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«Aplomo»

Proyecto Visual dirigido por Sergio Parra vuelve a Galería D21 con la exposición Aplomo del artista Tomás Fernández

A partir del viernes 28 de junio hasta el jueves primero de agosto se podrá visitar en D21 Proyectos de Arte la exposición Aplomo del artista chileno Tomás Fernández.

La muestra Aplomo de Tomás Fernández, se compone de una serie de pinturas de mediano formato, que oscilan entre la figuración y la abstracción. En la superficie de las obras, la materialidad se observa densamente cargada. Fernández degrada la condición del óleo como material noble, mezclándolo con tierra, paja, ramas, mugre, silicona industrial, papeles y desechos. Esto le permite trazar un vínculo con la tradición manchística y matérica de otros connotados artistas chilenos como José Balmes, Carlos Leppe y Juan Pablo Langlois.

Las pinturas representan diversos motivos como fragmentos de cuerpos, bultos amarrados o parejas abyectas, los cuales son extraídos de revistas, capturas de video y recuerdos personales. Estas figuras se asoman en la tela, entre borrones, costras empastadas, superficies arrasadas a punta de espátula, chorreos de trementina y veladuras enturbiadas. La aparición de estos elementos, reconfigura la materia en una atmósfera abstracta que va del ocre al gris, convirtiéndose en retazos de paisaje, en sitios eriazos, peladeros plomizos, plazas polvorientas, muros desgastados y aceras pisoteadas.

Esta exposición forma parte del proyecto Visual dirigido por Sergio Parra que busca promover una escena de arte joven que a través de un lenguaje crítico desarrollen obras de gran complejidad visual y política.

Sobre el artista

Tomás Fernández (1985, Santiago) vive y trabaja en Santiago. Ha participado en numerosas muestras colectivas y realizado las exposiciones individuales Perder el norte (2008, Galería BECH), Error de continuidad (2008, Galería Animal), Mal obrar (2012, Metales Pesados), Citera (2012 Galería XS), Interiores (2013, Galería AFA), Cinturón de lastre (2016, Bloc), Citera (2017, Galería XS).

D21 Proyectos de Arte / Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia (Metro Los Leones) Santiago de Chile, CP 7510054 / Entrada liberada / lunes a viernes de 11 a 19 hrs. sábado de 11 a 15 hrs. / +56 2 23356301 / info@d21.cl / www.d21.cl / www.facebook.com/D21.ProyectosdeArte

«Presentes», de la Comunidad de Organizaciones Solidarias

Podrá visitarse desde el 27 de junio hasta el 26 de julio de 2019

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN “PRESENTES” DE LA COMUNIDAD DE ORGANIZACIONES SOLIDARIAS

La exposición a cargo de la artista visual Ana del Río, presenta una instalación en la que cohabitan distintos lenguajes; a través de la fotografía, la pintura, la luz, la palabra, la transparencia y el reflejo, la autora hace una radiografía social de Chile, mostrando el trabajo que realizan distintas instituciones de ayuda social que integran la “Comunidad de Organizaciones Solidarias”.

Desde este jueves 27 de junio, la Sala de Arte CCU exhibirá “Presentes”, una exposición a cargo de la artista plástica chilena Ana del Río, quien, a través de la fotografía, la pintura, la luz, la palabra, la transparencia y el reflejo, hace una radiografía social de Chile, un presente que preocupa, mostrando el trabajo que realizan distintas instituciones de ayuda social que integran la “Comunidad de Organizaciones Solidarias”, las cuales han decidido trabajar en alianza construyendo un camino en conjunto por un bien común

El montaje está compuesto por más de 400 fotografías que encarnan la labor de más de 200 organizaciones pertenecientes a la Comunidad Organizaciones Solidarias, que son las que sostienen la gestión de la problemática social de nuestro país.

La exposición “Presentes”, por medio de esta instalación artística, intenta visibilizar la desigualdad, la pobreza, la exclusión y la falta de oportunidades de Chile. Además, representa el concepto de colaboración y sinergia que produce el trabajo en equipo. Para ello, toma como símbolo la bandada y el árbol como lugar de encuentro.

