«Los Inconformistas»

13 de octubre al 10 de diciembre de 2017
Sala de Exposiciones – Centro Cultural
Apoquindo 6570, Las Condes.
Martes a domingo 10:30 a 19:00 horas

La serie LOS INCONFORMISTAS, uno de los primeros y más emblemáticos trabajos realizados por el renombrado fotógrafo británico Martin Parr (1952), llega a Chile gestionada por la Municipalidad de Las Condes y su Corporación Cultural, con la curaduría de la agencia española La Fábrica y el patrocinio de British Council.

Cercano a la fotografía de documentación social pero con humor negro e ironía, el autor, recién galardonado por Sony World Photography Awards, ha retratado las prácticas sociales cotidianas que, a través de su lente, parecen insólitas y a veces excéntricas.

Integrada por más de 70 fotografías tomadas entre 1975 y 1980, en los pueblos textiles de West Yorkhire, la exposición se presenta en el Centro Cultural. Viene especialmente a Chile para participar en el montaje la gestora cultural Ana Belén García Mula, coordinadora de exposiciones de La Fábrica.

En el marco de la exposición y gracias a British Council, el jueves 9 de noviembre, a las 19:30 horas, el fotógrafo Luis Poirot ofrecerá la charla “Revisión de la fotografía británica de las últimas décadas”, donde abordará la obra de Martin Parr.

Con esta muestra del fotógrafo de la Agencia Magnum, la Corporación Cultural de Las Condes sigue en la línea de traer al país lo mejor de la fotografía mundial. Ya se han presentado exposiciones de Vivian Maier, Martín Chambi y Sebastião Salgado, todas con gran acogida del público y la crítica.

“Si Vivian Maier nos emocionó con su historia de vida y la profunda melancolía de sus imágenes y Sebastião Salgado nos impactó al descubrirnos el drama social de algunos pueblos latinoamericanos, Martin Parr nos hará cuestionarnos y reírnos de nosotros mismos a través de la sutil ironía que empapa su serie más emblemática”, señala Francisco Javier Court, director de la Corporación Cultural de Las Condes.

Y agrega: “La serie que presentamos lo lanzó a la fama y le dio un lugar en la pléyade de los grandes fotógrafos. Esa mirada sarcástica se mantiene hasta hoy, sólo que la sobriedad del blanco y negro inicial fue cambiada por la saturación absoluta del color, lo que sitúa al autor entre los referentes de la fotografía contemporánea”.

LA SERIE QUE CATAPULTÓ SU CARRERA

Martin Parr nació en Epsom, Inglaterra, en 1952 y desde pequeño se sintió atraído por la fotografía. Estudió en la Escuela Politécnica de Manchester entre 1970 y 1973 y al poco tiempo se trasladó a Hebden Bridge, una pequeña localidad del condado inglés de Yorkshire con el objetivo de documentar su forma de vida característica y tradicional, que en aquellos años comenzaba a decaer en favor de la emigración a los núcleos urbanos.

Susie Mitchell, que se convertiría después en su mujer, comenzó a escribir sobre los lugareños, las comunidades rurales y una iglesia metodista que el artista fotografió en repetidas ocasiones durante cinco años. Entre los dos desarrollaron un documento visual y escrito excepcional.

El título de la muestra, LOS INCONFORMISTAS, alude a las iglesias metodistas y baptistas predominantes en esta zona de Yorkshire, llamadas “inconformistas”, porque viajaban por toda Gran Bretaña buscando a los pobres en el campo, pueblos y ciudades, y se habían históricamente distanciado de la ceremonia, la liturgia y la arquitectura de la Iglesia. Su culto se celebraba en cualquier parte y Parr les seguía la pista.

Esta primera serie fotográfica tiene una clara influencia del trabajo de Tony Ray Jones (1941-1972), muerto tempranamente a causa de una leucemia, quien en su breve carrera hizo una radiografía del estilo de vida británico.

Aunque el objetivo fue documentar la forma de vida y cotidianeidad del pueblo y sus habitantes, en esta serie ya se intuye un sentido de lo cómico y la crítica social que dominará sus fotografías posteriores sobre el ocio, el turismo y la sociedad de consumo. En definitiva, el humor es para él, amante de los clichés y de lo que se esconde detrás, su camino para salvarse del ridículo y la decadencia en la vida diaria.

