“Martín Chambi. Tiempo Libre en Chile. 1936”

La muestra incluye reproducciones digitales de cerca de 40 fotografías, documentos y recortes de prensa pertenecientes al archivo creado en Cusco para preservar su legado.

A fines del siglo XIX nació, al norte del lago Titicaca, en Perú, el que se convertiría en uno de los fotógrafos sociales más relevantes de Latinoamérica. Hijo de campesinos indígenas, se formó profesionalmente en Arequipa, abriendo a los 26 años su primer estudio en Cusco, donde se dedicó a plasmar retratos y paisajes de innegable valor antropológico y cultural, según la crítica especializada.

En estos últimos se inspira el proyecto “Martín Chambi. Tiempo libre en Chile. 1936”, que desde el 28 de marzo estará disponible en el hall de la Biblioteca Nicanor Parra (Vergara 324, Santiago). Desarrollado con el apoyo del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART), Cenfoto UDP y el Archivo Martín Chambi de Cusco, la exhibición contiene cerca de 40 fotografías, documentos y recortes de prensa inspirados en su viaje al sur de Chile en 1936, donde se encontró con la cultura mapuche y la retrató con su mirada única en términos estéticos e ideológicos.

Para Samuel Salgado, Director de Cenfoto UDP, “Martín Chambi es uno de los fotógrafos latinoamericanos más importante del siglo XX. En su obra se encuentra una poderosa idea sobre la fotografía, dando cuenta a través de sus trabajos de una preocupación sistemática por incorporar a la cultura visual del período la totalidad del mundo andino. Comprendió rápidamente el valor del archivo como fuente para el futuro”.

Sobre la exposición en la Biblioteca Nicanor Parra, Salgado destaca que “en el caso de Chile, nos revela la mirada humanista del fotógrafo, sobre todo del mundo indígena, del pueblo mapuche. Y las ideas que tenía Martín Chambi sobre el poder de la imagen en el mundo contemporáneo”.

La exposición “Martín Chambi. Tiempo libre en Chile. 1936”, estará abierta al público hasta el martes 30 de abril, de 9:00 a 18:00 horas.

«Trayecto»

Trayecto / Textil / 28 de marzo al 28 de abril / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Inge Dusi es una de las más destacadas artistas textiles del país. Desde los años setenta viene realizando un trabajo sostenido y, con extremo rigor ha conseguido elaborar un lenguaje propio, cuya visualidad la identifica donde quiera que se presente. Su obra, que combinan lo ancestral del arte precolombino con la técnica japonesa del Shibori, es única, genuina y auténtica.

Nada más merecido entonces que presentar en el Centro Cultural Las Condes esta muestra que reúne un conjunto representativo de su extensa trayectoria.

El nombre de la exposición resulta muy significativo, tomando en cuenta que Dusi nació en Alemania, creció en Chile, vivió en Costa Rica e Italia, y ahora se apronta a volver definitiva a dicho país. Y es que su propuesta es tan intercultural como su trayectoria.

Al respecto el teórico Guillermo Carrasco Notario señala: “La de Inge es una forma profunda de hacer arte, gracias a su capacidad de introspección, y a su empatía con el mundo que la rodea, pudo evitar la tentación del mero diseño. Colmando su producción de profundos contenidos, muy en sintonía con el sentido del arte originario prehispánico, o del Shibori, donde ningún pigmento está ahí porque sí”.

Ingeborg Schünemann Gran (Gawaiten, Alemania, 1932), de nombre artístico Inge Dusi, llega a Chile con apenas dos años de edad. En su juventud estudia arte en el Werklehrer Seminar en Munich, donde se recibió como profesora de Artes Manuales y fue alumna libre del Taller Textil de la Kunsthochschule en la misma ciudad.

En los años sesenta integra el Taller 99 de Grabado, junto a Nemesio Antúnez, y en los setenta se radica en Costa Rica e Italia. Regresa a Chile a comienzos de los años 90 y desde 1992 integra el World Shibbori Network.

