«Contracorriente 2016 – 2017, Luis Poirot»

1 de septiembre 2017 a enero 2018
Lunes a domingo | 9:00 a 19:30 horas
Galería Fotografía Chilena | Nivel -3 Centro Cultural La Moneda.

Centro Cultural La Moneda y el área de fotografía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) presentan la exposición Contracorriente 2016 – 2017, del destacado fotógrafo chileno Luis Poirot, Premio a la Trayectoria en Fotografía Antonio Quintana 2016.

En la exposición “Contracorriente 2016 – 2017, Luis Poirot” retrata el reencuentro con lugares y personas significativas a lo largo de su vida, su familia, sus amigos y también el diálogo con las nuevas generaciones. Un viaje, según el propio artista “para huir de la nostalgia y buscar la lucidez”, motivado luego de haber obtenido la primera versión del Premio a la Trayectoria Fotográfica Antonio Quintana, el año 2016, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes para reconocer el aporte significativo a la práctica, reflexión y difusión de grandes artistas en esta disciplina.

La muestra reúne 62 fotografías presentadas en copias de platino y paladio, proceso artesanal que dejó de usarse en los años treinta por costo y dificultad, y que este reconocido fotógrafo quiso rescatar especialmente para dar vida a esta exposición.

Luis Poirot también ha recibido premios tales como: Nikon International Contest (1968 y 1970)Foto- Press España (1984 y 1985), PremioAnsel Adams, reconocimiento del Instituto Chileno Norteamericano de Cultura (1994) y la Medalla de Honor Presidencial Centenario Pablo Neruda (2004), entre otros.

Galería Fotografía Chilena es un espacio de colaboración entre el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y el Centro Cultural La Moneda, que fomenta el trabajo de fotógrafos nacionales, uniendo el oficio de los curadores y autores chilenos.

«Máscaras y memoria»

Viernes 25 de agosto al sábado 30 de septiembre de 2017 / Lunes a viernes, 10:00 a 19:00 horas / Sábados: 10:00 a 14:00 horas / Sala de Arte Las Condes. Apoquindo 3300 – piso 2

¿Qué relación tiene el arte con la enfermedad? ¿Puede una enfermedad proyectarse en los procesos creativos? ¿Puede un artista por medio de su obra hacer reflejo de una enfermedad que no padece? La exposición Máscaras y memoria busca unir estos aspectos, retratando a través del arte y la fotografía la transición de quienes padecen la enfermedad de Alzheimer, al convertirse paulatinamente en alguien diferente a quienes fueron.

El reconocido fotógrafo José Luis Rissetti encabeza este proyecto que se inició en 2015, al invitar a una veintena de artistas plásticos de diferentes edades y ámbitos, para que pintaran sus miedos y fantasmas, en una máscara elaborada con sobres de papel kraft. La intención era que reflejaran lo que sería desdibujarse en un otro que no les pertenece y situarlos dentro de un contexto que los descolocara.

Una vez finalizada esa primera etapa creativa, cada artista fue fotografiado con su bolsa de papel intervenida cubriéndole la cabeza en un lugar específico en el cual se ven potenciadas las sensaciones de abandono, soledad, angustia, dependencia y deterioro.

La idea de las máscaras radica en mostrar en cuántas personas se puede convertir un ser con este mal. Ellas buscan demostrar al espectador, de un modo simple, este devenir en otro, en otros. “Al solicitar que cada artista busque su máscara, permitimos que se cuestione quiénes somos, quiénes son las personas en nuestras vidas, en cuántas personas llegamos a convertirnos a la vez y cuán nobles y oscuros podemos llegar a ser, incluso cuán efímera es nuestra existencia y cuán fácil es que perdamos todo aquello que hemos construido”, expresa Rissetti.

