«Cruz»

CRUZ: Norte, Sur, Este y Oeste dialogan en un caos de encuentro.

La muestra reúne obras de los artistas PAZ, Zhu Ye, Dano Mozó, y el músico George van Wetering; convocando técnicas, materias y emociones de los extremos del mundo en una casa deshabitada en el centro de Santiago.

El símbolo de la Cruz es uno de los más simples en gráfica y de absoluta universalidad. Una línea sobre la otra en forma opuesta aluden – en su significado más simple – a la contradicción. En un sentido global, éstas se refieren a los 4 puntos cardinales que se expanden en el mapa: norte, sur, oeste y este.

Un viaje en el sentido micro y macro comulgan en esta muestra a través de cuatrp artistas, de tres países distintos: (Chile, Holanda y China), desarrollando su trabajo en diversas disciplinas: George Van Wetering (música), PAZ y Zhu Ye (pintura) y Dano Mozó (fotografía y espacio).

“Esta obra ha viajado y se ha trasladado de un polo a otro, como si el movimiento se hiciese presente en este espacio. Norte, Sur, Este y Oeste se hacen uno para dialogar en un caos de encuentro” argumenta su curadora, PAZ.

El Norte y el Sur son referencias y no condiciones para Dano Mozó, quien con sus fotografías de Islandia y la Patagonia nos muestran el encuentro y la similitud de ambos puntos, traduciendo un estado íntimo del espíritu al declarar una elucubración suscitada por el modo en que nos encontramos expuestos ante lo sublime. Reconoce el desplazamiento como una técnica de descontextualización para ajustar la perspectiva y alinearse con la escala del mundo; como un acto político de desdibujamiento fronterizo que nos lleva más allá de los confines lingüísticos.

Paz, quien ha viajado periódicamente a China, nos otorga una relectura del símbolo de la cruz como modo de encuentro entre Oeste y Este tras un estudio de línea y trazo en el tiempo a través de la deconstrucción de los siete postulados del ancestral libro el kybalion, con una mirada oriental: «En el origen, el siete chino era una Cruz y aludía a un líquido extremadamente tóxico pero altamente útil para pegar estructuras. Hoy, el siete chino se escribe igual al Occidental, pero invertido, y al unir ambos números se crea otro símbolo, el de la mitad o del centro, que es la manera en que se escribe China. Volver en el tiempo para remirar un símbolo universal desde una perspectiva de confrontación y de comunión. ¿Puede un símbolo ser universal y local y a la vez diferir con los significados que cada comunidad le da?

Zhu Ye viaja desde China para mostrarnos pinturas abstractas con un claro dejo de mística occidentalizada debido a sus constantes viajes al hemisferio opuesto. A través de medios orgánicos mezclados con pigmentos, logra una apariencia de abstracción transparente donde el observador puede conectarse con paisajes oníricos. Sus brochazos exaltan los tonos sutiles del trabajo enfatizando el drama.

George Van Wetering, viaja desde Holanda. Gracias a su voz impecable y su antítesis armoniosa de sensaciones de melancolía y éxtasis, despierta deseos de llorar y bailar y cantar a la vez. Es una música perteneciente al género pop que se enfoca en una China futurística, con visuales artísticas que intervienen el oeste con el oriente. Su trabajo ha sido tomado por la marca más importante del país, Modern Sky, participando frecuentemente en festivales chinos, como el Strawberry film festival.

La muestra es presentada por SPECIFIC, estudio de diseño de experiencias artísticas, que busca acercar el Arte a la comunidad utilizando espacios en mutación, en esta ocasión un inmueble deshabitado en el Barrio Brasil, dependencias del próximo pequeño Hotel Chelenko.

La exhibición se mantendrá abierta a público con entrada liberada el sábado 4 (12 a 00 hrs) y domingo 5 de mayo (12 a 17 hrs) en Santo Domingo 1887, y contempla actividades como conversatorios y dj set en su programación. Más información en enviar correo a cruz@specific.studio

«Ellos: nuevos hombres, nuevas masculinidades»

Durante el año 2018, Biblioteca de Santiago realizó una sesión fotográfica de desnudos masculinos, trabajo colectivo denominado «Ellos: nuevos hombres, nuevas masculinidades», que busca repensar las masculinidades y reflexionar en torno a nuevas representaciones y realidades menos sexistas y violentas.

Inauguración de la exposición fotográfica: 2 de mayo, 19:00 horas. En Sala de Exposición Zócalo.

«Correlatos»

Galería Gabriela Mistral presenta a la comunidad las nuevas obras de artistas que ingresan a la Colección de la Galería, y que expusieron en este espacio entre los años 1990 y 2000.

Se trata de una revisión institucional de su acervo, con la incorporación de las importantes artistas Mónica Bengoa, Paz Errázuriz, Virginia Errázuriz, Lotty Rosenfeld, Julia San Martín y Aura Kappes.

Inauguración: Jueves 25 de abril a las 19:30 horas.
Hasta el 8 de mayo.
Abierto todos los días de 10 a 19 horas.