Ha estado a cargo de la organización de importantes eventos que han contribuido a la puesta en valor, difusión y el desarrollo del Arte Textil en Chile. Su trabajo ha sido expuesto y comentado en importantes publicaciones sobre el tema. Se ha desempeñado como profesora de arte textil en Costa Rica, Colombia, Venezuela, Suiza, Alemania e Italia.

«Los últimos carboneros de Cuba»

Considerado uno de los fotógrafos europeos más relevantes de la escena actual, el artista belga STÉPHANE NOËL viaja por primera vez a Chile para inaugurar su exposición Los últimos carboneros de Cuba, que se presentará en nuestro Centro Cultural.

Se trata de una serie ejecutada entre 2011 y 2016 en las localidades de extracción del carbón en Cuba, y llega a nuestro país gracias a la Delegación Valonia-Bruselas y la Embajada de Bélgica en Chile con la participación de la gestora Verónica Besnier. Un tributo a los carboneros de la isla, antaño conocidos como “la gente de las marismas”, héroes anónimos que actuaron como refuerzos revolucionarios, contra la invasión anticastrista de 1961, en Bahía de Cochinos.

Con gran dominio del retrato como lenguaje artístico, el fotógrafo logra captar el universo y las duras condiciones en torno a la producción del carbón. Rostros ennegrecidos por el tizne, manos callosas por el uso cotidiano del hacha, reflejan la vida de estos seres de la ciénaga que desde el silencio y la mirada desafiante logran expresar sus emociones con crudeza.

“A través de este proyecto, he querido rendir homenaje a los trabajadores manuales que son símbolos de una profesión en peligro de extinción… Probablemente, esta es la última generación de hombres y mujeres que realizan incansablemente el mismo ritual para perpetuar este noble saber ancestral de la lenta metamorfosis de la madera en carbón vegetal…”, señala Noël.

El autor trabaja la técnica de cola bicromada, a medio camino entre la fotografía y la pintura, que otorga a las imágenes texturas y luces que potencian su dramatismo. Tiene una durabilidad sorprendente y permite intervenir directamente una imagen, para darle un toque personal y único en cada copia. A diferencia de los tirajes de copias a gran escala que son idénticas entre sí, aquí es imposible obtener un mismo resultado. Con mucha práctica y varios testeos, el expositor belga ha logrado adoptar esta técnica y desarrollado su propio método.

Nacido en 1969, en la región de Liège, Bélgica, Stéphane Noël encuentra su vocación en las artes gráficas y la fotografía luego de una etapa escolar calificada como “caótica”, donde no podía expresarse a su antojo. Temeroso de entregarse por completo al oficio, trabaja en la industria siderúrgica durante 20 años, durante los cuales ahorró lo suficiente para emprender sus proyecto y viajes fotográficos.

Ahora, dedicado enteramente a la fotografía y alentado por sus cercanos, realiza proyectos personales y por encargo, además de participar en numerosas exposiciones en su país y el extranjero.

En 2011 presentó su primera exposición individual en Bruselas, con sus series de cola bicromada. Luego vinieron muestras en las ciudades europeas de Ibiza, Seine sur Mer, Londres, Colonia, Arles, Szczwcin, Varsovia, Milán, Budapest y Paris, entre otras.

Temporada: 28 de marzo al 28 de abril (inauguración 27 de marzo, 19:30 horas)
Salas de Exposición. Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
22 896 98 00
Martes a domingo, 10:30 a 19 horas
Entrada liberada

«Idea Tonta N°2: Lúcida Confusión»

DESTACADO ESCULTOR CRISTIÁN SALINEROS

SE TOMA LO BARNECHEA POR PARTIDA DOBLE

  • El artista inaugura “Idea Tonta Número 2: Lúcida Confusión”, instalación creada para dialogar con la sala de exposiciones del Centro Cultural El Tranque, y la obra de gran formato “Plegar el paisaje” en el parque del mismo lugar.
  • Desde el 27 de marzo se podrán visitar ambos trabajos del destacado escultor nacional, quien ya ha expuesto su trabajo en Alemania, Estados Unidos, Bolivia y Argentina.

