«Finito.in.Finito»

En la exposición «Finito.in.Finito», de Estaban Boasso, que se presenta desde el 21 de marzo al 23 de abril, el escultor mendocino presenta los trabajos que realizó durante 2017. Centro Arte Alameda, ubicado en Av. Libertador Bernardo O´Higgins 139, Santiago. 

Esteban Boasso, artista plástico argentino, presentará “Finito.in.Finito” en el Centro Arte Alameda. Esta serie de esculturas, está inspiradas en la frase de El Camino, Mensaje de Silo: “No imagines que estás encadenado a este tiempo y espacio”.

La muestra, que se realiza gracias al auspicio de la Secretaría de Cultura de la provincia de Mendoza y la Embajada de Argentina en Chile, estará abierta al público desde el miércoles 21 de marzo al lunes 23 de abril en Alameda 139, Santiago.

En la obra de Boasso, se aprecian trabajos esculpidos con materiales modificados con fuego, ya sea cerámica o metal. Durante su trayectoria, el artista ha investigado por más de 20 años distintos métodos de fundición de bronce, hierro y diferentes aleaciones. Por lo que en esta muestra se puede apreciar que tanto los materiales como el proceso juegan un papel predominante.

El trabajo del artista visual se ha definido como un diálogo entre el espacio y el tiempo, donde los volúmenes van cobrando características de acuerdo a los materiales utilizados y a la marca que el tiempo va formando durante sus procesos de transformación.

Esteban Boasso utiliza el volumen, textura y colores como forma de manifestar los estados internos que hacen posible una transformación personal y social. En sus esculturas se representa la rebeldía frente a una realidad establecida y la búsqueda de manifestaciones de la existencia humana, entre otros.

Sobre el artista

Esteban Boasso nació en Argentina en 1959. En la actualidad, es parte de la gestión y coordinación de Casa Palmera Galería de Mendoza, espacio donde se expone y comercializan las obras de artistas consagrados y emergentes argentinos.

Desde 1985 ha estado creando esculturas, utilizando materiales como cerámica, bronce, madera, hierro y piedra. Ha realizado exposiciones en todo Sudamérica, Centroamérica y España y sus obras han sido adquiridas por museos en México, Cuba, Santo Domingo y Argentina, así como también por coleccionistas privados.

A lo largo de su trayectoria ha recibido premios y menciones en Argentina, República Dominicana y Cuba, donde también enseñó la cerámica como escultura. En 2013 obtuvo premio Leonardo Favio, que se otorga a quienes han colaborado con el enriquecimiento artístico, demostrando un claro compromiso social.

«Orígenes»

Este martes 20 de marzo a las 19:30 hrs. no te puedes perder la inauguración de “Orígenes” una interesante exposición de 25 obras escultóricas, donde la tierra, el agua y el fuego, conjugan una explosión de materialidad calcinada por su propia significación.

Estas obras estarán exhibiéndose hasta el 20 de abril y podrás visitarla de lunes a viernes de 9:00 a 19:00 horas y sábados de 10:00 a 14:00 horas

«A partir del origen»

En Centro Cultural El Tranque, El Tranque 10300, Lo Barnechea.
Del el 16 de marzo hasta el 29 de abril de 2018. Lunes a domingo 9:00 a 19:00 horas.

La muestra consta de 103 piezas agrupadas en 20 conjuntos escultóricos, que incluyen trabajos de gran, mediano y pequeño formato en mármol, sal, madera, bronce, aluminio, fierro fundido y fibro-resina y que dan cuenta del proceso creativo para conocer cómo la artista se enfrenta con los materiales desde su estado natural hasta el acabado final, además de maquetas de esculturas de gran formato y videos.