Ciclo de Exposiciones «Tesis 19»

Un año más, el Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, abre un espacio para la exhibición del arte joven emergente a través del Ciclo de Exposiciones «Tesis 19». En esta oportunidad, se inaugura el primer ciclo este lunes 22 de abril con la muestra del estudiante Jorge Prati.

Cinco exposiciones individuales tendrán lugar en la Sala Juan Egenau en el contexto de Tesis 19. Una instancia creada por el Departamento de Artes Visuales, DAV, para dar a conocer públicamente las propuestas con las que los estudiantes terminan su periodo formativo.

Para este año se han organizado cinco muestras que comienzan con la exposición Modulaciones de Jorge Prati, consistente en una instalación transitable en la que el espacio, las distintas materiales y objetos, apelarán al cuerpo del espectador.

“Me interesa relacionar la escultura y la expectación del arte como un fenómeno sensible, en el cual no solo la vista ha de participar, sino también las formas de sentir, como el tacto o el equilibrio. Son múltiples las temáticas y referencias que busco desarrollar en esta obra, como la construcción de ciudades y la configuración de sus espacios, trabajos de otros artistas o el tránsito”, explicó el artista.

De esta forma, Modulaciones se conforma por una serie de ambientes transitables, paralelepípedos verticales delimitados por plástico semitransparente, todo soportado por una estructura de fierro negro.

«Este trabajo gira en torno a una reflexión sobre el espacio y cómo el cuerpo se afecta sensiblemente con éste. Cada ambiente es capaz, a través de lo lúdico, de perturbar suavemente la autopercepción”, indicó.

Modulaciones de Jorge Patri y cuyo profesor guía es Rainer Krause, se inaugurará este lunes 22 de abril a las 12:00 horas y podrá ser visitada hasta el 30 de abril.

Segundo Ciclo Tesis

En el segundo Ciclo Tesis 19 expondrá la alumna Camila Vera en lo que ha dado en llamar La proximidad de la distancia. Una muestra que pretender revelar los procesos reflexivos alcanzados mediante la práctica del dibujo y la pintura, con los que según ella “ha podido descubrir elementos que continuamente han transformado mis maneras de ver, construyendo así una mirada”.

Así la muestra se compone principalmente de una serie de pinturas en torno a la idea de paisajes revelados y de dibujos realizados desde el año 2008 hasta hoy. Dentro de los dibujos presenta una serie llamada Enjambres en la cual se sustenta el cuerpo esencial de La proximidad de la distanciaobra fundamental de la muestra.

“Esta mirada que he ido contruyendo se transparenta en el encuentro de estas dos disciplinas que a primera vista parecieran ser separadas. Sin embargo, mediante el trabajo que me ha significado esta Memoria, descubrí que en el abismo que  aparentemente las separa, habita un equilibrio sostenido y una exquisita oposición donde busco la relativización de las cosas y no un absoluto”, aclaró la tesista.

La proximidad de la distancia de Camila Vera y guiada por el profesor Jaime León, se inaugura el martes 7 de mayo a las 18:00 horas y permanecerá hasta el 10 de mayo.

Tercer Ciclo Tesis

La tercera muestra llega bajo el nombre de Wabi Sabi o la elegancia subestimada del objeto abandonado de la alumna Julieta Rivera y guiada por el profesor Patricio González.

Una exposición de fotografías que giran en torno a los principios de los valores espirituales de Wabi Sabi, que según lo explicado por la artista “es la práctica de la observación de cosas sutiles, evanescentes que resultan invisibles para la mirada cotidiana”.

Así, a través de cartones obtenidos de la calle e intervenidos con pintura al óleo, esmaltes o pegamentos, la artista busca destacarlos como objetos visuales por medio de imágenes que reflejan el desgate o corrosión del material, para demostrar que todas las cosas son mudables, es decir, “que todo se gasta con el tiempo y la tendencia hacia la nada es implacable e universal”, señaló Rivera.

“Con estos elementos pretendo darle una suerte de metamorfosis a estos cartones abandonados, a tal punto que su identidad como contenedor desaparece junto con el prejuicio ya mencionado”, puntualizó.

Wabi Sabi o la elegancia subestimada del objeto abandonado de Julieta Rivera se inaugura el miércoles 15 de mayo a las 12:00 horas y permanecerá hasta el 20 de mayo.

Cuarto Ciclo Tesis 19

Kimberly Cereceda será la cuarta alumna en exponer, inaugurando el 23 de mayo la muestra Cuerpos Invisibles. Un proyecto guiado por la profesora Verónica Rojas, que nace a partir de la observación del impacto que actualmente tienen las imágenes corporales que se consumen y cómo estas modifican el imaginario, creando inevitablemente cuerpos que se manejan entre la marginalidad auto-obligada y la invisibilidad constante.

“En ese contexto, como artista visual y mujer, en una especie de compromiso ético, intento hacerme cargo del tipo de imágenes generadas bajo mi autoría, para lo cual convoqué a un grupo de mujeres que quisieran mostrar sus cuerpos desnudos a través de sesiones individuales de dibujo», explicó la artista.

