«Rush – La vida en la velocidad de la espera»

Miércoles 5 Julio al Domingo 6 de Agosto de 2017 / Martes a Viernes, 10:00 a 21:00 horas / Sábado y Domingo, 11:00 a 21:00 horas
Sala Artes Visuales GAM.

El tráfico de la Región Metropolitana inspira esta instalación fotográfica y sonora de los holandeses Roderik y Fay Henderson.​

Rush – La vida a la velocidad de la espera, es una exposición de carácter gratuito y estará abierta al público en la Sala de Artes Visuales de GAM hasta el 6 de agosto.

Cuarenta imágenes y una banda sonora sobre la vida dentro de un auto que no puede avanzar. En eso consiste, Rush – La vida a la velocidad de la espera una exposición sobre la hora del taco en Santiago de Chile que revela la dicotomía que presenta el uso del coche con respecto al espacio privado y colectivo en la sociedad.

La muestra investiga este lugar de encuentro por naturaleza, como son las calles, pero donde vivimos individualmente dentro de nuestros vehículos.

En el frío invierno canadiense, Rod Henderson se dedicó a observar los autos que se detenían en los estacionamientos y bencineras en las carreteras. Ahí fotografió a las personas que se abrigaban en sus autos durante el largo camino a casa. El resultado fue Transvoid, una serie de fotografías que ganó el primer premio de la categoría retratos del Word Press Photo 2010. Rush – La vida a la velocidad de la espera, es la continuación de ese proyecto, y esta vez, tomadas de la realidad santiaguina.

En distintas horas, con distintos climas, entre enero y junio de este año, Rod Henderson retrató a personas dentro de autos inmóviles en horas de alto tráfico en Santiago y sus alrededores. La exposición reúne 40 de esas imágenes, instaladas en cajas de luz, que incluyen entre retratos, detalles y paisajes urbanos.

Para la muestra, Fay Henderson creó un paisaje sonoro basado en los sonidos del tráfico, inspirado en frenos, máquinas y voces, que inundarán al público para sumergirlos en el día a día del automovilista: «Las grabaciones de audio del tráfico y los sonidos de la ciudad, son sólo materia prima para una composición, donde el sonido agudo de los frenos de grandes vehículos se convierte en canciones de mecánicos pájaros imaginarios, donde el tráfico registrado desde edificios altos se convierte en el retumbar de los ríos y donde las voces intangibles de las personas se transforman en un zángano subterráneo».

“Me interesa revelar la dicotomía que presenta el uso de nuestros vehículos. En este proyecto los vehículos son revelados como dominios solitarios en el tiempo y el espacio, islas privadas de confort y tranquilidad en un mundo excesivamente agitado”, explica el fotógrafo holandés radicado en Chile.

Rod Henderson ha sido galardonado con el primer premio de la World Press Photo (2010) y el Sony World Photography Awards (2011), ambos en la categoría retratos. Su trabajo ha sido publicado en revistas y libros de todo el mundo y sus fotografías han sido expuestas en galerías y museos de Tokio, Nueva York, Ciudad de México, París, entre otras importantes ciudades.

«El Polín de Pilén»

Inauguración Viernes 19 de Mayo, 19:30 hrs.

La exposición estará abierta hasta el Domingo 19 de Julio de 2017.

Nicolás Azócar y Florencia Infante, directores de Fundación Tajamar, te invitan a la inauguración de la muestra de la artista nacional, Fabiola Hernández.

La intervención, consta de una serie de objetos y dibujos que se basan en un folleto educativo de la Corporación Chilena de Madera (1973), el cual recrea la preocupación de una familia de pinos, particularmente, del “hijo-pino” que está perturbado por la amenaza que implica que su comunidad sea manipulada por las manos del Estado. Recordemos que al año siguiente, se decreta la Ley Forestal 701, que protege la industria privada y marca el despliegue definitivo de esta industria.

Para poner en tensión, F. Hernández instala aleatoriamente plintos de pino radiata impregnado, en los que dispone reproducciones en resinas, de lozas realizadas por ceramistas de la VII región, de la localidad de Pilén. Así, este proyecto intenta archivar, a partir de moldes, lozas únicas que toman como referencia el trabajo de las alfareras de Pilén. En estas reproducciones, se deposita la savia pinácea en estado líquido para luego solidificarse. Esta materialización, nos hace recordar que casi el 90% de la producción forestal del país se centra en esta especie introducida.

