«Ofrendas Fotográficas contra el Femicidio. Archivo por la no violencia a las mujeres»

“Ofrendas Fotográficas contra el Femicidio. Archivo por la no violencia a las mujeres”, se llama la muestra que integra el trabajo de 11 destacadas artistas nacionales.

  • “Quisimos hacer un proyecto que, por sobre todo, fuese crítico”. Asegura una de las encargadas del proyecto, Gabriela Rivera.

Desde el jueves 11 de enero, abre sus puertas al público “Ofrendas Fotográficas contra el Femicidio. Archivo por la no violencia a las mujeres”. Proyecto seleccionado en el marco de la convocatoria de artes visuales que todos los años efectúa Centro Cultural Estación Mapocho.

La muestra, reúne el trabajo de un destacado grupo de artistas con potente mirada de género como Kena Lorenzini, Marcela Bruna, Zaida González, Mariana Gallardo, Sumiko Muray, Pía Acuña, Ximena Riffo, Jocelyn Rodríguez, Macarena Peñaloza; y sus curadoras Andrea Herrera y Gabriela Rivera.

“Decidimos que fuese plural en cuanto a edad, que no fuesen sólo santiaguinas y de diversas técnicas. Hay fotógrafas que hablan desde lo documental, otras desde lo artístico, otras más de lo conceptual. Eso fue súper importante para construir el proyecto”, indica Gabriela Rivera.

El objetivo principal de la muestra, es crear un enfoque crítico de género en base a la investigación y análisis de los femicidios en Chile, proponiendo en el acto de ofrendar, una visualidad en honor a la memoria de tantas mujeres asesinadas y violentadas.

Gabriela Rivera asegura además que “a través de nuestra herramienta de lucha y denuncia que es la foto, quisimos hacer algo constructivo para que esta crítica no quedara sólo como una manifestación. Sino generar en el espectador una reflexión, una inquietud”.

Agrega que para lograr el resultado deseado “implicó muchas reuniones de trabajo donde nos juntábamos. Implicó mucha conversación, mucho diálogo, nos juntábamos cada 3 o 4 meses”.  Puntualiza sobre el proyecto que en 2014 se adjudicó un Fondart.

“Ofrendas Fotográficas contra el Femicidio. Archivo por la no violencia a las mujeres” se presentará desde el 11 de enero hasta el 4 de febrero y desde el 26 de febrero hasta el 18 de marzo (martes a domingo), de 11:00 a 20:00 horas, en la sala Lily Garafulic de Centro Cultural Estación Mapocho. La entrada es liberada.

«La Caverna»

La muestra permanecerá abierta hasta el 31 de enero de 2018.

Para más información visita www.xsgaleria.cl

Av. Nueva Costanera 3723 segundo piso, Vitacura

Horarios: Lunes a Viernes de 10:00 a 14:00 hrs y de 16:00 a 20:00 hrs. / Sábados de 11:00 a 14:00 hrs.

Exposición colectiva
Galería XS-Marlborough
11 de enero de 2018

Natalia Babarovic Antonia Daiber Pablo Ferrer Adolfo Martinez
Francisco Morales Kevin Parra Christian Yovane

-La caverna es una muestra transgeneracional, curada por la artista Natalia Babarovic, que reúne el trabajo de cuatro pintores –ella, Antonia Daiber, Pablo Ferrer, Francisco Morales–, junto a la obra en papel de Christian Yovane y los ensamblajes de Adolfo Martínez y Kevin Parra. Siete artistas con mucho oficio y poca estrategia: las similitudes a explorar siguen con la claridad, el humor, la falta de política y el exceso de conciencia.

“La Caverna es un poco nombre de discotheque o de club, remite a un lugar de debut de bandas desconocidas, y por supuesto a la cuestión de Platón y otras cuevas artísticas, desde Lascaux y Altamira”, escribe Natalia Babarovic en la definición de esta muestra. “Es también un escondite transgeneracional cuyo objetivo es indicar, recordar al observador, que aún hay vida subterránea en el arte, que no todo cambia como la ciudad y la muchedumbre a la luz del día. Somos un grupo de cavernícolas o, si se quiere, los últimos clientes de la disco La Caverna”.

Esta muestra invita a descubrir las coincidencias y diferencias en la obra de siete artistas en apariencia disímiles. Los une algo así como lo puro de su gesto, la excelencia técnica, la seriedad humorística, parecer extemporáneos e incluso anticuados. “Lo interesante es que en las técnicas de cada uno parece haber, respecto de la moda del momento, una especie de retroceso. Tal vez en el mismo momento en que la técnica en cuestion empezó su apogeo, la escultura, el pastel, la apropiación, el ensamblaje parecen revolucionarios”, agrega Babarovic.