Ana del Río es Artista plástica egresada de la Universidad Católica de Chile, cuenta con estudios en Memphis College Of Art, de Estados Unidos, y un Doctorado de Arte Efímero en la Universidad Politécnica de Barcelona, España.

ACERCA DE LA COMUNIDAD DE ORGANIZACIONES SOLIDARIAS

La Comunidad Organizaciones Solidarias es un espacio de encuentro, colaboración y articulación de organizaciones de la Sociedad Civil que trabajan al servicio de personas en situación de pobreza y/o exclusión social en Chile.

Reúne a más de 200 organizaciones que abordan distintas causas como infancia, adulto mayor, y casas de acogida, entre otras. Su accionar está enfocado en cinco áreas: Políticas Públicas; Sostenibilidad de las Organizaciones Sin Fines de Lucro mediante la instalación de capacidades en las organizaciones miembro; formación de las personas que trabajan en las organizaciones miembro, incluyendo la gestión de recursos y donaciones; Transparencia; Reflexión y Desarrollo.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

Desde el jueves 27 de junio al 26 de julio de 2019, de lunes a viernes, de 10 a 18:30 horas.
Sala Foco Social (Av. Vitacura 2670, piso -1), Las Condes.
Entrada liberada

«Eva»

EVA es una Instalación interactiva y cinematográfica de la cineasta Marcela Said (Los perros) y del arquitecto Cristián Valdés, que reflexiona en torno a la violencia de género y el femicidio. Su nombre hace referencia a la primera mujer bíblica condenada desde su concepción.

El público se encontrará con una escenografía doble donde podrá recorrer, una casa abstracta y con espacios alterados para descubrir la escena de un crimen en dos piezas. Un dormitorio donde pudo haber estado la víctima y otra pieza donde podría haber estado sentado el agresor masculino.

En el primer espacio, el espectador activa un sensor de movimiento que oscurece el lugar, permitiéndole ver un video con imágenes que cuentan una historia real de violencia que termina en femicidio. Al acercarse a la otra pieza, el sensor actúa de la misma manera y el espectador podrá conocer la historia desde el punto de vista del autor del crimen y que cuenta en primera persona su versión de los hechos.

Habrá cuatro historias diferentes extraídas de hechos reales que el espectador podrá ver. Además, se exhibirán obras de dos artistas visuales que también trabajaron el tema de violencia de género: «Si muriera antes de despertar» de Liú Marino, video que aborda la culpa y la trampa cultural de la inferioridad que permite el maltrato y abuso a la mujer. Y también «La historia del ojo» de María Gracia Donoso, obra que reconoce el sufrimiento asociado con el cuerpo femenino, confrontando la violación y el abuso al transformar los genitales femeninos en un arsenal voyerista.

Sobre el origen del proyecto, comenta Marcela Said: “Fue durante el rodaje de Los Perros en Chile que me enteré del caso de Nabila Riffo. Para mí hubo un antes y un después de esta brutal agresión; simplemente la barbarie había alcanzado su punto extremo, el horror absoluto. Luego del rodaje, estuve unos meses en Buenos Aires, y allí, los casos de femicidio eran pan de cada día. En este contexto y con el corazón apretado, pensé que había que reflexionar de alguna manera sobre la violencia machista”.

La muestra mezcla la investigación documental, la escritura de ficción, la arquitectura y el video experimental. Marcela pasó meses investigando femicidios en América Latina, hasta que eligió los casos que le parecieron más emblemáticos: “Me apropié de estas historias y decidí escribir los relatos en primera persona de la víctima y del agresor. Trabajé muchas veces con las propias palabras de las víctimas, extractos que encontré en sus páginas de Facebook, lo que contaban sus familiares y en los recortes de prensa”.

Con respecto al agresor, Said confiesa que fue más complejo armar los relatos: “Fue mucho más difícil, me apoderé del discurso machista, de la manera en que hablan del caso, comentarios públicos como por ejemplo ‘¿qué hacía ella a esa hora en la calle?’ ‘¿pero viste como andaba vestida?’, etc”.