Así surge un material gráfico y experiencial plasmado en aguafuerte, gofrado e impresión digital, el que fue adquirido a través de las  sesiones de dibujo realizadas con cada una de las participantes.

“Si bien no fue la intención principal del proyecto, mi exposición habla mucho del feminismo y la sororidad; reivindica la importancia del relato y del encuentro entre mujeres de diferentes edades y contextos […] Es importante para mí que exista un espacio reflexivo y abierto dentro de lo frívolo que resulta a veces el arte. Asimismo me interesa relacionarme con personas ajenas a este mundo y hacerlas sentir que este es también su espacio, así surgió Cuerpos Invisibles”, enfatizó Cereceda.

La muestra se inaugura el 23 de mayo a las 18:00 horas y permanecerá hasta el 30 de mayo en la Sala Juan Egenau.

Quinto Ciclo Tesis

El último ciclo está encabezado por Pablo Henríquez quien exhibe Ciudad Sola. Un proyecto de tesis guiado por el profesor Germán González, que además resultó ganador del Concurso de Creación e Investigación DAV2018 en la categoría Creación.

Este proyecto expositivo se origina en el interés que representa el problema de las dinámicas humanas que suceden en la ciudad, poniendo énfasis en las situaciones de desplazamiento y tránsito en Santiago.

Ciudad Sola fue realizado con una cámara estenopeica con la que el artista obtuvo diferentes fotografías a partir de salidas realizadas semanalmente desde un laboratorio fotográfico, hacia distintos puntos de la capital.

“Este trabajo busca reflexionar acerca de la presencia humana dentro de la ciudad, y se propone hacerlo mediante esta cámara, cuya naturaleza tosca y elemental contrarresta con lo que se dispone a fotografiar, es decir, la urbe, una ciudad caracterizada por su vorágine interminable, su incesante tránsito y sus tiempos inexorables”, manifestó Henríquez.

Ciudad Sola de Pablo Henríquez se inaugurará el martes 11 de junio a las 12:00 horas y permanecerá hasta el 21 de junio para ser visitada.

Cabe destacar que todas las muestras del Ciclo de Exposiciones Tesis 19 se desarrollarán en la Sala Juan Egenau, ubicada en Las Encinas 3370, Ñuñoa. Las muestras son abiertas y gratuitas para todo público. El horario de atención de la sala es de 10:00 a 21:00 horas de lunes a viernes (feriados: cerrado).

«Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)»

Obras de destacadas artistas de América Latina, junto a una selección de autoras nacionales de la colección MNBA, se exhibirán entre el 17 de abril y el 30 de junio. Inauguración: Martes, 16 de abril, 19:15 horas.

Entre el 17 de abril y el 30 de junio, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición internacional «Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)», que por primera vez en Chile y en el cono sur exhibe obras de las más destacadas artistas de América Latina.

La muestra incluye una selección de pinturas de autoras nacionales pertenecientes a la colección MNBA, evidenciando una red de mujeres creadoras preocupadas por relevar la identidad y el rol femenino en la sociedad de su tiempo.

Esta exposición que nace de una alianza curatorial y de gestión entre el Museo Nacional de Bellas Artes y Kugi Projects-Arttena (España), que es financiada por el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, y se enmarca en el sello Mujeres Creadoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

De esta forma, con la dirección de contenidos de la curadora MNBA Gloria Cortés, llegan a Chile alrededor de 40 pinturas, dibujos y objetos pertenecientes a prestigiosas colecciones privadas, museos e institucionales de diez países de la región.

Por primera vez la obra de importantes artistas como Frida Kahlo (México), Leonora Carrington (Reino Unido, avecindada en México) o Tarsila do Amaral (Brasil), se exhibe en Chile dando cuenta de una comunidad de mujeres, que si bien se encuentran vinculadas a las vanguardias europeas y a los influjos de la guerra, fueron agenciadoras de lo subalterno desde su triple condición de género (mujeres), clase (latinoamericanas) y sujetos sociales (no-ciudadanas).

Ello cobra relevancia a 100 años del término de la Primera Guerra Mundial (noviembre, 1918) y a 70 del sufragio femenino para las elecciones presidenciales chilenas (enero, 1949). De forma especial, este grupo indagó en las temáticas corporales y la construcción cultural de la identidad femenina, reflejada en la frase de Frida Kahlo que da nombre a la exposición: «Yo soy mi propia musa. El tema que mejor conozco».

«Como Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio este 2019 nos hemos propuesto relevar el rol de las mujeres creadoras en el desarrollo cultural de la sociedad. Esta muestra que reúne la obra de intelectuales valientes y visionarias, que se ocuparon de dar cuenta de las desigualdades sociales de su época, es una excelente oportunidad para reconocer su aporte, así como el de las autoras chilenas que se vincularon a estas potentes creadoras que cambiaron la historia de las artes visuales«, explica la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés.

«Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un logro destacable y también un orgullo la inauguración de esta exposición. Ella traza un mapa inédito de un momento clave de la producción artística latinoamericana. Este hace evidente un diálogo tan rico como variado de un notable contingente de pintoras con las propuestas del arte de vanguardia«, dice el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Fernando Pérez Oyarzún.

«Se permite así a la ciudadanía -agrega Pérez Oyarzún -contemplar una rica producción nacional, no siempre bien conocida, en un contexto internacional. Hay que destacar el trabajo de curaduría, producción y montaje que, en conjunto con un amplio equipo y el apoyo del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio, ha logrado construir una exposición tan significativa y tan compleja en un plazo muy breve».

La curadora Gloria Cortés precisa que «aunque las omisiones historiográficas han marginado su estudio y reconocimiento, las actuales investigaciones llevadas a cabo por una generación de historiadoras del arte aportan una nueva perspectiva que ha permitido presentar a las mujeres como sujetas de historia y de expresiones. De ahí que este ejercicio de recuperación de memorias femeninas en clave latinoamericana, en el que participaron investigadoras del MNBA y relevantes académicas internacionales, resulta de especial relevancia», comentó.

En tanto que en la gestión de esta muestra Julio Niebla, director Kugi Projects-Arttena, destaca «la articulación de una vasta red de contactos con colecciones internacionales públicas y privadas de alto nivel. Ha significado una extensa labor para la coordinación de préstamos, permisos y seguros, bajo el resguardo legal de los distintos países de origen de estas significativas obras».

Secciones

  • Encuentros en París: Los encuentros en esta ciudad, especialmente al interior de las academias de la Grande Chaumière y Colarossi o el taller de André Lothe -uno de los pocos espacios donde las artistas pudieron ensayar el dibujo con modelos vivos-, motivaron el surgimiento de exposiciones y talleres compartidos, relaciones afectivas y redes de solidaridad.
  • Leonora, Remedios, Maruja: el exilio en América: debido a la Primera Guerra Mundial y a la Guerra Civil Española muchas mujeres se refugiaron en Buenos Aires, Santiago y Ciudad de México, donde reforzaron vínculos afectivos y creativos.
    La inglesa Leonora Carrignton y la española Remedios Varo, se conocieron en París en 1937 y se reencontraron en México en 1942, país en el que compartieron intereses y procesos artísticos fuera del canon establecido por la academia. Asimismo, Maruja Mallo llegó a Buenos Aires en 1937 y en 1945 realizó un breve viaje a Chile, incorporando parte del imaginario de Isla Negra, retratándose como una deidad vestida de inmensas algas.
  • El cuerpo como resistencia: El autorretrato y la representación del cuerpo permitieron a las mujeres proyectar su identidad y sus problemáticas, conformando una nueva consciencia individual femenina, ajenas a la mirada masculina.
    Disruptivas de las normas morales y sociales, mirarse a sí mismas y mirar sus propios cuerpos se convirtió en un puente de transformaciones; el desnudo femenino reflejó el auto-erotismo, la libertad sexual, el reconocimiento de la propia corporalidad o la denuncia sobre las violencias reales y simbólicas.
  • El género y la piel: durante las primeras décadas del siglo XX el habitante indígena fue tema en diversos ámbitos de producción cultural, para alzar un ideal al servicio de una revolución social, ajeno a la visión exótica y eurocentrista. Surgió entonces un corpus de obras de creadoras que pusieron en el centro de la discusión la otredad femenina, en tanto mujeres marginadas de la propia estructura social.
    De esta forma, se manifestó la mirada de autoras que rescataron sus raíces indígenas y afro-brasileñas, así como sus escenarios domésticos y cotidianos o los paisajes naturales de su entorno, a modo de imaginario personal, político y abstracto-ornamental.

Artistas

Argentina: Raquel Forner (1902-1988) y Norah Borges (1901-1998).

Brasil: Tarsila do Amaral (1886-1979), Georgina de Albuquerque (1885-1962), Lucy Citti Ferreira (1911-2008), Noemia Mourão (1912-1992) y Anita Malfatti (1889-1964).

Colombia: Débora Arango (1907-2005)

Cuba: Amelia Peláez (1896-1968).

México: María Izquierdo (1902-1955), Frida Kahlo (1907-1954), Rosa Rolanda (1895-1970), Lola Cueto (1897-1978), Aurora Reyes (1908-1985), Nahui Olin (1893-1978).

Perú: Elena Izcue (1889-1970), Julia Manuela Codesido (1883-1979) .

Reino Unido: Leonora Carrington (1917-2011).

Uruguay: Petrona Viera (1895-1960), Amalia Nieto (1907-2003).

España: Remedios Varo (1908-1963), Maruja Mallo (1902-1995).

Chile: Laura Rodig (1901-1972), Elmina Moisán (1897-1938), Emma Formas (1886-1959), Judith Alpi (1893-1983), Sara Malvar (1898-1970), Henriette Petit (1894-1983), Herminia Arrate (1896-1941), Raquel González (1922-1938), Ximena Morla (1891-1987), Ana Cortés (1895-1998), Luz Arrieta (1910-?), Marta Villanueva (1900-1995), María Aranís (1903-1966), Dora Puelma (1885-1972), María Tupper (1893-1965), Inés Puyó (1906-1996) Graciela Aranís (1908-1996).