En la muestra participan dos jóvenes “como heraldos del futuro”: Francisco Morales (1990), que mostrará nuevas trabajos de pintura ejecutados sobre cuadros previos –después de su brillante muestra Conflicto de interés (agosto 2017, Local). Kevin Parra (1992), ensamblador experimental que usa papeles y trabajos de sus estudiantes o propone objetos encontrados o inventados, levantará “Sísifo”, una suerte de roca, un objeto pesado y grande, sujetada en una varilla frágil, delgada y larga, además del ensamblaje “En este país no se mueve ninguna hoja sin que la este moviendo yo, que quede claro”.

Los más experimentados, o con obra conocida y visible, son Adolfo Martínez (1976), escultor, recolector y ensamblador que explora los límites de lo rural y lo suburbano: una sus piezas será un ave embalsamado que recoge o hace volar prendas movedizas. Christian Yovane (1977) presentará una variedad de la obra gráfica y sintética sobre papel, con formas que distorsionan la cultura pop, que caracteriza su trabajo. Antonia Daiber (1984) mostrará una serie de pasteles grasos sobre lija de diversos tamaños y colores (amarilla, roja y negra). “En estos pasteles aparece lo opaco, rasposo y matérico. Una vez más la representación se vuelve algo abstracta debido a la presencia material de los trabajos y a los encuadres fragmentarios escogidos”, señala Daiber. Como contrapunto incluirá pinturas al óleo líquidas, transparentes y livianas, también imágenes difusas y abstractas.

Pablo Ferrer (1977) presentará papeles grandes que muestran diferentes caídas (del árbol, del cielo, de la gloria) y una serie de pequeños cuadros sobre recuerdos de situaciones vistas junto al muro de su casa. Natalia Babarovic (1966), en tanto, mostrará una selección de sus series de pinturas sobre cartón, que combinan imágenes encontradas en fotografías con trazos y manchas hechos con spray o pigmentos puros, además de óleos sobre tela en gran formato.

Artistas

Natalia Babarovic (Santiago, 1966), pintora y licenciada en Arte en la Universidad de Chile. Ha expuesto su trabajo en Prospect and perspective, recent art from Chile, colectiva, San Antonio Museum of Art, Texas, 1997; Tombs and River, individual, Mafuji Gallery, Londres, 2000; en Santiago: 100 años de arte en Chile, colectiva, Museo Nacional de Bellas Artes, 2000; Cautiverio feliz, individual, Sala Gasco, 2005; Del otro lado, colectiva, Centro Cultural la Moneda, 2006; Novelita, individual, Galería Florencia Loewenthal, 2007; Campos cercados, con Pablo Ferrer, Galería Animal, 2008; Hufmann-Babarovic, Galería D21, 2010; Como desaparecer completamente, individual, MAVI, 2013; Performances, galería González y González, 2014; Instantáneas, 2015, y Encandilados, 2016, galería XS. 

Durante más de veinte años ha realizado una investigación pictórica de la percepción de la realidad, que es también una investigación psicológica, epistemológica, ontológica del mundo. La fotografía cumple en esta investigación, el papel fundamental de prueba de existencia de ese mundo que es siempre pasado y de mapa lumínico de la escena desaparecida.

Antonia Daiber (1984). Licenciada en Artes Plásticas y magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Ha participado muestras colectivas como Croma, Artespacio, Santiago (2011); Cuchillo al agua, Galería Balmaceda, Santiago, y Topsy en Six D.O.G.S, Atenas (2010); Calibre 14, MAVI, Santiago (2009), Aprox, MAC de Quinta Normal (2007). Participa en las muestras bipersonales, Mirada móvil en Factoría Santa Rosa, Santiago (2015) y El Dorado en la embajada de Chile en Bélgica (2013). En 2016 participa en la feria Ch.ACO junto a la galería El caballo verde y en 2017 es invitada a la exposición 27 pintores en Galería XS. Presenta su primera muestra individual en 2010, Fuera de Campo, en Galería Isabel Aninat; en El caballo verde realiza Pintura de viaje (2011), Nubes altas (2014) y La hora del pintor (2017). En galería Artium presenta Traveling (2013) y en Centro de Extensión UC Nocturnos (2016).

Escribe: “Mi trabajo se ha vinculado al paisaje y a una representación incierta de éste. He utilizado diversos medios como la pintura, el dibujo, la fotografía, el video y la intervención. Un ánimo contemplativo y misterioso se manifiesta en los videos realizados a través de capturas fijas carentes de sonido y narración. En estos registros aparece un fragmento de paisaje aparentemente inmóvil; el vuelo de un insecto, la respiración de un cuerpo o el movimiento de una rama seca transforman estas capturas en fotografías vivas.
Por otra parte, las pinturas y los dibujos son en su mayoría difusos, atmosféricos y están casi siempre al límite de la abstracción; por medio de manchas líquidas o achurados vibrantes se va conformando una imagen difusa, un paisaje sin línea de horizonte. En estos trabajos aparece la materialidad del medio escogido, la presencia del color y su vibración por medio de mezclas ópticas. En este sentido podrían emparentarse a los videos en los que el pixel vibra a través de la mezcla óptica que conforma la imagen digital”.

