«La mujer en el arte 1975. Colección MNBA»

En el marco de la conmemoración de los 50 años del golpe militar, a partir del 29 de junio se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes la muestra La mujer en el arte 1975, que propone una revisión crítica de la versión homónima, rescatando obras, documentos y archivos que dan cuenta de los conceptos de “mujer” y de “artista”, que se promovieron dentro de las salas del MNBA en el contexto de dictadura.

Con la curatoría de Gloria Cortés Aliaga (MNBA) y las historiadoras del arte Nicole González Herrera y Mariairis Flores Leiva, la exhibición forma parte de las reflexiones iniciadas en torno a la muestra de la colección MNBA Luchas por el arte. Mapa de relaciones y disputas por la hegemonía del arte (1843-1933).

A partir de la revisión de la muestra de 1975 y de la documentación que se conserva en el Centro de Documentación MNBA Angélica Pérez Germain, las curadoras revisan críticamente la noción de “mujer” y de “artista” que promovió la dictadura cívico-militar, a través de las instituciones oficiales y la prensa. Esto significó una pauta respecto del rol de la mujer en las nuevas políticas culturales, definidas ese mismo año por la dictadura y reforzadas en el discurso Mensaje a la mujer chilena, pronunciado un año antes por Augusto Pinochet en el llamado proceso de la “Reconstrucción Nacional”.

“El MNBA viene trabajando hace años desde la perspectiva de un enfoque de género y desde los feminismos, en función de revertir la histórica invisibilización y preceptos acerca del rol de mujeres en el arte, pero también haciéndose cargo de la historia institucional a partir de las ausencias tanto en las colecciones como en el ámbito de las exposiciones, la escritura, la gestión, entre otras cuestiones fundamentales para el desarrollo de un museo igualitario. Está exposición, en el marco de los 50 años del golpe, revisa críticamente la definición de estos cánones y la enunciación engañosa del concepto de libertad en un momento en que la lucha de las mujeres resulta fundamental para la justicia social y los derechos humanos”, expresa Varinia Brodsky, directora (s) MNBA.

La exposición La Mujer en el Arte se realizó en la Sala Matta del museo durante 20 días en el mes de septiembre de 1975, con motivo de la conmemoración del Año Internacional de la Mujer. Se exhibieron entonces 85 obras (pinturas, grabados, dibujos y esculturas), provenientes de colecciones públicas y privadas, creadas por mujeres artistas de distintas generaciones.

El Museo Nacional de Bellas Artes fue la institución organizadora junto a la Secretaría Nacional de la Mujer -organismo creado en 1972 durante el gobierno de Salvador Allende-. La directora del museo, la escultora Lily Garafulic, junto a Rosa Abarca (investigadora del museo), trabajaron arduamente en la muestra, junto a un equipo integrado por Mercedes Gaju (coordinadora de la Secretaría Nacional de la Mujer), Ángela Riesco (ayudante de investigación), Paz Romero (ayudante coordinadora) y Ernesto Muñoz (secretario coordinador).

“(…) es de suma importancia realizar ya, aunque sea de forma sintética, una valoración del significado de las artistas pintoras y escultoras de Chile. La jerarquía alcanzada por otras mujeres en otras disciplinas de la cultura, nos impone una búsqueda en la espiritualidad de nuestras compatriotas expresadas en obras artísticas”, expresaba Rosa Abarca en el catálogo que se publicó para dicha ocasión. En él se recreó un itinerario cronológico y se explicitaba la necesidad de incluir a muchas más, pero no incorporó una reflexión que considerara la historia social y cultural de las mujeres.

La inédita investigación de Abarca se encontraba en los archivos del museo, revelando un importante trabajo de levantamiento de información en más de 40 páginas que recién hoy salen a la luz y que, finalmente, fueron cortados y resumidos brevemente en el catálogo original de la muestra. En sus páginas puede darse cuenta de los procesos de censura que pudo haber sufrido la investigación, así como la posición institucional sobre el arte contemporáneo, las manifestaciones artísticas vinculadas a la política, entre otras cuestiones fundamentales en el contexto del momento.

La exposición actual, montada en el segundo piso del museo, integra una selección de piezas de la colección exhibidas en 1975, junto a obras de artistas mencionadas en la investigación, pero que no se incluyeron en la muestra original a pesar de formar parte de la colección en ese entonces. Ante estos antecedentes, las curadoras se preguntan cómo operó el proceso de selección de artistas y quiénes quedaron fuera por cuestiones eminentemente políticas. Tal es el caso también de mujeres artistas que en ese momento trabajaban intensamente, pero que fueron apartadas del relato oficial.