De este modo, la suma de estos factores generan un detonante: la paradójica hipótesis que esta industria aporta tanto a la sequía de las napas subterráneas como a la captura de carbono. En esta instalación, la disposición de los elementos intentan contrastar el balance de un ecosistema que fluctúa entre la producción del capital cultural versus otro de carácter económico.

«Pluvium» de David Scognamiglio

Inauguración: Martes 9 de mayo de 2017, 20:00 horas.
Desde el miércoles 10 de mayo al miércoles 21 de junio de 2017.
Lunes a viernes, 10:30 a 19:00 horas.
Sábado, 10:30 a 13:00 horas.

El Instituto Italiano de Cultura presenta la exposición «Pluvium» del joven y renombrado artista italiano David Scognamiglio: una instalación de agua y luz que envuelve, a través del uso purísimo de estos dos elementos, las salas del IIC en una nueva dimensión sensorial en vilo entre misticismo y minimalismo, matérico y metafórico, particular y universal.

Galería Weekend Santiago

Galería Weekend Santiago reunirá a más de 25 galerías y espacios de arte durante 3 días

• Las actividades comenzarán el viernes 5 con inauguraciones simultáneas en todas las galerías participantes, conversatorios, visitas guiadas el sábado durante el día y una fiesta en la noche. El domingo las exhibiciones permanecerán abiertas durante todo el día.

• La iniciativa ofrecerá la posibilidad de ver el trabajo de más de 60 artistas locales y extranjeros.

Con el objetivo de generar más encuentros entre galerías, artistas y el público, nace Galería Weekend Santiago, que durante el 5, 6 y 7 de mayo tendrá a las principales galerías de Santiago como escenario de una serie de exhibiciones especiales, visitas guiadas, conversatorios y perfomances.

GALERIAS PARTICIPANTES:
•GALERÍAS AGAC
AMS MARLBOROUGH / ARTESPACIO
CO / DIE ECKE / EKHO GALLERY / FACTORÍA SANTA ROSA
GALERÍA ESPORA / GALERÍA NAC / ISABEL ANINAT
ISABEL CROXATTO / LA SALA / PATRICIA READY / XS

•OTRAS GALERÍAS Y ESPACIOS
ARTIUM / GALERÍA GABRIELA MISTRAL / GALERÍA LIRA
GALERÍA TAJAMAR / LOCAL ARTE CONTEMPORÁNEO / MADHAUS / MUTT / PERRERA ARTE / POSADA DEL CORREGIDOR
SAGRADA MERCANCÍA / SUPERESPACIO / TALLER EL LEÓN
YAEL ROSENBLUT en conjunto con GALERIA CIMA

PROGRAMA

VIERNES 5 DE MAYO

•19:00
Inauguraciones simultáneas en todas las galerías (gratis)

SÁBADO 6 DE MAYO

•Todo el día
Programa de Visitas Guiadas (gratis, previa inscripción en http://galeriaweekend.cl/visitas-guiadas/)

•12:00 a 20:00
Galería Abierta (gratis)
Conversatorios, música en vivo, carros de comida, publicaciones de arte.
Lugar: Palacio Schacht de Providencia
(Nueva Providencia 1995, Metro P. de Valdivia
http://galeriaweekend.cl/galeria-abierta/

DOMINGO 7 DE MAYO

•Todo el día
Programa de Visitas Guiadas (gratis, previa inscripción en http://galeriaweekend.cl/visitas-guiadas/)

•15:00 a 21:00
Clausura Galería Weekend Santiago (Por invitación)
Dj Haiti
Lugar: Galería Mutt (Sancho de La Hoz 3470, Vitacura)

«Graffiti Virtual»

«Graffiti Virtual“ de Jaime Ferrer se basa en la transgresión de objetos, utilizando una imagen hecha luz para componer una obra visual.

