La agenda cultural y gratuita de Chile
EN ABRIL volvemos a Santiago para presentar la tercera temporada NUESTRA OBRA DE TEATRO PARA UN ESPECTADOR!!!
Ya llevamos más de 200 funciones de este lindo proyecto y vamos por más! No te puedes perder esta linda experiencia personal que sin dudas nunca olvidarás!!!
Desde el miércoles 11 al sábado 15 de Abril!!!
Ven por tu función personal de 16:00 a 22:00 hrs!!!
En Chincol 613!!! Miraflores 613 (Barrio Bellas Artes)
Los esperamos!!!!
Inauguración: Martes 10 de abril, 19 horas / Miércoles 11 de abril al 8 de julio de 2018 / Martes a sábado 11:00 – 19:00 horas, Domingo 11:00 – 18:00 horas; Lunes y festivos Cerrado / MAC Parque Forestal.
Siguiendo los lineamientos de su antecesora, Colección MAC: Post 90 presentada en 2017, esta muestra se compone de piezas que se sumaron a la Colección MAC a partir de 1990, mediante su política de ingresos y donaciones. Colección MAC: Post 90 II da cuenta del trabajo de artistas nacionales e internacionales.
Ocupando los tres niveles de la sede Parque Forestal, la curatoría a cargo de Francisco Brugnoli, director del museo, refleja todos los géneros artísticos presentes en el acervo. Abarcando pintura, fotografía, técnicas gráficas, esculturas, instalaciones, nuevos medios, entre otros, dando cuenta de la completitud de la colección, sobre todo en cuanto a artistas nacionales.
La selección enfatiza la producción de artistas de las generaciones del ochenta y noventa, y su eclecticismo al abordar una perspectiva crítica de la actualidad, mediante el uso de metáforas y juegos en el lenguaje creativo.
Otro hincapié en la curatoría son las obras de gran formato, que dejan entrever las nuevas complejidades espaciales que plantea el arte contemporáneo, exhibiéndose obras que ocupan una sala completa. A lo largo del recorrido, las obras están ordenadas por criterios temáticos, dialogando desde la analogía al contraste.
Colección MAC: Post 90 II se trata de la última exhibición de acervo del MAC bajo la actual dirección, iniciada en 1998. La muestra se alinea también con la labor del MAC, cuyo funcionamiento enmarcado en la Universidad de Chile apunta a ser un agente fronterizo, conectando su quehacer con otras esferas del conocimiento y la sociedad, siempre en una indagación y cuestionamiento permanente del arte y la sociedad.
Inauguración: Martes 10 de abril, 19 horas / Martes 10 de abril al 8 de julio de 2018 / Martes a sábado 11:00 – 19:00 horas, Domingo 11:00 – 18:00 horas; Lunes y festivos Cerrado / MAC Parque Forestal Sala Anilla MAC.
El proyecto llega a la Sala Anilla MAC, basado en la contribución de habitantes y visitantes de Sudamérica. Mediante sus experiencias, interacciones y construcción estética y colaborativa, la obra propuesta por el artista visual y sonoro Rainer Krause va adquiriendo su forma cartográfica en un infinito dinámico.
En la obra emergen los contornos y delimitaciones de una isla que nos contiene, en la medida que señalamos el límite entre la costa y el oleaje. Los sonidos de este fenómeno han sido registrados junto a los datos geo-referenciales que identifican tanto la ubicación del participante como el territorio-borde escogido. Esto es posible gracias a una aplicación móvil y una página web.
Las grabaciones son almacenadas y los datos procesados para configurar una isla reconocible a partir de la contribución de muchas personas. La isla [reconocimiento] se presenta como una instalación visual y sonora que va mutando a partir de nuevas colaboraciones.
El proyecto se basa en las contribuciones mutuas entre autores y público, asumiendo el net.art–género que en su producción está directamente vinculado a internet– como un soporte de conexión entre actores y lugares. De ese modo, internet es tanto medio de creación artística como campo de socialización de la misma.
