«Primera simetría»

Del 5 al 29 de junio Fecha inauguración: miércoles 5 de junio, 19:30 hrs

Raisa Bosich realiza un análisis en torno a ciertos elementos que provienen de la arquitectura y el paisaje urbano, determinados patrones ornamentos e ideogramas, fenómenos físicos vinculados al espacio y el tiempo, dónde exploro su potencial en el dibujo, la pintura y la instalación. Busca problematizar el sistema de percepción y la relación con el objeto. Le interesa desarrollar un estudio sistemático no obstante el proceso de observación parte de manera intuitiva y tiene el objetivo de encontrar una síntesis de los mismos.

Primera Simetría es la segunda exibición individual de Raisa Bosich. Su primera muestra, también en Galería NAC, formó parte del primer ciclo de exhibiciones de NAC en 2015, donde se convocó a los primeros miembros que hasta el día de hoy forman parte de los artistas representados por la galería. La exposición, que se inaugura el 5 de junio, estará abierta al público hasta el 29 de junio.

Este proyecto, que relaciona dibujos, pinturas, figuras de madera y metal, es una investigación sistemática sobre ideogramas, elementos esqueáticos y ornamentales encontrados en decoraciones de cerámicas y patrones textiles de diferentes orígenes y culturas. Los elementos que utiliza como referencia son transformados y alejados de su original para así poder revisitarlos con el fin de percibir su forma y provocar una nueva aproximación. Siguiendo una línea de trabajo enmarcada en la abstracción geométrica, Bosich apunta a realzar los patrones utilizados mediante cruces entre pintura y escultura.

La gran mayoría de las formas y estructuras que utiliza provienen de patrones propios del arte precolombino. Su interés por estas formas radica en un lenguaje visual común que comparten culturas tan distantes como los mayas y los egipcios. De esta manera, es posible encontrar similitudes dentro de esta variedad de lenguajes pasando por la arquitectura y el estudio de los símbolos.

El resultado de esta investigación es Primera Simetría, un estudio sobre patrones y formas de un mundo antiguo súbitamente actualizado mediante lo visual. Especial relevancia toma aquí la abstracción, que al igual que los patrones a los que la artista hace referencia, se encuentran muy cerca de las formas y los ciclos naturales, no para poder representarlos, sino más bien para comportarse como ellos.

Raisa Bosich
Santiago de Chile, 1988
Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Chile con mención en pintura (2010) y en 2013 realizó un diplomado en animación 3D en academia MAC. Ha participado de varias exposiciones colectivas en Chile, Perú, Francia, Alemania, Suiza y Reino Unido. Dentro de las cuales destaca: “Inside Job” en Tate Modern en Londres (2018), “Against a Conspiracy of Invisibilities” en Sobering Galerie en Paris (2016), “SUB 30 Pintura en Chile” en el Museo de Arte Contemporáneo (2014) y “Drawing by Numbers” en el Centro Providencia (2014) en Chile. En 2015 realiza “Extender una línea” en Galería NAC y este año presenta: ”Primera Simetría”. También ha participado en diferentes ferias de arte nacionales e internacionales en Argentina, España y Francia. Además participó en la residencia artística Espai Colona en Barcelona. Actualmente vive y trabaja en Chile dónde es representada por Galería NAC.

Direccion: Juan de Dios Vial 1359, Providencia (frente a Plaza las Lilas) / Para visitas fuera de horario coordinar al +569 97892590 www.galerianac.cl galeria@galerianac.cl

“La forma habitada”

Hasta el próximo 12 de julio permanecerá abierta la exposición del artista visual Mario Gómez “La forma habitada” en Casa Autónoma, Arte y Cultura de la Universidad Autónoma de Chile en Santiago (Europa 1970, Providencia).

El montaje presenta una colección de más de 40 pinturas, construcciones volumétricas y gráficas, muchas de ellas inéditas, en distintas técnicas y formatos de hasta 3 metros de diámetro realizadas especialmente para los extensos muros de la casona, construida en 1902 y declarada Inmueble de Conservación Histórica en 1966.

Parte de la corriente artística latinoamericana del realismo mágico, en el trabajo de Gómez, el ser humano y la fotografía como objeto e imagen son elementos fundamentales, que se relacionan armónicamente sin restar interés o consistencia a las múltiples lecturas de su iconografía.

“Tiene una capacidad única de profundizar con sus temáticas y atmósferas”, explicó el curador de la galería, Jorge Berríos.

