 16:00 horas. Para preservar la salud y seguridad de los visitantes como de los trabajadores, se han implementado medidas que agradecemos respetar: uso obligatorio de mascarillas en todo momento, sanitizado de manos y limpiapiés desinfectante, toma de temperatura y registro del visitante al ingreso. Así como también, respetar el aforo señalado para cada sala y mantener una distancia física de 2 metros durante el recorrido unidireccional señalado. 

Con la reapertura gradual, nos complace invitarlos a visitar la exposición individual de pintura, acuarela y grabado “Diálogo con la Geometría” de la destacada artista nacional Carmen Valbuena Piemonte, presente en Sala 4 de Museo Ralli Santiago, Chile.

El nuevo proyecto expositivo de Valbuena reflexiona en torno a la memoria, anécdotas y los encuentros vividos en su hogar rodeada de connotados artistas nacionales que visitaban a su madre, Carmen Piemonte. Desde pequeña convivió con el arte y disfrutó de las conversaciones de Sergio Montecino, Israel Roa, Gustavo Poblete, Ramón Vergara Grez y el destacado músico Juan Amenábar, entre otros. Hoy esos recuerdos evocan un diálogo de imágenes, como un espacio de encuentro, donde se entrelazan y construyen un nuevo discurso: su propia pintura. 

Manuel Basoalto, encargado de la curatoría de la muestra, comenta: Este “Diálogo con la Geometría” que establece Carmen Valbuena, está atravesado por una vibración poética, que se despliega sobre el espacio pictórico, con referencias a los grandes maestros, en la historia del movimiento geométrico chileno, conectados a su vez con las grandes figuras de la geometría internacional. 

Su obra, con muchos años de trabajo en el taller 99, nos lleva a un viaje marcado por su sensibilidad y un oficio notable, hacia la esencia que anima la obra de los artistas geométricos chilenos. Su relectura es un diálogo pero también un homenaje. Creo no se exagera al decir que no hemos llegado a entender aún, el valor y la profundidad del ejercicio creativo de nuestros artistas geométricos; y en este sentido el aporte de Carmen Valbuena es magnífico. 

Sobre aquellos momentos de aprendizaje y mágicos encuentros con artistas geométricos, Valbuena comenta: Siendo pequeña, en el taller de mi madre solía observar silenciosamente como  cocinaba el color, cómo lo aplicaba en las telas y producía efectos de finas y delicadas transparencias. Para mí, lo que ella hacía era magia! Es así, como nace esta exposición y comienza a producirse este  dialogo de imágenes. Por lo tanto, la muestra se la dedico a ella.

Dicha propuesta ha contado con la participación de distintas colaboraciones: la ya citada curatoría liderada por Manuel Basoalto, Bárbara Becker Gana (Licenciada en Historia y Estética de Arte PUC, Chile) en la redacción de textos y Rosana Cassigoli Salamon (Escritora, Antropóloga y profesora titular de la UNAM, México) creó los títulos de las obras. Por otra parte, Carmen Aguilera Quinteto es la compositora de la música que acompaña los videos de las redes sociales del museo. La muestra cuenta con el patrocinio de Artegrupo, Latino Ediciones, y de la Corporación Cultural Taller 99.

La exhibición está compuesta por 18 obras en óleo sobre tela en mediano y gran formato realizadas entre los años 2016 y 2019; junto a 2 grabados, 4 acuarelas y 4 tintas en diversos tamaños.  Entre estas destacan títulos como “Cartografía de un despertar (a Carmen)”, “Montañas de sal (al Maestro)”, “Diálogo con claraboya (a Robinson)”, “Arrepentimiento de cuerpos vértices (a Antonio)”, “Cuerpos adyacentes (al Maestro)”, “Intuición del origami en casa materna” y “Figuras inclinadas (a Carmen)”, por mencionar algunos. 

La muestra permanecerá abierta a público hasta el día 31 de marzo de 2021.

Información sobre la artista

Carmen Valbuena (Santiago, 1955) es pintora y grabadora, cursó parte de sus estudios de arte en la Universidad de Concepción a principio de la década de los 70s; posteriormente entre 1976 y 1978 realizó especializaciones en las técnicas de dibujo y escultura en cerámica en la ciudad de Panamá. En 1982 y 1983 trabajó en el Foro de Arte Contemporáneo de ciudad de México; de regreso a Chile se integró al Taller 99, donde estudió la técnica de Litografía con Isabel Cauas y Calcografía con Gabriela Villegas. Desde 1990 participa activamente en taller, siendo socia fundadora de la Corporación Cultural Taller 99. A lo largo de su extensa trayectoria artística ha recibido innumerables premios y distinciones a nivel nacional e internacional.