GRAFFITI VIRTUAL

“Me atrevo a decir que, desde la Época Feudal, la palabra ignorancia adopta un dejo peyorativo en el lenguaje de la cultura occidental. Para mí, esta palabra es el comienzo y motor de todo lo que hago. Compartir mi experiencia es parte de mi ser y mi obra”.

Graffiti Virtual es un proyecto artístico pictórico que comienza con la necesidad de comunicar un problema social que, para Jaime Ferrer, nos afecta a todos.

A lo largo de su carrera artística, el mensaje de su obra se ha centrado en entender la relación entre naturaleza y tecnología. Ferrer, afirma que “La naturaleza es perfecta y no necesita ser cambiada”, no así las producciones del hombre, por lo que decide crear obras pictóricas monumentales, transgrediendo con imágenes hechas de luz, la superficie de los edificios municipales y propiedades públicas de Miami, sin destruir la propiedad material privada, pero transformando ese objeto en algo más, cambiando su esencia por los minutos que dure la proyección.

Lo que el artista no imaginaba es que este proyecto se convertiría en uno de cuatro capítulos, comenzando con “Graffiti Virtual sobre edificios y monumentos”, para realizar tiempo después “Graffiti Virtual sobre superficie en movimiento” (200 Wagons), lo que decide documentar en “Graffiti Virtual hecho libro” (El Fin de Este Mundo) y finalmente, culminar está obra de diez años creando “Graffiti Virtual dentro de un espacio cerrado”

Esta última, consta de una exposición de fotografías impresas en duratrans, transgresión de vehículos, registro en video de “200 Wagons” y dos diaporamas que muestran la documentación de su obra en el libro “El Fin de Este Mundo” e imágenes de su trabajo sobre ruinas.

Para Jaime, compartir sus descubrimientos y esta experiencia estética, se ha transformado en algo urgente. Actualmente, dedica una porción sustancial de su tiempo en la realización de tutorías a artistas emergentes y charlas a diferentes instituciones educacionales, públicas y privadas, sobre su visión del arte y cómo vincularse con él, especialmente dentro de Estados Unidos y otros países.

“Para volver a tener ilusiones y la capacidad de asombro viva, te invito a que nos sintamos ignorantes.”

Jaime Ferrer.

Lunes a viernes, 9:00 a 20:00 horas; sábado y domingo 11:00 a 20:00 horas.

«As far as my fingertips take me» («Hasta donde mis dedos me lleven»)

  • Funciones Santiago a Mil 2017:
  • Centro GAM, lunes 16 al miércoles 18 de enero de 2017, 10 a 19 horas.

País Líbano – Palestina
Disciplina Performance – Instalación
Duración 20 minutos
Recomendación +12
Idioma Español y árabe
Fecha/lugar pendiente
Precio gratuito

“Con más juego sucio
Otra vez
El metal confronta la piel de los esclavos
Nada tiene sentido
En este planeta redondo
Una selva donde la mano más fuerte agarra todo
Y la débil es como un animal de granja
Y todo los que lo rechazan y se rebelan son terroristas
Acusados, por ejemplo, de levantar su dedo índice”.

As far as my fingertips take me consiste en una conversación a través de una delgada pared entre un espectador y un refugiado. A través del tacto y el sonido, se comparten historias de personas que recientemente han sufrido de discriminación fronteriza. Las historias pueden ser conservadas o desechadas.

Esta instalación mano a mano es una creación de la artista Tania El Khoury, en colaboración e interpretada por Basel Zaraa. El Khoury trabaja entre Londres y Beirut creando intervenciones en las que el público tiene un rol activo. Esta performance fue comisionada para la sección “On the Move” del festival LIFT de Londres en 2016 junto al Royal Court Theatre.

«La ciudad de las mujeres»

  • Inauguración Sábado 14 de enero de 2017, 19:00 horas / Del Sábado 14 de enero al lunes 6 de marzo de 2017, 10:30 a 21:00 horas / Sala MNBA Plaza Vespucio

El artista Nicolás Franco realiza un cuestionamiento a las técnicas fotográficas y a los medios pictóricos.