A través de este proyecto interdisciplinario se busca impactar a los espectadores respecto de cómo el mal de Alzheimer afecta la vida de quienes la padecen, de quienes viven junto a ellos y permitir un acercamiento artístico para todos aquellos que no la viven diariamente.
“Con la presente muestra –señala Guillermo Carrasco Notario, teórico del arte- el fotógrafo José Luis Rissetti vuelve a sus investigaciones visuales sobre el tema de la memoria, iniciadas el año 2012 con Rissetti al cuadrado, donde intervino, con borrones y dibujos de su hermana Celeste, una serie de negativos de su padre también fotógrafo, a quien la enfermedad de Alzheimer llevó a la muerte”.

Y agrega: “Como suele ocurrir con el trabajo de este artista, su obra traspasa los límites de lo estrictamente fotográfico, como en su muestra Retrato de ciudad, de 2009, donde presentó esculturas construidas con sus fotografías, y un mural volumétrico de grandes dimensiones”.

En Máscaras y memoria, lo fotográfico es el resultado de un proceso complejo de reflexiones y convocatorias a otros artistas para que hicieran su propia meditación sobre la memoria.

Para Carrasco hay una dimensión conceptual que tiene que ver con la pérdida de la memoria que en casos extremos involucra el deterioro de funciones básicas del organismo. “Fotografiarse con un cambucho cubriendo el rostro simboliza la pérdida de conciencia de la propia identidad, el borrón doloroso de la auto imagen, la quebrazón del espejo de la memoria, que en la definición poética de Borges nos conforma en su compleja conjunción de cambios y permanencia. Pero en otro plano, resulta interesante, en esta época de selfiesdesenfrenadas, el fotografiarse sin rostro, con un cambucho intervenido en la cabeza, experimento extremo cuando la hiperabundancia de autofotografías termina por devaluar la imagen”.

Las fotografías fueron realizadas con cámara digital en blanco y negro, lo que se complementó con elección de la locación adecuada, generando una nueva atmósfera, mundos llenos de emociones y sensaciones como la intranquilidad, el desconcierto y el vértigo.

Los artistas retratados son Andrea Leria, Ana Naveira, Andrés Vío, Caiozzama, Celeste Rissetti, Francisco Bustamante y Pavel Loparev, Gina Oses, Guillermo Carrasco, Hugo Marín, Javiera Moreira, Johanny Angulo, Juana Gómez, Lise Moller, Loreto Carmona, “Loro” Coirón, Patricia Velasco, Pilar Ovalle, Roser Bru, Roberto Acosta, Sonia Etchart, Tite Calvo, Matías Movillo y Josefina Guillisasti.

«Salvador Dalí íntimo»

Viernes 11 de agosto al Domingo 29 de octubre de 2017 / Martes a domingo, 10:00 a 18:00 horas / Casas de Lo Matta, Av. Pdte. Kennedy 9350, Vitacura.

  • Una muestra única de la vida del genio español retratado a lo largo de más de 40 años de amistad, por su amigo, el francés Robert Descharnes.
  • La exposición, compuesta por 171 fotografías inéditas y jamás expuestas en Sudamérica, abrirá sus puertas el 11 de agosto y permanecerá hasta el 29 de octubre en Casas de Lo Matta.
  • Gracias a estas imágenes el público conocerá al genio y su manera excéntrica y particular de ver la vida, y también en su faceta más íntima y personal.

Salvador Dalí posando con un cuerno de rinoceronte como sombrero. Flotando en la bahía de Cadaqués. Caminando junto a su amigo Marcel Duchamp… o paseando en un Cadillac acompañado de Gala, su mujer. De fondo una de las obras que creó junto al diseñador Christian Dior.

Son sólo algunas de las 171 imágenes que conforman “Salvador Dalí Intimo”; una muestra única e inédita que trae a Chile la Corporación Cultural de Vitacura.  Una oportunidad imperdible de ver al artista más allá de sus obras, de conocer a “uno de los máximos representantes del surrealismo, famoso tanto por su maestría artística como por su excentricidad y su impactante manera de ver la realidad”, enfatiza Raúl Torrealba, Alcalde de Vitacura y presidente de la Corporación Cultural.