“Microinfinito”

A partir del 14 de diciembre, abierta a todo público

EXPOSICIÓN “MICROINFINITO” DEL ARTISTA PHILIP KLAWITTER SE PRESENTA EN SALA DE ARTE CCU

  • A través de tres instalaciones “Panspermia”, “Biogénesis” y “Microinfinito” que combinan la bioingeniería, estudios de arquitectura y arte, Klawitter invita a un viaje visual al micromundo para cuestionar las dinámicas de la vida en escalas que los sentidos no alcanzan a percibir. 

Desde el sábado 14 de diciembre, la Sala de Arte CCU exhibirá “Microinfinito” del artista chileno Philip Klawitter, instalación que busca registrar a nivel visual la vida existente en el micromundo y expresarla de manera macro. La muestra, que estará abierta a todo público hasta el 31 de enero próximo, es parte de la 14° Bienal de Artes Mediales “El Cuarto Mundo”, que este año tiene como foco la urgencia de buscar soluciones urgentes a la crisis climática.

“Microinfinito” se compone de dos instalaciones. La primera, “Panspermia” y “Biogénesis”, incubadoras de micro plantas donde lentamente se va gestando el origen de la vida en la tierra y el desarrollo material de la obra, como musgos, hongos y diminutos organismos que surgen en la forma de células organizadas. La segunda es “Microinfinito”, un registro visual de 40 imágenes que el artista capturó por 147 días y que permite examinar la vida de los micromundos y cómo el paso del tiempo los afecta directamente. 

El proyecto de Philip Klawitter es una introspección de la manera en que funciona el planeta y una invitación a observar desde lo micro a lo macro cómo diversos factores influyen en los procesos naturales y humanos. 

SOBRE EL ARTISTA

El trabajo de Klawitter (1985) juega con el hecho de que el hombre, como observador de la naturaleza, sólo es capaz de percibir fracciones microscópicas de lo que está pasando. En su visión, los sentidos tienen límites físicos, mientras que la realidad pareciera ser casi infinita.

Para llegar a aquello que el hombre es incapaz de ver, en este proyecto de seis años, Klawitter combina la biotecnología, ingeniería, arquitectura y arte, para construir maquinas escultóricas vivas que registran el desarrollo de la vida donde los sentidos no llegan.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

EXPOSICIÓN “MICROINFINITO”

Exposición: Desde el sábado 14 de diciembre de 2019 al viernes 31 de enero de 2020

Sala Foco Curatorial (Av. Vitacura 2670, piso -1), Las Condes.

Lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.

 

«Andariego»

“Andariego”
Ricardo Lagos Miranda N3T0
18 de octubre – 23 de noviembre / Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.
Inauguración: 18 de octubre | 7 pm

Ricardo Lagos (N3T0) emigra de un nombre con gran carga política (su padre y abuelo homónimos) hacia el arte. Cabría preguntarse, ¿no será otra forma de hacer política para tratar simbólicamente los problema que nos atañen ? En este caso la Emigración, con mayúscula porque abarca todos las aristas de la emigración .

ANDARIEGO
El idioma español define la palabra Andariego como una persona que anda de una parte a otra sin parar en ninguna. Si profundizamos en la etimología de la palabra, vemos que andariego viene del verbo andar (ambulare en latín) y el sufijo iego-, que indica relación o pertenencia. El Andariego pertenece al andar, constituye su sentido de mundo en el desplazamiento.

“El mapa no es territorio” nos dice Albert Korzybski.

Basándose en esta afirmación N3T0 asevera:

“Tendemos a pensar que las cosas son fijas, que los mapas representan la realidad, pero cualquier lector avezado sabe que nada vivo esta quieto o fijo, que todo mapa que pretenda ser exacto como bien supo leer Borges, esta destinado a la ruina y ser consumido por el territorio que pretende gobernar. Pareciera ser que la única cartografía posible, si es que la hubiera, sería la del deseo, la cartografía de los movimientos y no de los lugares, una cartografía que se debe al ritmo del cambio, al diagrama de flujos y no una representación del mundo.”