“Estas capas de visibilidad/invisibilidad permiten ver cómo operan las omisiones de la construcción historiográfica —hecho que la misma Garafulic señala en una entrevista— y otros argumentos institucionales, estéticos y/o políticos que problematizan cuestiones como la censura, la inscripción del arte contemporáneo, la conformación de redes asociativas y la consecuente exclusión de la escena artística”, explican las curadoras.

“A través de este ejercicio, queremos visibilizar no solo las omisiones inherentes al sistema artístico, sino evidenciar lo que ocurre reiteradamente con las mujeres y así crear un espacio de reflexión crítica, que desde el arte se expande a todos los ámbitos de la vida”, continúan.

Junto a páginas del catálogo con imágenes de las obras, en la exposición se despliegan gráficamente citas de encabezados de prensa, comentarios y críticas sobre la muestra de 1975, además de enunciados oficiales referidos al rol de la mujer. En un diario se señala que el acto inaugural fue presidido por autoridades militares, artísticas y eclesiásticas. Por su parte, Gaby Garfias, artista y crítica de arte, anuncia “Matriarcado en la pintura chilena”, en tanto que en el texto de un matutino se usa la expresión “sexo débil”.

En un gesto simbólico sobre las mujeres activistas y disidentes, se ha incorporado la imagen de la joven Mónica Briones, pintora y escultora asesinada en dictadura, siendo considerado el primer caso documentado de un crimen de odio lesbofóbico.

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29 de junio al 31 de diciembre de 2023 / Martes a domingo, 10 a 18:30 horas.

«Materia Gris»

Con la exposición Materia Gris el artista chileno Nicolás Franco presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes, entre el 26 de mayo y el 20 de agosto, piezas inéditas que procesan fotografías de obras de la colección MNBA, para abordar el género de la pintura y poner en relieve las interacciones cíclicas y seculares presentes en nuestra historia visual.

El artista chileno pone en relieve las interacciones cíclicas y seculares presentes en la historia visual. De esta forma, su trabajo tematiza conceptos como el tiempo, el azar, el cambio, la creación y la destrucción para revisar, dentro de una matriz abstracta y minimalista, el modo en que la realidad y la historia han sido y son procesadas materialmente como imagen.

Durante los últimos quince años, Nicolás Franco ha examinado diversas formas de desplegar la contemplación y la historia a través de las imágenes. Su trabajo procesa y reedita objetos visuales y materias impresas, movido por alguna obsesión de archivo cuyo propósito nunca resulta evidente. Diversos proyectos suyos, realizados entre los años 2008 y 2023, comprometen traspasos mediales de imágenes documentales que, desde una cierta lateralidad, aluden a reconocibles procesos culturales, geopolíticos y técnicos que marcaron el devenir del siglo XX.

Sean informes científicos sobre los efectos de la primera guerra o cartas que albergan la precaria caligrafía y existencia del Chacal de Nahueltoro, estas huellas aparecen en la obra de Franco reeditadas bajo una óptica fría, que oscila entre el formalismo y el concepto. Con una atención concreta en la pintura, su trabajo propone una meditación sobre el despliegue técnico que modula, transforma y reorganiza la experiencia visual, es decir, una apelación a la historia técnica de la imagen imprescindible a la hora de pensar las imágenes de la historia.

Para Materia Gris, el artista ha utilizado fotografías de obras pertenecientes a la colección del MNBA – pinturas, esculturas, ornamentos, documentos, prensa-. Cada matriz, meticulosamente registrada, ha sido fijada sobre gruesos paneles de aluminio por medio de una reacción química producida por el contacto de diversos tipos de ácido con el metal. Este proceso funciona como punto de partida para una serie de inmensos cuadros, de hasta cuatro metros de ancho en los que se combinan procesos industriales de gran complejidad con sutiles intervenciones artesanales.

“La colección del museo es un mundo en sí mismo. Era para mí una oportunidad de revisar nuestra historia y de enfrentarme a lo real, a lo que somos o fuimos.  Es un archivo temáticamente abierto, pero al mismo tiempo delimitado. Funciona como un cerco que paradójicamente abre más posibilidades de las que cierra”, explica Nicolás Franco.

La escala monumental, la réplica precisa de los grises fotográficos, las marcas de color casi inadvertidas, los errores fotomecánicos, los brillos y opacidades del soporte y las intervenciones más calculadas del artista imbuyen a las pinturas de un aura cinematográfica. Tensadas e interpeladas por este juego de entradas y salidas, de pequeños eventos fugaces de forma y figura producidos por lo inestable del material van surgiendo encuentros diferidos e interrumpidos con una memoria histórica y personal.

