“La otra luz de Dinora”

MUSEO ANDINO EXHIBE COLECCIONES INÉDITAS DE LA ARTISTA NACIONAL DINORA DOUDTCHITZKY

  • “La otra luz de Dinora” es el nombre de la exposición temporal que reúne obras realizadas por esta destacada artista en diversas técnicas, como dibujo, acuarela, grabado y pintura, así como documentos, apuntes, fotografías y otros testimonios de su trayectoria, hasta su fallecimiento en 2004.

De espíritu curioso y afable era Dinora Doudtchitzky, la pintora y grabadora que nació en Odessa, Ucrania en 1914 y que llegó a Chile, desde Buenos Aires, en 1939. Aquí estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, en Santiago, y fue amiga y ayudante de grabado de Nemesio Antúnez, al que, posteriormente, ayudó a fundar el mítico Taller 99.

Además de la creación artística, le apasionaban la música y la naturaleza, participando como flautista en conjuntos que ejecutaban música antigua e integrando grupos que realizaban largas caminatas y excursiones en la pre cordillera de Santiago. También le apasionaba la enseñanza, y durante veinte o más años fue profesora de grabado en la Escuela de Arte de la Universidad Católica.

Afable y maternal, en sus trabajos siempre buscó transmitir un mensaje de serenidad y ternura, equilibrio que reconocía en la naturaleza y en todas las expresiones de la belleza.

El aporte de Dinora al desarrollo del arte nacional, como maestra y autora, es todavía poco conocido. Por eso, el Museo Andino de la Fundación Claro Vial, en conjunto con la Fundación Casa de la Acuarela, se vincularon con Silvia Quiroga, única hija de Dinora, quien puso a disposición la colección personal de su madre. Lamentablemente Silvia falleció, pero sus hijos, como homenaje a su memoria, dieron continuidad a esta iniciativa.

Hay que mencionar, además, la participación en esta exposición de la Ley de Donaciones Culturales, y el interés de la representación diplomática de Ucrania en Chile, por participar en el reconocimiento de una artista que nació en su territorio. Destacar, igualmente, la curatoría y textos de la exposición, realizados por la Historiadora del Arte Macarena Murúa.

“La otra luz de Dinora” es el nombre de la muestra temporal que se exhibe en el Museo Andino, al interior de la Viña Santa Rita, que permite una mirada íntima a esta artista nacional a creaciones y aspectos biográficos y espirituales que son esenciales para comprender el imaginario que la acompañó durante toda su trayectoria, hasta su fallecimiento en 2004.

Algunas de las obras exhibidas estarán a la venta. La exposición se encuentra abierta a público hasta el 1 de septiembre. 30 de septiembre.

Información General

El Museo Andino de la Fundación Claro Vial se encuentra ubicado al interior de Viña Santa Rita, en Camino Padre Hurtado 0695, Alto Jahuel, Comuna de Buin · Región Metropolitana

Horario de atención: martes a domingo de 10:30 a 17:00 horas. Entrada liberada.                                                                                                                  
Fono: + 562 2362 2524 / +569 6393 9496. Correo: museo@museoandino.cl

«Paisaje extendido»

Exposición de Isabel Cauas “Paisaje extendido”

  • Estará abierta desde el 19 de junio al 3 de agosto en la sala mayor de la Fundación Cultural (Av. Nueva Providencia 1995).

Cerca de 70 grabados y pinturas forman parte de la exposición “Paisaje extendido” de la artista chilena Isabel Cauas que se expondrán del 19 de junio al 3 de agosto en la Fundación Cultural de Providencia.

Están presentes todos sus lenguajes plásticos, hay grabados a buril con algunas de sus correspondientes matrices en cobre, litografías y xilografías creadas durante su residencia de grabado en la Printmaking Base de Guanlán, China durante 2016 y sus últimas monotipias de este año, acompañadas de pinturas sobre telas y paneles de madera.

“Desde un principio mi obra se ha relacionado con el paisaje, siendo el árbol el personaje principal. Construyo mis imágenes fragmentando el espacio de manera que micro mundos se van haciendo realidad. Ventanas son construidas y dejadas abiertas para dar la posibilidad de vislumbrar el paisaje de mi interior o de reflejar los paisajes exteriores que me rodean e inspiran en un juego continuo de abstracción y figuración”, explica Isabel.