“Sus creaciones se perciben de manera sutil. Las escenas de seres descontextualizados logran una atmósfera sensitiva que está en espera, una calma que se puede romper en cualquier momento. Son escenarios posibles que están finamente cromatizados por una perfecta técnica neoclásica”.

Al inaugurar la exposición este miércoles, Gómez agradeció el compromiso de la Universidad Autónoma de Chile con la difusión de la cultural y ofrecer a los artistas un “espacio como este, rico en entorno y contexto”.

“Si hay un apellido que tiene esta muestra es familia. Tres de las obras que presento fueron hechas con mi señora y mis hijas cada una en su ámbito: cerámica, pintura y fotografía. Hay también una colaboración con Aaron Ortega, que es para mí muy importante”, añadió.

Por su parte, el Vicerrector de la sede Santiago, Francisco Baghetti, recordó que este 2019 la casa de estudios cumple 30 años desde su fundación en Temuco, ocasión en que renueva su vínculo con la promoción del patrimonio artístico, histórico y arquitectónico.

Mario Gómez estudió Licenciatura en Artes mención Pintura en la Escuela de Artes de la Pontificia Universidad Católica. Ha expuesto sus obras en Estados Unidos, Hong Kong, Italia, Noruega, Suecia, Suiza, Polonia, Rusia, y República Checa, entre varios otros países.

“La forma habitada” estará abierta a todo público en forma gratuita de lunes a sábado de 10.00 a 19.00 horas hasta el 12 de julio.

«Poliritmos»

EXPOSICIÓN “POLIRITMOS” DE ANDRÉS BECKER

NUEVA EXPOSICIÓN ESCULTÓRICA QUE VIAJA ENTRE EL ARTE Y LA MÚSICA

Inspirado en su pasión por el arte y la música, el escultor chileno Andrés Becker Gana presenta su cuarta exposición individual, que en esta ocasión se inaugura en Espacio Arte, en el Centro Cívico de la Municipalidad de Lo Barnechea, el día lunes 3 de junio de 2019 a las 19:30 horas.

La definición de “Poliritmo” se puede considerar como el “uso simultáneo de ritmos, en las voces individuales de una composición“. En ese sentido, el escultor Andrés Becker reinterpreta este concepto musical en la materialidad concreta de su obra, utilizando metales y maderas, a modo de capas o tramas en sus esculturas.

Su propuesta habla de un poliritmo que funciona como puente de unión entre distintas texturas, lenguajes y relaciones de elementos (color, material, composición o concepto). De esta manera, pretende conjugar y hacer dialogar diferencias irreconciliables en sus obras, que nos hablan de lo complejo, en contraposición con el ideal de lo simple.

Esta exposición nace de la necesidad del artista de desarrollar esa herramienta “polirítmica” en lo concreto y compartir su experiencia, con el propósito de animar a otros a participar en este proceso de creación experimental y conceptual.

En el caso del escultor, su propuesta es una invitación a abandonar el “minimalismo”, abrazando los conceptos complejos, sumergiéndose en la experimentación y lo progresivo. De este modo, invita a alcanzar una síntesis (tanto del proceso como de la forma), con el fin de lograr un resumen que nos habla del desarrollo de un concepto o idea.

El arte, para este artista, es contar historias a través de la técnica y el detalle, para alcanzar este diálogo. Para Andrés Becker la simpleza, lo perfecto, no le atrae, sino es en el caos de lo complejo, en lo ininteligible, en donde la belleza se impone a toda otra consideración. El artista elige el camino indescifrable para encontrar su estética.

Inspirado en su pasión por el arte y la música, el escultor chileno Andrés Becker Gana presenta su cuarta exposición individual, que en esta ocasión se inaugura en Espacio Arte, en el Centro Cívico de la Municipalidad de Lo Barnechea, el día lunes 3 de junio de 2019 a las 19:30 horas.

En esta exhibición, las esculturas son de mediano y gran formato y utiliza diversos materiales como bronce, cobre, madera y acrílico, mediante las técnicas de soldadura al estaño y al arco, entre otras.

Andrés Becker Gana es Licenciado en Arquitectura de la Universidad Finis Terrae de Santiago, es autodidacta en escultura y ha exhibido su obra tanto en Chile como en Argentina, Brasil, Estados Unidos y Francia.

Ha recibido mención de honor en el Salón Internacional de Escultura de Buenos Aires, Argentina y tercer premio en el concurso “Creación en Cobre” en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Chile.

Tiene una escultura pública de gran formato en la Plaza Perú de Las Condes y su obra es parte de colecciones privadas, tanto en Chile como en Perú.