Primer Ciclo de Exposiciones 2019: «Arte desde Nueva York» + «Proyecto Quipu» + «Tiempo profundo»

Sábado 13 de Abril al Domingo 23 de Junio de 2019 / CERRADOS los días viernes 19 de abril y sábado 20 de abril / Martes a domingo de 10:00 a 18:30 horas. El último ingreso a las salas de exposición es a las 18:15 horas.

“Arte desde Nueva York: al aire con Nemesio Antúnez”

De ninguna década en la historia del arte se puede decir con mayor precisión que fue transformadora como la de los sesenta del siglo XX. El intervalo que separa los últimos días de los cincuenta y el albor de los setenta aglutina todos los claroscuros del drama social, político, económico y cultural del mundo contemporáneo. En medio de la Guerra Fría, Latinoamérica levantó banderas comunes de lucha basadas en diagnósticos compartidos acerca de su tradición mientras emprendía grandes procesos de modernización.

Nemesio Antúnez (1918-1993) fue un protagonista privilegiado de todo este proceso. Su vida personal, atravesada por viajes y retornos, le permitió conocer tanto la realidad del Cono Sur como participar del quehacer en centros de poder como París o Nueva York.

Pocos vestigios van quedando de ese momento. Pocos que transmitan el entusiasmo utópico, la profunda crítica y el desencanto abrumador de quienes compartieron un escenario global y local a la vez. Ningún documento histórico es tan rico en matices para percibir la temperatura de los 60 como el conjunto de programas radiales conducidos durante sus años como Agregado Cultural de Chile para Estados Unidos (1965-1969). Se transmitieron semanalmente entre 1967 y 1968 en la Radio New York World Wide y desfilaron por sus micrófonos los más variopintos personajes de la vida cultural latina.

Entre los núcleos curatoriales el espectador podrá encontrar una reconstrucción de los debates artísticos que llevaron a cambios en tendencias para instaurar un vínculo con la tecnología, los medios y la ciudad. Esto a través de la experimentalidad de creadores emergentes como Rolando Peña, Marta Minujín, Jaime Barrios, Maximiliano Somoza o Enrique Castro Cid. De este mismo modo, al sumergir sus oídos el público podrá vivenciar los lazos de amistad que unen a Nemesio Antúnez con personajes clave como Luis Oyarzún, Ximena Bunster y José Donoso. En todos podrá sentirse el debate sobre Latinoamérica: desde críticos como Marc Berkowitz, pasando por historiadores del arte como Stanton Loomis Catlin, hasta periodistas como Rita Guibert.

“Arte desde Nueva York: al aire con Nemesio Antúnez” ha sido realizada por el equipo del Centro de Documentación de las Artes Visuales como parte de un interés por indagar en las relaciones del arte chileno con el escenario internacional. Esta muestra ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Nemesio Antúnez que se ha entregado a la loable tarea de rescatar y difundir la obra de este destacado artista nacional. A su vez, han sido colaboradores esenciales el área de Nuevos Medios, la Biblioteca Nacional, la Cineteca Nacional y el Proyecto SÓNEC.

«Proyecto Quipu»

Esperanza y Teódula llaman por justicia desde el Perú rural. Ellas son parte de las 300.000 personas que fueron esterilizadas sin su consentimiento hace más de 18 años. El Proyecto Quipu permite a las personas afectadas de todo el país a compartir sus impactantes testimonios y visibilizar los hechos. Este cortometraje fue apoyado por The Guardian Documentarles y Bertha Foundation. Ha recibido los premios “Impact Docs Awards” 2017 y “Pobre el que no cambia la mirada” 2018, entre otros.

El Quipu fue el principal instrumento utilizado en el Imperio Inca para almacenar datos y registrar tanto información estadística cuantitativa como narrativa.

Hechos principalmente con fibra de algodón o de camélido, de distintos tamaños y con un patrón general en la dirección del hilado, los quipus permitían realizar distintas anotaciones en una compleja estructura textil, hecha de cuerdas y nudos dependientes desuna cuerda primaria o principal.

En sus distintos dispositivos (documental, sitio web y línea telefónica), Proyecto Quipu es una proyección contemporánea de este sistema. Una plataforma de denuncia de los más de 300.000 casos de esterilizaciones forzadas ocurridas en Perú en los años 90, a través de una interfaz interactiva que almacena relatos de las víctimas y activa mensajes de apoyo hacia éstas.