La isla[reconocimiento] se enmarca en la exhibición Colección MAC: Post 90 II, dando cuenta de cómo se abordan nuevos ejercicios en torno al archivo, el acervo y la tecnología actual.
28 de marzo – 26 de mayo de 2018 / Horario: Lunes a Viernes, 10:00 – 14:00 y 15:00 – 19:00 horas; Sábado : 10:30 – 14:00 horas / Ekho Gallery.
Resistencias visuales: Aceituno & Navarro
El trabajo de Luis Navarro y el de Jorge Aceituno constituye un entrelazamiento de ideas dispares y unidades referenciales de nuestro tiempo. En ambos proyectos como líneas generales está presente la cita postmoderna a la tradición de la pintura, así como a la apropiación representacional del cuerpo.
En particular en el trabajo de Luis Navarro observamos la representación refractaria de mujeres misteriosas que en combinación con elementos y objetos transmiten un ideario del color y de las formas. De un modo claro, la formación pictórica del fotógrafo trasunta en su intencionalidad estética. En efecto vislumbramos en este trabajo una senda de lineamiento artístico donde los aspectos formales nos indican un cuestionamiento a los modos de representación de la corporalidad. El efecto realístico desaparece y quedan ideales evaporados como estas mujeres quimeras, siempre apresados en texturas que dejan ver pero que al mismo tiempo retienen el misterio de lo representado.
Por su parte, Jorge Aceituno, referencia una serie de pinturas de la tradición europea que son reinterpretado de una manera festiva y alegre por personas con capacidades diferentes. El circulo de encierro del mundo vulnerable se ve traspuesto en esta nueva fotografía dinámica que abre las pinturas a cuadros vivientes, prácticas barrocas desde contenidos actuales. Por otro lado, sus trabajos en blanco y negro manifiestan una audaz exploración desde la expresividad corporal mediada por una animalidad inquietante. Además, estos cuerpo fotografiados tensan su relación con el espacio donde se ubican, constriñendo la universalidad femenina por medio de confabuladas máscaras.
El corpus visual de Aceituno & Navarro presentado en esta exposición, adscribe a la presencia indagatoria de la fotografía que es ayudada y sostenida por la memoria de estos dos maestros de la fotografía chilena. Ambos incitan a mirar los detalles culturales convocados para establecer desde la emocionalidad objetiva el universo de recuerdos y universos creativos convocados y que interpelan.
Las fotografías de Navarro & Aceituno indican un trazado minucioso, la imagen con una expresividad artística establecen una red cartográfica, tanto para su diacronía histórica como para su proyección, con ciertos rasgos propios reconocibles.
Entre ellos podríamos pensar que tanto el trabajo de Navarro como el de Aceituno apuntan a pensar un nuevo retrato, donde justamente la identidad oculta es el enigma del ejercicio retratístico. El destacado fotógrafo Richard Avedon dice que el retrato “es una creación del fotógrafo, una ficción”; de un modo evidente, el efecto de lo real se ve disuelto y quedan las ficciones sobre los yo dispersos transitando desde estas originales diapositivas color y blanco/negro.
Otro aspecto considerable es lo que ocurre con la corporalidad en cuanto que las imágenes ritualizan en diversos planos con luces direccionadas para dar volumen o marcar la fuerza emotiva de estecuerpo expuesto. Aquí la luz de relleno se transforma en una aliada para dar fuerza, sugerir y definir los límites de lo representado.
Celebramos el atrevimiento de los fotógrafos de realizar y de mostrar proyectos anclados temporalmente pero que hoy demuestran su fuerte resistencia al tiempo, a las modas, a los modelos culturales. La libertad creativa es para estos fotógrafos Aceituno & Navarro su mayor resistencia cultural a las ambigüedades del mercado y de lo que está de moda. La honestidad visual de ambos fotógrafos queda expuesta en esta exposición que insiste en el sentido plástico y en la búsqueda y experimentación con los rostros, los cuerpos y con el canon del arte.