“Invitamos a todos los vecinos y quienes nos visitan de otros lugares de Santiago a disfrutar del arte y conocer un poco más acerca de los grabados, litografías y xilografías que forman parte de la exposición de esta artista chilena. Siempre es reconfortante apreciar la belleza del arte”, señala la alcaldesa Evelyn Matthei.

Isabel Cauas nació en Santiago en 1966. Obtuvo su Licenciatura en Artes Plásticas con Mención en Grabado en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile en Santiago y desde 1990 ha cursado varios talleres y cursos de especialización en Chile y California, Usa.

Isabel ha tenido más de 15 exposiciones individuales y ha participado en numerosas bienales y exposiciones colectivas en Chile y el extranjero. Ha recibido varios premios, reconocimientos y becas a lo largo de su carrera. Entre éstas se encuentran dos Becas de Amigos del Arte 1989 y 1990, y la beca otorgada por The Pollock Krasner Foundation de N.Y. USA en 1993. Recibe en 2014 un reconocimiento especial de Taller 99 y es nombrada Socia Honoraria. En 2016 es invitada a realizar una residencia de tres meses en Guanlán Printmaking Base, China.

Ha sido profesora de grabado, dibujo y orfebrería en varias universidades e institutos y desde 1988 (con interrupciones) enseña Litografía en el Taller 99. Entre los años 1990 y 1993 trabaja como impresora de ediciones calcográficas y profesora de grabado en “Editions B&D” Print Studio, San Diego, California, USA. Link de la artista www.isabelcauas.cl

La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 10:00 a 19:00 hrs y sábados, de 11:00 a 19:00 horas. La entrada es liberada.

«Entrevistas»

«Se trata  de un conjunto de pinturas realizadas entre 2018 y 2019. Sus referentes, como es habitual en mis obras, son frames de documentales sobre casos criminales y escenas del crimen. Allí aparecen todos estos modelos de pintura: el interrogatorio (aquí figura también la sesión de terapia) y el lugar del crimen, como un lugar idílico. El resto queda a cargo de las lecturas que pueda hacer el espectador.» Natalia Babarovic

Inauguración Sábado 15 de junio, 17:00 horas.

Desde el sábado 15 de junio al viernes 12 de julio de 2019.

Horario: Concertar cita vía e-mail o teléfono.

​email: intuitivemachineart@gmail.com

Fono: +56 9 88060877

«Fábula privada»

Exhibición individual de pinturas y acuarelas donde personajes antropomórficos habitan escenas barrocas invadidas por vegetaciones y vegetales, transformando la clásica imagen ilustrativa de los cuentos infantiles en escenas pictóricas liberadas de narración.

Una serie de pinturas y acuarelas de la última producción de la destacada artista nacional Marcela Trujillo,  se presenta como la segunda muestra de la temporada 2019 de Sala Gasco Arte Contemporáneo,  bajo el título “Fábula Privada”.

En esta exhibición individual, Marcela retrata a diferentes personajes que asumimos son humanos por sus vestimentas o poses, pero que, en realidad, son animales. Cada figura retratada ha sido obtenida de recortes de revistas, de ahí sus gestos tan bien personificados y su empatía con nuestra mirada.

Siempre insertas en una frondosa y colorida vegetación, cuyo protagonismo visual compite con la figura misma, flora y fauna se aúnan en la superficie pictórica como un todo, de borde a borde. Las texturas y colores brillantes de plantas, flores y hortalizas generan así un campo denso donde habitan los personajes, y que ofrece a toda la escena una ambientación llena de tramas y riqueza cromática por descubrir.

Invitamos a los espectadores a maravillarse con este nuevo mundo posible, inundado de llamativas combinaciones y emoción. Desde el 15 de mayo al 5 de julio en Sala Gasco Arte Contemporáneo (Santo Domingo 1061), de lunes a viernes, de 9 a 17 horas.