Tras la pregunta sobre cuán relevantes pueden ser los documentales web en un contexto offline, y bajo el desafío de contar para la creación del proyecto con la participación de personas en su mayoría indígenas con bajo acceso a la tecnología, Proyecto Quipu actúa como un archivo abierto; como un instrumento de recolección y anotación continuo donde baja y alta tecnología conviven en un diseño que busca fortalecer la demanda de los afectados, esclarecer los hechos ocurridos y crear un archivo de memoria colectiva

XIMENA MORENO
https://interactive.quipu-project.com/#/en/quipu/intro

QUIPU: LLAMADAS POR JUSTICIA
Duración: 21’29’’
2017
Perú, Chile, Colombia
Dirección: María Ignacia Court (Chile) , Rosemarie Lerner (Perú)
Producción: María Ignacia Court (Chile), Sandra Tabares Duque (Reino Unido- Colombia), Rosemarie Lerner (Perú)
Producción Ejecutiva: Charlie Phillips, Laurence Topham (Reino Unido)
Producción General: Sandra Tabares- Duque (Reino Unido- Colombia), Rosemarie Lerner (Perú)
Edición: Javier Becerra (Perú)
Dirección de fotografía: Nicolás Landa (Perú)
Cámara adicional: Rosemarie Lerner (Perú), Omar Quezada (Perú)
Sonido directo: Javier Becerra (Perú)
Música: Diego Fontecilla (Chile)

«Tiempo profundo»

Tener la capacidad de concebir la inmensidad del tiempo no es tarea fácil y nosotros, los seres humanos, normalmente lo medimos de acuerdo a los ciclos de la naturaleza, las convenciones sociales y algunas herramientas, como el reloj o el calendario, que sin duda nos han determinado como sociedad y nos ayudan a medir dichos procesos en función de nuestra escala temporal.

Según los expertos, hace aproximadamente 15.000 años atrás, el hombre habría llegado al extremo sur del continente americano fruto de una gran marcha en busca de alimento desde Siberia, cruzando por un Estrecho de Bering congelado y caminado por toda América hasta llegar a habitar, con extraordinaria resiliencia, las gélidas tierras australes. Los denominados Paleoindios, quienes posteriormente evolucionaron a las etnias originarias australes que hoy conocemos: Los Selknam, los Haush, los Aonikenk, los Kawésqar y los Yámanas.

Anterior a este relato, la teoría de la evolución de nuestra especie nos lleva a 300.000 años atrás con la aparición del homosapiens, pero la geología nos lleva aún más lejos en el tiempo, aproximadamente a 4.500.000.000 (4.500 millones) de años atrás. Cifra inmensamente mayor a los 6.000 años de edad que se le atribuía a la Tierra a finales del 1700, según las cuentas bíblicas.

En este contexto, el naturalista y geólogo escocés James Hutton desarrolla el concepto de Tiempo Profundo a través de la observación y comprensión de cómo se iban formando las capas de sedimento en el lecho de un río. El resultado de su investigación fue una verdadera revolución, con ella se desmarcó completamente de la concepción bíblica del tiempo, introdujo la idea de un planeta en permanente transformación y constituyó un antes y un después en la comprensión del tiempo geológico, el tiempo de la Tierra.

Si hay una cosa en común entre los investigadores de las ciencias y de las artes es la capacidad de observación y de formular preguntas extrañas o incómodas que logran abrir caminos de transformación social.

¿Qué ve el otro? ¿Cómo se lee el paisaje? ¿Qué edad tienen las rocas? ¿Cuál es la huella que dejaremos los seres humanos en la capa terrestre? ¿Se puede caminar hacia el pasado? Son algunas de las interrogantes que surgieron en esta residencia y en esta exposición exhibimos parte de los procesos creativos de los artistas involucrados, y respondemos creativa y visualmente a los cruces y luces que allí compartimos.

Maria Luisa Murillo
Curadora

Tiempo Profundo: Residencias de Arte, Ciencia y Humanidades

La muestra Tiempo Profundo surge de la experiencia ocurrida en la residencia realizada en la Casa Museo Alberto Baeriswyl, ubicada en Puerto Yartou, Tierra del Fuego. Esta iniciativa es fruto de una convocatoria pública hecha en conjunto entre El Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y la Fundación Suiza en Puerto Yartou, en colaboración con la Seremía de la región de Magallanes y la Antártica Chilena y ProHelvetia. Ésta es parte de un plan de trabajo enfocado en la zona de la Patagonia chilena, dentro de la conmemoración de los 500 años del paso de Hernando de Magallanes por el estrecho que lleva su nombre, enmarcado dentro del programa Traslado, impulsado por la macro área de Artes de la Visualidad, cuyo objetivo es fortalecer el ciclo cultural de las artes de la visualidad de las escenas regionales, teniendo especial atención en la pertinencia territorial, potenciando las capacidades, habilidades y competencias de agentes culturales y artistas, fortaleciendo lo existente y fomentando nuevos intercambios.

Esta experiencia en la que participaron cuatro artistas nacionales: Claudia Müller, Tomás Quezada, Tiziana Panizza, Michael Ángelo, y la artista Suiza Magali Dougoud fueron seleccionados para el desarrollo de proyectos que vienen a enriquecer sus procesos investigativos y de creación. buscando incentivar la exploración territorial así como facilitar la creación de redes y promover las acciones interdisciplinares, bajo la lógica de la colaboración entre investigadores de distintas regiones del país y de diversas disciplinas, tanto de las artes de la visualidad, como de las ciencias sociales y ciencias naturales.