Dr. Gonzalo Leiva Quijada. Instituto de Estética, Pontificia Universidad Católica de Chile
Doce artistas chilenas contemporáneas exploran las transformaciones políticas de lo femenino. En el primer piso, ala norte del MNBA desde el 23 de marzo hasta el 27 de mayo. Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas.
Cada dos o tres años el NMWA (National Museum of Women in the Arts) en Washington DC, invita a curadoras a proponer artistas locales destacadas de todos los países donde la entidad cuenta con capítulos representantes para participar en la exposición colectiva internacional Heavy Metal, de la versión 2018 de Women to Watch. La preselección realizada para Chile por la curadora MNBA, Gloria Cortés Aliaga, fue el punto de partida de Metalmorfosis, una exposición de doce artistas mujeres organizada por el MNBA y el Capítulo Chileno del NMWA. En línea con la temática de la convocatoria internacional, centrada en la producción contemporánea sobre metal, la presente muestra gira en torno a este material.
Metalmorfosis cuenta con el apoyo de Fundación Mustakis y la Ley de Donaciones Culturales para presentar a las artistas Alejandra Prieto, Catalina Bauer, Marcela Bugueiro, Isidora Correa, Pamela de la Fuente, Amelia Errázuriz, Virginia Guilisasti, Michelle Marie-Letelier, Livia Marín, Karen Pazán, Rosario Perriello y Ana María Lira. La obra de estas artistas converge en las dimensiones de género al interior de las dinámicas económicas, evidenciando la preocupación por el impacto de estos temas en la reproducción de la desigualdad. A través del metal y sus transformaciones, abordan también temáticas como las corporalidades femeninas, el deseo y la maternidad.
“Hace varios años que como institución mantenemos una política museal que, entre otros, tiene el objetivo de contribuir a la equidad de género y a relevar el rol de las mujeres en el arte. Para ello hemos incrementado significativamente la presencia de artistas mujeres, a través de adquisiciones de obras y la realización de diversas exhibiciones, actividades e investigaciones tendientes a visibilizar la obra de artistas chilenas, en particular aquellas que forman parte de nuestra colección patrimonial. La iniciativa en conjunto con el Capítulo Chileno del NMWA, de la cual me siento honrado se ser parte de su directorio fundador, es una oportunidad para descubrir también el trabajo de artistas nacionales contemporáneas, con temáticas y problemáticas actuales para las mujeres, que sin duda aportarán a esta reflexión tan necesaria en nuestra sociedad”, señala Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes.
“Nos es muy relevante que existan espacios donde artistas mujeres expongan sus obras, ayudando así a la equidad de género en un rubro donde ellas han sido rezagadas durante años. En EEUU solo un 5% de obras exhibidas en los museos tiene a mujeres como autoras y esta es una realidad que se extiende alrededor del mundo y de la que Chile no está ajeno”, comenta Drina Rendic, presidenta del Capítulo Chileno del National Museum of Women in the Arts.
En Chile la presencia de mujeres en las colecciones públicas de arte, alcanza un alrededor de un 15%, según cifras arrojadas durante la primera Editatón de Mujeres Artistas en 2017. “Por esta razón cobra aún más sentido nuestra misión como Capítulo Chileno del NMWA al visibilizar, promover y difundir a las mujeres en todas las disciplinas artísticas a modo de darles el valor que se merecen dentro del mundo del arte nacional e internacional”, señala Drina Rendic.
Desde 2008 el programa exhibitivo del NMWA, ha buscado dar cabida a artistas emergentes o poco representadas de los países participantes. La artista nacional seleccionada para el envío chileno a Washington DC es Alejandra Prieto, con la obra Pyrite Mirror, que formará parte de Heavy Metal, Women to Watch, entre el 28 de junio y el 16 de septiembre de 2018. A través de los trabajos de artistas en metal de distintas partes del mundo, la exposición buscará romper con la narrativa predominantemente masculina que rodea a la metalurgia, y que relaciona a las mujeres con las categorías de arte «fino», diseño, artesanía y arte decorativo, cuyas definiciones están enraizadas en la discriminación de género.