Sobre Marcela Trujillo

Nacida en 1969 en Santiago de Chile, ha destacado como dibujante de cómics, pintora, columnista y docente de artes visuales. Ampliamente conocida bajo el apodo de “Maliki”, además de exponer su obra en diversos países americanos, es aficionada a la literatura y entusiasta de la escritura, destacando por su participación en la revista Brígida, realizada sólo por mujeres. Ha publicado 6 libros de cómics, uno de los cuales, el último, ganó el Premio Municipal de Literatura de Santiago (2018).

Luego de residir siete años en Nueva York y dos en Hamburgo, Alemania, actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile

«El Encuentro»

Desde el 14 de junio hasta el 18 de agosto, de martes a domingo, de 9:00 a 19:00 horas:

– El joven artista chileno llega al Centro Cultural El Tranque con su muestra “El Encuentro” de la mano de varias pinturas de gran formato.

– En esta exposición, Lorca no solo exhibe una técnica pictórica impecable y de gran oficio, sino que además invita al espectador a adentrarse en un mundo lleno de fantasías e imágenes sugerentes que no dejará indiferente a nadie.

El connotado pintor chileno Guillermo Lorca García-Huidobro es una de las jóvenes figuras de la escena artística nacional cuya obra no solo llama la atención en nuestro país, sino que además trasciende fronteras. Antes de viajar a Londres a trabajar con el subastador y coleccionista de arte suizo Simón de Pury, durante el segundo semestre de este año, el artista expondrá su trabajo en el Centro Cultural El Tranque entre el 14 de junio y el 18 de agosto de 2019. La muestra “El Encuentro” en el Centro Cultural El Tranque es de especial relevancia para su trayectoria como artista ya que se amplía a otras audiencias y públicos dentro de Santiago.

“Para la Municipalidad de Lo Barnechea es un honor contar con la exposición de este joven artista chileno, que es un gran referente del arte contemporáneo en Chile y en el extranjero. Sus obras adquieren un valor adicional por las referencias que hace a artistas barrocos como Rembrandt y Velásquez, incorporando también elementos del cine. Todos estos ingredientes convierten a Guillermo Lorca en un revolucionario del arte” comenta el alcalde de Lo Barnechea, Felipe Guevara.

Por su parte, el artista explica que su actual exposición se debe a que “formalmente yo siempre voy pintando ideas que tenía hace mucho tiempo o que surgieron ya hace varios años. Y voy retomando esas notas y voy con el proceso en la parte concreta en que se arma el cuadro y todos los cambios que puedan tener en ese momento. No es que haya una temática en específico. Hay una temática evidente, generalmente, con animales, niños, mujeres en los cuadros y es porque esos elementos y esas imágenes me han servido para hablar de este imaginario mejor que otros.”

Y agrega que “siempre he pensado las exposiciones como un paseo en donde algunos personajes tienen cierto protagonismo y estos van pasando de cuadro en cuadro como si fueran de una novela o una película, pero no sabemos de qué parte es, así que, al quedar fragmentada, eso deja que el espectador pueda tener una sensación de inventar una historia”.

La obra de Guillermo Lorca, por un lado, recibe influencias de la pintura de fines de la época medieval y de inicios del Renacimiento y, por otro, hace un especial guiño hacia el mundo de las películas.

Según comenta la curadora de la muestra, Pabla Ugarte “la obra de Guillermo Lorca sigue la línea de la pintura narrativa que comienza en el Quattrocento, caracterizada originalmente por un racconto de acontecimientos bíblicos, hechos históricos y rituales colectivos. (…) La obra de Lorca está constituida por una temporalidad que se expresa a través de personajes, acciones, lugares, tiempos e intenciones. (…) Cada una de las pinturas de esta muestra nos enfrenta a imágenes sugerentes, complejas e inquietantes, compuestas por espacios controlados en los cuales los personajes y los objetos yacen en perfecto equilibrio. No obstante, en este contexto de control formal, resulta difícil determinar qué ocurre a nivel narrativo. Porque Lorca apela al misterio. Y lo cierto es que, como espectadores, nos entregamos con deleite a este espacio de dudas. (…) De algún modo, la duda y la indeterminación forman parte de la propuesta estética.”