Pablo Ferrer (1977). Artista visual, licenciado en Artes Visuales, mención pintura, Universidad de Chile (2002). Magíster en Artes visuales de la misma institución (2003- 2004). Académico de la Universidad de Chile. Ha obtenido el FONDART los años 2002, 2005 y 2015. Ha exhibido individual y colectivamente en Chile y en el extranjero. Dentro de Chile ha expuesto en espacios como Matucana 100, Galería Animal, Gabriela Mistral, Muro Sur, D21, Sala Sam, MNBA, en la primera Trienal de Chile en el MAC, entre otros. En el extranjero ha participado en diversas ferias de arte y en muestras colectivas en Ciudad de México, Atenas, Bruselas, Lima, Buenos Aires, Bogotá, Madrid y Berlín.

Escribe: “Mi producción visual ha estado centrada en la pintura y en una reflexión constante en torno a la representación. Mis pinturas toman como punto de partida la idea de que toda imagen arrastra un pasado sedimentado que retorna en ella. Por otro lado he indagado en diversos modos de construcción de escenas en las que se mezclan el uso de la maqueta y el collage. De esta forma he buscado establecer diversas aproximaciones al estatuto del modelo en la pintura. En paralelo he realizado una investigación con medios como el video, explorando aquellos aspectos temporales que no se podían enunciar elocuentemente dentro del campo de la pintura”.

Adolfo Martínez (Santiago, 1976). Artista visual y docente. Licenciado en Arte y Magíster en Artes Visuales en la Universidad de Chile. Desde 2002 hasta la fecha se desempeña como profesor del área de escultura en la misma institución. Además de ejercer la docencia, ha tenido una prolífica producción de obras en múltiples exposiciones, en galerías como Gabriela Mistral, D21, Animal, Museo de Arte Contemporáneo, Museo Histórico Nacional, Sagrada Mercancía, La Palmilla Oriente, Museo Nacional de Bellas Artes o centros culturales como CCU, MAVI, Casa Plan, Concreta Matucana 100 y Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos.

La obra de Martínez indaga en torno a la inminente transformación de la ruralidad que colinda con la urbe, donde sus límites en cuanto a territorio e identidad se hibridan, conformando la irrupción violenta de un nuevo imaginario suburbano. Su propuesta visual establece vínculos interdisciplinarios desde lo escultórico, lo cual lo ha llevado a explorar otros lenguajes como la fotografía o la intervención de objetos encontrados.

Francisco Morales V. (Santiago, 1990). Pintor. Ha exhibido parte de su trabajo en No estaré para contarlo (Bikini Wax, México DF, 2017); Conflictos de interés (Local Arte Contemporaneo, Santiago, 2017), Christina Ricci (BECH, 2016), The Fellas (Espacio Falso, 2015), Aquí no está (Macchina, 2014), Común & Corriente (APECH, Santiago, 2013)

Señala: “La caverna, además de concepto, se puede usarcomo verbo, como espacio de suspención en donde se procesaría una imagen exterior, para una ejecución en el exterior: cavernar. La caverna puede ser una proyección fisica de la mente. Un lugar con límites, privado, como una pieza, donde uno hace y deshace mentalmente. Aunque todo el tiempo pasemos por el exámen de conciencia, la pieza o cueva es el lugar donde la cabeza se expresa físicamente, o descansa. Lo diferencio del taller, al considerar que tiene una utilidad productiva, carácter diferente al de la pieza, el lugar donde uno se muere todos los días. Suena cursi pero uno esta dimensión con la de los cavernarios, que dormían en las cavernas y experimentaban la maxima vulnerabilidad (el sueño) en ellas. Cavernas, chozas, lo que se pueda: se asocia rápidamente con rudimentos, precareidad, cosas toscas. La caverna para mí está mucho más cerca que los cientos de miles de años e historias que nos separan de ellas”.