Título: “Idea Tonta Número 2: Lúcida Confusión”

Duración: 27 de marzo – 26 de mayo

Lugar: Sala de Exposiciones, Centro Cultual El Tranque (Av. El Tranque 10.300, Lo Barnechea)

Horario: martes a domingo, 9:00 – 19:00 horas

Título: “Plegar el paisaje”

Duración: desde el 26 de marzo

Lugar: Parque El Tranque (Av. El Tranque 10.300, Lo Barnechea)

Horario: horario libre

Marzo será el mes del escultor Cristián Salineros en Lo Barnechea. El martes 26 se inaugura su nueva exposición “Idea Tonta Número 2: Lúcida Confusión” en la sala de arte del Centro Cultural El Tranque, y además se dará a conocer la nueva escultura “Plegar el paisaje”, ubicada en el parque aledaño al espacio cultural de la Municipalidad de Lo Barnechea.

Cristián Salineros lleva décadas trabajando con el espacio, la arquitectura y el vacío. Sus trabajos son conocidos por irrumpir con grandes volúmenes. Una extensa obra y técnica que comienza en los 90 con piezas orgánicas en madera, bronce oxidado o piedra, y que con los años ha pasado por una amplia gama de elementos, incluyendo jaulas y aves vivas, globos o muebles comunes.

“Idea Tonta Número 2” surge como un proyecto relacionado con sus últimos trabajos, centrados en tensionar o condensar el espacio vacío. Así, la sala de exposiciones será invadida por una figura volumétrica de la cual parecerán emerger o sumergirse objetos elegidos al azar, todo ello recubierto por masking-tape a modo de cáscara o piel.

“La idea surgió en mi mente como esa nube de golpes y objetos que aparecen en los dibujos animados cuando los personajes se pelean. Al igual que en esos torbellinos de los monitos animados, no existió ningún criterio para elegir los objetos, es un conjunto azaroso”, explica el artista. “¿Qué pasaría si de pronto el vacío entre un objeto y mi cuerpo se condensara hasta la rigidez? ¿Qué pasaría si cada vacío fuese un lleno? Me imagino el espacio como un gran cristal sólido que captura todo fenómeno y situación en su interior. Todos seríamos parte de un mismo cuerpo, como insectos atrapados en ámbar”, reflexiona Salineros sobre su nueva propuesta.

“La cinta de enmascarar está en todos los talleres de artistas, no es un material noble. Aquí es usado para restar a los elementos de sus superficies, quedando sólo formas recubiertas por una breve capa de cinta. Las particularidades de cada objeto se vuelven inciertas, diluidas, fantasmales”, explica el curador del proyecto, Javier González Pesce.

El mismo día de la inauguración de “Idea Tonta Número 2” se realizará el corte de cinta simbólico de “Plegar el paisaje”, escultura de gran tamaño que empezó a ser construida en enero de 2018. Este proyecto fue acompañado por arquitectos e ingenieros debido a la complejidad de la estructura. Salineros se inspiró en la geometría de las piedras de los cerros para crear una modulación que permite construir una “textura” visual.

Para el alcalde y presidente de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, Felipe Guevara, la presencia de Salineros por partida doble es un honor: “Cristián Salineros es un gran referente en la escultura nacional e internacional. Contar con una obra como ‘Plegar el paisaje’, que será su obra más grande en el espacio público, ha significado un trabajo arduo. Además, la exposición será una intervención muy distinta y rupturista que busca cautivar a los visitantes, y estoy seguro que así será”.

La escultura, de 13 metros de alto y 5 de ancho, fue realizada en acero carbono cubierto con acero inoxidable, y viene a completar el circuito de esculturas en el espacio público de la comuna. “El caballo de Lo Barnechea” de Francisco Gazitúa, “Puerta de la percepción” de Sergio Castillo, “La piedra del encuentro” de Vicente Gajardo, y “Leer, saber y pensar” de María Angélica Echavarri, conforman este circuito ideado para que el arte se viva por todos.