Para Elsa Fernández Santos, del diario español El País, la serie revela cómo se forjó la mirada de un superdotado de la observación. Los detalles son infinitos. “Cuadros costumbristas plagados de gestos tan cotidianos como excepcionales. Ya se percibe la mirada irónica, su inclinación al esperpento y a la sátira. Pero en este primer viaje la frescura lo invade todo”.

Y continúa: “En la cola del cine Odeon, en Halifax, donde estrenan Tiburón; ante los subastadores de Greenwood en Hebden Bridge; en el espectáculo de ratones de Sowerby Bridge; la peluquería itinerante de Heptonstall o las fiestas de Old Town. Hay viejos, niños, mujeres, hombres, obreros, mineros, dependientes, costureras… Pobres campos de cricket y de fútbol, gabardinas, sombreros y vestidos de flores, el banquete inaugural del alcalde de Todmorden y la impresionante serie dedicada a la capilla de Crimsworth Dean. Bodas, bautizos y fiestas perdidas y ahora reencontradas en la memoria en el blanco y negro de Martin y Susie Parr”.

UNA MIRADA CRÍTICA

Hoy Martin Parr es uno de los fotógrafos más populares e influyentes dentro de lo que se ha denominado “nuevo documentalismo”. Su visión ácida y mordaz de la sociedad británica, que luego se extendió más allá de sus fronteras, nos coloca ante las pequeñas y cotidianas miserias de los comportamientos humanos cotidianos.

En los 80 escandalizó con su serie The Last Resort, que reflejaba la decadencia social en pleno mandato de Margaret Thatcher, y desde entonces su mirada irónica al mundo más banal se transformó en su sello, con muestras como Playas de Sudamérica y Luxury, exhibidas en Chile en 2009 y 2012.

Su obra forma parte de importantes colecciones de Alemania, Australia, Dinamarca, Estados Unidos, España, Finlandia, Francia, Irlanda, Japón, y Reino Unido, entre otros. En 2006 recibió el premio Erich Salomon, otorgado por la Sociedad Alemana de Fotografía; en 2008, PHotoEspaña, por su trayectoria internacional en el ámbito de la fotografía, y el presente año, el galardón Contribution to Photography, de Sony World Photography Awards.

«En nuestra pequeña región de por acá»

Martes 10 de octubre al domingo 24 de diciembre de 2017 / Martes y miércoles de 10 a 18 hrs; Jueves y viernes de 10 a 21 hrs; Sábado de 12 a 21 hrs; Domingo, de 12 a 20 hrs / Galería de Artes Visuales Centro Cultural Matucana 100.

Artista: Voluspa Jarpa
Curatoría: Agustín Pérez Rubio

En nuestra pequeña región de por acá, es la muestra de una de las artistas nacionales más destacadas de la generación de los 90, Voluspa Jarpa. La exposición, curada por Agustín Pérez Rubio, director artístico del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), es el fin de un proceso de 15 años de investigación en archivos desclasificados de la CIA y otras agencias para entender procesos políticos del continente.

Estrenada en julio del 2016 en el MALBA, es la primera muestra individual de una artista nacional en dicha institución, e incluye documentos históricos, pinturas, objetos, instalaciones, videos y registros sonoros. La obra, realizada entre el 2014 y el 2016, da cuenta de dos ejes de investigación: por un lado, el estudio de archivos desclasificados de los Servicios de Inteligencia de EE.UU. durante 1948-1994. Por otro, la exhibición rememora a 47 líderes latinoamericanos del período de la Guerra Fría, que fueron víctimas de asesinatos o de crímenes no del todo clarificados.

En la exposición, se contrapone la austeridad propia del arte minimalista norteamericano, con la violencia política ocurrida en la región, comenzando la segunda parte del siglo XX. La obra, que según la propia artista, es la culminación de una trabajo investigativo de 15 años, incluye citas a trabajos de Donald Judd (artista norteamericano ícono del minimalismo), intervenidas por reproducciones de los documentos de inteligencia.

