«Retratos»

FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURA AMPLIA MUESTRA CON TRABAJOS INÉDITOS DE GONZALO CIENFUEGOS

Factoría Santa Rosa, del 5 de diciembre de 2020 al 31 enero de 2021. Santa Rosa 2260, segundo piso.  Abierto sábado y domingo, de 10:00 a 17:00 horas.  Entrada liberada (aforo, 50 personas, con protocolos Covid).

“Retratos” del pintor Gonzalo Cienfuegos es una muestra que da cuenta de su trabajo en la última década, incluyendo el período de pandemia. Se trata de acuarelas y también cerámicas nunca antes expuestas que evidencian una faceta desconocida del reconocido artista chileno. Apoyan la exhibición cuadernillos, apuntes y dibujos, concebidos durante su proceso creativo.

En su espacio de gabinete, ubicado en lo que fue la caja fuerte de la ex fábrica de textiles Musalem, Factoría Santa Rosa expone paralelamente el trabajo de Ximena Rojas, con “Origen y retorno”, trabajos miniaturas en cerámica gres.

Muy prolíficamente ha trabajado Gonzalo Cienfuegos durante el tiempo de confinamiento a raíz de la pandemia, cuyo resultado es principalmente una serie de acuarelas cuya impronta iconográfica, única y distintiva, ronda siempre la figura humana. Ello constituye parte fundamental de “Retratos”, que da cuenta de su obra de los últimos años y de su íntimo proceso creativo con apuntes, bosquejos, reflexiones, registros y dibujos que estarán disponibles en el espacio expositivo.

“Se trata de una muestra especial e íntima, con obras que en su mayor parte pertenecen al legado familiar del artista. Destaca especialmente una serie inédita de cerámicas que muestra una faceta desconocida y que nos da mucho orgullo mostrar”, señala Carolina Musalem, Directora de Factoría Santa Rosa.

Esta nueva muestra reúne obras de los últimos diez años, trabajo que da cuenta del interés del autor por lo figurativo, con obras llenas de detalles donde los personajes se sitúan en escenas teatrales y expresivas desarrolladas con humor e ironía, su sello inconfundible. “Allí se plasma el eterno deseo de Cienfuegos por testimoniar la condición humana desde el gran teatro del mundo, donde la comedia rápidamente puede dar paso a la tragedia o viceversa”, destaca el texto curatorial de la muestra escrito por el artista Carlos Navarrete.

SOBRE GONZALO CIENFUEGOS

Gonzalo Patricio Cienfuegos Browne (1949, Santiago de Chile), realizó sus estudios de Arquitectura y Bellas Artes en la Universidad de Chile en los años sesenta. En 1970 viajó a México para perfeccionarse en  pintura y dibujo. En 1974 se instala en Buenos Aires, Argentina y en 1975 regresó a Santiago donde se matricula en la Pontificia Universidad Católica de Chile para cursar Licenciatura en Artes.

Durante su estadía en México y en otras ciudades de América Latina compartió con los artistas de la llamada Nueva Figuración que marcaría su camino artístico. Su trabajo ha sido expuesto en Chile y en museos y galerías en el extranjero, como México, Brasil, Argentina, España, Francia, Estados Unidos y Japón, entre otros. Además, ha sido nominado a importantes reconocimientos y galardones.

Su obra pictórica y gráfica se distingue por girar fundamentalmente en torno a la figura humana. Sus personajes parecen algo caricaturescos, de contornos definidos, actitudes estáticas y de proveniencia disímil.