Asistimos ante la obra de Franco a una suerte de recomposición crítica de la materialidad originaria de la fotografía, esa escritura de luz liquidada ante los efectos estandarizados de su impresión contemporánea. Ni analógica ni digital de modo rotundo, esta recomposición mediada por la película fotográfica, ocurre en el terreno alternativo de la pintura. Concretamente al interior de la tela de gran formato, proyección del histórico cuadro actualizado en sus más conspicua condición de campo de exploraciones para el ojo y la mirada.

Fragmentos de palabras editadas, fotografías impresas o fotogramas como retornos inesperados e inconexos de una memoria visual en blanco y negro, conforman por montaje el gran plano de la tela, casi esculpido por acumulación de capas sucesivas de adherencia. Una adherencia rugosa, discontinua, no ajena a múltiples desgarros y arrepentimientos, constituye el principal recurso de esta pintura mediata, ultra tecnificada y en cierto sentido también automática.

En la ciudad de las mujeres una serie que evoca tal vez la más fantasiosa película de Fellini, el cuerpo fragmentario de la mujer y el cuerpo perdido de la imagen conseguida por el trabajo de la luz se hacen guiños de identidad, funcionando como zonas problemáticas en composiciones abstractas, erosionadas por textos inconclusos o derruidos «campos de color». El rostro trágico de Romy Schneider, el drástico encuadre del brazo de la madre del artista en el día de su casa miento o las poses cliché del cine erótico europeo de los sesenta, surgen como verdaderos eventos visuales entre los craquelados y las costras de la pintura. Lo hacen al modo de la sombra de una experiencia visual alojada, como una caricia o un golpe, no en la memoria consciente del ojo contemporáneo sino en su piel.

El efecto pictórico espesa la presencia visual de las viejas y originalmente análogas fotografías y fotogramas, cuyos fragmentos figuran allí, en virtud de la rasgadura emotiva que dejó su exposición temprana ante la mirada del artista. A salvo de cualquier deglución rápida, estos fragmentos superpuestos pasan a conformar un acertijo visual. Si nos aproximamos, cobran una espesor tridimensional, por efecto de la pintura que Franco ha puesto cuidadosamente «debajo» de la película fotográfica antes de adherirla), o bien se desarman en el reguero de puntos que denuncia el paso inequívoco de la imagen por los consabidos procesos de impresión. Si, en cambio, tomamos distancia, estos fragmentos se hunden e incorporan como eventos de pintura al interior de una composición abstracta, que adquiere dimensiones gráficas e incluso constructivas en gran medida gracias a las cintas metálicas que ingresan abruptamente al plano más superficial, trayendo viejas resonancias vanguardistas y mensajes textuales aislados en los que resuena un tributo a la mayor conquista que la inteligencia visual alcanzara en el siglo XX: el montaje.

Texto de Ana Maria Risco. Enero 2017

Sobre Nicolás Franco

Nacido en Santiago en 1973, realizó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Ha sido artista residente en De Ateliers, Amsterdam y Gasworks, Londres. Ha exhibido en forma individual para el proyecto Museo si Muros del Museo Nacional de Bellas Artes, Santiag, Museo de Artes Visuales; Santiago (2014); Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2014); Museo del Barro, Asunción (2009); Museo Blanes, Montevideo (2008) y Centro Cultural de España (2015).

Destaca su participación en la exposiciones colectivas: Resistance Performed – Aesthetic Strategies under Repressive Systems in Latin America, Migros Museum für Gegenwartskunst de Zurich (2015); Arte Contexto, Museo Universitario de Antioquia, Medellín; ARCO Solo Projects 2015, Galería AFA, Madrid; 12th Bienal de Video y Nuevos Medios, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2015); El final de la Historia o el Comienzo del Storytelling, La Conservera, Ceutí (2015); VOCES Latin American Photography 1980 – 2015, Michael Hoppen Gallery, London (2015); YAP – Constructo. Young Architects Program – PS1 MoMA, Santiago (2014); Ni Pena Ni Miedo, MEIAC Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz (2012); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, New York (2004) and Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).