Un extenso trabajo de revisión de más de 6.000 negativos que realizaron Pere Vehí, Nicolás Descharnes (hijo de Robert) y Julio Niebla, curador de la muestra, concluye así en esta extraordinaria exposición: el testimonio gráfico de la vida del pintor que realiza su amigo, colaborador y confidente, Robert Descharnes entre 1951 y 1989.

Una selección del ensayista y fotógrafo francés (1926-2014), que conoció a Dalí en 1950 y se convirtió en el hombre de confianza del artista. Su trabajo además de ser un testimonio, es también un trabajo de gran calidad estética.

Las fotografías de Descharnes, son mucho más que un mero documental”, afirma el curador Julio Niebla, pues aquello que capta el ojo del fotógrafo, “está impregnado de gran belleza plástica, donde la composición, la iluminación y el encuadre, tienen una gran importancia”, agrega Niebla.  Y señala que en las bellas imágenes expuestas en la Casa Patrimonial de Vitacura, se podrá contemplar al español “pintando, preparando esculturas, disfrutando de sus amigos, en momentos de ocio, con sus más estrechos colaboradores, en escenas surrealistas, en momentos de amor con Gala…”, concluye.

«El Santiago que se fue: Archivo fotográfico patrimonial»

Sábado 5 de agosto al Domingo 17 de septiembre de 2017 / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas / Casa Museo Santa Rosa de Apoquindo. Padre Hurtado Sur 1195 y Visviri 1200.

Siempre bajo el criterio de resaltar nuestro patrimonio, la Casa-Museo Santa Rosa de Apoquindo reabre su sala de exposiciones temporales con la muestra EL SANTIAGO QUE SE FUE, una selección de más de 60 fotografías antiguas de la ciudad, tomadas durante los primeros años del siglo XX y recopiladas durante años por el Centro de Restauración y Rescate Patrimonial Brügmann.

Durante varios meses, la Casa-Museo fue sometida a la reestructuración y reformulación de sus diferentes espacios, ordenando y ampliando la Colección de Pintura Chilena de Las Condes, y otorgando un lugar especial a las muestras temporales. Como la conexión con el patrimonio se vive muy fuerte en Santa Rosa de Apoquindo, se eligió la exposición de antiguas fotografías para inaugurar la nueva sala temporal. “La gran mayoría de las imágenes se muestran por primera vez y dan cuenta del impresionante cambio de la ciudad, producido en gran medida por los terremotos y, también por la ceguera histórica con respecto a la conservación del patrimonio urbano”, agrega Court.

Las fotografías provienen principalmente de donaciones anónimas de personas que conservaban imágenes fotografías familiares, de manera que muchas de ellas se exhiben por primera vez al público. Luego de seleccionarlas, limpiarlas y digitalizarlas, Brügmann las guarda celosamente en gavetas especiales, para que este invaluable patrimonio se conserve para la posteridad.

Integrado por los conservadores y restauradores Fernando Imas Brügmann, y Mario Rojas Torrejón, formados en la Universidad Internacional SEK, el centro Brügmann nació en 2008 con la intención de acercar el patrimonio a todos los chilenos. Una colección que permite al público conocer distintos fragmentos de nuestra historia, aprender en torno al patrimonio y así difundirlo, e incrementar la rica memoria histórica. Edificios, parques, calles y personajes olvidados o desconocidos, dan vida a una época que se fue.

Posiblemente el público se sorprenda al ver una ciudad tan distinta, edificada según la estética del París de Haussmann, con grandes avenidas flanqueadas por edificios de altura uniforme y extensos parques que contenían lagunas artificiales. Lamentablemente, producto de nuestra situación sísmica, todo ello se destruyó y ahora sólo nos quedan las viejas fotografías. Un inolvidable viaje al “Santiago que se fue”.

World Press Photo 2017

28 de julio al 27 de agosto de 2017 / Lunes a viernes, de 9:00 a 20:00 horas; Sábados y domingos, de 11:00 a 20:00 horas / Espacio Fundación Telefónica. Av. Providencia 127. Metro Baquedano.