Ha participado en las Ferias Internacionales de arte “Olhe Brasil” en Sao Paulo, “Carrousel du Louvre” en París y  “Miami River Art Fair” en Miami y ha exhibido su trabajo de manera individual en “Amsterdam Whitney Gallery” en Nueva York, Estados Unidos y en Galería de Arte La Sala en Santiago, además de otras muestras colectivas como la feria FAXXI, en Chile.

Dirección: Avenida El Rodeo 12.777, piso -1, comuna de Lo Barnechea.

Más información en www.lobarnechea.cl

www.andresbecker.com / Facebook: Andrés Becker Gana / Instagram: enfermo_inc

Entrada liberada

Se realizarán visitas guiadas gratuitas al público durante la muestra, todos los sábados de junio y julio de 11 am hasta las 13 horas.

La muestra permanecerá abierta hasta el jueves 1 de agosto de 2019.

Fecha: 3 de junio al 1 de agosto
Ubicación: Espacio Arte, Centro Cívico Municipalidad de Lo Barnechea (Av. El Rodeo 12.777, piso -1)
Horarios: Lunes a Jueves 8:30 a 17:30 hrs. / Viernes 8:30 a 16:30 hrs. / Sábado 9:00 a 13:00 hrs.
Más Información: exposiciones@lobarnecheacultura.cl

«La fragilidad del paisaje»

«La fragilidad del paisaje» de Amanda Rodríguez Solar 

El día jueves 30 de enero, a las 19.30 horas, inaugurará en BECH la exposición “La fragilidad del paisaje” de la artista Amanda Rodríguez Solar. Se trata de una muestra que recoge una serie de ocho pinturas, que abordan la ciudad de Santiago y sus intersticios a partir de una mirada que se centra en el cotidiano.

“La fragilidad del paisaje” se construye en torno a aquellas escenas propias de la vida en la capital, las que se han modificado en los últimos años, a partir de las transformaciones que ésta ha experimentado, a saber: el sistema de transporte público, la gran demanda e incremento del mercado inmobiliario, la cantidad de inmigrantes que ingresan al país, la precaria situación habitacional de algunos habitantes, etc. Al respecto la artista señala: “Este proyecto se constituye como una materialización de aquellas reflexiones personales al caminar rumbo a un lugar o al ir arriba de una micro”.

Las pinturas son realizadas sobre diversos soportes, tales como cartón corrugado, MDF, OSB y bolsos de nylon. Materiales precarios que forman parte del mismo entorno que observan. “La Fragilidad del Paisaje” invita al espectador a reflexionar sobre los tránsitos propios de habitar la ciudad, apelando a un imaginario colectivo del cual todos hemos sido testigos; filas de personas esperando el transporte, edificios abarrotados de ventanas, viviendas precarias instaladas en espacios públicos, entre otros.

La muestra estará abierta al público desde el viernes 31 de mayo hasta el jueves 27 de junio.

Sobre la artista

Amanda Rodríguez es Magíster en Artes, Universidad Católica de Chile. Licenciada en Artes y Pintora Profesional por la Universidad de Chile. Ha expuesto su trabajo en la La Galería Artespacio, Galería Posada del Corregidor, Castillo Wulff, Casa de la Cultura de Ñuñoa, Montecarmelo, Concurso Arte Joven MAc Quinta Normal, Sala Abate Molina de la Universidad de Talca, Sala Nemesio Antúnez, Maison du Chili (París, Francia), Galería Balmaceda Arte Joven, Sala Mariano Picón UMCE, Universidad de La Serena, Biblioteca Municipal de Puente Alto, Biblioteca de Santiago, Casona Nemesio Antúnez, Sala El Farol Valparaíso, entre otros.

Galería BECH

Alameda #123, Metro Baquedano

Lunes a viernes de 10.00 a 19.00 hrs.

Entrada Liberada

«Autocríticas»

Artista: Marcela Serrano

Curador e Investigador: Sebastián Valenzuela-Valdivia

Proyecto curatorial enfocado en rescatar un conjunto de obras de la escritora y artista Marcela Serrano, realizadas entre 1980 y 1983. La exposición en Galería Concreta consta de dos videos: Retrato Hablado, donde el cuerpo desnudo de la artista es cubierto de pintura blanca; y Autocríticas en dónde Serrano hace un recorrido por escenas de su vida cotidiana mientras una voz en off relata los diez pasos que realizó para llegar al desnudo total.