Kevin Parra (Santiago, 1992). Licenciado en Artes Visuales y en pedagogía en Artes Visuales de la Universidad Andrés Bello. Sus exposiciones individuales son Malos hábitos de estudio, Biblioteca Viva Norte, Santiago (2017), Los dolores del corazón, Biblioteca Viva Norte, Santiago (2016) y Grato ambiente familiar, Galería Laboratorio 01, Santiago (2014). Además ha integrado las muestras colectivas Tutopia, Galería Casa Uno, Santiago( 2017); Donde vivimos nosotros tenemos jardín, Galería Balmaceda Arte Joven (2017); Lecturas Visuales de Poesía Medular, CCMP, Rancagua (2016); Bienestar, Galería Campus Creativo, Santiago (2016); Identidad, Expresión, Independencia, Biblioteca pública de Independencia Pablo Neruda, Santiago (2016); La Resistencia, Centro Cultural de Recoleta, Santiago (2014); El Buffet, Galería El Cubo, Santiago (2014); Paisajes, Sala Manuel Rodríguez, Santiago (2014); Apología de lo Real, Galería Sub-Terra, Santiago (2013)

Señala: “La caverna es una trinchera de resistencia. Dejar de creer, y enfrentarse a la realidad. Materia bruta. Lo prehistórico siempre es tosco porque es puro material”. 

Christian Yovane (Santiago, 1979). Licenciado en Artes Visuales (2002) y egresado del Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile (2004). Entre sus exhibiciones individuales destacan: Los Infelices , Metales Pesados, Santiago (2014); Crack (Bi-personal), González y González, Santiago (2012);  La Cruda , Galería D21, Santiago(2012). Y en las colectivas: Haciendo Días, Centex CNCA, Valparaíso (2017);  FILAAC, Galería Marta Traba, Sao Paulo (2014) ; Robo con Fractura, Local Arte Contemporáneo, Santiago (2013); SANFIC 08’ Shoot the Shooter: Panorámica de Videoarte Latinoamericano , Centro Cultural La Moneda , Santiago (2012); Operación Verdad o la Verdad de la Operación, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago (2011); Indios Verdes Proyecto Sin Muros, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2011); Imagen Local, Museo de Arte Contemporáneo MAC, Santiago (2011); Topsy, Six D.O.G.S Gallery, Atenas (2010); Estrechez de Corazón, galería D21, Santiago (2009);  Cohortes 02-07’ Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, (2008); In.Co.Nexo, BAC Festival 08′, CCCB , Barcelona (2008); Apetito de Destrucción, galería Animal, Santiago (2005).

Escribe César Gabler: “Christian Yovane ha desarrollado su obra en los medios del video y el dibujo. El dato no es irrelevante. Valiéndose de tintas, dispone sus imágenes a partir de operaciones que deben tanto al montaje cinematográfico, como al cadáver exquisito de los surrealistas. Sus personajes, casi siempre extraídos de revistas antiguas, se aíslan o se funden, provocando un particular efecto de extrañeza. Cuando opta por aislar las figuras parece sugerir que algo se esconde en ellas. La aparente familiaridad se vuelve inquietante e instala una pregunta sobre el sujeto que se tomó el trabajo de elegirla y de copiarla. El ojo de Yovane parece debatirse entre la arqueología, la nostalgia y una afición casi patológica por las huellas menos esperables del pasado. Siguiéndolas, el espectador desemboca en un relato que se aleja de la moral y la pedagogía”.

«Independencia»

– Diez artistas conmemorarán con sus creaciones los 200 años de la firma del Acta de Independencia de Chile en la nueva exposición 2018 de GAM.

– La exhibición, curada por Matías Allende, estará en la sala de artes visuales entre el 10 de enero y el 4 de febrero.

El 12 de febrero de 1818, se firmó el Acta de Independencia, documento mediante el cual Chile declaró solemnemente su independencia de la monarquía española. Este bicentenario se celebrará en GAM con una exhibición contemporánea a cargo de diez artistas de diferentes disciplinas.

Habrá obras inéditas y participarán los artistas Santiago Cancino con objetos industriales; fotografía de Sebastián Mejía Castilla; escultura de Jessica Briceño Cisneros; pintura y dibujo de Francisco Rodríguez Pino, Magdalena Contreras, Constanza Giuliani y Aranzazu Moena Latasa; instalación de Hugo Leonello y Víctor Flores Jiménez; y tapices de Pilar Trujillo Silva.

Los jóvenes artistas, cinco chilenos y cinco de otros latinoamericanos, trabajarán con una lectura del bicentenario y sobre todo con los últimos 100 años de nuestra historia, donde los procesos de consolidación de la industria y el progreso, configuraron el Chile actual.

Desde los emblemas nacionales, paisajes, materiales y trabajadores, la exposición pretende reflejar la identidad visual actual de nuestro país, deteniéndose particularmente en los hitos contemporáneos.

Los artistas seleccionados trabajarán desde distintos puntos de partida ideológicos y estéticos, como el internet, la cultura pop, el feminismo, la ciudad, la industria, las tradiciones, la migración.  A través del arte, se hará una crítica a la historia nacional y latinoamericana, y será abordada como pensamiento colectivo entre los artistas, como un discurso en común que cruzará la sala.