Lo mejor del fotoperiodismo mundial se presenta una vez más en Chile

WORLD PRESS PHOTO 2017 LLEGA NUEVAMENTE A ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA 

  • Edición Nº60 del concurso de fotoperiodismo profesional más prestigioso del mundo.
  • 143 imágenes en exposición.
  •  Desde el 28 de julio.
  • De lunes a domingo con entrada liberada.

 La muestra que estará en exhibición desde el 28 de julio en Espacio Fundación Telefónica, trae como World Press Photo of the Year a la fotografía de Burhan Ozbilici (arriba), quien también ganó el primer premio en la categoría de Spots News Stories.

Este reconocimiento, el de World Press Photo of the Year, se entrega al fotógrafo cuya creatividad visual y habilidades lograron una imagen que captura o representa un evento o tema de gran importancia periodística en el último año.

La fundación World Press Photo es un actor importante en el desarrollo y promoción del periodismo visual. A través de algunos de los premios más prestigiosos en fotoperiodismo y narración digital, es una exposición vista por más de cuatro millones de personas cada año en todo el mundo. Vía de debates globales y extensos programas de investigación y capacitación, buscan inspirar, educar y apoyar a los fotoperiodistas, entregando nuevos conocimientos y generando nuevas perspectivas.

TALLERES WORLD PRESS PHOTO 2017 PARA ESTUDIANTES Y DOCENTES

Junto a la exposición de WPPh 2017, se ha diseñado material educativo especial para estudiantes y docentes, en disciplinas tan variadas como: Artes Visuales, Lenguaje y Comunicación, Historia, Geografía y Ciencias Sociales, Tecnología y Ciencias Naturales.

Las inscripciones se pueden realizar en el correo espaciofundacion.cl@telefonica.com o al teléfono +56 2 2691 4432

Más información en http://espacio.fundaciontelefonica.cl/evento/world-press-photo-2017/

Primer Museo Pop Up de la Infancia

Museo Pop Up de la infancia
Root 563, esquina San Isidro, Metro Santa Lucía (Museo Taller).
Fecha: 22 de julio.
Horarios: de 17 a 21 horas.

El 1er Museo Pop-Up aparecerá (y desaparecerá) el sábado 22 de julio. Con sólo cuatro horas de vida irrumpirá desde 17 horas hasta las 21 horas en el Museo Taller, ubicado en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

La muestra fotográfica se realiza gracias a la colaboración del público. Un centenar de personas participaron, la diversidad de historias y generaciones permitirá que la muestra abarque cinco décadas, desde 1950 al 2000.

La iniciativa es la primera intervención urbana organizada por el colectivo VAM! (Vamos al Museo) y está inspirada en los recintos que se encuentran cerrados tras el terremoto de 2010, entre ellos el Museo Infantil, ubicado en el Parque Quinta Normal.

No hay plazo que no se cumpla, ni museo que no se aparezca.

El sábado 22 de julio a las 17:00 podrán conocer y ser parte del 1er Museo Pop Up de la Infancia, organizado por el colecitvo VAM! (Vamos al museo).

Tras una convocatoria abierta entre mayo y junio, se recibieron un centenar de fotos en las que el público compartió sus imágenes más queridas y las historias tras ellas. Ahora llegó el momento de conocer las que han sido seleccionadas y que son parte de la muestra de 65 registros de la infancia chilena. «Estamos muy emocionadas y agradecidas por el recibimiento y la confianza que la gente a puesto en nosotras, entregándonos parte de sus recuerdos, para hacer todos juntos este museo ciudadano», explica el equipo organizador.

La muestra será un recorrido nostálgico, gracioso y emocionante que abarcará un periodo de cincuenta años, desde 1950 hasta el 2000.