La muestra, que devela a Serrano como una artista pionera en el feminismo en Chile, también contempla una instalación, un libro, fotografías, serigrafías y videos, los que conectan las múltiples capas del proyecto.

A pesar de ser una de las escritoras más conocidas en nuestro país, el trabajo plástico y visual de Marcela Serrano ha sido vagamente difundido: sólo en la década de los 80 circuló por espacios nacionales e internacionales, imponiéndose como una de las artistas mujeres de performance o body art más reconocidas en aquella década. Por medio de esta exhibición, y luego de cuatro décadas, será posible visionar uno de sus proyectos más ambiciosos desarrollado a través de múltiples formatos, como la instalación, la fotografía, la serigrafía, el libro y el video.

Este proyecto de investigación y escenificación de archivos tiene por objetivo rescatar un trabajo pionero del arte corporal, la video-performance y en los enfoques feministas dentro del arte nacional. “En esta ocasión, se inicia con Autocríticas debido a su pertinencia conceptual dentro de los conceptos de anulación e invisibilización. El rescate de esta obra, contradictoriamente, no sólo evidencia su casi nula presencia dentro de la historiografía del arte chileno, sino que además, como una representación de un sinnúmero de mujeres que no han sido visibilizadas  dentro de nuestra propia historia”, señala Sebastián Valenzuela-Valdivia, curador de la muestra.

«Las Tres Dimensiones»

Por primera vez en nuestro país el Museo Nacional de Bellas Artes presenta entre el 30 de mayo y el 4 de agosto (de martes a domingo de 10:00 a 18:45 horas) la obra de la artista chilena Francisca Prieto, quien radicada en Londres desde 2001, desarrolla una profunda investigación sobre la conformación material, histórica y simbólica de los objetos y sus usos.

Bajo la curaduría de Daniela Berger, la muestra es organizada por Fundación Lustro Gestión Cultural, con la colaboración de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile y el auspicio de LarrainVial, acogido a la Ley de Donaciones Culturales. La iniciativa que también cuenta con la participación del crítico británico de arte Alastair Smart -quien ha seguido de cerca la carrera de Prieto-, incluyó la publicación previa del libro de gran formato.

Con alrededor de 40 obras, la muestra se plantea como una revisión antológica del trabajo de Francisca Prieto, realizado entre 2002 y 2018, que forma parte de importantes colecciones privadas y públicas. Entre estas últimas se destaca la Tate Gallery, la biblioteca de arte del Victoria & Albert Museum y la British Library, institución que además destacó la obra The Antibook como representante de todos los libros de artistas en la publicación A history of book in 100 books, y la exhibió al público en su exposición Treasures of the British Library en 2006.

Además de exposiciones individuales y colectivas en diversos países del mundo, las obras de la artista, formada en la Universidad Católica y con una maestría en arte de la Universidad Central Saint Martins, se han exhibido en prestigiosos encuentros internacionales como la Bienal de Arte de Venecia en 2017 y Pinta Londres 2012 y 2013.

«En su trabajo Francisca Prieto desarrolla una profunda investigación sobre la conformación material, histórica y simbólica de los objetos y sus usos, que despliega en obras fundamentalmente tridimensionales que demandan largos procesos creativos y reflexivos. Recurre a las matemáticas y la capacidad de síntesis para apropiarse de materiales de diverso origen y naturaleza, produciendo nuevos relatos y relecturas», explica la curadora Daniela Berger.

«A lo largo de los años, los materiales y técnicas con que he trabajado han ido cambiando; las tres dimensiones son un elemento constante en mi obra. Estas son una manera innata y personal de interpretar mis ideas. A la vez, las tres dimensiones son una invitación a recorrer, estudiar y descubrir, por lo tanto a ser parte del proceso y de la obra en sí», cuenta la artista.

Se trata de una labor rigurosa y sistemática que, al tiempo que desafía las fronteras entre formatos y técnicas, instala también, mediante el análisis estructural y conceptual, preguntas acerca de la identidad de los objetos, los códigos visuales, el lenguaje y los contextos de significado que condicionan las percepciones y construcciones culturales.

«Nos hemos identificado con la línea de acercar la obra de artistas nacionales exitosos internacionalmente. El trabajo de Francisca Prieto es un aporte al patrimonio cultural del país y esperamos que los chilenos puedan conocerlo y valorarlo», sostiene el presidente de LarraínVial, Fernando Larraín Cruzat.