En el marco de la exposición, curada por Matías Allende, también se llevarán a cabo conversatorios vinculados a la producción editorial con tópicos feministas:

19:00 19 de enero – Estudiando el Pop: Lanzamiento doble de zines «Pensando Purpose» y «Pensando a la One»
Panelistas: Patricia Espinosa (Crítica literaria y Directora de la Revista Aisthesis), Gonzalo Planet (Músico, productor y periodista), Danae Tapia (Periodista, activista) y Felipe Mardones (Periodista y creador de proyecto).

19:00 26 de enero – La época de oro de las teleseries chilenas
Panelistas: Katherinne Lincopil (investigadora en arte y literatura), Carol Illanes (investigadora en cultura visual), Malú Urriola (poeta y guionista).

19:00 2 de febrero – Cine, arte nuevo procedimiento ni tan recientes
Panelistas: Graciela Marín (investigadora en cultura visual), Antonella Estévez (Periodista, FEMCINE, Cine Chile y autora de dos investigaciones en torno al cine), Constanza Alarcón (artista visual).

Curador: Matías Allende Contador Producción General: Loa Bascuñan Producción y Montaje: Alejandra Caro Artistas: Aranzazu Moena, Constanza Giuliani, Francisco Rodríguez, Hugo Leonello, Jessica Briceño, Magdalena Contreras, Pilar Trujillo, Santiago Cancino, Sebastián Mejía, Víctor Flores Auspicio: Tuborg y Viña Aromo

Temporada 10 Ene al 4 Feb  
Horarios Ma a Vi – 10 a 21 h, Sá y Do – 11 a 21 h 
Sala Artes Visuales

«A-isladas: Poética de los cuerpos huilliches»

Exposición de Paula Pailamilla y Danny Reveco, proyecto realizado con la comunidad de hilanderas de la Isla Quehui, luego de tres meses de estadía en el marco de las Residencias de Arte Colaborativo del programa Red Cultura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA).

Inauguración Martes 9 de enero a las 19.30 horas / La muestra estará abierta al público de lunes a viernes de 10 a 19 hrs. y se podrá visitar hasta el viernes 2 de febrero de 2018 / Galería BECH. Alameda 123. Metro Baquedano.

Galería Bech inaugura proyecto de arte colaborativo realizado con mujeres en la Isla Quehui

Desde el miércoles 10 de enero hasta el viernes 2 de febrero se exhibirá en BECH: “A-isladas: poética de los cuerpos huilliche”, proyecto realizado por la comunidad de hilanderas de la Isla Quehui y los artistas Paula Pailamilla y Danny Reveco.

Luego de tres meses de estadía en la isla perteneciente a la comuna de Castro, Chiloé y en el marco de las Residencias de Arte Colaborativo del programa Red Cultura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), los artistas produjeron un trabajo centrado en los saberes ancestrales que siguen vigentes en las prácticas cotidianas de las mujeres de la localidad, desarrollando así una propuesta con el grupo Hilanderas del sector de Camahue. El proyecto consistió en generar una instancia de reunión semanal que les permitiera enfocar su práctica hacia la confección de tres cuerpos de mujeres inspiradas en el imaginario local, en sus propios rasgos y fisonomías, poniendo énfasis en los materiales que ellas tienen en su tierra y manejan cotidianamente: la lana de sus ovejas y plantas de sus huertas y jardines para teñir.

Abordando el problema de la contaminación que sufre el territorio de Chiloé producto de las salmoneras los artistas realizaron intervenciones en distintos lugares de la isla con el fin de entablar un diálogo crítico entre la comunidad y su contexto. La exposición estará conformada por una instalación y el registro en distintos soportes de la experiencia, parte de ellos generados por Lorna Remmele, fotógrafa y Daniela Catrileo, poeta mapuche, quienes participaron en diferentes momentos del proceso creativo. Además el proceso de la residencia contó con el trabajo de Elisa Carvajal, bailarina y creadora escénica.

Sobre los artistas

Paula Pailamilla / Paulamilla (1988)

Artista de performance y docente. Ha participado en creaciones tanto individuales como colectivas relacionadas con la investigación del cuerpo político, social e histórico a nivel práctico y teórico. Se destaca su trabajo vinculado a su ascendencia indígena mapuche y proyectos de arte relacional. Ha sido artista invitada a diversos encuentros, teatros y galerías en Chile, Argentina, Uruguay y Colombia, siempre desarrollando temas en torno al cuerpo latinoamericano y su contexto.

Danny Reveco (1987)

Artista multimedial que desde el anonimato vincula performance, muralismo y arte colaborativo, con una perspectiva crítica a la herencia doctrinaria del shock. Su trabajo reflexiona desde el mundo popular y la pérdida de identidad en el contexto local por la diversas olas de colonización en Latinoamérica. Ha participado en diversas colaboraciones con artista, grupos de trabajo, exposiciones y festivales a nivel nacional.