El museo fugaz aparecerá en el Museo Taller, quienes colaboran con el proyecto facilitando sus salas de exhibición. A partir de las cinco de la tarde y hasta las nueve de la noche, encontrarán el Museo Pop Up, cuya vida será de cuatro horas en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

Parte de la apuesta es que el público, su familia y amigos, sean tanto espectadores como creadores y que además jueguen a ser niñ@s nuevamente. Durante la apertura del museo habrán distintas instancias de participación: juegos, disfraces, pintacaritas, retratos, cuentacuentos y la presentación en vivo de Niña Tormenta, quien tocará a las 19 horas.

La muestra busca poner en el centro a las personas y como éstas se vinculan afectivamente con la colección y contenidos de los museos del país. El 1er Museo Pop-Up de VAM! está inspirado en las instituciones cerradas tras el terremoto del 2010, entre ellas, el Museo Infantil ubicado en el Parque Quinta Normal.

La muestra cuenta con la colaboración Migo Laboratorio, gracias a ellos, las fotos estarán a la altura del mejor de los museos breves.

¡L@s esperamos!

«Cordón de Plata»

La inauguración se realizará este sábado 22 de julio a las 13:30 horas, en el exterior del Torreón del Centro de Eventos Vista Santiago, y permanecerá abierta sólo durante los fines de semana hasta el domingo 6 de agosto entre las 10:00 y 19:00 horas. La entrada es liberada.

Por primera vez, el arte contemporáneo llega al Torreón del Cerro San Cristóbal bajo la administración del centro de eventos Vista Santiago. Este icónico lugar, poseedor de una de las vistas más privilegiadas del paisaje urbano y natural de la ciudad, exhibirá Cordón de Plata, instalación basada en fotografías y piezas escultóricas, de la artista chilena Fiorella Luna.

La exposición es un ‘site specific’ (obra hecha para el lugar), que a través de dos telas instaladas desde el techo del torreón, fotos tomadas por la artista y piedras recolectadas desde diversos lugares del país, explora las relaciones entre el paisaje, su habitabilidad y la poesía visual.

Cordón de Plata reflexiona sobre la importancia mítica de los cerros en la cultura en el entorno natural y urbano de Chile. Las fotografías, impresas sobre planchas de aluminio muestran diversas cumbres de nuestro país, las que, acompañadas de una maqueta a escala del Cerro San Cristóbal y hallazgos geológicos de la artista, hacen de la instalación una reflexión poética de la geografía nacional, en el corazón del Parque Metropolitano.

«7 paisajes»

(o también «Siete paisajes»)

Desde el 20 de mayo hasta el 23 de julio de 2017 / Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio. Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida. Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 horas.

Museo sin Muros presenta un proyecto del curador Carlos Montes de Oca, con obras de Luis Ladrón de Guevara, Marina Piracés, Francisca Montes, Roberto Pasminio, Felipe Lavín, Patricio Vogel y Luis Weinstein.