Además de su carrera artística, Cienfuegos ha desarrollado otras labores: ha ejercido la docencia de manera sostenida en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile como profesor de pintura. Se suma a eso, su trabajo como ilustrador de libros en el Departamento de Diseño de la Secretaría de Educación Pública del Distrito Federal, durante su estadía en México. En 1995 fue nombrado director de la Fundación Tiempos Nuevos, iniciando la construcción del Museo Interactivo Mirador de Santiago. También, se cuenta su incursión en el diseño teatral, con la realización de la escenografía y el vestuario para la ópera “Orfeo y Eurídice”, montada en el teatro Municipal de Santiago en 2002. Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

 MUESTRA “ORIGEN Y RETORNO”, DE XIMENA ROJAS

La muestra de gabinete que nos presenta Factoría Santa Rosa, expone el trabajo en cerámica de Ximena Rojas, donde la artista chilena experimenta con la forma y el valor de pequeñas figuras realizadas en cerámica, inspiradas en objetos ceremoniales y ancestrales precolombinos, temática que viene investigando hace dos décadas.

La instalación que se dispone en el Gabinete de Factoría Santa Rosa, reflexiona sobre la relación que hay entre la síntesis formal y el objeto sacro; para lo cual cada uno de los elementos que estratégicamente se disponen ha sido pensado no sólo a partir de su forma sino que también desde el valor sagrado o simbólico que detentan.

SOBRE XIMENA ROJAS (Santiago de Chile, 1962), estudió Arte de la Universidad Católica de Chile, licenciándose en pintura en 1986. En 1987 se trasladó a Nueva York, en donde estudió cerámica en la Parsons School of Design y dibujo en la School of Visual Arts. A su regreso a Chile en 1989 siguió estudios de arte con Eugenio Dittborn. Su trabajo se ha expuesto individual y colectivamente en diversas galerías y espacios de Chile y el extranjero. Su trabajo se ha desarrollado principalmente en el área de la pintura no figurativa, tomando como punto de partida el estudio de las culturas precolombinas. Su obra ha transitado desde una abstracción hacia un juego monocromo donde las suturas y costuras realizadas con el lienzo crudo, reemplazan al gesto y a su vez, la textura es reflejo del color que busca. Este modo de comprender la pintura como un juego de luces y sombras más allá del gesto y la mancha, transforma sus realizaciones en verdaderos objetos sagrados. Rojas hoy vive y trabaja en Santiago de Chile.

«Mecanismos de Resistencia»

Proyecto seleccionado mediante convocatoria pública realizada por Factoría Santa Rosa en 2018, de las artistas María Belén Carrasco, Roery Herrera y Loreto Muñoz.

“Mecanismos de resistencia” es un proyecto artístico e investigativo de sitio específico que busca indagar y develar las relaciones y problemáticas socio-políticas del comercio ambulante del barrio Franklin, estableciendo un diálogo con las tensiones propias de este territorio y su uso público, centrándose en las formas y estrategias que los trabajadores del sector utilizan para desarrollar su labor fuera de los marcos de la legalidad.

Esta muestra permanecerá abierta desde el 24 de agosto hasta el 29 de septiembre.

Inauguración sábado 24 de agosto al medio día en Factoría Santa Rosa, entrada gratuita.

Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábados y domingos, de 11:00 a 18:00 hrs.

«Vida onírica»

El artista canario Francis Naranjo, que ha decidido desde su Fundación, mirar a Latinoamérica como un “nuevo centro” que surge de una ruptura de las hegemonías europeas, en busca de miradas nuevas que nutran a un cansado Viejo Continente y al mundo todo.

Chile es sin duda, dentro de Latinoamérica, un referente con el cual ha establecido vínculos artísticos y de fuerte amistad.

“Naranjo plantea tres estadios o territorios interconectados en el espacio galerístico, los cuales en su recorrido permiten comprender la suerte de irrealidad contemporánea en una búsqueda desenfrenada por una individualidad que es esencialmente un sueño. Y el entorno del Barrio Franklin
resulta propicio escenario para la construcción de realidades oníricas, donde ¿quizás? podamos encontrar nuestras ausencias.”