Colaboran:

MALBA, EFG, Antenna, Embajada de España en Chile y Embajada de la República Argentina en Chile.

«Flores del Mal»

Quand le ciel bas et lourd pèse comme un couvercle
Sur l’esprit gémissant en proie aux longs ennuis,
Et que de l’horizon embrassant tout le cercle
II nous verse un jour noir plus triste que les nuits;

Quand la terre est changée en un cachot humide,
Où l’Espérance, comme une chauve-souris,
S’en va battant les murs de son aile timide
Et se cognant la tête à des plafonds pourris;

Quand la pluie étalant ses immenses traînées
D’une vaste prison imite les barreaux,
Et qu’un peuple muet d’infâmes araignées
Vient tendre ses filets au fond de nos cerveaux,

Des cloches tout à coup sautent avec furie
Et lancent vers le ciel un affreux hurlement,
Ainsi que des esprits errants et sans patrie
Qui se mettent à geindre opiniâtrement.

– Et de longs corbillards, sans tambours ni musique,
Défilent lentement dans mon âme; l’Espoir,
Vaincu, pleure, et l’Angoisse atroce, despotique,
Sur mon crâne incliné plante son drapeau noir.

«Spleen», Charles Baudelaire

Galería Madhaus presenta la exposición “Flores del Mal” del destacado artista Rodrigo Cabezas, a realizarse entre el 7 de octubre y el 4 de noviembre 2017.    

En la presente muestra, Rodrigo Cabezas profundiza en el estudio del género de la naturaleza muerta, en específico el de la pintura de motivos florales.

En esta ocasión las flores seleccionadas también representan la sustancia que de ellas se extrae y que dan origen a las drogas de más alto consumo a nivel global como la amapola, coca y cannabis, derivando de ellas la heroína, cocaína y marihuana respectivamente, siendo estas especies vegetales el asunto de las obras.

Una vez más “aflora” la particular ironía que tensiona los trabajos de Cabezas. Las composiciones parodian la pintura de motivos florales de las más diversas escuelas. Los objetos y floreros incluidos se relacionan al lugar de origen de cada especie o a condiciones de su distribución geográfica. En estas pinturas, de aspecto inocente y bello, se esconden alusiones a diversos tipos de drogas, narcóticas, estimulantes y alucinógenos.

También se reitera el tema de la salud metal, concepto desarrollado por el artista en obras anteriores como la serie Test de Rorscharch, sólo que en esta ocasión está relacionado a la problemática de las drogas. En cuanto a conflicto global, las obras adquieren sentido al hacer referencia a la “Guerra a las Drogas” hoy en curso.   

De esta forma, “Flores del Mal” explora géneros dejados de lado por el arte contemporáneo para desplegar y contener en ellos significados que trasciendan lo representado.

Inauguración Sábado 7 de octubre a las 12:30 hrs.

Muestra abierta hasta el 4 de noviembre 2017.

De miércoles a sábado de 12:00 a 19:30 hrs.

Vasco de Gama 4639, Las Condes.

Entrada liberada.

Inauguración Nueva Sede – Aninat Isabel Galería: Proyecto de Raúl Zurita «Verás un Dios de hambre»

Exposición abierta al público hasta diciembre / Lunes a Viernes, 11:00 a 20:00 hrs. Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Son 22 frases proyectadas con luz sobre los acantilados de la costa norte de Chile entre Pisagua e Iquique. Solo podrán ser leídas desde el mar.

Las 22 frases son imágenes de lo que verá un ser humano en su paso por la tierra. La primera frase es Veras un mar de piedras, después sigue Verás margaritas en el mar, Verás un Dios de hambre, Verás el hambre, y continúan. La última frase es Y llorarás.

Las frases se irán haciendo visibles en la medida que avanza el atardecer sucediéndose una tras otra y alcanzarán su máxima visibilidad en plena noche cuando el mar, el cielo y los acantilados sean una sola masa negra. En ese momento estarán proyectándose los últimos verás: Verás que se va… Verás no ver… Y llorarás… que permanecerá y comenzará a desaparecer en la medida que va amaneciendo hasta extinguirse completamente bajo la luz del nuevo día o en la neblina que casi todas las mañanas cubre la costa norte.