En el texto curatorial que se puede ver en el folleto de la exposición, la experta en artes visuales explica que “cada obra pareciera ser un still frame de una película cuya críptica trama se va dilucidando en la medida que recorremos la muestra. Pero al final, la historia no llega a dilucidarse del todo. Algo queda sumido en la oscuridad de una relación amarga. La relación con el cine es tan relevante que, digámoslo de una vez, la muestra lleva por título “El Encuentro” porque explora la relación entre el cine y la pintura. Estamos de lleno en el campo de la intertextualidad. (…) Una vez más, Lorca nos recuerda estas palabras de Alfred Hitchcock: “una simple mirada al mundo nos prueba que el horror no es otra cosa que la misma realidad”.

SOBRE GUILLERMO LORCA

Guillermo Lorca nació en Santiago en 1984. Estudió arte en la Universidad Católica de Chile, pero se retiró el 2006 para estudiar con el destacado pintor noruego Odd Nerdrum. Ha realizado varias muestras individuales en Chile y en el extranjero, siempre con una masiva afluencia de público. Destacan las muestras individuales en la Sala CCU (2010), Galería Hilario Galguera (México DF 2012), Museo Nacional de Bellas artes (2014) y Centro Cultural Gabriela Mistral (2018), también ha participado en muestras colectivas en distintos museos junto a grandes exponentes de la pintura contemporánea y antiguos maestros. Destacando las muestras del Museo MEAM, Barcelona (2015), Castello di Lipardi, Sicilia (2015) y el Museo Venaria Reale, Turin (2018). Durante su carrera ha realizado murales y obras públicas como el de la viña Tabalí (2005) y el conjunto de retratos murales en la estación de Metro Baquedano (2010).

Ha recibido el reconocimiento de Jóvenes líderes de la revista del Sábado del Mercurio y el de jóvenes influyentes del Diario Financiero. Actualmente prepara exposiciones para Chile y el extranjero.

SOBRE CENTRO CULTURAL EL TRANQUE

El Centro Cultural El Tranque permite el acceso de la cultura y el arte a la comunidad, posicionándose como un punto de encuentro social y de formación, en el cual se desarrollan actividades artísticas y culturales, congregando a las distintas áreas de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, generando participación e integración ciudadana y un mayor consumo cultural.

«Bifurcación»

La destrucción y devastación del entorno a través del acción del hombre es lo que quiere destacar la artista chilena Paulina Humeres con su exposición Bifurcación, que se inaugura el jueves 13 de junio en Espacio San Isidro ESI de la Escuela de Educación Artística de la Universidad Católica Silva Henríquez (UCSH).

El término Bifurcación se refiere por una parte a la división de una cosa en dos ramales y por otra indica el lugar donde se produce esta división. En respuesta a esta noción la obra de Humeres interpela desde el lugar donde ocurre la división y el deterioro, el hombre. A través de su actuar, éste ha destruido y sigue destruyendo su entorno, generando uno de los desequilibrios más grandes y peligrosos para la humanidad.

La muestra está compuesta, en primera instancia, por el registro fotográfico de la instalación Atlántico-Índico-Pacífico (1993), obra presentada en la 45ª Bienal de Venecia (1993). El registro es emplazado sobre un muro de color azul ultramar, sobre el cual se disponen los nombres de los océanos mediante textos hechos en bronce. La instalación, expuesta en la bienal, contempló el montaje de un conjunto de bolsas de plástico que rescatan las aguas incontaminadas de los tres océanos.

En segundo lugar Humeres exhibe la pieza La Gran Semilla (1987) un tapiz concebido como ensamblaje realizado con arpillera y cuerdas. La artista menciona que es una semilla manipulada, contaminada, compuesta de sacos de yuta pintados de blanco y negro. Esta gran semilla tridimensional está cubierta de plástico, cera, papeles de diario y cáñamo tejido, materiales que acentúan su condición frágil y residual.

En tercer lugar la artista presenta el tríptico Autoextinción (2016-17) pieza perteneciente a la serie fotográfica La Caída de un Reino. La obra responde a un autorretrato performático realizado a partir de fotografías polaroid y donde el cuerpo emerge en escorzo, sin cabeza y mimetizado con su entorno. La falta de cabeza es una metáfora que evidencia la destrucción de la naturaleza en manos del ser humano.