Con curatoría del historiador del arte Sebastián Vidal Valenzuela, la exposición explora la colección del museo desde un punto de vista ambiguo y visceral. Cada pintura que compone Materia Gris, con sus distintas intensidades, trasmuta en materia este acervo de imágenes para otorgarles un nuevo umbral de intensidad, una textura enigmática. Como en casi todos los trabajos de Franco, el archivo es solo un punto de partida que funciona como un vehículo para profundizar en las preocupaciones más amplias de su trabajo, que tienen relación con la naturaleza de la creación y con la capacidad de hacer visible y palpable el misterio que ciertas imágenes y objetos contienen.

“Resulta interesante y provocativo que Materia Gris explore desde el ejercicio de materialidades pictóricas, referentes de la historia del arte local, como las obras que el propio museo alberga en sus colecciones. A partir de la mirada particular de un artista, obras emblemáticas que son también testimonio de tiempos y eventos del pasado, son revisitadas y alteradas como fórmulas complejas que tensionan – en sus límites entre la figuración y la abstracción- la contemporaneidad de la imagen y de la cultura visual tanto en su estatuto de pintura, como de escultura e instalación”, comenta el curador.

Junto con la serie de pinturas, se exhiben también un grupo de esculturas que forman parte de la serie titulada NN. Perfiles de aluminio dispuestos de suelo a cielo en el espacio de la sala, contienen en su interior un conjunto de objetos encontrados, imágenes, textos y residuos materiales utilizados en la producción de las obras. Esta serie de trabajos, iniciado por Franco el año 2010, constantemente reaparecen y acompañan las obras centrales de sus proyectos.

La exposición fue posible gracias al Fondo Nacional de la Cultura y Las Artes, convocatoria 2022 perteneciente al Ministerio de la Cultura, las Artes y el Patrimonio y el apoyo del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago.

Nicolas Franco (Santiago, 1973), realizó sus estudios en la Universidad de Chile y en De Ateliers, Amsterdam. Ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos TECNOPOL, Universidad Alberto Hurtado y University of Oxford (2016); The Pollock Krasner Foundation Grant, NY (2010 – 2001); Union Latine culture et Comunicación (2008); Nominado Prix Pictet (2015); Beca AMA-Gasworks, Fundación AMA (2013); De – Ateliers, Mondrian Foundation y Ministerio de Cultura y Ciencias de Los Países Bajos (1998-2000), entre otros.  Su trabajo ha sido objeto de doce exhibiciones individuales en Museos y ha sido presentado en Europa, Norte y Sud América, destacando Tate Modern, Londres (2019-20); Migros Museum, Zurich (2016); MEIAC Badajoz (2010); LIMAC – Museo de Arte Contemporáneo de Lima (2017); Museo del Barro, Asunción (2009); Museo Blanes, Montevideo (2008); Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, Santiago (2018); Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2015); Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2011, 2017); Museo de Artes Visuales, Santiago (2011-2019); Fundación Corpartes Santiago (2013); Cromwell Place, Londres (2022), Centre Of Contemporary Art Znaki CZASU, Torun (2018), Sala Alcalá 31, Madrid (2020), Centro de Arte La Conservera, Murcia (2015).

Su obra está presente en las colecciones de Tate Modern (Londres), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago), Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Santiago), Museo de Artes Visuales (Santiago), Centre of Contemporary Art Znaki Czasu (Poland), Colección Eduardo Hochschild (Lima), Il Posto (Santiago), Colección Juan Yarur (Santiago), Colección Fundación Engel (Santiago), Colección Celia Sredni Birbragher (Bogotá), Colección Leticia y Stanislas Poniatowski (Paris), Fundación AMA (Santiago), Fundación de Artes Visuales, (Santiago), Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (Santiago).

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«La muerte y otras miserias. Imaginarios de la agonía, la melancolía y la locura»

A partir del jueves 3 de junio, a las 15 h,  se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes la exposición La muerte y otras miserias. Imaginarios de la agonía, la melancolía y la locura, con una selección de más de 30 obras de la Colección MNBA, realizada por la curadora Gloria Cortés Aliaga.

La experiencia de la visita se refuerza con la modificación del espacio físico que incluye la apertura de los óculos o ventanas ovales del edificio, la incorporación de antiguos ornamentos y cortinas del museo, canto a lo divino, flores y cédulas de mármol que permiten reforzar el sentido de la exposición desde lugares más íntimos y afectivos.

Las obras que corresponden a diversos períodos y estilos, fueron realizadas principalmente entre los siglos XIX y principios del XX. Se trata de pinturas, dibujos, óleos, esculturas, un sobrerrelieve y grabados de artistas chilenos y extranjeros, que articulados en ocho estaciones, dan cuenta las formas de representación de la muerte, el duelo, la melancolía, el sentimiento de pérdida y desamparo tanto individual como colectivo.