Francis Naranjo con Carmen Caballero

curador: Carlos Javier Núñez

Persa del Arte, nueva versión

FACTORÍA SANTA ROSA INAUGURA NUEVO PERSA DEL ARTE CON LA PARTICIPACIÓN DE 40 ARTISTAS

Jueves 13, Viernes 14, Sábado 15, Domingo 16, Jueves 20, Viernes 21, Sábado 22 y Domingo 23 de junio de 2019, de 11:00 a 18:00 horas. Factoría Santa Rosa, Santa Rosa 2260, segundo piso, barrio Franklin de Santiago. Entrada gratuita.

  • En junio se realizará una nueva versión del Persa del Arte en Factoría Santa Rosa, la venta de arte más popular y masiva de Santiago. Entre los artistas participantes destacan Guillermo Núñez, Roberto Matta, Julia Toro, Conty Ragal, Hernán Gana, Gonzalo Cienfuegos, Jorge Brantmayer, Omar Gatica, entre otros.

Serán ocho días en que 40 artistas de primer nivel ofrecerán obras de distintos formatos y técnicas, como óleo o fotografía, con valores accesibles a todos los bolsillos ya que el espacio busca acercar el arte a públicos más amplios. Se trata de una nueva versión del mítico y popular Persa del Arte de Factoría Santa Rosa, ubicado en el corazón del persa Bío Bío, donde antes funcionaba la fábrica de textiles Musalem y que hace casi 10 años fue refaccionado y convertido en espacio de arte.

Los artistas convocados

Marcial Ugarte/ Felipe Lavin/ Rimer Cardillo/ Juan Castillo/ Ximena Rojas/ Marianne Hofmeister/ Conty Ragal/ Diego Romo/ Rolando Cisternas/ Felipe Rivas San Martín/ Rodrigo Vargas/ Paloma Maturana/ Ana Taulis / Iñaki Muñoz/ Julia Toro/ Gonzalo Cienfuegos/ Hernán Gana/ José Cárcamo/ Víctor Hugo Bravo/ Carlos Fernández/ Alex Chellew/ Claudia Osorio/ Jorge Brantmayer/ Mana Espinoza/ Josefina Cruzat/ Joaquín Henríquez/ Dominique Schwarzhaupt/ Jorge González Araya/ David Corvalán/ Camila Valenzuela von Appen/ Cristian Aninat/ Guillermo Núñez/ Robinson Mora/ Eugenio Tellez/ Daniela Domínguez/ Roberto Matta E/ Andrea Barrios/ Sebastián Riffo/ Camila Lobos/ Omar Gatica

«Erótica II»

Factoría Santa Rosa presenta Erótica II, segunda muestra de fotografías de Julia Toro

Entre el 27 de abril y el 26 de mayo de 2019, en Factoría de Arte Santa Rosa,  Santa Rosa 2260, segundo piso.  Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 horas.  Entrada liberada.

-La muestra reúne cerca de una cincuentena de fotografías que dan cuenta de los más de 40 años de trayectoria de la artista, su relación con el cuerpo y lo erótico y su predilección por el blanco y negro. La muestra también incluye pinturas inéditas de su autoría, 5 acrílicos sobre tela de medianos formatos, inspiradas en sus propias fotografías.

-La curatoría de Erótica II está a cargo del fotógrafo Rodrigo Gómez Rovira, director del Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso, FIFV.

Hasta el 26 de mayo se exhibirá Erótica II en la Factoría Santa Rosa, espacio que recibe y homenajea por segunda vez a la destacada artista, que comenzó el camino de la fotografía en forma autodidacta a comienzos de los ’70. Siempre con una mirada espontánea y curiosa, Toro expone una profunda reflexión estética sobre lo erótico como una pulsión de la mirada sobre el cuerpo y sus permanentes variaciones y contextos.

Dada su gran pasión por el mundo pictórico, Julia Toro también presenta por primera vez en su carrera cinco pinturas de mediano formato en base a imágenes de la propia exhibición, lo que le asigna a la muestra una faceta desconocida e insospechada. Al igual que en Erótica I realizada en 2013 en Factoría Santa Rosa, las imágenes muestran de manera sutil y poética la vida cotidiana, momentos íntimos, desnudos y registros eróticos en blanco y negro hechos a lo largo de su extensa y prolífera trayectoria.