Luego de escribir las narraciones, Said trabajó con las imágenes reales que circulan en internet, imágenes públicas de Google, prensa y filmaciones anónimas, para construir los videos donde los relatos se suceden confrontando al espectador al discurso del horror en primera persona: “Eva no es una obra voyerista, Eva es una instalación que quiere remover al espectador. Sin falso pudor, soy de las que cree que el arte puede ser una herramienta de reflexión y transformación social”, concluye la realizadora.

Autora: Marcela Said
Instalación: Cristián Valdés
Producción: Irene Abujatum
Imagen Corporativa: Liú Merino
Dirección de Arte y Montaje: Amercanda
Colaboran: Fondart/AFA y Comunidad Mujer.

Miércoles 26 de Junio al Domingo 18 de Agosto de 2019
Ma a Vi – 10 a 21 h
Sá y Do – 11 a 21 h

Edificio B, piso -1,
Sala de Artes Visuales

Gratis
Para mayores de 12

«Vencidos»

Muestra «VENCIDOS» por José Luis Martinat (Perú).

Este acontecimiento celebra la primera exposición de un artista extranjero parte del programa de residencias en Sagrada Mercancía.

«Digamos las cosas»

GALERÍA CIMA PRESENTA «DIGAMOS LAS COSAS» DE TITAE LINDL

Es la primera vez que se expone en una galería de arte el registro fotográfico inédito del bajista del grupo Los Tres, los días 21, 22 y 23 de junio de 2019. La selección de obras da cuenta de diversos episodios de la vida cotidiana y trayectoria musical de Titae en giras y eventos, situándonos frente a una nueva faceta y expresión de este conocido artista chileno, en el contexto y experiencia de Galería CIMA, en pleno centro de Santiago.

“Digamos las Cosas” es una muestra inédita de obras personales de Titae Lindl, curada por Trinidad Lopetegui y Sebastián Rojas (DJ Caso), directores de Galería CIMA, junto a Daniel Aguayo, director de specific.studio. Un proyecto que busca mostrar la particular forma de ver el mundo, desde la mirada íntima de un artista conocido por la música, pero que en su larga afición por la fotografía, logró crear y reunir un numeroso e interesante registro de imágenes, nunca antes exhibidas, experiencia que lo traslada desde la categoría de músico consagrado a la de artista emergente.

La selección de obras se planteó como un ejercicio de relectura de recuerdos en medio de una gran riqueza de material visual, donde el descubrimiento de escenas, personajes y espacios, se fueron articulando a momentos y contextos llenos de detalles significativos, posibles de leer desde diversas perspectivas. De esta forma, la muestra se configura narrando historias, donde la música deja de ser evidente y nos sugiere circunstancias llenas de un imaginario extenso, a veces bizarro o cargadas de humor, pero que sin duda provoca al público llamando a la reflexión y al goce.

“Esta exposición es una reivindicación de la cotidianidad de tomar fotos y de que hay arte en eso también, en esa manera de expresarse, donde surgen cosas muy interesantes” comenta Titae acerca de la muestra, “La serie que se presenta es como un paso por estos 30 años de vida consciente que tengo. Comencé a tomar fotos a los 20 años. Son recuerdos irrepetibles y son super importantes”.

Digitalización e impresión: EPSON

Agradecemos a nuestros queridos colaboradores:

VIERNES 21 DE JUNIO | ABIERTO A TODO PÚBLICO | HORARIO: 15.00 A 21.00 HRS.

SÁBADO 22 DE JUNIO | ABIERTO A TODO PÚBLICO | HORARIO: 15.00 A 21.00 HRS.

DOMINGO 23 DE JUNIO | ABIERTO A TODO PÚBLICO | HORARIO: 15.00 A 21.00 HRS.

*Acceso Universal para personas con movilidad reducida.