El motivo de la exposición lo explica la misma creadora: «Nace en torno a una reflexión sobre la individualidad y multiplicidad a la que los seres humanos nos vemos enfrentados desde el momento en que nacemos. Si bien somos seres únicos e irrepetibles, nos vamos reconstruyendo, desarrollando y diferenciando unos de otros con el pasar del tiempo. Somos únicos pero al mismo tiempo somos multitudes. Nacemos a partir de un origen cuya potencialidad de proyectarse se manifiesta en uno, cinco, nueve o miles de imágenes iguales en apariencia, pero que a su vez cada una de ellas es capaz de hablar de su propia particularidad».

Esta reflexión se traduce hoy en cada uno de los conjuntos escultóricos que conforman la muestra. Cada obra nace y se articula a partir de un origen que se encuentra diferenciado por su materialidad (mármol, madera, bronce y sal). Es a partir de esta pieza originaria que surgen las otras, que serían los múltiples reflejos que evidencian los diferentes modos de expresión del ser.
Uno de los objetivos de la muestra es generar un vínculo directo entre espectador y escultora, por lo que se diseñó un «taller del artista» con la idea que fundamenta la obra: el origen. En este espacio se exponen los materiales y las herramientas con los que Marcela Romagnoli trabaja. Además, se proyectan cinco videos sobre el proceso creativo desde que es intervenida la materia por primera vez hasta que se termina el conjunto escultórico.

Además, habrá una maqueta en escala 1:10 en materiales definitivos del proyecto monumental del conjunto escultórico «Unidos» (instalado en la explanada exterior del Edificio Corporativo de CCU), y cinco videos sobre el proceso creativo desde que es intervenida la materia por primera vez hasta que se termina el conjunto escultórico.

Para el alcalde de Lo Barnechea, Felipe Guevara Stephens, la exposición constituye uno de los hitos culturales de este año: «Como centro cultural hemos tratado de acercar el arte de la escultura a todos los vecinos, ya hemos instalado El caballo de Lo Barnechea de Francisco Gazitúa; Puerta de la percepción de Sergio Castillo; Piedra del encuentro de Vicente Gajardo, Leer, saber, pensar, homenaje al historiador Gonzalo Vial de María Angélica Echavarri; y ahora estamos en proceso con Plegar el paisaje, del destacado escultor nacional Cristián Salineros. En este sentido, la exposición de la connotada artista Marcela Romagnoli en la sala ubicada en avenida El Tranque, viene a confirmar nuestro compromiso con la cultura para nuestros vecinos».

La exhibición se extenderá hasta el 29 de abril en el Centro Cultural El Tranque de Lo Barnechea. Entre las actividades de extensión se encuentran visitas guiadas, un taller para niños dictado por Romagnoli (sábado 7 de abril a las 16 horas) y un conversatorio con la artista y los escultores Vicente Gajardo y Cristián Salineros (10 de abril a las 19:30 horas)

«Forma y Materia»

La Scuola Italiana y su Centro Cultural, inaugurarán el jueves 15 de marzo a las 19:30 Hrs., la exposición “Forma y Materia” de la Asociación de Escultores de Chile (SOECH).

A esta muestra participarán 11 escultores de destacada trayectoria nacional e internacional de SOECH, Asociación Gremial que reúne a más de 300 artistas en todo el país.

Este montaje estará compuesto por un conjunto de esculturas que se centrará principalmente en la diversidad de materiales, como vidrio, madera, piedra, fierro, bronce, cobre, entre otros; como también en la variedad de formas y estilos existentes, creando de esta manera un montaje dinámico y atractivo.

La muestra deja en evidencia las diferentes técnicas y conceptos que inspiran a este grupo de creadores, plasmadas en obras de pequeño y mediano formato, permitiendo conocer la versatilidad que hoy en día encontramos dentro de la escena actual de la escultura Chilena.

Los escultores participantes de la muestra son: Laila Havilio, Ingrid Gredig, Patricio Peralta, Oscar Plandiura, Oscar Moreno (Pululo), Ana María Lira, Loreto Foeldes, Lorena Olivares, Pablo Casas, Francisco Cuadrado y Laura Quezada.

La exposición será exhibida en la Sala Terracota (Avda. Las Flores 12.707, San Carlos de Apoquindo) desde el 16 de marzo al 27 de abril, de lunes a viernes de 8:00 a 17:00 Hrs. Entrada liberada.