“Idea Tonta Número 2” estará abierta al público hasta el 26 de mayo y tendrá un conversatorio con el curador y el artista, además de talleres para niños, mientras que “Plegar el paisaje” estará ubicada de forma permanente en Parque El Tranque y podrá visitarse en todo horario. La entrada a la sala y todas las actividades son gratuitas.

ACTIVIDADES DE EXTENSIÓN

Conversatorio: Idea Tonta Número 2

Cristián Salineros y Javier González Pesce

Miércoles 24 de abril / 19:30 horas

Talleres para niños: Idea Tonta Número 2

Sábado 30 de marzo / 12:00 horas

Sábado 11 de mayo / 16:00 horas

Visitas Guiadas

Sábados / 16:00 y 18:00 horas

«Muda»

Galería BECH invita a la inauguración de «Muda» de José Pedreros.

La exposición reúne 15 xilografías que abordan diversas escenas marinas. Esta muestra cuenta con un texto de Bárbara Lama, académica Universidad de Concepción.

Jueves 21 de marzo – 19.30 horas
Galería BECH
Alameda #123
Metro Baquedano.

La muestra estará abierta al público de lunes a viernes de 10 a 19 hrs. y se podrá visitar hasta el jueves 18 de abril.

Para comenzar el calendario 2019, que contará con 10 exposiciones, Galería BECH presenta “Muda” de José Pedreros. Esta exposición reúne 15 xilografías, técnica de grabado realizada en madera. La muestra estará abierta al público desde el viernes 21 de marzo al jueves 18 de abril.  

A través de un trabajo insistente, Pedreros nos presenta diversas representaciones correspondientes a paisajes marinos, generando xilografías en su mayoría monocromas. El proceso de tallado de las matrices indaga en procedimientos no habituales, con técnicas tales como lijados, raspados e incisiones con taladros, con cepillos eléctricos, con hacha y galletera, sin dejar de lado los tradicionales buriles, formones y gubias.

El proyecto “Muda” propone a la xilografía, práctica tradicional de producción de imágenes, articulada desde un proceso de obra y una discursividad contemporánea. De acuerdo a lo planteado por la académica Bárbara Lama, los paisajes “funcionan como metáfora moral, como recordatorio social, como representante de esa naturaleza divina pero también de la conmoción humana ante su poder y superioridad”. Mediante las marinas de Pedreros, podemos reflexionar sobre nuestro presente y sus condiciones.

Sobre el artista

José Pedreros (Concepción, 1984). Artista visual chileno, estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Concepción, con mención en Grabado. Dedicó sus primeros años a la producción de Video Arte, obra que le significó ser seleccionado en diversas exposiciones nacionales e internacionales. El 2012 vuelve a la práctica del grabado, experimentando diferentes técnicas xilográficas, reflexionando sobre la poética y el lenguaje, problematizando en su obra conceptos tales como el ridículo, el vacío y la nada. En el 2013 Co-funda “Taller Pelantaro”. Actualmente forma parte de la “Asociación de grabadores del Biobío”, organización de artistas que mantienen y desarrollan la práctica del grabado en Chile.

http://pedrerosprado.tumblr.com/

Galería BECH

Avda. Libertador Bernardo O’higgins #123

Metro Baquedano

Lunes a Viernes de 10.00 a 19.00 hrs.

Entrada Liberada

«Escenas en veta de madera»

La muestra estará abierta al público entre el miércoles 20 y el viernes 22 de marzo en el Hall del Centro de Documentación del Museo de la Memoria y podrá ser visitada de 10 a 18:00 horas.

“Escenas en veta de madera” es un ejercicio de memoria en el que el artista Manuel Villagra busca rescatar recuerdos de la vida cotidiana del Chile de los años ’80, además de remecer los recuerdos y darle valor a esos instantes que reflejan los momentos difíciles vividos en aquella época, así como las costumbres propias de esos años que han ido cambiando con el tiempo.

La muestra se compone de seis maquetas autómatas que están hechas en madera al natural y que, a través de un mecanismo que contempla una pequeña manivela que mueve una serie de ejes poleas, bielas y engranajes, adquieren vida al interactuar con los visitantes.