Enfermedades mentales, los estados melancólicos y la histeria femenina, diversas epidemias y crisis sanitarias, la orfandad y la pobreza son parte de las temáticas que se pueden asociar a esta selección de obras, que permiten reflexionar de forma crítica en torno a la sociedad de masas, sus dinámicas políticas y económicas. Así, los nuevos escenarios en el campo de la medicina, especialmente la psiquiatría, la antropología criminal, los avances de la industrialización, junto a los conflictos sociales, territoriales y bélicos durante todo el siglo XIX y gran parte del siglo XX, son las temáticas que configuran el paisaje social y las pasiones humanas representadas en la muestra.

“La muerte es una realidad que acompaña nuestra humanidad de manera permanente. Ella, a su manera, nos configura. Por más que intentemos olvidarla, nos sorprende cuando menos lo pensamos, como lo hacen también las miserias, sufrimientos y limitaciones que son como pequeñas muertes. Muerte y vida están íntimamente entrelazadas. Ver este universo de muerte y sufrimiento con los ojos de los artistas nos permite contemplarla con otros ojos y ver su indudable dimensión trascendente. Es lo que esta exposición logra mostrar”, comenta Fernando Pérez, director del MNBA.

Esta exhibición “permite reflejar el sentir de una sociedad que debió enfrentarse a un proceso de progreso y desarrollo inusitados, guerras, inestabilidad política y a los inicios de un sistema capitalista que traía consigo no solo avances económicos y tecnológicos, sino también cansancio, explotación y soledad”, explica la curadora.

 “La muerte y otras miserias nos enfrenta a los diversos modos de vivir las experiencias del sufrimiento, el miedo y la angustia, pero también sobre todo aquello que permite atenuar la dureza del dolor. En los actuales tiempos de pandemia y un proyecto de ley de eutanasia en revisión, la presente exposición intenta reflexionar –a partir de la colección del MNBA– sobre las ideas de la muerte en el campo simbólico-cultural, la incidencia de los aspectos religiosos y políticos o las desigualdades socioeconómicas que condicionan las formas de morir”, concluye la curadora.

Entre las obras destacan la pintura El velorio del angelito (ca.1930) de Arturo Gordon; el óleo de gran formato Orfeo atacado por las bacantes (1902) de Fernando Álvarez de Sotomayor; Juana la Loca a los pies de Felipe el Hermoso de Austria, su marido moribundo (primera mitad s. XIX) de Raymond Quinsac Monvoisin; El niño enfermo (1902) de  Pedro Lira; la escultura en bronce Crudo Invierno (1922) de Rebeca Matte; La viuda (1885) de Magdalena Mira; el grabado sobre papel Melancolía (1514/1902) de Albrecht (Alberto) Durero, la escultura La Miseria (ca. 1908) de Ernesto Concha y La muerte de Virginia (1875) de James Bertrand.

También se incluye La ley del honor (1894), realizada en París por el pintor chileno Juan Harris. Popular óleo de gran formato que inspiró el acto teatral Scandale mondain (Escándalo mundano) de Camille de Morlhon en 1907, difundiéndose en pasquines y postales. En ella, el artista transforma a los espectadores en testigos de un macabro asesinato, donde se entrecruzan la infidelidad femenina y lo que se consideraba el honor masculino, tema profusamente abordado por la literatura de la época. A más de 70 años de su creación, esta pieza fue donada al MNBA, sin bastidor, con importantes deterioros y sin mayores antecedentes sobre su origen y circulación, iniciándose en 2020 un proyecto de investigación y puesta en valor, junto al Centro Nacional de Conservación y Restauración (CNCR), que culmina con su exhibición en esta muestra.

La Sala Chile, el espacio del Museo que alberga la exposición se habilitó especialmente adaptándose a la temática. Así, tras más de 60 años, la techumbre se despejó para dejar ver los óculos (pequeñas ventanas ovaladas) originales del edificio, permitiendo el ingreso de la luz natural. También se incorporaron antiguos elementos ornamentos y cortinas del museo; flores y cédulas de mármol que permiten reforzar el sentido de la exposición desde lugares más íntimos y afectivos. 

Además, se incluyen audios con voces de cantoras -correspondientes al Archivo de Literatura Oral y Tradiciones Populares de la Biblioteca Nacional-, quienes expresan su pesar frente la muerte y la enfermedad, para encarnar en primera persona y desde el mundo vernáculo estas experiencias.

Actividades virtuales
Considerando el actual contexto sanitario se organizarán diversas actividades online como lives en Instagram con la curadora y expertos que permitirán ampliar las perspectivas relacionadas con la experiencia de la muerte, como la medicina o el mundo popular. También se realizará una transmisión en vivo vía Youtube, como parte del programa Desde el Museo, que desarrolla el área de Mediación y Educación del MNBA y que contará con la participación de invitados especiales. Esto se complementa con el audio sobre la pintura El Niño Enfermo de Pedro Lira, vía whatsapp que se enviará a quienes quieran inscribirse a la lista del proyecto Viajeras.