Durante su carrera ha recibido reconocimientos como: Tecnologías Políticas de la Memoria – UAH y University of Oxford, UK; Nominado Prix Pictet, Fundación Pictet (Ginebra, 2016 – 2015); EFG Bank – ArtNexus Ch.ACO (Santiago, 2013); Beca AMA-Gasworks, Fundación AMA (Santiago, Londres 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (Nueva York 2010 – 2001); Union Latine culture et Comunicación (París, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2015, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); De- Ateliers, Mondrian Foundation y Ministerio de cultura y Ciencias de Los Países Bajos (NL, 2000).

TRANSMISOR – radiovisual

  • Funciones gratuitas Santiago a Mil 2017:
  • 19:30 y 21:00 Miércoles 11 de Enero de 2017. Centro GAM (Sala N2)
  • 19:30 y 21:00 Jueves 12 de Enero de 2017. Centro GAM (Sala N2)
  • 19:30 y 21:00 Viernes 13 de Enero de 2017. Centro GAM (Sala N2)

De María Siebald

«Al final de la canción [los no oyentes] levantan sus palmas en señal de aprobación, en medio de un silencio apenas interrumpido por los oyentes» – Clarín

País Chile
Disciplina Danza – Artes integradas
Duración 45 minutos
Recomendación Todo público
Idioma Lengua de señas chilena y español

Una instalación multimedia performática, una radio que se mira. El intérprete tiene todos los sentidos alerta. El intérprete canta con manos y cuerpo. El intérprete se transforma. El intérprete es voz y ritmo. El intérprete es un conector entre el sonido y espectador. El intérprete es un transmisor de información.

Nerven&Zellen, ganadores del Premio Nacional de Innovación Avonni en Cultura, y su fundadora María Siebald, desarrollan proyectos para entregar a las personas sordas una pieza pensada para ellos, mediante la cual puedan construir una memoria visual e identificarse con los mensajes de las canciones. En Transmisor – radiovisual, se generan formas de visualización del sonido a través de imágenes y lengua de señas para presentar al público, oyente o no oyente, canciones de Ana Tijoux, Los Prisioneros, La Sonora Palacios y Los Ángeles Negros.

«Paisajes imaginados»

  • Sala Artes Visuales (edificio B, piso -1) Centro GAM.
  • Viernes 6 al Domingo 22 de Enero de 2017
  • Martes a Viernes, 10:00 a 21:00 horas.
  • Sábado y Domingo, 11:00 a 21:00 horas.

De Edouard Duval-Carrié  

«Hay pocos artistas cuyas obras provocan simultáneamente el deseo de mirar y la oportunidad de pensar. Esa feliz coyuntura sucede a cada exposición de Duval-Carrié» – Diario Hoy

País Haití
Disciplina Artes visuales
Duración Indefinida
Recomendación Todo público
Idioma Sin texto

Como el “Nuevo Edén” y una tierra fértil de posibilidades se representaba en el siglo XIX al Caribe. Para promover el desarrollo económico de la zona, los intereses coloniales encargaban pinturas que mostraran un Caribe exuberante, tropical y prometedor. Inspirándose en aquellas pinturas, el artista haitiano Edouard Duval-Carrié ha desarrollado un trabajo de enfoque poscolonialista que ya es reconocido en todo el mundo.

La exposición Paisajes imaginados reúne pinturas, grabados, instalaciones y esculturas a gran escala producidas en la última década por el artista, donde adapta de manera innovadora la iconografía tradicional haitiana. Las obras de Duval-Carrié involucran extensas investigaciones sobre el tema del paisaje visto desde la periferia, sobre cómo el Caribe se sigue vendiendo como un paraíso tropical, oscureciendo las disparidades económicas y sociales existentes. Otra parte de la exposición se refiere, desde una visión contemporánea, al sincretismo religioso y social de Haití.

«2054»

  • Inauguración Jueves 15 de diciembre de 2016, 19:30 horas.
  • Jueves 15 de diciembre de 2016 al jueves 26 de enero de 2017.
  • Galería Metales Pesados Visual. Merced 316, Santiago.
  • Martes a viernes, de 11 a 20 horas; sábado de 11 a 14 hrs y de 17 a 20 horas; domingo de 16 a 19 horas.

Del 15 de diciembre al 26 de enero Galería Metales Pesados Visual exhibirá la muestra 2054 del artista chileno Francisco Papas Fritas. En esta muestra, por primera vez se expondrán al público archivos de la Comisión Nacional de Prisión Política y Tortura durante la dictadura cívico-militar en Chile – conocidos como Valech I – que siguen estando en secreto por 50 años.