ENTRADA LIBERADA PREVIA INSCRIPCIÓN EN EL SIGUIENTE FORMULARIO: http://www.galeriacima.cl/programacion/digamos-las-cosas/

«Razón de morir mi vida»

“Razón de morir mi vida” es el nombre de la nueva obra política y artística de Francisco “Papas Fritas” Tapia. La instalación expone parte de lo que ha sido el proyecto “Amortanasia”, que por más de un año ha acompañado a enfermos terminales y de sufrimiento prolongados que, en el padecimiento doloroso e irreversible de sus enfermedades, han requerido junto a sus familias, ante el abandono del Estado, información, compañía y asesoría para concretar una muerte digna (eutanasia y/o suicidio asistido). La acción en sí misma marca una ruptura y subvierte el orden imperante actuando en el límite del marco legal vigente en momentos en que, paralelamente, se discute por primera vez en Chile un proyecto de eutanasia en el Congreso Nacional.

La obra nos plantea la lucha por la libertad y la autodeterminación del ser humano, pero no desde un punto de vista liberal, sino más bien, desde lo colectivo, la auto determinación como acción colectiva y subversiva donde el cuerpo, terreno en disputa, es el escenario de una batalla por la dignidad y la auto consciencia y la voluntad de decidir -dentro de una comunidad- el final propio, singular.

Información y un dispositivo para realizar eutanasia y/o suicidio asistido, son puestos a disposición del público en la instalación, de los cuales algunos ya han sido subidos a la página «amortanasia.com» que, durante más de un año fue recopilando información y perfeccionando manuales confeccionados por diversas organizaciones en todo el mundo, tanto de aquellas presentes en países en donde ya está legalizada la eutanasia y/o suicidio asistido, como de organizaciones que, clandestinamente, han asistido a enfermos terminales fuera del marco legal en sus respectivos países.

Además, por primera vez en el país, la obra hace público testimonios de personas chilenas que optaron por la eutanasia y/o el suicidio asistido, previo a la concreción de la acción. Los registros (audios y video) se plantean así mismos, como testimonios discursivos que interpelan directamente al Estado y sus autoridades para legislar y despenalizar cuanto antes la eutanasia y el suicidio asistido, y que permita la muerte digna y sin dolor a pacientes terminales.

Inauguración 20 de junio 20:00 horas.

La instalación “Razón de morir mi vida” estará de manera gratuita en el Centro Cultural GAM (Espacio B, Edificio B, Ingreso Plaza Central, Piso 1) desde el 21 de Junio al 25 de Julio de Martes a Viernes de 10 a 21 horas y Sábados y Domingos de 11 a 21 horas.

«Express yourself don’t repress yourself: Identidad Made in Japan»

CICLO MIGO PRESENTA MUESTRA FOTOGRÁFICA DOCUMENTAL SOBRE LA CONTRACULTURA URBANA JAPONESA

20 de junio al 4 de julio 2019, Espacio Migo, Galería Drugstore, Local 01. Abierto de lunes a viernes, de 11:00 a 20:00 horas; sábado de 11:00 a 15:30 horas. Entrada liberada, espacio de libre tránsito. Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, convocatoria 2019.

La fotógrafa chilena Loreto Ortega radicada en Tokio, exhibe “Express yourself don’t repress yourself: Identidad Made in Japan”, muestra fotográfica sobre el movimiento urbano Harajuku, a través del cual los jóvenes viven su libertad y expresan su identidad con llamativos looks.

Este trabajo, que tiene su inspiración en el animé japonés, da cuenta de un fenómeno global en el que la estética es un medio que permite a los jóvenes romper los límites de una sociedad excesivamente normada.

Loreto Ortega (La Cisterna, Santiago de Chile de Chile, 1992) ha sido admiradora de los animé japoneses desde niña, afición que convirtió en un estilo de vida y que la llevó a viajar a Japón al terminar sus estudios en fotografía. Luego de unos años de explorar e investigar los fenómenos urbanos de ese tipo en Chile, se propuso cumplir su meta allí. “Hace ya casi seis meses que estoy en Tokio, una experiencia alucinante. Pese a que vine sin planes, beca ni nada programado, esta sociedad ha resultado muy respetuosa con mi trabajo de fotógrafa que acá ha sido muy prolífero. A los japoneses les gusta mi trabajo, tanto así que hace poco me publicaron en Kera Magazine, una prestigiosa revista especializada en estética alternativa”, cuenta la artista.