Autores
Fernando Álvarez de Sotomayor, Giuseppe Bartolomeo Chiari (atribuido), James Bertrand, José Miguel Blanco, Pietro Bouvier, Jacques Callot, Julio Fossa Calderón, Ernesto Concha, Jerónimo Costa, Francisco Domingo y Marqués, Albrecht [Alberto] Durero, Leopold Franz Kowalski, Otto Georgi, Juan Antonio González, Simón González, Arturo Gordon, Juan Harris, Jean-Jacques Henner, Rebeca Matte, Magdalena Mira, Raymond Quinsac Monvoisin, Jef (Joseph) Leempoels, Pedro Lira, José Mercedes Ortega.

«La exposición olvidada y una lectura a cuatro artistas chilenos»

El rescate de dos muestras impulsadas por el Centro de Arte y Comunicación (CAYC) de Buenos Aires durante las décadas de 1970 y 1980, propone La exposición olvidada y una lectura a cuatro artistas chilenos, que se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes desde el 19 de noviembre de 2020 hasta marzo 2021.

La exposición propone activar los vínculos artísticos entre Argentina y Chile a través del CAYC, un espacio interdisciplinar que promovió prácticas experimentales y una amplia producción teórica en torno al arte latinoamericano. Así, los curadores se concentran sobre dos exposiciones emblemáticas del Centro. Por un lado, Hacia un perfil del arte latinoamericano, un envío que incluía 143 heliografías de 69 artistas de distintas nacionalidades, que no pudieron ser presentadas en el MNBA debido al golpe de Estado en 1973. Por otro lado, Cuatro artistas chilenos en el CAYC, que se presentó en Buenos Aires en 1985, e incluía las obras de los destacados artistas chilenos Gonzalo Díaz, Eugenio Dittborn, Alfredo Jaar y Carlos Leppe.

La curatoría corresponde a los historiadores del arte Mariana Marchesi, directora artística del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, y Sebastián Vidal Valenzuela, académico de la Universidad Alberto Hurtado, quienes con la colaboración de Eva Cancino, encargada de colecciones MNBA, investigaron las obras y el periodo, dando cuenta de gestiones y autorías que se involucraron críticamente con los procesos políticos y sociales que se desarrollaron en la región.

«A través de una selección de las obras históricas, así como de la reconstrucción de otras, se buscó reponer ambos hitos en las trayectorias compartidas del arte contemporáneo transcordillerano. Pese a los doce años que separan estas propuestas, se vislumbra en ellas un sentido de colaboración y solidaridad que devela el espíritu de unión artística, cultural y crítica entre ambos países, en un período marcado por la inestabilidad política que supusieron los regímenes dictatoriales en Latinoamérica. El rescate de estos dos casos invita a reactivar desde el presente estos dos momentos claves para la historia de Argentina y Chile», escriben los curadores.

La muestra nació a partir del trabajo mancomunado entre el MNBA y el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina y contó con la participación de los propios artistas en los procesos de recuperación y reconstrucción de sus obras históricas. También colaboraron importantes instituciones y colecciones públicas y privadas de la región, entre las que destacan la Embajada de Argentina en Chile, el archivo Facundo de Zuviría, el Archivo Carlos Leppe, la Fundación Juan Downey, la colección Pedro Montes y la colección Solari del Sol, el Museo de la Solidaridad Salvador Allende, la Fundación Luis Felipe Noé, el Centro Espigas y el Archivo Ricardo Ocampo.

Asociadas a la exhibición y organizadas por el Departamento de Arte de la Universidad Alberto Hurtado, el 25 de noviembre y el 02 de diciembre a las 18:00 h, se llevarán a cabo dos mesas de conversación con la participación de los curadores y destacados expertos internacionales, que buscan reflexionar críticamente en torno a la muestra y los alcances de las propuestas del CAYC. Las mesas se podrán seguir a través del canal de Youtube del Museo: @MNBAChile.

Hacia un perfil del arte latinoamericano | 1972

La exposición propuso analizar las problemáticas políticas del continente con copias heliográficas de medida uniforme, bajo tres premisas planteadas por Jorge Glusberg, fundador del CAYC: portabilidad, economía de recursos y reproductibilidad. A mediados de 1973, una versión de la exhibición compuesta por 143 heliografías de 69 artistas se envió al MNBA, pero no pudo inaugurarse debido al golpe de Estado.

Desde entonces, las obras quedaron guardadas en los depósitos del Museo, donde fueron investigadas por Vidal, coincidiendo con el trabajo iniciado por Cancino. Esta es la primera vez que se expone íntegramente, cerrando un ciclo truncado 47 años atrás.