Conversatorio 16 de mayo a las 19:00
El encuentro abierto a público y sin inscripción, contará con la participación de las expositoras y de la antropóloga Sonia Montecinos. En el salón José Miguel Blanco del MNBA.
20 de marzo – 26 de mayo de 2018 / Horario: Lunes a Viernes, 10:00 – 14:00 y 15:00 – 19:00 horas; Sábado : 10:30 – 14:00 horas / Ekho Gallery.
La arquitectura de una ciudad es lo que nos atrapa y nos hace querer visitarla, verla en persona.
El diseño público suele ser la primera impresión estética que se percibe de una ciudad, Eduardo Loyola cuidadosamente selecciona entre muchos los edificios de distintas ciudades, buscando el emblemático que transmita el motor de esta, su idiosincrasia, ese que es pieza articuladora de la ciudad por excelencia, con el cual conectamos y que muchas veces pasa desapercibido por el ojo acostumbrado del que transita a diario.
Ciclo retrospectiva de Ocaso Teatro.
Este 17 de marzo comienza el ciclo de obras de la compañía Ocaso Teatro.
La compañía fundada el año 2012 abre la cartelera del Anfiteatro Bellas Artes con un ciclo que incluye sus tres obras: La Pichanga, Chilenito y el re estreno de la obra ganadora de FONDART de Patrimonio Escénico El Mote con huesillos.
Música en vivo, lenguaje popular y mucho humor, son parte de las características de este ciclo que abre con la segunda obra de la compañía:
La Pichanga, una delirante apuesta donde un grupo de personas cansadas del sistema público de nuestro país, deciden secuestrar a la selección chilena y para liberarlos exigen jugar una pichanga con el parlamento en pleno Estadio Nacional y así desquitarse simbólicamente por todas las injusticias y abusos cometidos por el poder legislativo. Un intenso relato coral que nos va revelando testimonios reales, desde conocidos casos de corrupción, hasta historias de hospitales en salas de espera, todos unidos por la decepción ante el sistema público.
El ciclo continúa con Chilenito, la más reciente obra de la compañía. En este montaje el tema de la migración toma fuerza a partir de la historia de un chileno en el extranjero, un joven de origen humilde y con problemas de aprendizaje que sale a buscar oportunidades fuera de Chile. Sus andanzas recorriendo el mundo en bicicleta, el paso del tiempo y la distancia con su familia crean un montaje musical lleno de emociones y reflexiones acerca de la migración.
El ciclo cierra con el re- lanzamiento de la obra El Mote con huesillos o nuestra bebida nacional. Montaje estrenado hace 6 años y que ha cautivado ya a más de 25.000 espectadores. Obra seleccionada por Fondart de Patrimonio escénico que luego de su temporada iniciará una serie de funciones en comunas de la región metropolitana.
Este atractivo montaje, con música en vivo y entre payas y versos, narra la relación entre Bertina y Narvino, quienes, entre las espigas de trigo se conocen, crecen y se casan, teniendo dos retoños frutos de su amor: Marcelino, un angelito con síndrome de down y Claudina, una diablilla con aires de citadina. Luego de una vida de esfuerzos y trabajo, de sacrificios y dedicación, el cariño y el deseo quedan de lado, apareciendo los primeros fantasmas de la pena y el fin. Como única solución, surge la receta de un mágico brebaje que al parecer cura todos los males de Bertina y Narvino, desde los más íntimos y personales hasta mejorar sus capacidades físicas y mentales. Una lúdica y original obra que proyecta la simbología del Mote con Huesillo, su importancia y sentido social, respaldando nuestras raíces y cultura popular.
Coordenadas:
La Pichanga. Desde el 17 al 25 de marzo. Mayores de 14 años.
Chilenito. Desde el 31 de marzo al 8 de abril.
El Mote con huesillos o nuestra bebida nacional. Del 14 al 29 de abril.