Para Ortega lo más motivante de este trabajo es la tremenda importancia que le asignan los japoneses a la ropa y al look, lo que atribuye a una cuestión bastante más profunda que la pura estética. “Aquí toda la gente tiene un sentido de la moda y aprecia el diseño independiente. El término Harajuku, que es el motivo de la muestra que presento, tiene su origen en un distrito de Japón donde antiguamente se juntaban los jóvenes con sus bandas. Como se les prohibió seguir tocando allí, su manera de protestar fue seguir juntándose en silencio pero con atuendos llamativos y muy producidos que igualmente hacían ruido, transformándose así en un fenómeno sociocultural. Lo interesante de esto es que la estética les permite romper los límites a través de códigos que los liberan y les permiten vivir su vida”, agrega

El fenómeno Harajuku y otros parecidos tuvieron gran repercusión en el mundo y también en Chile donde en los primeros años de los 2.000 comenzó una fuerte revolución de las tribus urbanas, que anhelaban con pasión la individualidad del ser a través de códigos silenciosos como la vestimenta. “Porque la ropa también grita libertad y creatividad”, comenta la artista para quien el tema de la identidad contracultural constituye la esencia de este tipo de movimientos urbanos que comenzaron a florecer desde la segunda mitad del siglo XX en diversas partes del planeta.

Sobre la artista

Loreto Ortega, conocida como Blú, es titulada de fotografía del instituto profesional Arcos y su camino profesional ha transitado siempre en el mundo del animé, el manga y el cosplay, imprimiendo un estilo fotográfico y una estética particular que la distingue. Ha trabajado en forma independiente durante toda su carrera, colaborando con Kawaii Anarchy productor encargado de eventos como la Harajuku Fashion Walk en Chile. Ha expuesto en Chile y el mundo, destacando su participación reciente en una muestra colectiva en Hong Kong en la galería Paralell Space.

CICLO MIGO

Este proyecto fue financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, convocatoria 2019 del ministerio e incluye seis muestras individuales de artistas chilenos a lo largo de 2019, más un libro recopilatorio que incluirá todo este material artístico.

El espacio de exhibición es Migo, ubicado en galería Drugstore de Providencia, un lugar de alta visibilidad y tránsito de personas. Como tienda y laboratorio fotográfico, el interés es relevar talentos chilenos que aporten nuevas miradas y realidades para expandir nuestra cultura e imaginario.

Los fotógrafos convocados son Elías Díaz, Soledad Burgos, Loreto Ortega, Francisco Finat, Colectivo Fotográfico Rural, y Emilio Marín.

«Ecosistema»

Podrá visitarse desde el 20 de junio hasta el 2 de agosto de 2019:

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN “ECOSISTEMA”, DEL ARTISTA BERNARDO OYARZÚN

Mediante una instalación de gran formato, el autor plasma el paisaje nativo del sur de Chile, el cual describe como “abatido y rediseñado por la propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares”.

Desde este jueves 20 de junio, la Sala de Arte CCU exhibirá “Ecosistema”, una exposición del destacado artista visual Bernardo Oyarzún, quien a través de una instalación de gran formato plasma su visión de los aspectos natural, humano y social de su lugar de origen en el sur de Chile y los trastornos que este lugar ha sufrido en el tiempo.

Hasta la colonización alemana a mediados del siglo XIX, el sur de Chile estaba aislado, bellamente huérfano y desprovisto del Estado. Eran tiempos donde la naturaleza abrazaba a sus habitantes e imponía sus reglas; tabúes y un paisaje hegemónico que no daba tregua, al mismo tiempo que sostenía una relación de divina reciprocidad.