A diferencia de los poemas trazados en el cielo y en el desierto que son obras diurnas, esta es una obra del crepúsculo y de la noche. Si he trabajado, hasta lo posible, con mi vida también debo trabajar con la imagen de mi muerte.

Cuando todo termine solo quedará el sonido del mar.

Raúl Zurita

«Volver a la luz»

TÓTILA ALBERT EN SALA GASCO: «VOLVER A LA LUZ»

  • Reflexivo y espiritual, desde los inicios de su formación como escultor, Tótila Albert rompería con los cánones de la academia de su tiempo.
  • Por décadas un valioso conjunto de obras del artista, en su mayoría en yeso,  permaneció en manos de su hija Luz. Las esculturas que se presentan hoy en Sala Gasco son versiones fundidas en bronce de estos originales y pertenecen a un coleccionista privado.
  • Obras como Las Mujeres de la Montaña, La Tierra y La Florentina se expondrán desde el 4 de octubre al 1 de diciembre, en Santo Domingo 1061.

Cerca de 35 piezas en bronce se exhibirán a partir del 4 de octubre en Sala Gasco. La muestra, que tiene como curadora a Marisol Richter, nos permitirá recorrer la vida artística de Tótila Albert, talentoso escultor, poeta y músico.

Amigo de la poetisa chilena Gabriela Mistral y cercano a Pablo Neruda y a Salvador Reyes, Albert vivió largos años de su vida en Berlín, en un período en que el movimiento expresionista alemán estaba en pleno desarrollo.

Influido por el psicoanalista Sigmund Freud y por el médico y psiquiatra Carl Gustav Jung, Tótila exploró el mundo de los símbolos del inconsciente, y dejó que el cuerpo humano fuese su centro de inspiración. El marcado erotismo y modernidad de su obra provocó más de alguna polémica; la más conocida es la que acompañó la inauguración del Monumento a Rodó (1944). En esos momentos Albert fue uno de los primeros artistas chilenos en optar por el desnudo en una escultura pública, que se ubica hasta hoy en el Parque Balmaceda de Providencia.

Tesoro  patrimonial y artístico

La exposición que se inaugura próximamente en la Sala Gasco es producto de la feliz coincidencia entre una investigación universitaria, la voluntad de un coleccionista y el apoyo de Fundación Gasco. A fines de 2015 cuatro profesionales egresados del Máster en Historia y Gestión del Patrimonio Cultural de la Universidad de los Andes, interesados en rescatar y “sacar a la luz” la obra de Tótila Albert, contactan a su única hija, Luz. En su casa de isla Negra encuentran un verdadero tesoro, compuesto por esculturas, manuscritos, libros de poesía autoeditados y álbumes familiares con más de 400 fotografías, recortes de prensa y cartas del artista, dirigidas entre otras personas a Gabriela Mistral. Frente a este descubrimiento eligen como proyecto de título realizar una investigación en torno a la vida y obra del artista. “La obra escultórica y poética de mi padre necesita urgentemente ser dada a conocer por nuevas generaciones…”, expresa Luz Albert a los investigadores.

Poco después el abogado y coleccionista de arte Luis Alberto Gatica conoce a Luz Albert y, cautivado con las obras de Tótila, le propone aportar el financiamiento para que los yesos sean fundidos en bronce. Encantada con la idea, su hija Luz accede a la propuesta, ya que “siempre había querido que las esculturas de mi padre quedaran en manos de un solo dueño”, señala.

Una vez cerrado este acuerdo la Fundación Gasco se suma al proyecto ofreciendo el espacio para exhibir estas obras hasta ahora inexistentes del gran escultor. Hasta el 1 de diciembre la Sala Gasco Arte Contemporáneo albergará las piezas facilitadas por Luis Alberto Gatica, además de otras pertenecientes al coleccionista Roberto Grimberg. Las obras irán acompañadas por dos audiovisuales realizados por la artista Mariana Silva, que recogen el proceso de fundición de los bronces en el taller de Luis Montes, y las distintas etapas de la vida de Tótila Albert, respectivamente.