Las escenas retratadas por el artesano autodidacta, Manuel Villagra, son el campamento y las tomas de terrenos; los oficios callejeros, como el melódico organillo, chinchineros y remolinos; el Bar, lugar de relajo, de conversación, desahogo, risas y tragos; la protesta, “de mi casa al pasaje, y del pasaje a la barricada”; la feria, con su vorágine de colores, aromas y sonidos; y los negocios, pequeños emprendimientos atendidos por sus propios dueños.

«To and Fro»

Del 14 de marzo al 20 de abril de 2019 / Fecha inauguración: jueves 14 de marzo, 19:30 hrs

El trabajo de Gabriella Dobo investiga el espacio entre las dos y tres dimensiones. A través de una técnica rigurosa utiliza la abstracción, la repetición y la precisión como maneras de operar. Las obras lidian en una zona intermedia y difusa entre la solidez y el vacío, la opacidad y transparencia, lo delicado y brusco, la luz y la sombra. Sencillo y austero a primera vista, revelan detalles y complejidades con la observación prolongada. 

En To and Fro, su segunda exposición individual en Galeria NAC, que se llevará a cabo entre el 14 de marzo y el 20 de abril, Gabriella Dobo continúa su investigación de las dos y tres dimensiones, el paso del tiempo y la precisión material y constructiva.

En esta ocasión, por medio de dibujos, esculturas y fotografía, Dobo experimenta con la dimensionalidad de la obra, en cómo trabajos en dos y tres dimensiones transmiten diferentes percepciones frente a fénomenos como la luz, sombra, solidez, vacío, movimiento y su relación con el paso de tiempo, generando sensaciones muy diferentes respecto al plano en el que son presentadas, tanto en términos materiales como simbólicos.

Así, el conjunto de obras utiliza un restringido número de recursos formales y materiales. Elementos geométricos básicos como el círculo, el cuadrado y la cuadrícula; y materiales como el grafito, yeso o el mármol generan un sistema de relaciones y vinculos complejos. Los trabajos están organizados en dípticos, series y ciclos; cada pieza es autónoma, sin embargo tomado como conjunto, la exposición funciona como un ecosistema cerrado. ..………………………………………………………………………………………………………..

Cv Maryland, EEUU, 1973

Gabriella Dobo estudió arte en la universidad Cooper Union for the Advancement of Science and Art en Nueva York. Esta es su segunda exhibición individual con Galería NAC. Inauguró con Twofold en 2015.

Otras exposiciones individuales que destacan son Overlap – Overtime en el Museo de Artes Decorativas, Santiago, Chile, 2015 y Of Clocks and Clouds en la Galería Animal, Santiago, Chile, 2011.

Sus exposiciones colectivas incluyen Circadian en Opendark, Santiago, Chile, 2017; Concentric, K. Saari Gallery, Colorado, US, 2012; Canciones de Amor y Otras Pasiones de Origen Romántico, Galería Loewenthal, Santiago, Chile, 2011; y Colectiva Animal – Sala Cero, Galería Animal, Santiago, Chile, 2010. Además ha participado en las ferias Drawing Now Paris 10 en Francia y CHACO en Santiago, Chile.

Dirección: Juan de Dios Vial 1359, Providencia (frente a Plaza las Lilas) Para visitas fuera de horario coordinar al +569 97892590 www.galerianac.cl / contacto@galerianac.cl

«Hacer ver que vemos»

HACER QUE VEMOS Valentina Osnovikoff

Del 14 de marzo al 20 de abril Fecha / inauguración: jueves 14 de marzo, 19:30 hrs

La luz es el principal objetivo de en las obras de Valentina Osnovikoff, por eso su trabajo de experimentación fotográfica lo realiza siempre en el mismo lugar: su habitación, un espacio controlado donde puede registrar fundamentalmente los cambios o diferencias lumínicas. Así, por un lado, el lugar es constante; por otro, lo que varía en la fotografía es la sensación atmosférica. De esta forma el trabajo que presenta lo ha desarrollado en el período de un año, las diferencias fotografiadas corresponden a las estaciones del año, a las horas en que se fotografían.