Finalmente en el centro de la sala Humeres instala un espiral de tierra que concentra la mirada a través de un elemento simbólico de larga data que recorre la obra de la artista. De igual forma la pieza contempla la presencia de un texto extraído de la cosmología Kogi, cita mediante la cual se incorpora la mirada ancestral de un pueblo amerindio que nos habla del agua como el gran elemento primigenio y metáfora de lo materno; elemento que a su vez cruza todas las obras presentes aquí, generando una reflexión en torno a nuestro papel como agentes destructores/protectores del medio ambiente.

Bifurcación estará en exhibición del 14 de junio al 31 de agosto de 2019, se puede visitar de forma gratuita de lunes a viernes de 9:00 a 19:00 horas, y sábados, de 9:00 a 14:00 horas, en Espacio San Isidro ESI, ubicado en San Isidro 560, Santiago.

Sobre el artista:

Paulina Humeres, (1954) artista visual formada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. En Enero de 1979 se radica en Italia (Florencia y Roma) donde realiza la mayor parte de su producción artística, destacándose dentro del ámbito de la instalación, audiovisual, performance, y diversos soportes. Representó a Chile en la Bienal de Venecia (1993). Su obra se encuentra en colecciones nacionales e internacionales. En la última década se ha dedicado a la creación audiovisual, realizando video arte y trabajando detrás de cámara para producciones cinematográficas. Estudio guión con el destacado guionista internacional Robert Mckee y Documental con Patricio Guzmán.

Espacio San Isidro

Espacio San Isidro ESI es una sala de exhibición universitaria que depende de la Escuela de Educación Artística de la Universidad Católica Silva Henríquez. Fue creada el año 2012 con el fin de promover los vínculos entre la universidad y el medio social. Su eje de trabajo se orienta a potenciar el conocimiento y apreciación del arte contemporáneo en sus diversas vertientes. Su enfoque de trabajo busca relevar y difundir el trabajo de creación realizado por estudiantes, académicos y artistas relevantes del medio local.

Espacio San Isidro aspira a ser un espacio de enseñanza y aprendizaje vinculado a la producción contemporánea. Esta labor se traduce en una propuesta educativa focalizada en la constante realización de visitas guiadas que tienen como objetivo la formación de audiencias en sus diversos niveles, tarea que es de vital importancia para una escuela que pretende formar profesores mediadores que potencien el dialogo con los nuevos lenguajes artístico.

«Contemplo»

Del 6 al 29 de junio. Fecha inauguración: jueves 6 de junio, 19:30 hrs

Contemplo consiste en la instalación de una ruma de nueve cajas de luz con forma de rosetones hechas con hojalata, acrílico y bolsas plásticas. Estos materiales adoptan la geometría del círculo y el cuadrado como símbolos que predominan en las distintas representaciones humanas del cosmos. El título de la obra alude, en presente y en primera persona, al acto de enfrentar un espacio visual desde la consciencia individual pensando en el cuerpo y en la obra como centros o lugares destinados a la contemplación.

Un templum en la antigua roma era el recinto sagrado definido por la adivinación de un augur o sacerdote que alineaba su zona de observación con los puntos cardinales del cielo y la tierra. Roma era en sí una especie de templum y los campamentos romanos establecían uno donde situaban sus insignias. Las construcciones de Antonia Taulis no llevan insignias, no representan, ni narran, solo conservan cierta forma que busca enmarcar el vacío para inducir la exaltación producida por el brillo de la basura o la claridad del cielo.

Así, Antonia Taulis indaga en los elementos de la arquitectura sagrada que se encuentran inmersos en la ciudad contemporánea. Su obra reflexiona sobre espacios destinados a lo lúdico y a lo espiritual a través de propuestas visuales que van de cajas de luz a construcciones arquitectónicas en el paisaje. ‘Contemplo’ y ‘Personal Chapel’ son las dos últimas obras de la artista y teórica que se unen conceptualmente por la idea del templo y la obra de arte como centros dedicados a la contemplación. Para ellas contó con un texto desarrollado por Marcela Labragna y encargó la composición de una misa electrónica a Gracia Fernández, que será presentada en el cierre de la muestra en Galería Nac.