«Queremos dar visibilidad en nuestro país al trabajo de artistas chilenos radicados en el extranjero y crear instancias de diálogo en base a su producción, conocimientos e historias, con el fin de traer de vuelta esas experiencias al público nacional», señalan desde Fundación Lustro.

Actividades

Conversatorios: Como programa público asociado a la exhibición, con el apoyo de British Council, se realizarán conversatorios que contarán con la participación de Francisca Prieto y la curadora Daniela Berger. Estos tendrán lugar el miércoles 29 de mayo a las 18:00 horas en el Museo Nacional de Bellas Artes y el jueves 30 a las 19:00 horas en la sede Presidente Errázuriz de la Universidad Adolfo Ibáñez. Ambas actividades son gratuitas y no se requiere inscripción previa.

Visitas mediadas: El área de Mediación y Educación MNBA ofrece este servicio gratuito para delegaciones universitarias, escolares y otras agrupaciones, previa reserva en el correo mediacion.educacion@mnba.cl, de martes a viernes de 10:30, 11:30, 12:30 y 15:30, 16:30 y 17:30 horas.

 

«Naturaleza técnica»

Artista interviene imágenes del Desierto de Atacama creando una arqueología visual crítica de su explotación

El martes 28 de mayo, a las 19:00hrs, en Galería Casa Colorada inaugura la exposición “Naturaleza Técnica” de Constanza Thiers quien realiza, a través de una propuesta de archivo fotográfico, un seguimiento visual del paisaje desértico del norte de Chile. Utilizando fotografías satelitales extraídas de Google Earth, las cuales dialogan por medio de la intervención digital, estas se presentan como residuos procedimentales: interrupciones de una imagen, homologables a los del hacker que sin previo aviso se apropia de la programación para reprogramar, abriendo una relación otra con el lugar y lo natural.

En las piezas que componen la muestra es “en donde vemos la tierra abrirse”: en la alteración de luces y sombras monocromas que simulan estructuras orgánicas en “Vestigios”. En “Alma” al llevar la imagen de lo más extenso a lo más mínimo, aparece una suerte de ornamento precolombino.  Estas operaciones se combinan con la investigación respecto a la historia del salitre, en la que Thiers rescata el trabajo de Andrés Sabella, cuyo texto ‘Las Huellas’ acompaña una serie de fotografías en placas de aluminio para guiar la experiencia visual de los espectadores, al igual que “Gabinete”, estructura de papel y cartón inspirada en los cuartos de maravillas de los siglos XVI y XVII el cual presenta, contemporáneamente, imágenes de relaves y minas a tajo abierto en el Desierto de Atacama, a modo de un archivo de la decadencia extractivista evidenciable en el extremo norte de nuestro país.

La muestra contempla además un texto en gran formato, el cual da luces sobre pequeños escombros, características y objetos del paisaje nórtico y su historia para dar cuenta de una simbiosis entre hombre y desierto: la acción del obrero sobre el desierto, la acción de la industria en la tierra y la acción del desierto sobre la humanidad de los hombres y mujeres que la depredan y habitan a la vez.

Sobre la artista

Constanza Thiers es artista visual y fotógrafa, estudió Licenciatura en Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile (2017).

Su trabajo se centra en la producción de imágenes a partir de la foto manipulación digital para crear vestigios contemporáneos que representan un imaginario personal y colectivo, exponiendo regularmente en Chile y el extranjero.

El año 2018 fue finalista del Concurso “Artespacio Joven-BBVA” organizado por Galería Artespacio, y obtuvo “Mención Honrosa” en la  categoría “Fotografía” del XX Premio Arte Joven de la Municipalidad de Santiago.

Inauguración: martes 28 de mayo. 19:00hrs.
Lugar: Galería Casa Colorada. Merced 860. Estación Plaza de Armas (L5-L3)
Abierta al público: hasta el 28 de junio.
Horarios Galería: Lunes a viernes de 11:00 a 13:00h. / 14:00 a 18:00h.
Información y contacto: extensioncasacolorada@munistgo.cl / 22 6325623

«Cosas que duelen»

La exhibición está conformada por un conjunto de seis piezas que aluden a la idea del dolor como experiencia transversal. Dagmara Wyskiel aborda temáticas complejas, contingentes y atemporales, a través de su círculo más íntimo, en una muestra donde se ven involucrados también sus dos hijos, su abuela y su tía.

Dos videos postapocalípticos, dos obras fotográficas, ambas con su hija, una como Christo y otra como heredera neotribal, además de dos piezas objetuales -una con pastillas anticonceptivas y otra con dientes- forman parte de la exhibición Cosas que duelen, que la artista polaca radicada en Chile trae a Santiago luego de su primera apertura en Antofagasta en noviembre del 2018.