Sobre las Residencias de Arte Colaborativo

Las residencias de arte colaborativo son estadías de un/a artista o colectivo artístico en un territorio geográfico y su comunidad específica,  durante 3 meses seguidos, y son el sistema basal de trabajo dentro del Programa Red Cultura del CNCA. 

Buscan cruzar prácticas artísticas con contextos locales y sus realidades sociales, mediante el trabajo de arte colaborativo, vinculando recíprocamente un proceso artístico con las prácticas locales de una comunidad específica, para mejorar el acceso de las comunidades a experiencias artísticas y/o culturales, aportando a su propio desarrollo cultural.

Estos procesos entienden el arte como producción de conocimiento colectivo, y funcionan como un revelador de la producción cultural propia de las comunidades, mediante las prácticas colaborativas desde el arte y su investigación, como apuesta metodológica. Buscan que exista un intercambio horizontal e inclusivo de saberes respecto de quienes participan del proceso colectivo, a partir del diálogo cotidiano, del trabajo de roles y negociaciones sobre proyecto, ideas y temáticas, entre artistas y los diversos agentes locales de las comunidades específicas donde se realizan, pudiendo generar reflexiones críticas necesarias respecto a las realidades que se viven, a los modos de producción, memoria y reproducciones culturales hoy, para un abordaje común que le haga sentido a la comunidad y que tenga sostenibilidad en el tiempo.

Más información en http://bitacoraresidencias.cultura.gob.cl

 

«Otras Equivalencias»

ESTA MUESTRA PERMANECERÁ ABIERTA DESDE EL 6 HASTA EL 28 DE ENERO de 2018
Inauguración sábado 6 de enero de 2018 al medio día, Factoría Santa Rosa, entrada gratuita. 
Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 hrs.

 

El Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, iniciado el año 2015,  esta centrado en desarrollar procesos investigativos en el campo de la imagen, entregando una formación teórica, metodológica y práctica para el desarrollo de proyectos relacionados con la imagen contemporánea, tanto en el campo de las artes visuales, como en otras áreas de estudios y producción.

La exposición OTRAS EQUIVALENCIAS, curada por el artista y académico Cristián Silva-Avária, es la muestra colectiva de egreso de la 2° generación de estudiantes y nos presenta: “un amplio espectro de miradas productoras de visualidades reflexivas y experimentales sobre la condición de la imagen en la contemporaneidad”

Tomado como punto de partida el título de las celebres fotografías que Alfred Stieglitz realizaba durante la primera mitad del siglo XX, en las que el autor ensayaba una definición sobre la condición propiamente fotográfica, las obras que componen esta exposición expresan la necesidad retomar esta búsqueda en un nuevo contexto marcado por la saturación visual y la consecuente homogenización de la mirada.

OTRAS EQUIVALENCIAS expone formas de desvío y disidencia frente a la imposición en los modos de ver que constatamos en nuestra cotidianeidad, construyendo realidades fuera de los márgenes hegemónicos de la imaginería mediática a la que asistimos en estas primeras décadas del siglo XXI.

PARTICIPANTES:

Amirt Kaur

Andrea Figueroa

Camilo Pardow

Daniela Canales

Estefanía Muñoz

Francisco Belarmino

Gabriel Oviedo

Isadora Concha

Mónica Penna

Patricio Saavedra

Silvana Gajardo

Curador: Cristián Silva-Avária

«COMBO Breaker»

Un proyecto de exposición bipersonal de Marco Arias y Wladymir Bernechea que conecta Design Festa Gallery (Harajuku, Tokyo, Japón) y Galería Metropolitana.

“Reyno Transitorio. Ejercicio de apropiación. Xilografía chilena contemporánea”

“REYNO TRANSITORIO. Ejercicio de apropiación. Xilografía chilena contemporánea”
Galería Casa Colorada
Del 5 al 26 de enero de 2018
Lunes a viernes,  12:00 a 18:00 hrs
Merced 860, Metro Plaza de Armas (Línea 5), Santiago.
Inauguración viernes 5 de enero, 19:00 hrs.

Desde el 5 al 26 de enero, la  Galería Casa Colorada exhibe REYNO TRANSITORIO, exposición colectiva de los artistas Pedro Fuentealba, Camilo Ortiz y Ronald Pérez. La muestra indaga aspectos característicos de la sociedad chilena, a través de representaciones alegóricas realizadas en xilografía. Los contenidos exploran las relaciones de poder, marginalidades, usos culturales, alimentación, fiestas y ceremonias propias de nuestro país, invitando a dialogar respecto de la sociedad que construimos.