Cv Santiago de Chile, 1989
Es Licenciada en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile y alumna del Magíster en Edición de la Universidad Diego Portales. Como artista ha realizado la exposición individual Plan Celeste en Galería Madhaus (2016) y entre sus obras destacan Adoración o Some Pieces of Shit para la apertura de Galería Madhaus (2016), Batea para la exposición Galaxias Maculatus en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia (2015), Spiritual Lightbox para el Festival Vrapa en Casas de lo Matta con itinerancia audiovisual en Hall Des Chars, Estrasburgo, Francia (2014) y una serie de intervenciones urbanas en las paletas publicitarias de la ciudad de Santiago (2012-). Entre 2017 y 2019 realizó una residencia extendida en Totoral Lab donde gestó el proyecto Personal Chapel. Su trabajo está publicado en el libro Astrónomos sin estrellas. Textos acerca del arte contemporáneo en el Cono Sur de Guillermo Machuca. Actualmente vive y trabaja en Chile.

Direccion: Juan de Dios Vial 1359, Providencia (frente a Plaza las Lilas) / Para visitas fuera de horario coordinar al +569 97892590 www.galerianac.cl galeria@galerianac.cl

«Fragmentos infinitos» + «Mundos paralelos» + «La penumbra del larimar»

«Fragmentos infinitos», Acuarela de Ximena García

La artista Ximena García, discípula del gran maestro Hardy Wistuba, despliega una serie de acuarelas que transitan entre lo atmosférico y lo abstracto, en la exposición FRAGMENTOS INFINITOS, que presenta en el Centro Cultural Las Condes.

La muestra está integrada por una serie de acuarelas que invitan, a través de una mirada contemplativa, a viajar por paisajes de nuestro territorio nacional, donde se marca la idea de continuidad de espacios que exhiben una inmensidad sugerente. La disposición de las obras supone un recorrido donde el extremo norte y sur se unen, tras un recorrido circular.

En rigor se trata de paisajes de Chile, pero en esencia, sus obras remiten a estados de ánimo y cambios lumínicos. Lo que vemos es un espacio universal y sólo el color actúa como referente de un imaginario compartido. Como en los Turner de su última época, es la sutilidad acuosa lo que define las formas.

“Para acercarse a la serie de 22 paisajes en lontananza de Ximena García es preciso dejarse tocar por la pequeña agua, o la sutilidad acuosa de la acuarela (del italiano acquarello, y éste del diminutivo de acqua, del latín aqua). El agua es el elemento vital de este flujo por Chile, y tras la levedad húmeda y silenciosa, se marca la idea de continuidad en una diversidad de espacios que exhiben una inmensidad sugerente”, señala la doctora Rosa María Droguett Abarca, del Instituto de Estética UC.

Y agrega: “Tras la levedad, íntima y mística en la acuarela de García, recorremos los espacios otros, contemplados por la artista, para ser revisitados en calma. En un periplo circular de retorno constante, somos invitados a realizar un viaje en el que norte y sur se encuentran en la sensación de la materia y de los elementos. Tras una mirada contemplativa adviene un paisaje interior, un sersaje para Roberto Matta, que se abre al infinito desde el agua, al más allá de un paisaje recóndito. Muy fuera. Muy dentro. Todo ocurre en Fragmentos infinitos”.

Ximena García. Con estudios de acuarela en los talleres de Hardy Wistuba y María Eugenia Terrazas en la Corporación Cultural de Las Condes, la artista ha presentado exposiciones individuales en Santiago y Pucón, y participado en numerosas colectivas desde 1998, entre las que se destacan Diálogos. Acuarelas de Chile, que itineró por diversas ciudades de México en 2012.

Fue seleccionada en 2015 en la IV Bienal Iberoamericana de la Acuarela, Madrid, España. Su obra ha sido incluida en los libros Acuarela, una imagen sensible de Chile, 2013, y en Mujeres del agua, la acuarela como lenguaje, 2015, y una de ellas, Andes, forma parte de la colección permanente del Museo de la Acuarela, Ciudad de México. En 2007 publicó el libro Conversaciones con grandes acuarelistas chilenos (Editorial Ocho Libros), proyecto ganador del FONDART.