20:00 hrs. Anfiteatro Bellas Artes. Parque Forestal s/n (Costado Museo)
Entrada a la gorra (Aporte Voluntario)
Un cuarto propio
Ilustradoras: Sofía Flores Garabito y Catalina Cartagena Castro
Fecha: del 10 de marzo al 5 de mayo de 2018
Dirección: Merced 449, local 7. Barrio Lastarria.
Horario: Lunes a domingo de 11:00 a 20:00 h. Viernes y sábados hasta las 20:30 h.
Entrada: gratuita.
En la conmemoración del Día Internacional de la Mujer 2018, PLOP! Galería inaugura la muestra Un cuarto propio, de las ilustradoras Sofía Flores y Catalina Cartagena,quienes reúnen historieta, dibujo y cerámica en su propuesta artística.
En 1928, la escritora Virginia Woolf publicó su ensayo Un cuarto propio, en el que reivindica la necesidad de las mujeres de contar con un espacio físico y sus propios ingresos para desarrollarse profesionalmente y creativamente e independizarse. Noventa años después, dos ilustradoras chilenas, Sofía Flores Garabito y Catalina Cartagena Castro, no solo rinden homenaje a este emplazamiento, sino que lo reconocen aún como válido en un contexto nacional en el que las demandas de las mujeres se suceden en diversos ámbitos.
El relato de las ilustradoras está cruzado por la búsqueda del habitar y la construcción de espacios internos y externos por parte de las mujeres, los que dan cuenta de sus gustos y necesidades. El énfasis de esta exposición está en los rincones, objetos y las atmósferas que implica el habitar.
Las autoras señalan que el público que asista a la muestra “se encontrará con dibujos y piezas de cerámicas inéditas, que han sido creadas pensando en el espacio personal que habitan las mujeres, que nosotras habitamos o que nos gustaría habitar. Son dibujos que mantienen nuestra línea de intereses: lo íntimo, el cotidiano. Sin embargo, también hemos desafiado la forma en la que creamos, experimentando con los materiales y los tamaños de las obras”.
Sofía Flores Garabito (26) es artista visual y profesora de artes visuales. Catalina Cartagena (25) es ilustradora. Ambas han desarrollado su trabajo en ferias de ilustraciones a través de fanzines, publicaciones independientes y en redes sociales. Esta es su primera exposición en PLOP! Galería. La inauguración contará con el auspicio de Café Colmado, lugar en el que se realizará una actividad de dibujo colectivo después de la inauguración en la sala Pepo de PLOP! Galería.
Texto de las autoras
Construir un cuarto propio
La exposición Un cuarto propio toma su nombre del ensayo escrito por Virginia Woolf en 1928, en el cual, la autora postulaba que las mujeres necesitan dinero y una habitación personal como condiciones básicas para poder desarrollar su independencia y creatividad.
Noventa años después, en pleno 2018, las palabras de Virginia siguen retumbando con lucidez y actualidad, reflejando la lucha a favor de la construcción de una sociedad más justa e igualitaria, en la que mujeres de todas las edades puedan ser lo que deseen, sin carencias ni trabas.
Un cuarto propio es la primera exposición conjunta entre Catalina Cartagena Castro y Sofía Flores Garabito. Está compuesta por dibujos y cerámicas, técnicas que les permitieron dar forma y sentido a la indagación del habitar en los espacios internos y externos que construyen las mujeres, bajo sus propios gustos y necesidades y a los cuales deben adaptarse o viceversa.
El énfasis del trabajo plasmado por estas dos amigas está en los rincones, en los objetos, en la intimidad y los sentimientos que surgen en la búsqueda y construcción de un hogar, que así como tiene falencias, también reviste de un carácter sagrado.
Catalina Cartagena Castro
Sofía Flores Garabito
Ilustradoras
Un registro fotográfico sobre la cultura ancestral del pueblo mapuche contemporáneo, con la curatoría de Jorge Gronemeyer. En la sala Chile desde el 10 de marzo hasta el 6 de mayo. Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas / Museo Nacional de Bellas Artes. José Miguel de la Barra 650, Metro Bellas Artes.