La exposición, que cuenta con la curatoría de Carlos Montes de Oca, reúne obras que aproximan al tema del paisaje, conectando imágenes del exterior donde surgen la naturaleza y la ciudad asociadas al recorrido de la mirada, centrándose preferentemente en el país que habitamos. En el vertiginoso siglo de las imágenes, estos artistas ofrecen momentos de aproximación al reconocimiento del mundo o una reflexión sobre lo que vemos, experimentando en los soportes, con técnica digital o análoga, y nos obligan a retomar el tema de la desconexión con que la sociedad avanza sin considerar nuestro alrededor.
Marina Piracés con tres fotografías nos introduce en la naturaleza, borda sobre imágenes de los valles. Organismos vegetales son demarcados o acentuados por la manualidad del bordado a modo de una intervención leve o tenue sobre la superficie de la imagen. Se podría establecer un paralelo entre el bordado y la pintura como señalando un segmento de este ciclo.
Francisca Montes realiza un recorrido aéreo por la latitud 33, la presencia de la geografía se hace visible y potente desde la altura. Desde el aire es posible introducirse por zonas ocultas o lugares inciertos, la imagen hace retornar a la territorialidad y ser protagonistas en medio de las alturas, anclados a la sola memoria entre el azar y lo predeterminado.
Luis Ladrón de Guevara presenta una obra contextualizada por los conceptos de orden y estructura, donde el tiempo va cediendo paso a la composición de líneas, sombras, reflejos de la luz sobre objetos cotidianos, llevando a otro lugar o haciendo revivir lo cotidiano, al incorporar faenas de la gran industria o el trabajo artesanal en el campo y el mar.
Roberto Pasminio fragmenta el Norte Grande de Chile, recorre una serie de visiones territoriales, que conectan al gran espacio del desierto y las cordilleras. Permite sobrevolar con la mirada las superficies abruptas y enarenadas, las rocas volcánicas y altas mesetas, que como escenarios abstractos, se van impregnando de la espacialidad y el silencio.
Felipe Lavín presenta la nueva arquitectura de la capital invitando a ser parte de las nuevas construcciones que rodean el cotidiano. Luego van apareciendo geometrías que agrupadas conjugan espacios comunes y lugares distantes.
Patricio Vogel lleva al gran exterior del poderío de Los Andes, la cordillera como cierre y la frontera, la expresión dura de la geografía, conectando los opuestos frío-cálido, sólido-líquido, irregular y plano, que van demarcando la extensión de otro territorio, allí donde este gran accidente rocoso, impenetrable, queda sostenido e iluminado solo por palabras.
Luis Weinstein presenta una panorámica del gran Santiago, tanto en el trazado como en su recorrido. Con una imagen secuencial acerca al movimiento del convulsionado mundo de la calle, escenario donde se plantea un juego entre el transcurso y la propia imagen, como si fueran palabras confundidas sobre un ruido de pasos.

«Simbiosis del habitar»

17 de junio al 20 de agosto de 2017 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00; Domingo 11:00 – 18:00 horas / MAC Quinta Normal, Salas 7 y 11, Matucana 464. Metro Quinta Normal.

El Museo de Arte Contemporáneo, presenta Simbiosis del habitar, exhibición de la artista Carla Motto, que tensiona la relación entre el hombre y la máquina. La propuesta se despliega en dos salas que reflexionan en torno a la adaptación de las personas a los artefactos tecnológicos y la consecuente mutación del cuerpo. La obra fue escogida por Anilla MAC, unidad del museo especializada en artes mediales, para integrarse a su programación curatorial 2017.

En la primera sala, una fotografía de Caleta Coliumo, proyectada a gran escala, es intervenida por el público cuando se activa un sensor infrarrojo. Así, otro grupo de imágenes, inspiradas en las siluetas de los habitantes de Coliumo modifica el paisaje y lo hace suyo.

En la segunda sala de la exhibición, los Simbiontes emergen como figuras espectrales que la artista identifica a raíz de la interdependencia, o simbiosis, que se genera entre las herramientas utilizadas por las personas al ejercer un oficio y las relaciones sociales, culturales y económicas al interior de determinadas comunidades locales.

El proyecto fue ganador del Concurso de Creación e Investigación Artística 2016, del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, y como parte de su desarrollo la artista realizó una residencia en Casa Poli, en la región del Biobío. Durante semanas Motto convivió con pescadores, constructores de embarcaciones, tejedores de redes y algueras de la península de Coliumo, lo que le permitió entender los cambios que el cuerpo experimenta cuando, durante años, se utilizan herramientas y maquinarias propias de los oficios de la zona.

«Patagonia, paisajes y espíritus»

8 al 30 de julio de 2017 / Horario: Lunes a Viernes, 10:00 a 17:00 horas; sábados, domingos y festivos: 10:00 a 16:00 horas. Galería Arte & Diseño. Fernando Márquez de la Plata 0120. Barrio Bellavista.

Exposición colectiva de Rosa Olavarría, Manuel Castillo, Cecilia Heredia y Brisa Sánchez.

Exposición fotográfica y representaciones de espíritus Selk´nam (arte objeto).