Vida y obra

Chileno de nacimiento, pero de ascendencia alemana, Tótila Albert Schneider nace en Santiago  el 30 de noviembre  de 1892.  A temprana edad su madre lo envía a Berlín para iniciar su carrera  de artista.  Dentro de su primer viaje a Alemania -entre  1916 y 1923- destaca una corta estadía en el taller del escultor Franz Metzner, logrando una rápida consagración en el medio artístico berlinés. Su obra plástica más importante durante ese período fue Las Mujeres de la Montaña, elaborada en 1918 en plena “Gran Guerra”, como fue conocida la Primera Guerra Mundial.

Esta obra, incluida en la muestra de Sala Gasco, consiste en cuatro figuras sentadas que representan el dolor, el pensamiento, la lucha y la acción creadora, coronadas por una quinta figura de pie que alude a la perfección. Cada figura es un templo dedicado al cultivo de un arte: el primero a la música, el segundo a la lectura de los libros sagrados y a la de la literatura mundial, el tercero a la discusión libre, la cuarta a las representaciones dramáticas en el estilo clásico primitivo y finalmente el templo de la perfección a la danza religiosa. Sin embargo, tras el término de la guerra esta obra no pudo ser construida como se proyectó inicialmente por el artista, quedando de ella sólo su maquette y versiones en pequeño formato, en yeso y bronce, que son posteriormente expuestas en Chile.

En 1923 Tótila regresa a Santiago y realiza su primera exposición, la que es objeto de una bullada crítica por el marcado  erotismo de sus obras.

Durante el Gobierno  de Carlos Ibáñez del Campo y tras el cierre de la Academia de Bellas Artes (1929), Albert es becado para estudiar escultura ornamental en Europa junto a otros treinta artistas nacionales, conocidos como la “Generación del 28”. Los apremios económicos de esa década y su frustrado intento por proyectar su obra en Chile hacen de Tótila un hombre silencioso, retraído y de bajo perfil. En Berlín conoce a quien será su esposa, Ruth Ehrmann, pero el avance del nazismo impide que el artista se radique en Europa, viéndose obligado a regresar a Chile al estallar la II Guerra Mundial (1939).

En Santiago Tótila es catalogado como un excéntrico, debido principalmente a su nueva concepción estética en el ámbito de la escultura nacional y su desapego por la idea de belleza, que imperaba sobre la figura humana impuesta por la academia.

“Nunca he podido estar en una academia. No sé si hago bien o mal las cosas, pero hago lo que siento. Toda mi vida he sido enemigo del aprendizaje de las academias. El artista necesita libertad…  y allí sólo saben a uno cortarle a las alas”, señala  a la prensa chilena de su época.

Durante los años 50 se desempeña como profesor en la Universidad de Chile y de ahí se autodestierra del mundo artístico nacional. Crea además su obra cúlmine, La Tierra, que también será expuesta en Sala Gasco. Tótila enseñará escultura hasta su muerte, en 1967, en su propio taller de calle Huérfanos.

“Desconocido para muchos quizás por su carácter complejo, que lo llevó a no relacionarse con los artistas de la época ni con la colonia alemana, o por la recepción por parte del público y la crítica, un tanto desconcertada por el planteamiento estético que su obra exhibía, Tótila silenciosamente decide, sin embargo, seguir adelante con su trabajo escultórico de gran carga simbólica”, señala Marisol Richter, historiadora del arte,  académica e investigadora de la Universidad de los Andes, quien tuvo a su cargo la curatoría de esta exposición.

“Fui escultor, poeta y músico de mí mismo para la gloria de Dios”,

Tótila Albert.

VOLVER A LA LUZ: TÓTILA ALBERT

Sala Gasco Arte Contemporáneo

Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas), Santiago

4 de octubre al  1 de diciembre 2017

Lunes a Viernes de 9:00 a 17:00 horas.

www.salagasco.cl

ENTRADA LIBERADA

RECORRIDOS DIDÁCTICOS: inscripcionessalagasco@gestocultura.cl

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS son totalmente gratuitos y guiados por un equipo de mediadores artísticos especialmente capacitados con amplia experiencia en atención de grupos, quienes, más que comunicar contenidos de manera tradicional o académico – enciclopédica, buscan formar espectadores críticos.