En esta muestra no hay un discurso culpable ni abyecto, está la corporalidad de la experiencia cotidiana y  lo disímil en sus formas, adiposidades y texturas. La desnudez es el primer punto de quiebre de la estructura cerrada, que en la vida diaria tiene el otro, y en especial, el compañero o compañera erótico/a. La desnudez como antesala de lo erótico donde se quiere llegar a lo más íntimo del otro cuerpo o del sí mismo. Estas fotografías tocan lo más íntimo del ser, tocan el mismo lugar en el que se desfallece”, señala la escritora chilena Andrea Jeftánovic, amiga de la artista y admiradora de su obra.

Sobre la artista

Julia Toro nació el 18 de octubre de 1933 en Talca, Chile. En 1965 realizó estudios de dibujo y pintura con el artista Adolfo Couve. Posteriormente ingresó a estudiar grabado como alumna libre en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. A partir de los años 70 comienza a experimentar de manera autodidacta con la fotografía, disciplina en la cual ha permanecido hasta hoy. Realizó su primera muestra individual en 1979 en la Sala Arturo Edwards, del Instituto Chileno Británico de Cultura. En los 80´s registró las performances de Juan Dávila, Carlos Leppe, y Nelly Richard, trabajo que dio forma a la muestra Performance. Ha obtenido diversos premios y becas, entre los que destacan Fundación Andes (1999), FONDART (1992,1994, 1998, 2003, 2006, 2008 y 2010). Sus obras han itinerado por Chile, Estados Unidos y Europa. Su libro Amor X Chile (2010) recopila lo más destacado de su trayectoria.

«Cabezachorlito»

Estamos dando inicio a este nuevo año en Factoría Santa Rosa con la exhibición individual CABEZACHORLITO de nuestro artista residente Joaquín Reyes.

¡Cabezachorlito gobierna el Mundo!
Cabezachorlito es el producto final del Capitalismo.
¡Yo soy Cabezachorlito!

Inspirado en los fragmentos del poema Cabezachorlito de Allen Ginsberg, y de donde proviene el título de esta exposición, es que Joaquín nos invita a participar de un recorrido visual que incluye obras realizadas desde el 2017 hasta la fecha, la mayoría creadas en el 2018 durante su estadía como artista residente en Factoría Santa Rosa.

El concepto de mancha, comprendido por Jacques Lacan como un lugar nublado que poseen las imágenes a la que sólo se puede llegar desde cierta perspectiva y sólo para enfrentarnos a nosotros mismos, es el leitmotiv de esta exposición, en la cual el artista propone variadas dualidades en el plano material y conceptual: lo orgánico versus lo inorgánico, la mancha versus el plano, la abstracción versus la figuración, el sujeto versus el espacio, el triunfo versus el fracaso, la realidad versus la utopía y la vida versus la muerte.

CABEZACHORLITO PERMANECERÁ ABIERTA DESDE EL 9 HASTA EL 31 DE MARZO 2019.
Inauguración sábado 9 de marzo de 2019 al medio día, en Factoría Santa Rosa, entrada gratuita.
Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 hrs.

«Geometría infinita»

José Cárcamo. Destello 1×1 m, acrilico sobre tela, 2013
José Cárcamo. Nueva vida. 100 x100 cm. Acrílico sobre tela. 2007.
José Cárcamo. Infinito (tríptico) Acrílico sobre tela, 2,70 x 1,40 m 2015
José Cárcamo. Sin titulo 1×1 m acrilico sobre tela, 2013
José Cárcamo. Geometria infinita 150 x 100 m acrilico sobre lino 2018

Geometría infinita de José Cárcamo, se presenta como un recorrido visual que nos invita a visitar formas geométricas y abstractas, que a través de la calidad del color, la composición, el desplazamiento geométrico sobre la superficie bidimensional, conforman un equilibrio tal que nos sorprende.