«Mundos paralelos», Pintura y dibujo de Sergio Soza

MUNDOS PARALELOS es el nombre de la exposición con que el pintor Sergio Soza vuelve al Centro Cultural Las Condes y que constituye una invitación a adentrarse en un mundo mágico, lleno de simbolismos y seres enigmáticos, que a ratos se tornan pesadillezcos.

Fundador del mítico Instituto de Arte Contemporáneo y docente en importantes universidades, Soza es un artista atípico, que ha desarrollado una obra portentosa y silenciosa, a la que muy pocos han tenido acceso. Viajero incansable, en su imaginario conviven todas sus experiencias, proponiendo nuevas formas de abordar al hombre y la naturaleza, no sólo desde el contacto, sino desde la emoción y el misticismo.

Como explica el propio autor: “He viajado desde siempre, mirando mapas, leyendo historias y aventuras de hombres mágicos, desde ahí comencé a imaginar el mundo y a unir el día y la noche como realidades indisolubles, despierto en la noche y dormido de día”.

Sergio Soza Bustos (1946) hizo sus estudios de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y fue becado por el gobierno francés donde realizó estudios de grabado en la Universidad de Vincennes y dibujo científico en el Museo de Historia Natural de París. Es director, socio-fundador y docente del Instituto de Arte Contemporáneo, y ha sido profesor en importantes universidades del país. Ha sido premiado en varias ocasiones y realizado numerosas exposiciones tanto en Chile (Museo Nacional de Bellas Artes y Centro Cultural Estación Mapocho) como en el extranjero (Bienal de La Habana o Centro de Arte Ateneo de Maracaibo).

Ha vivido en Paris, Francia; Maracaibo, Venezuela; Ghana, África, y ha realizado innumerables viajes alrededor del mundo. Actualmente trabaja en su taller en Santa Sofía de lo Cañas.

«La penumbra del larimar», Fotografía de Francisco Urzúa

Especializado en turismo aventura, el fotógrafo chileno Francisco Urzúa ha tenido acceso a lugares extraordinarios del mundo. Uno de ellos, una mina en la sierra de República Dominicana, le produjo un fuerte impacto, al contrastar las duras condiciones de extracción de una piedra semipreciosa con la belleza implícita en ella. Fue así como surgió este fotorreportaje de profunda belleza y humanidad, que presentamos en nuestro Centro Cultural.

Conviviendo con los mineros, el autor pudo constatar las precarias condiciones laborales que éstos deben enfrentar, desprovistos de toda indumentaria de seguridad y en túneles carentes de una adecuada ventilación y deficientes instalaciones eléctricas, lo que ha costado más de una electrocución o asfixia.

“La vida en el asentamiento parece transcurrir sin estrés, parece no haber un horario estipulado, y el millardo de personas se mueve entre los túneles y los colmados (especie de pulpería). Se puede ver a grupos de amigos conversando o jugando cartas, acomodándose a la ignorancia laboral y a la indefensión total que los subyace”, relata Urzúa.

Éste, además, intenta develar lo paradójico que resulta que el larimar sea una piedra a la que se atribuyen cualidades sanadoras.

Sin duda, la serie de imágenes en blanco y negro da cuenta de un trabajo elaborado, en que se nota experiencia acumulada por Urzúa, y cómo logra conectarse con sus retratados.

“Mi búsqueda está inspirada en narrar historias de la sociedad, un misterio que nunca lograré entender del todo”, remata el artista.

Francisco Urzúa comienza su trabajo fotográfico en los viajes que realiza motivado por su pasión por la naturaleza y el rafting. En ese entonces toma talleres fotográficos, de cine y de escritura de guión, para perfeccionarse. Después de trabajar por 16 años como guía de turismo aventura, comienza a hacer fotos de manera profesional, tanto de forma independiente como para la Revista Tell Magazine.

Su fotografía de enfoque documental queda plasmada con su viaje a Nepal (2013), y con la visita al pequeño villorrio al norte de Chile llamado Chulluncane (2015). En 2018 es parte del rodaje del documental “Dame la mano”, que narra la historia de los 40 años de las colonias urbanas.