Los recorridos son creados para cada una de las exposiciones y los diversos públicos que recibe la Sala Gasco, incluyendo estudiantes desde 3° Básico a IV° Medio, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales y público general.

El objetivo principal de este programa, que utiliza una metodología lúdica y participativa, es potenciar la curiosidad y habilidades sociales de los estudiantes, así como la capacidad de expresar ideas y creencias y poder reflexionar sobre éstas. 

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS requieren de inscripción previa (inscripcionessalagasco@gesto-cultura.cl) y se realizan para grupos de entre 10 y 40 personas.

–LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO FORMAN PARTE DE UN PROYECTO ACOGIDO A LA  LEY DE DONACIONES CULTURALES

«Matta Universo»

Fechas: 4 octubre – 3 diciembre de 2017, Martes a domingo, 9:00 a 19:00 horas.

Lugar: Centro Cultural El Tranque (El Tranque 10300, Lo Barnechea)

Pinturas y dibujos que datan desde 1942 a 1992 forman parte de la muestra “Matta Universo”, una selección de 25 obras que da cuenta de las exploraciones artísticas del reconocido artista nacional.

La multifacética obra de Roberto Matta Echaurren (1911-2002) llega al Centro Cultural El Tranque, bajo la curatoría de Inés Ortega-Márquez. La exhibición “Matta Universo” presenta pinturas y dibujos del trascendente artista nacional, realizadas en Estados Unidos, Francia e Italia, entre los años 1942 y 1992. La muestra estará abierta al público entre el 4 de octubre y el 3 de diciembre.

En un recorrido que reúne 25 piezas de su autoría, la exhibición indaga en la condición de Matta como un artista “mundial”, cuyas exploraciones artísticas dan cuenta de una época de convulsiones, cambios y evoluciones. Así, la curatoría presenta una selección de obras que presentan la evolución de su trabajo artístico a lo largo de cinco décadas, identificando dos grandes períodos productivos: Germinación, con obras realizadas en Nueva York hasta 1948, y Maduración, con piezas realizadas durante la segunda mitad del siglo, en Francia e Italia.

“Como un buen perfume, solo se necesita una gota para sentir toda su fuerza desplegada”, explica la curadora Inés Ortega-Márquez. “Esta exposición de Matta, en el Centro Cultural del Tranque, es como una gota concentrada de toda la potencia de Matta. Es una muestra muy exclusiva, donde en una selección acotada se ven los grandes trazos de uno de los artistas mas importante del siglo XX”.

La curatoría desarrolla la idea de que Roberto Matta fue un representante distinguido, testigo y actor de los grandes momentos de las artes y los aconteceres del siglo. Así, el primer grupo de obras da cuenta de la cercana relación que tuvo con el surrealismo y la abstracción, dando pie a la exploración de su mundo interior y la elaboración del concepto Morfologías Psicológicas. Si bien la etapa de Germinación inicia en 1937 en París, en la exhibición se presentan solamente obras de Nueva York, producidas entre 1942 y 1948. La pintura “El día es un atentado” (1942) y los dibujos como “The I and Youniverse” (1947) y “Edazo” (1949), entre otros, dan cuenta de su indagación en el mundo onírico, a partir del cual surgieron nuevas estructuras icónicas, desconocidas e inexistentes.

La Segunda Guerra Mundial marcó un punto de inflexión en la obra de Matta. Impactado por los horrores descubiertos en los campos de concentración, entre 1945 y 1947 decide utilizar su pintura para denunciar y crear conciencia. Con ello, da un viraje esencial hacia la figuración, alejándose de la abstracción al introducir la figura humana en su pintura.

En 1949, el artista inicia el período que la curatoría denomina Maduración, en donde produce obras de mayor compromiso político y humanista. En las décadas del 50 y 60 desarrolla una sensibilidad e interés creativo por América, que se representa en la obra por una de sus piezas fundamentales: “Nacimiento de América” (1952). Asimismo, en esos años demuestra su desilusión por las consecuencias violentas del desarrollo de la ciencia y tecnología, en piezas que muestran ciudades utópicas y poderes maquinales, como “Gibet” (1955), “Le photographe” (1958) y “Etre cible nous monde” (1959). Obras como “Sin título” (1957) y “Exil du ciel” (1961) ponen en relieve los conflictos, ansiedades y tensiones del hombre contemporáneo, en escenarios plagados de elementos hostiles y estructuras cerradas, de las que el ser pugna por liberarse.