El movimiento para N3T0 implica una constante búsqueda del saber: Se recibió en 2014 en artes visuales en la Universidad de Chile. Luego, entre 2015 y 2018 hizo un Magíster en Cine Documental en la misma Universidad. Hoy está estudiando Psicología en la Universidad Diego Portales.

No es inconsecuente entonces que su muestra en Aninat Galería (sexta individual) necesariamente tiene que ser un montaje transdiciplinar donde la escultura, la instalación, el collage, la pintura, las artes graficas, el arte objetual, el video y la pintura mural se unen para reunir por primera vez el cuerpo de obra que ha generado el artista en los últimos 3 años y que han sido presentados en diversas exposiciones en América Latina y Europa.

N3T0 nos invita aquí a reflexionar sobre las migraciones de ideas, la multiplicidad de las lenguas y la historia del arte del continente Latinoamericano, bajo la premisa que el ser humano es esencialmente un animal errante. Símbolos, mapas mentales, video y animaciones confluyen en una propuesta instalativa de carácter especifica para el espacio de la galería.

La exposición – nos dice el artista- esta pensada como un juego de mapas que se superponen, sin tener un límite fijo y un norte común, viven en  la propia errancia desde la cual fueron creados.

La pieza llamada “Biblioteca de Babel“ basada en el cuento de Borges que lleva el mismo nombre, sin duda da cuenta del atomismo , del análisis convinatorio y el azar. Nos muestra la variedad de las cosas visibles y la tragedia de la multiplicidad de las letras del abecedario que hacen que el habla diga y no diga al mismo tiempo. Algo que en el Siglo XXI se hace aún más patente.

«Enfermedades preciosas»

Isabel Croxatto Galería y CCU en el Arte invitan el próximo jueves 10 de octubre, a las 19.30h, a la inauguración de «Enfermedades Preciosas», exposición individual de la reconocida artista Cecilia Avendaño en Sala de Arte CCU.

La muestra reúne por primera vez la totalidad de su aclamada serie fotográfica homónima, y cuenta con la curaduría de la fotógrafa y académica Andrea Jösch.

ENFERMEDADES PRECIOSAS | CECILIA AVENDAÑO
Curadora | Andrea Jösch
10 octubre | 22 noviembre

SALA DE ARTE CCU
Vitacura 2680
Las Condes | Santiago

Lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.
Entrada liberada.

Enfermedades Preciosas es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes FONDART, Convocatoria 2017, en la Línea de Fomento de las Artes Visuales.

“Fiebre del Oro”

Freddy Rodríguez en Museo Ralli Santiago

3 octubre – 15 diciembre de 2019 

Sala 4

Los Museos Ralli son una institución privada internacional, sin fines de lucro, cuyo objetivo es, desde sus inicios, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay, 1988; Chile, 1992; Israel, 1993; España, 2000; Israel, 2007).

Museo Ralli Santiago, emplazado en la comuna de Vitacura, será sede de un nuevo proyecto cultural a cargo de la Embajada de República Dominicana en Chile, la cual organiza la exposición individual de pintura “La Fiebre del Oro” del destacado pintor dominicano radicado en Estados Unidos, Freddy Rodríguez (1945).

A los 18 años de edad, Rodríguez llegó a Nueva York (1963), visitó tantos museos de arte moderno como fue posible y estudió pintura en Art Student League y en el New School for Social Research; posteriormente diseño textil en el Fashion of Technology. Desde sus inicios, sintió afinidad por el arte abstracto a partir de los trabajos y el uso de colores primarios de Piet Mondrian, las emociones logradas en las obras de Mark Rothko y las innovaciones de Frank Stella.

El trabajo de Freddy Rodríguez se caracteriza por fusionar aquellos elementos conceptuales y estilísticos de la pintura de la Escuela de Nueva York con los de la historia dominicana, la cultura caribeña y la contingencia internacional. En sus obras recurrentemente utiliza las características formales (abstracta) de la geometría, como la forma, la estructura o la composición y los colores vibrantes para referirse a temas generalmente considerados en desacuerdo con el formalismo puro, es decir, el arte debe juzgarse más allá de su condición estética. Es por esta razón que incluye aspectos sociales o éticos vinculados a su obra como la conquista europea, la colonización, la dictadura y el baseball.

Tras 5 décadas radicado en Nueva York, la obra de Rodríguez responde a las tendencias que han dado forma a la escena artística de la ciudad, la pintura de contornos nítidos, la abstracción geométrica y el minimalismo pero siempre considerando a su país natal y la cultura del Caribe, la inspiración de su trabajo.