Una de las ideas más importantes de su trabajo es entregarle al espectador una imagen fotográfica cuyo grado de abstracción permita a este captar las profundidades de la sensación visual que implica ver estas fotografías. Se trata de ofrecer una perspectiva a través de la cual poder “hacer ver que vemos”: su intención es producir estados perceptivos e imaginarios que nos remitan al hecho de mirar por una ventana y/o de ver a través de una imagen fotográfica. Sin embargo, también le interesa ofrecer el acceso a un mundo que, si bien no es real, al menos contenga elementos reconocibles de la realidad que le permitan al espectador conectarse con las cosas que, de ese mundo en el que vive, le interesa compartir o, quizá, comunicar figurativamente.

Por último, se podría decir que el énfasis que pone en su trabajo tiene que ver con elaborar una forma de conciencia estética sobre el hecho de que el medio fundamental, en el que se mueve la fotografía, es la luz. En este sentido, lo que intenta mostrar es que la luz no es un contenido de la fotografía meramente, pues la condición previa a toda fotografía es la luz. Por esto, le interesa pensar que, si la luz es el medio en el que se mueve la fotografía y que, por ello, sería su contenido esencial, entonces, también sería posible proponer que en su trabajo la luz es el medio y la fotografía, es decir, el hecho de fotografiar, el contenido.

Este proyecto fue desarrollado durante el taller de desarrollo de proyecto fotografico de Javiera Infante.

Direccion: Juan de Dios Vial 1359, Providencia (frente a Plaza las Lilas) Para visitas fuera de horario coordinar al +569 97892590 www.galerianac.cl

«Color Inestable»

14 de marzo – 16 de abril de 2019 / Lunes a Viernes : 10:00 – 14hrs. y 15:00 – 19hrs. Sábado : 10:30 – 14hrs.

Este jueves 14 de marzo se inaugurará la primera exhibición en Chile del arquitecto y fotógrafo Arturo Fermandois Santa Cruz. 

Esta serie es un estudio exhaustivo de la cualidad netamente expresiva del color y sus relaciones plásticas a través de composiciones rítmicas deformadas orgánicamente.

A partir del orden periódico de franjas de color saturadas sobre una superficie plana y la posterior deformación de la totalidad de la obra, exploro las posibilidades cromáticas y tensión que se produce al contrastarse al mismo tiempo la intensidad y periodicidad del color y la fluidez inestable de la forma.

Lunes a Viernes : 10:00 – 14hrs. y 15:00 – 19hrs.
Sábado : 10:30 – 14hrs.

«No-estructuras»

14 de marzo – 16 de abril de 2019 / Lunes a Viernes : 10:00 – 14hrs. y 15:00 – 19hrs. Sábado : 10:30 – 14hrs.

La serie fotográfica ‘no-estructuras’ representa a la ciudad como un espectáculo en constante conflicto y negociación. Capturando momentos clave de la vida de distintos edificios, las imágenes revelan una condición de tránsito, atrapadas entre los límites de la arquitectura y la ruina, planificación y azar, proceso y producto. Esta combinación de exclusiones es la que da nombre a la serie. Utilizando similares parámetros de luz, composición y escala, estas no-estructuras quedan congeladas en un tiempo y contexto específico, transformándose en dispositivos disfuncionales que cuestionan de manera colectiva los procesos de cambio y temporalidad de la ciudad.

Desde la demolición de edificios icónicos como Robin Hood Gardens hasta diversas mutaciones de edificios anónimos en Londres, las fotografías rescatan la inesperada y escultórica morfología de estas no-estructuras, junto con documentar el constante roce que generan con su contexto. ¿Pueden estas no-estructuras ser consideradas piezas involuntarias de arte? ¿Pueden servir como intervenciones para interrogar el imaginario colectivo a través del cual hacemos evolucionar nuestras ciudades?

Francisco Ibáñez Hantke