Artistas: Marcel Alocco, Siah Armajani, Álvaro Barrios, Jacques Bedel, Luis Benedit, Juan Bercetche, Sheila Berkley, Antonio Berni, César Bolaños, Lowry Burgess, Antonio José Caro Lopera, Elda Cerrato, Jaime Davidovich, Guillermo Deisler, Agnes Denes, Juan Downey, Gregorio Dujovny, Ken Friedman, Nicolás García Uriburu, Jochen Gerz, Carlos Ginzburg, Jorge Glusberg, Jorge González Mir, Haroldo González, Víctor Grippo, Klaus Groh, Guerrilla Art Action Group (GAAG), Rafael Hastings, Mariano Hernández Ossorno, Dick Higgins, Fernando Huici, Mike Parr, Peter Kennedy, Michael Kenny, Richard Kostelanetz, Uzi Kotler, Bernardo Krasniansky, Auro Lecci, Jorge Edgardo Lezama, Lea Lublin, Francisco Mariotti, Oscar Maxera, Julián Mereutza, Carlos Mills, Víctor Mira, Abraham Moles, Ion Muresanu, Maurizio Nannucci, Juan Navarro Baldeweg, Moisés Nusimovich, Marie Orensanz, Luis Pazos, Alberto Pellegrino, Alfredo Portillos, Alejandro Puente, Gumersindo Quevedo, Osvaldo Romberg, Juan Carlos Romero, Ricardo Roux, Javier Ruiz, Bernardo Salcedo, Máximo Soto, Julio Teich, Clorindo Testa, Enrique Torroja, Horst Tress, Jiri Valoch, Constantin Xenakis, Horacio Zabala.

Cuatro artistas chilenos en el CAYC | 1985

En 1985, en plena dictadura cívico-militar de Augusto Pinochet, esta exhibición reunió en Buenos Aires a Gonzalo Díaz, Eugenio Dittborn, Alfredo Jaar y Carlos Leppe, nombres centrales en la escena contemporánea en Chile. Organizada por la crítica cultural Nelly Richard y Jorge Glusberg, director del CAYC, esta muestra permitió dar visibilidad a la producción crítica del momento.

Eugenio Dittborn (1943) | Se incluyen dos de las aeropostales que integraron la exhibición de 1985: Diagonal y La Pietá. Se realizaron con papel de envolver doblados cuatro veces, obteniendo 16 rectángulos iguales con pliegues bien marcados. La primera obra presenta imágenes de nativos americanos y australianos, así como un cántaro y una calavera con peluca. En la segunda se reproduce la figura del boxeador cubano Benny «Kid» Paret, fallecido a raíz de los golpes recibidos por Emile Griffith en la defensa del título mundial del año 1962. El evento, que fue televisado en Europa y América, fue plasmado por Dittborn en alusión a la figura bíblica de La piedad. El artista trabajó, además, la relación medial de la fotografía, capturada en vivo y trasladada desde la pantalla de televisión al soporte de la obra.

Alfredo Jaar (1956) | El artista reconstruyó, por primera vez desde 1985, la instalación O Adeus, que consistió en quince neones verdes montados en diagonal sobre tierra, que apuntaban hacia las portadas de cinco revistas con imágenes de Raúl Alfonsín, primer mandatario electo democráticamente tras la última dictadura cívico militar argentina. En el muro frontal, el artista dispuso cinco portadas de periódicos brasileños con referencias al reciente funeral del presidente Tancredo Neves, fallecido días antes de asumir el cargo, luego de un extenso período de gobiernos dictatoriales en Brasil. La obra se pensó como un saludo al advenimiento de la democracia en el continente y como una luz de esperanza para el resto de los países de la región.

Gonzalo Díaz (1947) | En esta ocasión, el artista desarrolló una nueva versión de la icónica serie El Kilómetro 104, utilizando las mismas técnicas y materiales de la época. Compuesta por seis grandes piezas, aborda la relación entre imagen y texto, tomando elementos de la cultura popular, manuales de cirugía, imágenes naturalistas y de biología e instrumentos de medición, entre otros recursos. Los títulos operan como juegos de palabras: El primer amore, El pinturicchio primo, La masturbatio prima, La prima felatio, El primo baccio y La primera comunión.