El hacer y el azar del proceso de colonización levantó en este lugar una impronta cultural, un pensamiento y lenguaje que se fundió con el mundo indígena y dio paso a una formación cultural única en Chile, que alcanza su plenitud en el archipiélago de Chiloé.

En ese sentido, la obra es, según palabras del propio autor, un viaje de regreso a un lugar trastornado por los vicios del progreso y la industria sin regulaciones. “Hoy el paisaje nativo está abatido y rediseñado por una cuadrícula de propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares, algo que se puede definir en dos palabras: contaminación y colapso”, expresa.

Bernardo Oyarzún, nacido en Los Muermos, Región de Los Lagos, es Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile, con mención en grabado y pintura. Ha participado en diversas bienales de arte -Praga, Valencia, La Habana, y convirtiéndose en el envío nacional bajo la curatoria de Ticio Escobar en la Bienal de Venecia 2017, entre otras- y ha realizado múltiples exposiciones individuales y residencias. Premio Art Forum Competition, Harvard en 2007, Altazor en 2011, su obra está presente en más de 40 catálogos y libros de arte y en las colecciones de Daros Latinoamérica y Blantom Museum.

A lo largo de su obra, Oyarzún ha explorado temáticas vinculadas a contextos populares, problemáticas acerca de la identidad, las raíces y el mundo indígena. “Ecosistema” es una reedición de la muestra realizada en 2005 en la Galería Gabriela Mistral. En ambas, trabajó la noción de paisaje de un modo autobiográfico y sociocultural, mostrando la realidad y el conflicto a escala real de localidades despobladas y con problemas graves en su configuración.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

«Otras mareas también suben»

Otras mareas también suben

Instalación fotográfica de la artista Daniela Canales que aborda la necesidad de predecir el futuro y el miedo a la incertidumbre que posee la sociedad contemporánea. Tomando como eje central las mareas, Canales basa su obra en estudios científicos que aseguran un aumento de siete metros en el nivel del mar para el año 2050.

A través de una serie de imágenes que se traducen en un montaje de 50 metros, la fotógrafa logra recrear el océano, a escala, que dejará a 9 mil ciudades bajo el agua. Utilizando métodos no convencionales, la obra es expuesta de manera vertical en la Galería Bicentenario del centro cultural.

Inauguración jueves 20 de junio, 19 horas.

Desde el viernes 21 de junio al domingo 4 de agosto, de martes a domingo de 11 a 19 horas.

«Tribu»

El día 19 de junio, galería AMS presentará la muestra llamada «Tribu» de la artista chilena Isabel Klotz. Esta instalación multimedia busca recrear la playa de Cáhuil en la VI región e invita al espectador a una experiencia sensorial inmersiva.

Con la creación de un entorno a gran escala, Klotz busca producir una experiencia corporal. 42 ballenas en cerámica y gres oxidado laminadas en plata se instalarán colgando de ramas recogidas de un bosque aledaño al taller de la artista, estas ramas evocan el ritmo de las corrientes por donde migran las ballenas al norte.

En esta oportunidad, Isabel Klotz invitó a la artista Macarena Irarrázabal, para que la acompañe con dos piezas escultóricas de piedra, e instalará “Nidos de Agua”, dos contundentes esculturas construidas con granito de la zona.

Las esculturas de Klotz irán montadas sobre sal de Cáhuil, una oda a este elemento primordial tanto en el campo electromagnético de nuestro cuerpo, al igual como las ballenas limpian y oxigenan los océanos. En armonía con el espíritu de Cáhuil, esta forma fluctuante une todos los componentes del microcosmos. Combinando formas con lo sagrado de la naturaleza, Klotz crea un ambiente seductor tanto de color, como textura y aroma, disolviendo la distancia entre el espectador y la obra de arte que alude a un lugar distante.

La muestra consistirá de 6 trabajos sobre papel, 1 pieza de fotografía, 1 escultura móvil de cerámica, y 12 ballenas de cerámica individuales. Estará abierta al público hasta el sábado 27 de julio.

Horarios: lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:30 / sábados de 11:00 – 14:00