Pu Mapuche (Los Mapuche) nace de la inquietud del fotógrafo Luis Sergio por documentar la realidad y cotidianeidad del pueblo originario. Con el financiamiento de Fondart 2016, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y la curatoría de Jorge Gronemeyer, se exhiben 65 fotografías captadas en las largas estadías de este artista visual en los parajes de la región de la Araucanía, donde transitó desde la costa de Puerto Saavedra y las cercanías del lago Budi, hasta la laguna Icalma en la frontera con Argentina y luego, en Santiago de Chile.
Para realizar este registro documental el artista debió primero establecer una relación de confianza con familias mapuche, antes de captarlos en sus actividades diarias y personales. El resultado de este trabajo es un registro “que muestra los valores del pueblo mapuche en la actualidad y se plantea como un legado para las generaciones futuras, cuyas identidades se han visto mermadas a través de los efectos de la globalización. La muestra es un reconocimiento a la fuerza y al ímpetu de personas que han sido capaces de subsistir y mantener vivas sus tradiciones en condiciones adversas. Es una invitación a sensibilizar a cada persona que asista al Museo”, explica el fotógrafo.
El tiempo invertido en este proyecto permitió al fotógrafo representar temáticas como el territorio, lo cotidiano, el hogar, los juegos y las reuniones, el rol de la mujer y los jóvenes mapuche, el desarrollo de los niños, entre otras, y contrastarlas con el vertiginoso ritmo económico y tecnológico de la ciudad. Para Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes, “el trabajo del fotógrafo Luis Sergio es un testimonio sobre el mundo y la vida del pueblo mapuche, consiguiendo captar una cotidianeidad envuelta de tradiciones y ritos, una memoria e identidad que persisten a pesar de los efectos de la migración hacia contextos urbanos”. La capital en Pu Mapuche, se vuelve así un escenario de lucha por mantener las tradiciones, las raíces y la cultura.
En el marco de la exposición, se realizará en abril la presentación de un fotolibro homónimo. El lanzamiento contará con la participación del artista, el curador y el historiador Hernán Curiñir. Como parte del proyecto también están contempladas intervenciones en espacios públicos, entre ellas la proyección de fotografías en una gran pantalla en Plaza Italia, que podrá verse hasta la segunda semana de marzo.
En el marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer, la Subdirección de Cultura de la I. Municipalidad de Santiago, presentará en tres emblemáticos espacios culturales -Galería de Arte Posada del Corregidor, Cava del Museo Palacio Cousiño y Galería Casa Colorada- la obra de las artistas Gabriela Pelayo, Fernanda Gormaz, Daniela Arnaudo, Pía Salas y Beatriz Ovando.
En su conjunto, las exposiciones abordan desde el género y arte textil contemporáneo, los desplazamientos de este lenguaje para recuperar técnicas heredadas como el bordado y el tejido, como también sus cruces con el archivo y la autobiografía. Los proyectos artísticos de cada una de ellas, fueron seleccionados a través de la “Convocatoria de Exposiciones 2017” para las tres galerías correspondientes, y serán realizadas junto a una serie de actividades de extensión y mediación.
El proyecto de Gabriela Pelayo “Invisibilizadas” se enmarca en un trabajo de “recuperación histórica”, en donde presenta los retratos y nombres de más de 200 artistas visuales chilenas. Un retrato por cada año de independencia de nuestro país, pintados en base a la técnica del Stencil, una imagen que facilita el reconocimiento facial de rasgos cruciales, siendo una imagen más simple de asimilar visualmente, como también reivindicar su importancia y aportes al desarrollo del arte nacional.
Exposición: “Invisibilizadas”
Lugar: Galería de Arte Posada del Corregidor.
Fecha exposición: desde el 3 al 28 de marzo 2018.
Horarios: Martes a Sábado de 10:00 a 13:30 horas y de 14:30 a 17:30 horas.
Dirección: Esmeralda 749, Santiago. Estaciones Metro Plaza de Armas y Bellas Artes (L5)
Entrada liberada.
Inauguración exposición: Viernes 2 de marzo, 19:00 horas.