En palabras del comisario Ismael Frigerio:

«Sus obras se componen de formas geométricas, abstractas y con una medida compositiva sorprendente, la que de alguna manera se relacionan con formas de estructuras matemáticas musicales por la que tiene una gran pasión. Esta última se hace presente en el ritmo, el contrapunto y el desplazamiento del color sobre sus geometrías desplazadas sobre el plano bidimensional, donde la tela en su estado puro, cruda, tiene una presencia a partir de la contra forma al  soporte pregnante del lino. Friedich Stowaser, conocido como Hunderwasser, artista Austriaco, multifacético que trabajó en pintura, escultura, alcanzando también trabajos arquitectónicos, es un referente impositivo en la obra de Cárcamo.»

ESTA MUESTRA PERMANECERÁ ABIERTA DESDE EL 15 DE DICIEMBRE 2018 HASTA EL 27 DE ENERO 2019.

Inauguración sábado 15 de diciembre de 2018 al medio día, en Factoría Santa Rosa, entrada gratuita.
Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 hrs.

«Sexo, Imagen y Algoritmos»

FARO ARTE CONTEMPORÁNEO INAUGURA LA MUESTRA «SEXO, IMAGEN Y ALGORITMOS” DE FELIPE RIVAS SAN MARTÍN

Inauguración viernes 14 de diciembre, 19:30 horas. 14 de diciembre al 25 de enero de 2019. Miércoles a domingo, 15:00 a 18:30 horas; sábado de 11:00 a 14:00 horas. FARO Arte Contemporáneo, Av. Apoquindo 5972, Metro Manquehue, Santiago de Chile. Entrada gratuita.

• Felipe Rivas San Martín presenta en esta muestra los resultados de la investigación doctoral que realiza en España denominada «Sexo, imagen y algoritmos”, sobre los efectos de la excesiva informatización de la vida cotidiana de las personas y de cómo aquello influye en su sexualidad.

• A través de una serie de instalaciones, que incluyen pinturas, documentos y archivos, el artista expone estudios que evidencian la manipulación de la ciencia a través de la historia, hoy apoyada por la tecnología, frente al cuerpo y la sexualidad de aquellos grupos marginados, de manera de perpetuar los paradigmas del poder.

• La muestra se inaugura en Faro, el proyecto de Factoría Santa Rosa presente en este espacio transitorio de galerías chilenas, ubicado en el corazón de Las Condes.

Felipe Rivas reside desde hace más de un año en Valencia, España, donde desarrolla un doctorado en arte de la Universidad Politécnica de esa ciudad, con la dirección del crítico y comisario Juan Vicente Aliaga. Durante gran parte de su carrera, el artista se ha abocado al análisis y estudio sobre temáticas en torno a la sexualidad, especialmente aquella marginada, y la inclusión del cuerpo en el arte lo que lo ha convertido en un investigador prolífero y un artista complejo y político.

Esta investigación doctoral titulada “sexo, imagen y algoritmos”, se centra en los efectos que está teniendo el proceso de informatización cultural en la vida humana, específicamente en la sexualidad contemporánea. Para ello, se ha dedicado a analizar ciertos proyectos científicos, como el del algoritmo que reconoce la orientación sexual de personas en base a sus rostros, desarrollado en 2017 por académicos de la Universidad de Stanford, USA. Este caso fue abordado en la residencia que el autor realizó en Río de Janeiro, Brasil, entre mayo y junio de 2018, en el centro de arte Despina, vinculándolo con los estudios biométricos y antropométricos realizados con sujetos homosexuales en ese país a principios del siglo XX, estableciendo una relación genealógica entre las tecnologías del pasado y las del presente.