La exhibición también incluye obras más tardías, realizadas en Italia, como “Arpinacolo” (1980) y “Eros enfant” (1985), que conectan con el mito y el Mediterráneo, en un universo en permanente transformación.

Inés Ortega-Márquez ha sido curadora de dos importantes exhibiciones retrospectivas de Roberto Matta. En 2011, la muestra “Matta, Centenario 11.11.11” (Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago) y, en 2016, “Matta, este lado del mundo” (Embajada de Chile en Buenos Aires, Argentina).Parte de las obras que se presentarán en el Centro Cultural El Tranque formaron parte de esta última exhibición de Argentina.

Cabe destacar que las obras que se expondrán provienen de colecciones privadas y públicas, y particularmente las pinturas más emblemáticas son préstamos de instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Artes Visuales.

“Es un honor para nosotros recibir y exponer la obra de un artista como Roberto Matta. Es inédito para nuestro país presentar una muestra de este nivel en un espacio municipal, que pertenece a un organismo público”, señala el alcalde de Lo Barnechea, Felipe Guevara. Y agrega: “Esto habla de lo que queremos lograr como comuna: posicionarnos como un referente a nivel cultural. Por otro lado, es importante recalcar la calidad de las instalaciones de la sala de exposiciones del Centro Cultural El Tranque, las que han sido cuidadosamente trabajadas, para que podamos exhibir este tipo de obras que requieren especial tratamiento en cuanto a su conservación”.

 

La exhibición se extenderá hasta el 3 de diciembre en el Centro Cultural El Tranque. Entre sus actividades de extensión, se cuentan la programación del documental “Matta, el ojo de un surrealista”, realizada por la viuda de su hijo Gordon, Joanne Crawford, y la apertura en horarios especiales para Museos de Medianoche, el 13 de octubre.

 

ACTIVIDADES DE EXTENSIÓN:

MUSEOS DE MEDIANOCHE

Viernes 13 octubre / 18:00 a 00:00 horas

 

VISITA GUIADA FAMILIAR ACOMPAÑADA POR LA CURADORA

Sábado 28 octubre / 12:00 horas

 

VISITA GUIADA CUMPLEAÑOS MATTA

Sábado 11 noviembre / 12:00 horas

 

CONFERENCIA MATTA

Jueves 16 noviembre / 12:00 horas

 

DOCUMENTAL MATTA EL OJO DE UN SURREALISTA

Miércoles 29 noviembre / 12:00 horas

«Superficies vacantes»

Miércoles 13 de Septiembre al viernes 13 de Octubre de 2017 / Lunes a sábado, 11:00 a 19:00 horas / Espacio Nueva Providencia. Av. Nueva Providencia 1995. Metro Pedro de Valdivia.

Fotografías de Sergio Castro San Martín

“Superficies vacantes” es una expresión utilizada por el director Wim Wenders para referirse a los espacios vacíos de la ciudad; las “tierras de nadie” que representan las heridas de la ciudad y transmiten su historia.

El cineasta chileno Sergio Castro incursiona por primera vez en una muestra individual de fotografía llamada “Superficies Vacantes” en la Fundación Cultural de Providencia que se extenderá hasta el 13 de octubre.

Esta exposición reúne una selección de imágenes tomadas en varios lugares del mundo de paisajes esencialmente urbanos. Este trabajo fotográfico surge a partir de sus reflexiones como cineasta en torno a las supuestas diferencias que separan el género documental de la ficción.

La curatoría estará a cargo de la ensayista y teórica del arte, Nathalie Goffard quién articula la muestra en torno a la sensación de soledad y al concepto de habitar el espacio.

Castro dirigió el documental “Electrodomésticos, El Frío Misterio” -elegido como mejor película del Festival In-Edit Nescafé 2010- y la película, “La Mujer de Barro”, estrenada mundialmente en el 65º Festival de Berlín.