La exposición recoge asimismo la extensa tradición de la técnica xilográfica en Chile. Este tipo de impresión realizada a partir de una plancha de madera tallada y entintada, introducida en el siglo XVI en la fabricación naipes, y que posteriormente, a través de “literatura de cordel”, adquiere relevancia y estilo gráfico propio, siendo el medio  a través del cual los poetas populares narrarán el acontecer nacional en versos ilustrados e imágenes. Una de las primeras formas de periodismo popular entre el siglo XIX y XX. Si bien las primeras prensas de grabado llegaron a Chile a principios del siglo XIX, la técnica se formalizó y se estudió como disciplina artística independiente en el siglo XX, cuando se realizaron también las primeras exposiciones artísticas dedicadas al grabado.

Los artistas de REYNO TRANSITORIO realizan un ejercicio de actualización de la técnica xilográfica dentro de la cual han sido formados. La micro, las protestas y el partido de fútbol les permiten incorporar escenas, tradiciones y costumbres propias de la vida actual de ciudad, que encuentra especial resonancia en la franqueza y la expresividad de las imágenes realizadas con la técnica xilográfica.

Esta muestra constituye la segunda exposición seleccionada y programada a partir de la Convocatoria de exposiciones, realizada durante el 2017 para la Galería Casa Colorada, espacio que acoge diversas manifestaciones y expresiones artísticas que valoran y reinterpretan, desde distintas miradas, la historia, patrimonio, memoria y diversidad sociocultural que se proyectan en el ámbito urbano.

«Contracorriente»

Exposición curada por Emilio Navarro
ARTISTAS: Nati Bermejo, Gabriel Kondratiuk, Remy & Veenhuizen

05 – 27 DE ENERO 2018 / Martes a viernes de las 15 a las 19 horas y sábado de las 11 a las 14 horas. José Manuel Infante 1208. Providencia.
INAUGURACIÓN: JUEVES 04 DE ENERO 19:30 h 

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‘Contracorriente’ es la primera exposición del curador español Emilio Navarro en Die Ecke Arte Contemporáneo quien reúne a tres artistas internacionales: Nati Bermejo de España, Gabriel Kondratiuk de Argentina y Remy & Veenhuizen de Holanda.

La muestra está compuesta por dibujos al carboncillo y gouache de Nati Bermejo, pinturas al óleo con pastel y acuarelas del pintor Gabriel Kondratiuk y la serie titulada “Euplectella” de los diseñadores Remy & Veenhuizen constituida por objetos lumínicos inspirados en la vida de las profundidades de los océanos. La presencia en la galería de unos diseñadores experimentales y atípicos, es el primer indicativo de los caminos por los que discurre esta exposición.

Una muestra que surge del interés de destacar la factura artesanal o manual de las obras artísticas que actualmente en el mundo del arte aparece como ‘demodé’ y enfocar en todos aquellos que aún hacen sus piezas interviniendo al ciento por ciento en su factura. Esta defensa de esta manera de crear, digamos, extemporánea, es uno de los pilares de esta exposición, que pretende, entre otros objetivos, poner en valor aquellas obras que son realizadas de un modo muy personal, artesanal y sin encargar a nadie su realización.

Por otra parte, ‘Contracorriente’ reúne a tres artistas cuyas obras brotan en respuesta a los impulsos creativos y donde la naturaleza más profunda y oscura vuelve a ser el prístino origen de la creatividad. Todas las obras expuestas tienen en común la curiosidad por encontrar sentido a nuestras vidas, la búsqueda incesante del porqué y los orígenes de la existencia. Y aunque no están exentas de mensaje, tesis o concepto, éste nos llega después de ese momento siempre único, sensorial, excitante y carnal que ha de ser el hecho de contemplar una obra de arte. Hay algo de telúrico, inconsciente y visceral en la producción de los tres artistas.

Una exposición a contracorriente de unos tiempos en los que nos hemos acostumbrado a que tengamos siempre a mano un documento donde se nos cuenta desde un primer momento de qué van las obras que estamos contemplando, a que se nos faciliten los argumentos conceptuales que aglutinan las piezas dispuestas en el espacio expositivo. Sin ellos, nos encontramos como desvalidos, perdidos en un mar de imágenes que no sabemos de qué manera aprehender, ni disfrutar. Necesitamos pistas porque si no, no sabremos qué ver o nos invadirá una descarnada soledad que nos convertirá en espectadores de nada, a lo sumo de “algo” que nos deja igual que antes de ponernos frente a ello. 

«Museo B»

Museo B: de bueno, bonito y de barrio

Personajes emblemáticos del Barrio Bellavista protagonizan original muestra fotográfica

  • Museo B es una muestra fotográfica compuesta por 25 relatos en el que podrán conocer las distintas miradas e historias de uno de los sectores más reconocidos de la capital.
  • La exhibición se inaugura el jueves 4 de enero a las 20 horas y estará abierta al público de forma gratuita hasta el 17 de enero de 2018 en la Plaza Mayor de Patio Bellavista.