“Estamos viviendo una transformación similar a la revolución industrial. Se trata de la revolución algorítmica. La realidad está siendo traducida o reducida a datos que son administrados tecnológicamente por los estados, el mercado o las policías. Hay una dimensión informática de la realidad y también de la sexualidad abrumadora y que sin duda afecta nuestra manera de estar en el mundo. Un ejemplo de ello es lo que estoy analizando, los algoritmos que identifican orientación sexual a partir del rostro. Este fenómeno reciente se conecta con las técnicas usadas por la ciencia en el siglo XIX, como la atropometría, que a través de la fisonomía de las personas asociaba características piscológicas y sociales determinadas. En un principio los objetos de investigación fueron los delincuentes y luego las mujeres y los homosexuales, es decir los marginados, lo que denotaba una fuerte carga de racismo, clasismo, prejuicios de género. Uso el concepto de ‘homosexual data’ para hablar de esa continuidad informática entre las técnicas recientes y las de hace más de un siglo. Los sujetos marginados llevamos mucho tiempo siendo reducidos a un conjunto de datos”, reflexiona Rivas.

Para el artista algunas investigaciones que se realizan en la actualidad son un revival de lo que ya había ocurrido en la historia del mundo, lo que es emblemático ya que esas lógicas que se creían obsoletas resurgen hoy bajo formas nuevas, gracias a la tecnología. Lidia García, investigadora de la Universidad de Murcia, afirma que esta muestra “interroga los resortes de la empresa neoliberal de medición, análisis y control del cuerpo humano, así como su papel en la estandarización de las identidades”.

Felipe Rivas San Martín (Valdivia, Chile, 1982)

Magister en Artes Visuales de la Universidad de Chile, actualmente vive y trabaja en Valencia, España, donde realiza el Doctorado en Arte de la UPV, como becario de la Comisión Nacional de Investigación Científica y Tecnológica, CONICYT.

Vincula la producción artística y el activismo sexo-disidente con la investigación, la escritura y la curaduría, en asuntos relativos a arte, política y tecnologías, teoría queer, posfeminismo, performatividad y decolonialidad. Desarrolla una producción indisciplinaria relacionando pintura, dibujo, performance, video, a través de la imagentecnológica, específicamente las interfaces gráficas de usuario (con el proyecto “Pinturas de interfaz”), los códigos QR (en el proyecto “Queercodes”).

Ha participado en muestras colectivas de arte en Chile, Argentina, Alemania, España, Perú, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, México, Suiza, Serbia, Nicaragua y Francia. Sus obras se encuentran en las colecciones de Fundación AMA y el Museo de Arte Contemporáneo de Chile. En 2002 funda el Colectivo Universitario de Disidencia Sexual, CUDS, espacio en el que participa hasta hoy. Ha sido director y editor de las revistas de temática queer Torcida (2005) y Disidenciasexual.cl(2009). Es coeditor (junto a Francisco Godoy Vega) del libro Multitud marica (2018).

FARO Arte Contemporáneo es un proyecto colaborativo inédito en Chile de un grupo de galerías de arte chilenas, destinado a dar vida a un valioso espacio de arte contemporáneo en un edificio habitacional del sector oriente de Santiago que pronto será demolido, rescatando así su memoria y el imaginario de una ciudad que va mutando. El proyecto se propone también constituir una plataforma del arte contemporáneo de América Latina en Chile.  La idea es reivindicar un espacio urbano que desaparecerá, al igual de que las historias que allí se cobijaron.

«Obras, textos y reflexiones»

OBRAS, TEXTOS Y REFLEXIONES DE GUILLERMO NÚÑEZ EN FACTORÍA SANTA ROSA

Entre el 13 de octubre y el 2 de diciembre de 2018, en Factoría de Arte Santa Rosa,  Santa Rosa 2260, segundo piso.  Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 horas.  Entrada liberada.

  • La exhibición «Obras, textos y reflexiones», curada por el artista Ismael Frigerio, incluye trabajos realizados en diferentes etapas de Núñez, destacando especialmente sus “libros de artista” donde mezcla caligrafía con dibujos.