7 al 30 de junio de 2019.
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.
Apoquindo 6570. Metro Hernando de Magallanes.

«Incuria»

Incuria es la primera muestra individual de Marco Bizzarri en Galería Animal. La exposición, que se llevará a cabo entre el 6 de junio y el 6 de julio, es el resultado de un largo periodo de investigación en donde el artista fue visitando y conociendo los testimonios de distintas personas que viven hoy en zonas de sacrificio en el norte de Chile. De esta forma, pone de manifiesto el drama de quienes habitan en territorios destinados a la extinción, además de reivindicar el testimonio de los que mantienen la tradición.

La exhibición centra su atención en dos lugares principalmente: Guallatire, en el Altiplano Ariqueño, un pueblo que se ubica dentro de la Reserva de la biosfera Lauca; y Los Choros, localidad cercana a la Reserva Marina Pingüino de Humboldt, en la Región de Coquimbo. Sin embargo, a diferencia de lo que cualquiera pudiera creer, ambos lugares se encuentran bajo la amenaza minera, y hoy, a punto de su desaparición, sólo dos mujeres – Melania y Bernardina – se aferran y mantienen viva la tradición de pueblos que sufren el yugo del ecocidio producto del interés privado.

Así, por medio de diferentes medios -instalación y pintura de gran formato-, Bizzarri reflexiona a la vez que muestra la catástrofe ecológica y humana que significa la llegada de estos grandes proyectos en ecosistemas protegidos. De esta manera, la exhibición se hace la pregunta por el ideal del progreso y el costo que estamos dispuestos a pagar para alcanzarlo; se construye como una protesta y al mismo tiempo testimonio innegable de una memoria que se desvanece.

Cuándo
Jueves 6 de junio, 19:30 hrs
Galería Animal
Av. Nueva Costanera 3731, Vitacura

Horario: Lunes  a Viernes 10:00-19:30 horas Sábado, 10:30-14:00 horas.

«Art sale»

Miércoles 5 de junio al martes 30 de julio en Espacio Romana,  Europa 2124, Providencia. Horario 11:00 a 20:00 horas, lunes a domingo. Entrada gratuita.

  • El destacado artista chileno Fab Ciraolo exhibirá en este espacio sus obras más emblemáticas en diferentes formatos y técnicas, como sus famosos personajes del cine, la literatura y la historia, que atavía e instala en clave contemporánea.
  • Romana, peluquería transformada en espacio de arte y disquería, fue fundada y es gestionada por la peluquera y maquilladora Romina Carvajal y su socio/pareja el periodista y conductor Ignacio Franzani.

Obras en diferentes formatos, desde posters de edición limitada hasta piezas inéditas y desconocidas, como una colección de chaquetas intervenidas marca Reptil,  son las que podrán encontrarse a precios excepcionales en Romana, originalmente una peluquería que ha ido derivando paulatinamente en galería de arte y disquería.

Fab Ciraolo (Santiago, 1980) ha desarrollado una obra con un sello particular. Célebres son sus ilustraciones a personajes míticos de la historia instalados en escenas surreales y ataviados con indumentos icónicos del pop. Como Frida Kalho posando rebelde con una polera  de Daft Punk, Sor Teresa de Calcuta haciéndose una selfie o Salvador Dalí vestido de rockero. “La idea es instalar esas imágenes y estimular la imaginación ya que es inevitable preguntarse qué sería de esos personajes históricos si vivieran hoy en día, cómo lucirían su fueran personajes urbanos y usaran la tecnología, por ejemplo”, señala Ciraolo.

Luego de lograr gran notoriedad en Chile y el mundo como ilustrador, desde hace algunos años el artista comenzó a experimentar con los murales callejeros a través de la técnica paste up, donde utiliza papel, agua y cola fría. En Santiago ya son varios espacios los que ha intervenido, especialmente en sectores concurridos por un público transversal como el barrio Bellavista, Apoquindo y el Barrio Italia.

Entre sus últimas intervenciones urbanas destaca el comentado mural que realizó en el último Lollapalloza, que generó mucha expectación y curiosidad en públicos diversos.