«Bucrania. Fosilizar la huella»

Inauguración Jueves 18 de enero de 2017, 19:30 horas ; Jueves 18 de enero al domingo 18 de marzo de 2018 / Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas. / Museo Nacional de Bellas Artes. José Miguel de la Barra 650, Metro Bellas Artes.

La muestra es parte de una serie de intervenciones de la exposición Tránsitos, programadas para este 2018, con el fin de interpelar la historia del edificio del MNBA y su colección.

El artista, representado por la galería One Moment Art, fue invitado a montar una serie de diez cráneos de animales fosilizados con metal en el hall del MNBA, para ponerlos en diálogo con las esculturas de fines del siglo XIX y principios del XX que son parte de la muestra Tránsitos. Colección de esculturas MNBA, curada por Gloria Cortés.

Pablo Concha rescata e imita el proceso de petrificación natural propio de las materias orgánicas con una técnica de fosilización con aluminio o bronce líquido. El metal se vierte en las cavidades de los cráneos, los que se calcinan, dejando ver los huesos faciales más duros y un volumen de metal con la forma del cerebro y sus senos frontales.

«La fosilización es un proceso natural ocurrido bajo ciertas características de presión y temperatura en donde material sedimentario penetra en tejidos orgánicos como los huesos, vaciándose como si fueran moldes y transmutando la forma de éstos a material pétreo», explica el artista.

La curadora Gloria Cortés relaciona el trabajo del artista con los ornamento en forma de osamenta de cabeza de buey existentes en el Palacio de Bellas Artes  invitándolo a participar en un ciclo de intervenciones que se llevarán a cabo durante 2018 en la exhibición Tránsitos de esculturas de la colección patrimonial.

“La obra de Concha interpela a la historia del edificio y de su colección, introduciendo una crítica a la fosilización del canon convencional. El artista apela a la historia cultural del siglo XIX y a la añoranza a un cierto pasado grecolatino como construcción genealógica europeizante, para cuestionar la tradición desde los restos fragmentados de la muerte, gesto crítico e irónico que permite resituar los imaginarios establecidos por la hegemonía de los espacios modernos que introducen el concepto de ‘nación’”, cuenta la curadora.

El bucráneo o bucrania es un relieve ornamental en forma de cráneo de buey, de cuyos cuernos penden guirnaldas. Deviene de las ceremonias de sacrificio griegas y romanas y se incluyó en los templos del mundo clásico. Los arquitectos renacentistas lo transformaron en un ornamento de gran influencia, despojándolo de su sentido original e incorporándolo en sus tratados. En el siglo XIX se utilizó en los nuevos edificios republicanos para evocar la romanidad.

Esta añoranza al mundo clásico se vio reflejada en el encargo del gobierno chileno para adquirir  reproducciones de las esculturas más importantes de la antigüedad, el Museo de Copias, que tomó forma final en 1911. Un año antes, el arquitecto Emile Jéquier introdujo los bucráneos en los frontones laterales del edificio del Museo Nacional de Bellas Artes.

Sobre Pablo Concha (1984)

Cursó dos años la carrera de veterinaria y luego ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Chile. En 2010 obtuvo el título de escultor y tres años después realizó una maestría en artes visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), egresando como Maestro en Artes Visuales con mención en Arte y Entorno. En 2015 recibió la Beca de Excelencia para estancias de creación artística del gobierno de México, para el desarrollo del proyecto escultórico Nuevos Monumentos, a partir del cual instaló esculturas en parques de la CDMX.

Actualmente trabaja en México y Chile, desarrollando trabajos de gran formato emplazados en la vía pública y esculturas de mediano formato para exhibirlos en centros culturales. Ha participado en exhibiciones y festivales tanto en Santiago, en el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Gabriela Mistral, el Centro Cultural Matucana 100 y el Centro de Arte Contemporáneo de Cerrillos, como en Buenos Aires, Museo ex Teresa de México y la Bienal de Arte Latinoamericano de Bronx en Nueva York.