Artista multifacético y complejo, Guillermo Núñez (Santiago de Chile, 1930) se ha desarrollado en distintos ámbitos de creación, integrando siempre diferentes disciplinas y desarrollando estrategias de expresión que lo han instalado como un creador excepcional. A pesar de su educación formal universitaria, se define como autodidacta, especialmente en la pintura. Su obra ha estado profundamente vinculada a los movimientos políticos de la historia contemporánea de Chile, siendo perseguido, encarcelado y torturado por la dictadura militar, hecho que marcó un hito en su vida y su obra. A partir de esa experiencia el tema de derechos humanos ha sido parte esencial de su trabajo.

La exhibición que presenta en Factoría Santa Rosa revela una faceta íntima, plasmada en gran parte en sus libros donde el artista reflexiona por medio de dibujos y caligrafía en dimensiones simultáneas. “El dibujo es la caligrafía del alma, es la impresión del ser íntimo que habla con la mano sin interferencia alguna”, dice convencido de que en otro nivel de existencia fue calígrafo japonés. Se trata de una veintena de libros de su autoría, que alguna vez fueron parte fundamental de las numerosas muestras que ha realizado en Chile y el mundo. A ello, se agrega una serie de seis pinturas o “paños” de gran formato y otras de menor tamaño que complementan la muestra.

Desde la escritura como gesto fundamental, el artista nos sumerge en una intimidad que nos hace comprender visiones y perspectivas en torno a la existencia. Sus reflexiones circulan desde lo místico y oriental, señalándonos un mundo distante, que converge en uno concreto y occidental. Allí el gesto lineal dialoga con el pictórico, donde el trazo, el color y la mancha son elementos fundamentales que nos transporta a travesías y meditaciones del artista a lo largo de su vida, y que en esta edad madura siguen sorprendiendo”, explica Ismael Frigerio, curador de esta muestra.

Guillermo Núñez se formó académicamente en la Universidad de Chile, donde en 1949 ingresó a la Escuela de Teatro y luego a la Escuela de Bellas Artes, siendo  alumno de Gregorio de la Fuente y de Pablo Burchard. En 1953 viajó a París donde estudió en la Academia Grand Chaumiére y en la Biblioteca del Arsenal y de la Opera. En esta ciudad conoció a Roberto Matta, quien influiría en los inicios de su trabajo. Más tarde, se trasladó a Checoslovaquia donde estudió grabado en la UMPRUM, Alta Escuela de Artes Aplicadas de Praga, en 1959. Ese mismo año, fue becado por el Ministerio de Cultura de ese país.

En los cincuenta Núñez viajó por Europa, donde conoció a grandes artistas, poetas y directores de cine. Luego de una estadía en Nueva York entre 1964 y 1965, regresó a Chile, donde desarrolló una muestra de dibujos creados en Estados Unidos, los cuales han sido considerados como el inicio de su incursión en la estética Pop. En 1970 se comprometió activamente con la campaña presidencial de Salvador Allende organizando diversas exposiciones con temáticas políticas. Se desempeñó como Director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) en 1971 y 1972.

Tras el Golpe militar, Guillermo Núñez fue detenido en dos ocasiones. La última de ellas constituye uno de los casos más emblemáticos de censura en la historia del arte durante la dictadura. En marzo de 1975, inauguró la muestra Printuras y exculturas, en el Instituto Chileno Francés. Allí, diferentes piezas se desplegaban inquietantes, como jaulas conteniendo objetos cotidianos y una corbata tricolor  que colgaba como horca, lo que motivó el cierre de la muestra, la detención del artista y su posterior exilio, hechos que marcarían su vida y obra. Su inquieta exploración a través de lo gráfico, la pintura, el dibujo, lo escenográfico, el objeto y el ejercicio literario, se mantiene incólume hasta hoy lo que lo convierte en un artista plenamente vigente.