«Horizontes»

Sábado 9 al Viernes 29 de Septiembre de 2017. Sala de Fotografía Biblioteca de Santiago. Matucana 151. Metro Quinta Normal.
Martes a viernes, 11:00 a 20:30 horas / Sábado y domingo, 11:00 a 17:00 horas.

Exposición fotográfica de Daniela Salinas que recopila miradas, escenarios y personajes en diferentes viajes. Simulando dinámicas que realizaban los viajeros en el siglo XIX, evocando un enfoque artístico del Romanticismo alemán.

«Closed for Business»

Sábado 9 de septiembre al domingo 29 de octubre de 2017 / Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio. Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida. Horario: lunes a domingo 10:30 a 20:45 horas.

Segunda exposición del artista estadounidense Jay Batlle en el proyecto Museo sin Muros.

El artista estadounidense Jay Batlle (Nueva York, 1976), presenta del 9 de septiembre al 29 de octubre Closed for business, su segunda exposición en la Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio.

En esta muestra Batlle expone una línea de trabajo que ha desarrollado desde el año 2008: los hábitos del gourmet como fuente de inspiración y comentario social.

Entre los años 2008  y 2016 el artista frecuenta restaurantes, principalmente en los Estados Unidos, Francia y el Reino Unido. Esta experiencia la plasma en una serie de pinturas y dibujos realizados en menús y artículos de papelería recolectados en los establecimientos. Así, articula un cuerpo de obras titulado Restaurant Stationery que constituyen su serie más significativa hasta la fecha. En esta serie documenta los hábitos alimentarios peripatéticos del artista, el surgimiento de la comida como símbolo del consumo nómada y turístico en la última década.

Batlle, examina a través de medios como la pintura, el dibujo, la escultura y la performance, el abismo que la buena vida, el éxito, la fortuna y el placer tienen con la realidad.

La exhibición Closed For Business, comprende también la publicación de un catálogo monográfico editado por el Museo Nacional de Bellas Artes, que dará cuenta de los últimos 4 años de producción.

La obra de Jay Battle se ha exhibido en muestras individuales y colectivas en Asia, Estados Unidos y Europa. Luego de inaugurar en la Sala MNBA, se presentará, desde el 21 de septiembre, en el The Starving Artists’ Cookbook for the NY Art Book Fair, que se realizará en MOMA-PS1. Así mismo, participará en una exposición titulada Small Works en C A B I N, Dubái.

«Contracorriente 2016 – 2017, Luis Poirot»

1 de septiembre 2017 a enero 2018
Lunes a domingo | 9:00 a 19:30 horas
Galería Fotografía Chilena | Nivel -3 Centro Cultural La Moneda.

Centro Cultural La Moneda y el área de fotografía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) presentan la exposición Contracorriente 2016 – 2017, del destacado fotógrafo chileno Luis Poirot, Premio a la Trayectoria en Fotografía Antonio Quintana 2016.

En la exposición “Contracorriente 2016 – 2017, Luis Poirot” retrata el reencuentro con lugares y personas significativas a lo largo de su vida, su familia, sus amigos y también el diálogo con las nuevas generaciones. Un viaje, según el propio artista “para huir de la nostalgia y buscar la lucidez”, motivado luego de haber obtenido la primera versión del Premio a la Trayectoria Fotográfica Antonio Quintana, el año 2016, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes para reconocer el aporte significativo a la práctica, reflexión y difusión de grandes artistas en esta disciplina.

La muestra reúne 62 fotografías presentadas en copias de platino y paladio, proceso artesanal que dejó de usarse en los años treinta por costo y dificultad, y que este reconocido fotógrafo quiso rescatar especialmente para dar vida a esta exposición.

Luis Poirot también ha recibido premios tales como: Nikon International Contest (1968 y 1970), Foto- Press España (1984 y 1985), PremioAnsel Adams, reconocimiento del Instituto Chileno Norteamericano de Cultura (1994) y la Medalla de Honor Presidencial Centenario Pablo Neruda (2004), entre otros.

Galería Fotografía Chilena es un espacio de colaboración entre el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y el Centro Cultural La Moneda, que fomenta el trabajo de fotógrafos nacionales, uniendo el oficio de los curadores y autores chilenos.