«Atmósferas Sensibles»

Siete mujeres artistas se apropian de la Posada del Corregidor a través de instalaciones artísticas

El viernes 12 de abril a las 18:30h inaugura “Atmósferas Sensibles”, muestra colectiva que reúne a las artistas Mackarenna Caroca, Caterina Ciocca, Camila Fernández,  Antonia Gómez, Jocelyn Quiroz, Mónica Sepúlveda y Valentina Pérez, licenciadas en Artes Visuales de la Universidad de Chile, quienes presentan un conjunto de experiencias instalativas las cuales se apropian de los espacios de este Monumento Histórico. La muestra busca provocar una inmersión desde lo sensitivo hacia los visitantes para generar un recorrido a través de una pausa, un momento de quietud y contemplación del entorno cotidiano, en discordancia con el absurdo ritmo desenfrenado del padecer contemporáneo.

De este modo, las instalaciones de cada artista se encuentran en la búsqueda de una huella en el cuerpo efímero de nuestro entorno cotidiano, como a través de materiales recuperados en los remolinos en suspensión de Mackarenna Caroca y las intervenciones gráficas inspiradas en el sector de la calle 10 de Julio de Antonia Gómez. Asimismo, las instalaciones de Caterina Ciocca y Jocelyn Quiroz nos llevan a indagar en una sensorialidad evocativa a partir de texturas y corporalidades que transitan hacia el dibujo y la escultura, explorando las posibilidades expresivas de sus objetos.

Por otro lado, Camila Fernández y Valentina Pérez continúan en esta senda de generación atmosférica a través de dispositivos lumínicos. Mientras el ritmo de las luces de la instalación de Fernández nos remite a narrativas de espacios domésticos urbanos, Pérez se apropia lumínicamente de los muros de la Posada, convirtiéndolos en un nuevo territorio. Finalmente, Mónica Sepúlveda invita a los visitantes a activar su obra caminando sobre piezas modulares de cerámica, las que repercuten a partir de dispositivos sonoros, y se integran a esta muestra colectiva que remite a lugares sensibles llenos de recuerdos que conforman nuestras subjetividades.

Inauguración: viernes 12 de abril. 18:30 hrs.

Lugar: Galería de Arte Posada del Corregidor. Estación Metro Plaza de Armas – Bellas Artes (L5)

Dirección: Esmeralda 749. Santiago Centro.

Abierta al público: hasta el 4 de mayo.

Horarios Galería: Martes a sábado de 10:00 a 13:30 h. / 14:30 a 17:30 h. Domingos, lunes y festivos cerrado.

Información y contacto: (56 2) 26335573 –  posadadelcorregidor@munistgo.cl

Entrada Liberada.

Actividad de Mediación

Taller de Sombras. Actividad gratuita

El sábado 4 de mayo se realizará el “Taller de Sombras”, en el que los participantes podrán conocer junto a las artistas el funcionamiento de luz a través de sus obras, y posteriormente, crear y generar diapositivas y figuras que podrán mostrar en un proyector casero.

Fecha y hora: sábado 4 de mayo. 11:00 a 13:00 hrs

Lugar: Galería de Arte Posada del Corregidor. Esmeralda 749. Metro Plaza de Armas – Bellas Artes

Inscripción: posadadelcorregidor@munistgo.cl / teléfono 2 263335573

Cupos limitados. Materiales incluidos. Participantes desde 12 años.

«Mirar desde arriba» y «Alturas»

Artistas registran Santiago desde lo alto

El jueves 11 de abril, a las 19:00 hrs. en Galería Casa Colorada inauguran las exposiciones “Mirar desde arriba” de Isabel Santibáñez y “Alturas” de Paulina Carreño, proyectos que fueron seleccionados en el marco de la Convocatoria de Exposiciones 2018-2019 de la Subdirección de Cultura de la Municipalidad de Santiago. A través de la pintura y el dibujo, ambas artistas dialogan a partir del estudio y registro del espacio urbano, un encuentro desde lo alto, entrecruzado por las especificidades de sus medios y lenguajes artísticos, como por sus intereses personales.

Santibáñez es Lic. en Educación de la Universidad Andrés Bello, Lic. en Artes con mención en Artes Plásticas de la Universidad de Chile y Magister en Artes Visuales de la misma institución. “Mirar desde arriba” es un trabajo que nace el año 2010 a partir de una investigación diaria realizada por la artista durante un mes por el centro de la comuna de Santiago. De este catastro surge la representación en pintura al óleo del mapa satelital del centro de Santiago, que va destacando, de manera análoga a como se visualizan los resultados de una búsqueda en Mapcity, los lugares donde se encuentran personas en situación de calle: el ícono de la estrella roja.