“Trato de mostrar el dolor en la pintura, no puede ser fotográfico, porque eso no se puede transmitir. Intento que la pintura le produzca al espectador un cierto desasosiego, que lo haga reflexionar, y que él termine haciendo la pintura. El dolor es de dentro, no se puede ver desde afuera. Y en eso estoy desde hace cientos de años, de poder decirlo de alguna manera o poder explicármelo a mí mismo”, reflexiona el artista.

«CHILE»

 

Ana Maria Casas-Cordero. De la serie Chile en silencio. Fotografia digital. 48 x 63 cm.
Julia Toro. Amor por Chile. Fotografía análoga impresa sobre tela. 100 x 132 cm. 1983.
Marcial Ugarte. De la Serie Paisaje metafisico, fotomontaje digital, 2018.
Carolina Oltra. Tiempo sur, fotografía sobre aluminio, 100 x 120 cm.
Felipe Lavin, UpPanorama, Instalación, Fotomontaje digital, 140 x 140 cm, 2017.
Cuti Asle. Medidor 11. Lota, Chile, Fotografia digital, medidas variables.
Caiozzama. PAL Q’ LEE, 73 x 110 cm edición 1/3, Fotografía digital de intervención impresa sobre papel fotográfico 260 gr libre de ácido. 2017.

ESTA MUESTRA PERMANECERÁ ABIERTA DESDE EL 7 DE JULIO HASTA EL 5 DE AGOSTO 2018.
Inauguración sábado 7 de julio de 2018 al medio día, Factoría Santa Rosa, entrada gratuita.
Avenida Santa Rosa 2260, segundo piso. Abierto sábado y domingo, de 11:00 a 18:00 hrs.

La exposición colectiva de fotografía “CHILE”, presenta diversos trabajos de artistas en torno a la fotografía y el territorio. Las diversas técnicas que han derivado de ambos conceptos se conforman como soportes y medios, que a través de la instalación, del registro a modo de archivo y de la contemplación, nos invitan a apreciar las distintas visualidades reflexivas y experimentales sobre la condición de la fotografía en la contemporaneidad.

Entre los convocados se encuentra la destacada fotógrafa Julia Toro, formada durante los años setenta en Chile, compone sus registros desde la óptica, transitando por la luz y la captura, obteniendo así conceptos específicos que retratan el contexto social. La obra que se exhibe en Factoría, nunca ha sido expuesta con anterioridad en ningún espacio cultural. Continuando con una perspectiva social, Cristian Inostroza registra a diferentes personas en una instalación de un quirófano en la explanada adyacente a el ex hospital Ochagavía “Elefante Blanco”, edificio que hoy se convierte en el Centro Logístico Empresarial Núcleo Ochagavía, proponiendo una reflexión crítica a la historia política nacional. Cristián Aninat, por medio del antagonismo formal en sus composiciones nos manifiesta la reflexión del ser humano, su contexto y su geografía. Cuti Aste, a través del retrato y la reiteración de un objeto cotidiano, propone un registro social de la identidad nacional: el cuidado representado a través de fuertes colores en contraposición con el deterioro del material causado por la acción del medio ambiente. Por otra parte, Caiozzama nos invita hacia una lectura callejera y actual de lo social, donde a través de sus collages urbanos mezcla citas de la historia del arte con modismos y humor local. Así mismo, Felipe Lavín nos muestra otra esfera urbana, sus composiciones del interior del metro nos muestran la intimidad y soledad de la sociedad contemporánea.

En paralelo, Ana María Casas nos convoca a contemplar el paisaje desde un rescate emocional de la belleza y poesía visual encontrada en su naturaleza. En suma a lo anterior, Carolina Oltra nos presenta la naturaleza como un misterio poético, donde la luz y las sombras crean una atmósfera mágica, profundizando en las relaciones y los conceptos de la pintura y la fotografía. Por último, Marcial Ugarte propone paisajes y escenarios desde su imaginario fotográfico, lo surreal que caracteriza sus composiciones nos invitan a dar un paseo en nuestros propios pensamientos y narrativas oníricas.