Cosas que duelen profundiza en el dolor como experiencia humana desde distintas aristas y materialidades, a través de seis obras desde donde trabaja de conceptos como fragilidad, enfermedad y tiempo, sin dirigirse hacia un concepto de crisis necesariamente sino que asumiendo y recogiendo la experiencia del dolor y de la vejez desde una mirada melancólica, que transita desde una dimensión íntima hacia una dimensión de un otro, para luego dialogar con una que alude a una gran escala: el dolor como una experiencia transversal que experimenta el ser humano. (…)

Ximena Moreno

Inauguración lunes 27 de mayo, 19 horas
Villavicencio 395, 3er piso, Barrio Lastarria, Santiago
Horario desde las 14:00 a las 20:00 horas / entrada liberada
Abierta de lunes a domingo hasta el 19 de junio

“Bosque Ensimismado”

Artista uruguayo regenera vestigios de árboles para su representación

Cava del Palacio Cousiño

El domingo 26 de mayo se realizará la apertura de la exposición “Bosque ensimismado” del artista uruguayo Martín Verges Rilla en la Galería Cava del Museo Palacio Cousiño, proyecto que fue seleccionado en la 2da. Convocatoria de Exposiciones 2018, organizada por la Municipalidad de Santiago.

Verges es artista visual del Instituto Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República, Uruguay. Ha expuesto en Perú, Argentina, Brasil, Bolivia y Estados Unidos, y “Bosque ensimismado” es su primera exposición en Chile. En ella coincide un larguísimo entramado temático y material. Su propuesta es un encuentro, a la vez que un reconocimiento, de antiguos lazos unificadores de materiales primordiales con la creación artística: regenerar para representar. Para Verges “los árboles jugaron siempre un rol permanente en la historia del arte. Son y fueron dibujados, pintados, fotografiados. Han provisto a los artistas de los más elementales instrumentos de trabajo: supieron ser soportes, pigmentos, caballetes, cuerpos de pinceles…” En las obras, su representación se realiza con el carbón de la misma especie que estamos viendo; las nueces pintadas con nogalina, son resultado del mismo fruto obtenido de la cáscara, configurando verdaderos retratos de una ciudad.

La muestra, que permanecerá abierta hasta el 30 de junio, podrá ser visitada el sábado 25 y domingo 26 de mayo de 10:00 a 15:00 hrs. como parte de las actividades con que se celebra el Día Nacional del Patrimonio Cultural 2019. En este marco, el artista Martín Verges realizará visitas guiadas y demostración de obra, explicando el proceso creativo desarrollado en este proyecto expositivo. La actividad contará además con la presentación del músico uruguayo Jorge Portillo.

Exposición: BOSQUE ENSIMISMADO | Martín Verges Rilla

Lugar: Galería Cava Palacio Cousiño.

Dirección: Calle Dieciocho 438, Santiago (Estación metro Toesca).

Apertura: Domingo 26 de mayo 2019 | 11:00 horas

Horarios: Martes a viernes de 09:30 a 13:30 horas y de 14:30 a 17:00 horas.

Sábados, domingos y festivos de 09:30 a 13:30 horas.

Entrada Liberada.

«Mírame sin mirar»

Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.

La artista chilena radicada en Berlín Florencia Piriz (Santiago, 1987) inaugura su primera muestra individual en Aninat Galería: “Mírame sin Mirar”. La muestra estará abierta desde el 22 de Mayo en la nueva sede de la galería, ubicada en Alonso de Córdova 4355, edificio CV Galería.

“Mírame sin Mirar” plantea un recorrido por diferentes instantes plasmados por la artista, los cuáles van conformando una suerte de largometraje pictórico. Florencia nos narra una serie de historias exteriores e interiores en donde resaltan la acciones que suceden en cada escena, reflexionando sobre aquellos sucesos cotidianos que pasan la mayor parte del tiempo desapercibidos para el espectador. Utilizando una paleta pictórica de gran personalidad, la obra de Piriz nos recuerda a los trabajos de los norteamericanos David Hockney y Elizabeth Peyton, o a las narrativas de la fotógrafa Nan Goldin.

En “Mírame sin mirar” cada pintura y cada acción que representa se encuentra en constante estado de tránsito invitando al espectador a narrar su propia historia.

Hasta el sábado 15 de junio «Mírame sin Mirar» estará en la Galería Isabel Aninat.