Por su parte, Paulina Carreño, Lic. en Artes Visuales de la Universidad Católica de Valparaíso y Lic. en Artes Plásticas con mención en Grabado de la Universidad de Chile, presenta “Alturas”, ejercicio de observación y representación de la ciudad de Santiago, mediante el cual busca registrar desde intersticios, calles y azoteas, su extensión y alcance. A partir de un video performático, la artista traza el plano de Santiago y una serie de dibujos en tinta china y plumilla, a modo de un zoom que se introduce en la ciudad alternando las distancias de registro, desde vistas más alejadas (mapas y planos), hasta escenas próximas a la superficie, con sus calles, personas y detalles.

Exposiciones: “Mirar desde arriba” | “Alturas”

Inauguración: jueves 11 de abril. 19:00 hrs.

Lugar: Galería Casa Colorada. Merced 860. Estación Plaza de Armas (L5)

Abierta al público: hasta el 16 de mayo.

Horarios Galería: Lunes a viernes de 11:00 a 13:00 h. / 14:00 a 18:00 h. Domingo, sábado y festivos cerrado.

Información y contacto: extensioncasacolorada@munistgo.cl / 22 6325623

Entrada Liberada.

«Un Cierto Panorama. Reciente fotografía de autor en España»

El martes 9 de abril a las 19:30 horas se inaugurará, en el CCE Santiago, la exposición “Un Cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España”. Esta muestra fotográfica reúne la obra de 54 autores contemporáneos españoles, y visibiliza una generación joven de creadores que está siendo reconocida a nivel internacional. Participar de la inauguración y visitar la muestra, que estará en sala en hasta el 25 de mayo es gratuito y abierto a todo público.

Bajo curaduría del español Jesús Micó, los visitantes de esta exposición se encontrarán con una visión panorámica de la escena fotográfica actual española. La muestra exhibe el trabajo de 54 artistas en total, y 6 de ellos tendrán presencia impresa en sala, mientras que los 48 restantes se exhibirán en soportes audiovisuales. Pese a la diversidad de sus propuestas creativas, todos los fotógrafos aquí presentes comparten un mismo contexto, afectado por cambios profundos a los cuales han tenido que adaptarse, siendo los más significativos la grave crisis económica que ha vivido el país, y el desplazamiento de su disciplina de lo analógico a lo digital.

Los fotógrafos presentes en la muestra han enfrentado un doble desafío en su lucha por destacar sus diversas voces autorales, lo que ha significado la creación de prolíficas y variadas líneas estéticas. Por un lado, los fotógrafos de la muestra han tenido que encontrar estrategias para destacarse dentro del exponencial crecimiento de la fotografía amateur, y por otro han debido abrirse espacios a pulso dentro y fuera de los marcos expositivos tradicionales, que muchas veces ignoran a los autores noveles, a pesar de su innegable calidad y originalidad.

Las obras en “Un Cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España” se caracterizan por una marcada intención autoral y diversas estrategias conceptuales, formales y artísticas que articulan los discursos y creaciones de cada artista. Cinco claves para aproximarse a esta muestra es tener en cuenta que se trata de creaciones profundamente internacionales, permeadas por procesos de comunicación y distribución global a través de internet; que las creaciones se articulan bajo mecanismos de trabajo colectivo, manifiesto del espíritu inquieto y colaborativo de los artistas; la circulación de obra fuera de los estamentos oficiales de exhibición; la incorporación del fotolibro como uno de los principales soportes para su obra, abriendo nuevas dimensiones materiales para la fotografía; y la autoría por series, como línea recurrente dentro de las obras expuestas.

Frente a la intención de documentar el mundo objetivamente, esta nueva generación de fotógrafos se enfoca en comprender el espacio donde habitan, planteándose preguntas en lugar de otorgar respuestas, y valiéndose para ello de todos los medios que estén a su alcance. Lo anterior contempla nuevas formas en la construcción de obra, que incluye apropiación de imágenes, uso de elementos audiovisuales, e incluso utilización de objetos no fotográficos, lo que expande lo entendido como la disciplina fotográfica en sí.

Esta muestra, organizada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), ha sido expuesta en diversos países como España y Perú, con gran recepción tanto de la crítica como del público, y continuará su itinerancia durante este año en Argentina y México, donde seguirá promoviendo la obra fotográfica de sus artistas. Visitar la exposición es gratuito en las salas del CCESantiago desde el 9 de abril hasta el 25 de mayo, de lunes a viernes de 11 a 20 horas, y los sábados de 11 a 14 horas, en Providencia 927, cerca de Metro Salvador.

Acompañando la exposición el miércoles 10 de abril a las 19:30 h en el curador de la la muestra ofrecerá una conferencia donde analizará los ejes centrales de la actual fotografía de autor novel en España, planteará los motores de su la línea curatorial y parte de la investigación teórica, de más de dos años, que da como resultado la diversidad de la muestra.

«Atmósfera» y «Puelche: Ejercicios de Campo»

Inauguración de la exposición de pinturas de Álvaro Huenchuleo y Ximena Vega, este sábado 6 de abril a las 12:00 horas.

– «Atmósfera», de Ximena Vega Lobos.
– «Puelche: Ejercicios de Campo», de Álvaro Huenchuleo.