Este proyecto comenzó el 2014 con Desclasificación Popular donde se construyó un sistema de desclasificación, cuya segunda etapa, iniciada a partir del año 2015, ha consistido en la difusión y sistematización del proyecto por parte de un equipo multidisciplinario. Este último ha sido el encargado de la generación de accesos de ex presos y ex presas políticas a sus archivos mediante recursos de protección contra el Instituto de Derechos Humanos, custodio legal de los archivos Valech.

Bajo este mecanismo se han logrado desclasificar las primeras carpetas, poniendo en entredicho el secreto e impunidad que pesa sobre dicha Comisión. Estos archivos serán dados a conocer por primera vez en la exposición 2054, y de forma posterior en el sitio web de desclasificación popular. Con ello se dará inicio a la tercera etapa del proyecto que consiste en la triangulación de la información, tanto para la apertura de causas judiciales como para distintos tipos de investigación que contribuyan tanto a la verdad, justicia como a la memoria histórica.

De acuerdo con la descripción realizada por la académica y teórica feminista Alejandra Castillo, la instalación 2054 – año del supuesto fin del secreto – consiste en un conjunto de cuadros que en su mayoría no tienen más imagen que la del reflejo, otros, los menos, contienen piezas de los archivos de los testimonios de aquellas y aquellos que sufrieron de prisión política y tortura durante la dictadura militar iniciada el año 1973. Cerca de aquellos cuadros, se instala otra serie de imágenes con las fotografías oficiales de quienes han gobernado Chile desde la 1990 hasta hoy; más los afiches del SI y del No de la campaña electoral de 1989 en forma invertida, volviendo visible la siguiente leyenda: is on. Más claramente se deja leer: The Secret is on. El secreto está, el secreto es visible, el secreto es ahora instalado a plena luz.

Frente a aquellas imágenes se exhibe un video-performance cuyo foco de atención no es otro que un cuerpo. Un cuerpo violentado; el del autor de la obra, Francisco Papas Fritas quien simula ser parte de una escena de tortura. Esta escena se entrecruza con una sesión de tatuaje que va escribiendo letra a letra un testimonio del Informe Valech sobre la espalda del artista. Este cuerpo —el de la tortura y el del artista— pese a su fragilidad resiste al silencio impuesto por la lógica del secreto inscribiendo en sí un testimonio del horror. Más aún, es un cuerpo que trae de vuelta al presente historias, memorias y heridas.

¿Dónde empieza el arte, dónde acaba la política? El propio dispositivo visual se resiste a operar en la distinción y la clasificación, su proceder es más cercano a la infiltración y al contagio. 2054 más que ser sólo el año propuesto por el Estado chileno para la desclasificación de los archivos del Informe Valech se vuelve una clave de acceso al presente. Un presente que se describe en dos planos: uno, el del secreto; el otro, el de la resistencia política de la desclasificación popular. Para la resistencia política estética, 2054 es entonces la cifra que inicia el movimiento del dispositivo político visual de la desclasificación popular. Su tiempo es ahora el del presente-pasado.

CV

Francisco Tapia Salinas, conocido como Francisco Papas Fritas (8 de noviembre de 1983, San Miguel, Santiago de Chile) es un artista visual y activista, reconocido nacional e internacionalmente por un estilo artístico de profundo sentido político radical.

Su trabajo de orden multidisciplinario se caracteriza por un alto contenido político y mediático, desde el cual busca intervenir y modificar la realidad proclamando la desobediencia civil. Esta propuesta artística se inscribe dentro del denominado arte operacional; arte puesto al servicio de la crítica al orden social establecido.

Papas fritas es autor de diversas obras polémicas donde ha puesto en el centro de la crítica ámbitos relativos a la cultura, la política institucional y judicial tanto chilena como internacional. Entre ellas, destaca la obra Ad Augusta Per Angusta que le otorgó visibilidad a nivel internacional.

Ha sido invitado a participar en exposiciones internacionales en China, Costa Rica, Italia, entre otros.