En febrero inaugurará una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, Perú, consistente en una intervención escultórica con madera amazónica simulando pepitas de oro de distintos tamaños, como un llamado de atención por la deforestación y daño a la selva amazónica producto de la extracción de oro.

Sobre One Moment Art (OMA)

Galería fundada en 2014, cuya misión es instalar a autores en espacios patrimoniales, museos, centros culturales y lugares de acción cultural. Actualmente representa a siete destacados artistas nacionales y ha materializado 11 exposiciones en los espacios más importantes de Chile.

«Arte neumáticos»

Domingo 15 de octubre al jueves 30 de noviembre de 2017 / Lunes a domingo, 10:00 a 14:00 y 15:00 a 21:00 horas / Galería de Arte Corporación Cultural de Estación Central. Alameda 3470, cuarto piso (Mall Plaza Alameda).

Exposición del escultor Peter Guerrero

Esculturas realizadas con neumáticos reciclados.

«Murmullos»

Inauguración martes 8 de agosto, 20:00 hrs. Permanecerá abierta los días lunes, martes y miércoles de 11:00 a 19:00 horas, hasta el miércoles 23 de agosto de 2017.

Invita Fundación 1367, Casa Memoria José Domingo Cañas,

Muestra de esculturas de la artista Geraldina Ahumada Theoduloz.

Las obras ponen en valor los hechos ocurridos en las calles José Domingo Cañas y Campos de Deportes después del año 1973.

Expresiones silenciadas: lo contado y lo callado en la obra de Geraldina Ahumada

Constanza Navarrete Licenciada en Arte y Estética de la Universidad Católica de Chile

Desde el colegio que Geraldina sentía atracción por el arte y la cerámica. De hecho, se escapaba de clases para poder asistir al taller Pucará, del que participó en II° hasta IV° medio. Luego ingresó a estudiar Arquitectura en la Universidad de Chile, para retomar, años después, nuevamente su labor artística en el taller de cerámica impartido por el artista Ricardo Irarrázaval Echenique. Es allí donde comenzó a exponer y generar un corpus de obra, en donde el tema de la memoria, la historia local, lo político y lo no-dicho atraviesan gran parte de su producción.

Geraldina vivió hasta los  19 años en la calle José Domingo Cañas #1185, comuna de Ñuñoa en Santiago, Chile, ubicada entre dos centros de tortura: José Domingo Cañas #1367 y Obispo Orrego #241. Desde su dormitorio, se escuchaban gritos durante las noches. Ella relata: “De los seis hermanos, tres recordamos los gritos. Tres dicen no haber escuchado nada. Traté de escribir, pero todos los lápices habían dejado de escribir. Traté de hablar, pero hay cosas que no quieren ser escuchadas […] Seré breve: no sé dónde guardar los gritos”[1]. Luego se mudaron con su familia a la avenida Campo de deportes, frente a una de las casas de Colonia Dignidad, también en Ñuñoa. Si bien allí no se escuchaba nada, se sabía que pasaban cosas.

Aquella contextualización sirve para comprender el trabajo artístico de Geraldina Ahumada, quien a lo largo de los años no ha dejado de tener necesidad por expresar su testimonio vivido durante la época de dictadura. El material de la arcilla ha sido el lenguaje posible para plasmar un discurso suprimido para un recuerdo en latencia. De lo frágil y precaria que es la arcilla, se crean objetos escultóricos que dan cuenta de memorias igualmente frágiles y evanescentes, no por su falta de nitidez, sino por su nulo registro durante los años de los hechos; años en que ella nunca contó nada a nadie de lo que percibía. Sin embargo, y tras el paso del tiempo, el testimonio silenciado comenzó a emerger. Tal des-ocultamiento tomó forma en primera instancia, en objetos que aludían a diferentes medios de comunicación: esculturas de teléfonos, radios, cámaras, micrófonos y televisores de la época, a modo de comunicar y mostrar lo que entonces no se podía, al menos con palabras.