Carlos Leppe (1952-2015) | De acuerdo a fotografías y testimonios, la obra Proyecto de demolición de la cordillera de Los Andes se montó con objetos que el artista solía utilizar en sus performances e instalaciones, como una escalera, componentes lumínicos, recipientes con tintas de colores, tiza y yeso. Destacaba el fragmento de un texto manuscrito alusivo al mito popular cordillerano de la Difunta Correa, sobre una madre fallecida que amamantó a su recién nacido. Junto al texto, Leppe puso una foto Polaroid de su madre, y en otra pared, la reproducción de un avión en picada y un tubo de neón. Apoyada en el piso, una tela blanca incluía la pequeña figura de un árbol, una casa en miniatura, una ampolleta encendida y un montículo de polvo, probablemente pólvora. Resaltaba el dibujo de un obelisco realizado en tiza blanca, colocado sobre una columna pintada de negro, rodeada por ladrillos. Algunos elementos precarios, propios de la vida cotidiana de un albañil, completaban la propuesta. Para esta exposición se reconstruyó la columna (escala 1:1) y la sección de ladrillo, mientras que a través de una proyección, se trazó el dibujo a tiza. El montaje incluye fotos de la instalación original de Facundo de Zuviría.

Horario: Martes y jueves, 10:00, 12:00 y 15:00 h
Entrada gratuita
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«Bordar el desborde. Las bordadoras de Isla Negra en el MNBA 1969-2019»

Entre el 30 de agosto y el 24 de noviembre, se presenta Bordar el desborde. Las bordadoras de Isla Negra en el MNBA 1969-2019, que conmemora los 50 años de la primera exposición de este acervo, considerado pieza clave del arte popular contemporáneo, caracterizado por su desbordante colorido y gran fuerza iconográfica.

Se trata de alrededor de 30 telas bordadas entre 1969 y 1990, junto a fotografías, documentos y recortes de prensa que dan cuenta de las exposiciones realizadas en Chile y en el extranjero por esta agrupación de mujeres creadoras. Destacan el documental Lana Mágica de 1996 y el diagrama del gran bordado colectivo de 2 x 7 metros, encargado para el edificio de la Conferencia Mundial UNCTAD-III de Santiago, en 1972.

Presentación del fotolibro «Soy una mujer»

En el marco del Día Internacional de la Fotografía, les invitamos a la presentación del fotolibro «Soy una mujer», del artista chileno Mauricio Toro Goya, publicación que reúne retratos de mujeres de distintos rincones de Latinoamérica, y sus historias de sabiduría ancestral y resistencias.

«Yo Fotografío. Sabores Populares»

En el marco del Día Mundial de la Fotografía, que se celebra el 19 de agosto, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta las imágenes seleccionadas de la convocatoria pública realizada entre junio y julio pasado; en una muestra en torno a los sabores de nuestro país.

18 de agosto al 6 de octubre | Inauguración: 18 de agosto, 12 h.

Más de 160 imágenes compartidas por la comunidad forman parte de esta exhibición, que destaca a la gastronomía como parte de nuestro patrimonio inmaterial, reflejo de saberes y sabores tradicionales, y de la amplia diversidad cultural de nuestro país.

Las fotografías están distribuidas en cuatro categorías: Guatita llena, que celebra a la comida como instancia para disfrutar y compartir; Lleve de lo bueno, una mirada a los mercados, ferias y puestos de comida; Ojo al charqui, dedicada al momento de la preparación y el gusto por cocinar; y Provecho, con imágenes de los platos listos para servir.

Yo Fotografío. Sabores Populares es una iniciativa del área de Mediación y Educación MNBA, espacio que busca poner en valor la fotografía como un medio de expresión artística del que todas las personas pueden participar.

Así, las imágenes que componen la exposición fueron enviadas por aficionados a la fotografía de todas las edades -desde niñas y niños a adultos mayores- provenientes de distintas regiones de Chile, utilizando cualquier tipo de cámara (digital, análoga o de celular).

Día del Niño en el MNBA | 2019

El domingo 11 de agosto el Museo Nacional de Bellas Artes invita a toda la familia a celebrar el Día del Niño y la Niña con talleres y visitas mediadas gratuitas.

Taller de Fanzine para niñas y niños

A partir de la experiencia de visitar el museo y sus exposiciones, se ofrecerá este taller para niños y niñas de entre 5 y 12 años, en el que podrán descubrir las posibilidades creativas y simples para la publicación de un fanzine.

Domingo 11 de agosto | Sin inscripción | Cupos: 25 niñ@s más acompañante.

Horarios: Opción mañana 11:0.0 a 13:00. Opción tarde 16:00 a 18:00 h.

Materiales incluidos.

Visitas Mediadas en familia

También se contará con recorridos dirigidos especialmente a niños y niñas, acompañados por sus familiares, por las exposiciones De aquí a la modernidad y Tránsitos, de la Colección MNBA.

Sin inscripción

Horarios: 10:30, 11:30, 12:30, 15:30, 16:30 y 17:30 h.