Sabemos de ellos, los vemos al pasar, pero esta vez los personajes emblemáticos del Barrio Bellavista son los protagonistas de una inédita muestra fotográfica. El vendedor de mote con huesillos, el clásico fotógrafo acompañado de su llama en el pies del Cerro San Cristóbal, la reconocida administradora del restaurante Venezia, el carnicero que lleva casi 60 años atendiendo en Pío Nono y un mesero del clásico Galindo son algunas las 25 historias que podrán conocer en Museo B, la nueva intervención ciudadana del Colectivo VAM! (Vamos al Museo!).

Museo B es un proyecto social que surgió desde la acción colaborativa, siendo fundamental la participación de residentes, trabajadores, locatarios, estudiantes y artistas del Barrio Bellavista (Recoleta y Providencia). Tras un trabajo conjunto, a partir de la realización de jornadas de talleres entre octubre y noviembre de 2017, esta intervención fugaz estará abierta al público y podrá ser vista de forma gratuita en la Plaza Mayor de Patio Bellavista, a partir de su inauguración el día 4 de enero a las 20 horas, hasta el miércoles 17 del mismo mes.

Compuesto por fotografías, relatos, registros históricos, más un mapa de navegación, la exhibición recopila las distintas historias de un barrio histórico en permanente cambio. ¿Qué es exactamente un barrio? ¿Un perímetro determinado? ¿Una historia común? ¿La nostalgia del pasado? “El proyecto pone en ejercicio la construcción de la memoria colectiva en una propuesta fotográfica que abarcará desde las aristas históricas del sector, como patrimonio urbano, social, artístico y comercial; hasta su conformación actual y el impacto de la interculturalidad. Es un proyecto hecho desde los afectos, que buscará establecer nuevos vínculos entre las personas y su relación con el entorno”, explican las organizadoras.

La muestra fotográfica recopila, a través de 25 relatos, aristas históricas del barrio como patrimonio urbano, social, artístico y comercial; hasta su conformación actual y el impacto de la interculturalidad.

VAM! (Vamos al Museo) es un colectivo que tiene por misión incentivar, difundir y generar instancias de participación de la ciudadanía en los museos de Chile.

Poner en el centro a las personas y como éstas se vinculan afectivamente con la colección y contenidos de cada institución es uno de los motores de la agrupación apelando a la cultura participativa.

Conformado en enero de 2017, la agrupación VAM! celebra su primer año de vida con Museo B, proyecto posible gracias a la colaboración de Patio Bellavista y Taller Siglo XX. La intervención anterior, llamada Museo Pop-Up, convocó el 22 de julio a un centenar de personas, las que fueron parte de un museo fugaz de la infancia, cuya duración fue de 4 horas en el centro de Santiago.

Patio Bellavista, Constitución 30-70, Providencia

Fecha y Hora: 4 al 17 de enero 2018

Lugar: Plaza Mayor

«Carácter 2018»

La Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales (UDP) presenta la muestra CARÁCTER 2018, que como cada fin de año académico reúne, en el estacionamiento subterráneo de la Biblioteca Nicanor Parra, los trabajos de título de los egresados de la carrera. Este año, la muestra incluye obras en distintos formatos, escalas y soportes, como video, objetos, instalaciones, poesía visual, performance y recolecciones materiales y visuales diversas.  A través de las poéticas visuales presentes en la exposición reconocemos que se trata de una generación atenta a los giros del lenguaje, a la semiótica encontrada, las derivas del sentido y la crítica institucional. Desde la poesía a la insurrección de los signos, esta nueva generación de artistas aborda temas sociales, de la memoria, el trauma y el territorio.

La inauguración será el próximo jueves 4 de enero a las 19:30 en la Biblioteca Nicanor Parra en calle Vergara 324, piso -5. 

Se puede visitar la exposición hasta el Jueves 18 de enero.
Horarios: de lunes a viernes de las 10:00 a las 19:30.

Los titulados de Artista Visual son:  Francisca Avendaño, Javiera Barrios, Paula Carmona, Nicolás Cox, Cristián Espinoza, Cristián Flores, Javiera Gaete, Elena Goddard, Jorge González, Víctor Gómez, Diego Mediano, Eduardo Quiroz, Andrés Parra, Jonathan Ramírez, Paula Tapia y Catalina Vera.

#carácter2018 #facultaddeartesudp

Además haremos una visita guiada con Ramón Castillo y Camilo Yañez el jueves 11 de enero a las 19:30 y otra visita comentada el miércoles 12 de enero por Espai Colona (Rosario Ateaga y Andrés Vial)