En los últimos años, Geraldina ha incorporado otros elementos a sus esculturas en gres como partes de objetos y máquinas, alterando el uso y estética tradicional de la cerámica. A partir de estas últimas intervenciones es que surgieron los “objetos-animitas”: objetos cotidianos utilizados durante los ’70 y ‘80, que supuestamente captaban el ambiente mortuorio que yacía presente durante el régimen militar. Según comenta la artista, “lo que estaba en el aire traspasaba las casas”, haciendo de estas cosas funcionales de uso común, elementos “cargados” con el sentimiento de la muerte. Los objetos-animitas aluden, así, a la cotidianeidad casera, como también a las animitas en tanto pequeñas tumbas simbólicas de personas que han muerto trágicamente. En reemplazo de las típicas velas utilizadas en las animitas, Geraldina dispone luces artificiales, ya sean leds o neones, en torno a las obras. Misma intervención realiza en sus mapas de arcilla; en éstos, distintas placas conforman el barrio en torno a José Domingo Cañas, señalando las antiguas casas de Geraldina y los centros de tortura ya mencionados, entre otros sitios asociados. Las luces que aparecen entre los orificios de las placas, reflejan a los vecinos que también oyeron lo que entonces ocurría. En la medida que se vayan sumando testimonios, más luces podrán destaparse y brillar dentro del mapa de la tortura y su silencio, situado en aquel mítico barrio de Ñuñoa.

  A través de los mapas y los objetos-animita se busca relatar una historia no contada, pero desde la distancia: decir que aquel lugar “fue un barrio de exterminio, en donde se sentía  el miedo […] ellos no estaban solos pero nosotros no hacíamos nada. Esta es la voz de quienes escuchamos”.

Dichas obras serán expuestas en Agosto del 2017 en Fundación 1367, Casa de la Memoria José Domingo Cañas, actual memorial de uno de los centros de tortura. Paradójicamente, los gritos escuchados por Geraldina a lo largo de su adolescencia, serán ahora visibilizados por medio de sus esculturas en el mismo lugar donde acontecieron.

[1] Parte del texto escrito por la misma artista para una exposición individual a realizarse en Agosto de 2017 en La Casa de la Memoria #1367.

«Cordón de Plata»

La inauguración se realizará este sábado 22 de julio a las 13:30 horas, en el exterior del Torreón del Centro de Eventos Vista Santiago, y permanecerá abierta sólo durante los fines de semana hasta el domingo 6 de agosto entre las 10:00 y 19:00 horas. La entrada es liberada.

Por primera vez, el arte contemporáneo llega al Torreón del Cerro San Cristóbal bajo la administración del centro de eventos Vista Santiago. Este icónico lugar, poseedor de una de las vistas más privilegiadas del paisaje urbano y natural de la ciudad, exhibirá Cordón de Plata, instalación basada en fotografías y piezas escultóricas, de la artista chilena Fiorella Luna.

La exposición es un ‘site specific’ (obra hecha para el lugar), que a través de dos telas instaladas desde el techo del torreón, fotos tomadas por la artista y piedras recolectadas desde diversos lugares del país, explora las relaciones entre el paisaje, su habitabilidad y la poesía visual.

Cordón de Plata reflexiona sobre la importancia mítica de los cerros en la cultura en el entorno natural y urbano de Chile. Las fotografías, impresas sobre planchas de aluminio muestran diversas cumbres de nuestro país, las que, acompañadas de una maqueta a escala del Cerro San Cristóbal y hallazgos geológicos de la artista, hacen de la instalación una reflexión poética de la geografía nacional, en el corazón del Parque Metropolitano.

«Bronces inquietos»

Desde 23 de junio hasta el 22 de septiembre de 2017 / Lunes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas / Sala de exposiciones Parque de las Esculturas. Metro Pedro de Valdivia.

Con 24 obras nunca antes exhibidas del Premio Nacional de Arte, Mario Irarrázabal.