La muestra “Fiebre del Oro” exhibirá una selección de una veintena de obras abstractas sobre tela de mediano y gran formato, ejecutadas por Rodríguez entre los años setenta hasta nuestros días. A través de su trabajo nos interpela con temáticas emocionales y sociopolíticas motivadas por sus preocupaciones sobre la historia del oro.

Rodríguez ha realizado numerosas exposiciones individuales tanto en Estados Unidos como en otros países latinoamericanos y de Europa; junto con representar a Estados Unidos en la IV Bienal de Pintura en Cuenca, Ecuador. A lo largo de su trayectoria ha recibido premios y distinciones, entre las que destacan la Beca de la Fundación Joan Mitchell Grant y una residencia en el Museo del Barrio. Ha trabajado en el Museo del Bronx, Museo Queens, Museo del Barrio, Museo de Newark, Smithsonian American Art Museum y el Museo de las Casas Reales de Santo Domingo. Ha participado como panelista en el New York Council en el Programa especial de Arte y como asesor en el Artist Community Credit Union  y el en Museum of Contemporary Hispanic Art (MoCHA). Es autor de innumerables instalaciones urbanas y monumentos conmemorativos como aquel en memoria de los muertos dominicanos en el accidente del vuelo 587 en Queens, Estados Unidos.

El museo puede ser visitado de martes a domingo entre las 10.30 y 17.00 horas y su entrada es completamente gratuita. Uno de los propósitos de Museo Ralli es fomentar el contacto directo entre el público y las obras, razón por la cual no hay visitas guiadas. Se pueden tomar fotografías y filmar sin flash durante el recorrido con total libertad.

Dirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura, Santiago. Chile

 www.museoralli.cl | www.rallimuseums.cl

La muestra permanecerá en exhibición desde el 3 de octubre hasta el 15 de diciembre de 2019.

«La naturaleza de las cosas»

Galería La Sala inaugura el jueves 12 de septiembre (19:30 hrs) “La Naturaleza de las Cosas”, décima exposición individual de la destacada artista chilena Ximena Velasco.

La muestra consiste en una serie de obras que están inspiradas en el poema épico griego del mismo nombre, donde podremos observar trabajos realizados en acrílico sobre papel, pinturas en gran formato y una intervención mural.

Es importante mencionar que por primera vez realizará un video animación de sus creaciones.

Hace más de una década, Ximena Velasco tiene una fascinación por la estética de las estructuras de la naturaleza y la geometría de los elementos que la componen. Su trabajo está basado en estructuras orgánicas que han ido desarrollando su propia geometría y patrones. Cada obra está conformada por capas de dibujos, marcas y estructuras abstractas; todas ellas organizadas de distintas maneras.

Ximena Velasco (1967) es licenciada de la Escuela de arte de la Universidad Católica con mención en pintura (1993). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas desde 1990 hasta hoy, y en nueve exposiciones individuales. Algunas de sus exposiciones individuales más recientes son: Morfologías en Espacio O (2018), Médula en Galería XS (2015), Mutaciones in Sala Gasco, 2013, y Metamorfosis en Galería Isabel Aninat.

Obtuvo la beca Fondart en dos oportunidades, en 1999 para el proyecto Excavaciones y en 2013 para el proyecto Mutaciones. Recientemente recibió una beca por mérito del Vermont Studio Center en EE. UU. (Vermont Studio Center Merit Grant, 2018).

Ha asistido a cuatro residencias artísticas, School of Visual Arts, en NY, EE. UU., (2011), Scuola di Gráfica di Venezia en Italia, (2013), Slade School of Arts en Londres, Reino Unido (2015), y recientemente en Vermont Studio Center, Vermont, EE. UU. (2018).

Su trabajo ha sido exhibido en Chile, Italia, EEUU, Reino Unido, y en Francia, y es parte de colecciones privadas en Santiago, Los Angeles, California, Washington D.C, Nueva York, Londres, y Paris. Su obra se basa en una investigación sobre estructuras encontradas en la naturaleza. A la vez se interesa por la abstracción y la arquitectura, que de alguna forma conviven dentro de su trabajo pictórico.

Cuándo: lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y sábados de 11:00 a 14:00 horas.

Dónde: Francisco de Aguirre N° 3720, esquina Alonso de Córdova, Vitacura.

Entrada liberada.