Mes de la Fotografía 2019 en Barrio Arte

Con exposiciones, concursos, talleres y charlas

Barrio Arte celebra el Mes de la Fotografía en el corazón de Santiago

  • Durante todo agosto, las instituciones que impulsan la alianza Barrio Arte en el perímetro Lastarria- Forestal realizarán diversas actividades gratuitas y abiertas a todo público para celebrar la Fotografía.  
  • El Centro Gabriela Mistral (GAM), el Museo de Artes Visuales (MAVI), el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), junto a galerías de arte y espacios culturales, forman la alianza Barrio Arte en el corazón de Santiago.
  • El Mes de la Fotografía Barrio Arte ofrece concursos, talleres, conversatorios, presentaciones de libros y exposiciones dedicadas a artistas de la fotografía como Marcela Bruna, Pablo Cortés, José Diniz, Paula López Droguett, Sady Mora, Macarena Peñaloza, Felipe Prado, Gabriela Rivera, Martha Rosler, Tatiana Sardá Yantén y Pablo Valenzuela.

El 19 de agosto de 1839 es una fecha muy importante para la fotografía. Ese día, Louis Daguerre presentó ante la Academia de Ciencias de Francia su última creación: el daguerrotipo. Un invento que revolucionó el mundo de la imagen con alcances insospechados hasta nuestros días. Para conmemorar este acontecimiento en todo el mundo se celebra cada 19 de agosto el Día de la Fotografía y nuestro país no es la excepción. En Santiago, Barrio Arte realizará diversas iniciativas para celebrar en el perímetro Lastarria- Forestal. Para participar de ellas se puede ver más información en barrioarte.cl, seguir la cuenta @explorabarrioarte (en instagram y facebook) y usar #explorabarrioarte.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SEDE FORESTAL (MAC)

La exposición “Si tú vivieras aquí”, dedicada a Martha Rosler (1943), es la primera retrospectiva en Latinoamérica de la icónica artista estadounidense y es curada por Mariagrazia Muscatello y Montserrat Rojas Corradi. La muestra, que se inaugura el 25 de julio a las 19:30 h en MAC Parque Forestal, está compuesta por una selección emblemática de su obra y el proyecto Biblioteca Martha Rosler, realizado con agentes locales a través de donaciones de libros con especial foco en Chile y Latinoamérica. El proyecto expositivo incluye un diálogo entre la artista y creadores nacionales: Cristóbal Cea, Claudia del Fierro, Voluspa Jarpa, Bárbara Oettinger, Bernardo Oyarzún y Máximo Corvalán.

Esta artista es reconocida como una de las pioneras en la fotografía y el uso de los lenguajes híbridos entre el video, la escritura, la instalación y la performance. Su trabajo habla de la esfera pública, enfocándose en la cotidianidad, los medios de comunicación, la guerra, la gentrificación y urbanización, entre otros, con un enfoque crítico y feminista. “Si tú vivieras aquí” toma su título de la obra “If you lived here” de 1989, donde Rosler interroga sobre los procesos de gentrificación y empobrecimiento social en los Estados Unidos durante el gobierno de Ronald Reagan. La traducción da pie a otras miradas y reflexiones en el contexto latinoamericano, con narrativas locales, refriéndose específicamente a los desplazamientos humanos actuales y a la conformación de la identidad nacional post dictadura.

Fecha: 26 de julio a 13 de octubre. Horario: martes a sábado de 11:00 a 18:30 horas, domingo de 11:00 a 17:30 horas.

MUSEO DE ARTES VISUALES (MAVI) 

El grupo de observación sensorial y transpersonal GOST, guiado por el fotógrafo Jesús Contreras, desarrollará el “Taller de fotografía a ciegas”. Este taller de sensibilización, creación y reflexión de la imagen fotográfica se llevará a cabo mediante la Metodología Light Painting, para todas las personas que deseen vivir una experiencia inclusiva y creativa. En esta aventura quienes participen podrán crear fotografías de una manera única y entretenida. Este taller invita a comprender la fotografía como herramienta de inclusión social. Inscripciones sin costo en proyectogost@gmail.com. Cuatro sábados de agosto, de 15:00 a 17:00 horas.

Además, en la Plaza Mulato Gil de Castro, antesala del MAVI, se llevará a cabo el Encuentro de Fotografía Analógica, organizado por la asociación AFAN. Esta actividad abierta y sin costo, incluye una feria de colectivos dedicados a la fotografía analógica y a proyectos editoriales; mesas redondas sobre “Género y Fotografía” y “Publicación y Autopublicación”; y talleres de técnicas fotográficas analógicas. Más información e inscripciones en mavi.cl (actividades).

Fecha: sábado 17 de agosto. Horario: 12:00 a 17:00 horas. Calle Lastarria 307.

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES (MNBA)

El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) lanza su segunda Convocatoria Fotográfica “Sabores Populares” para personas aficionadas a la fotografía, de todas las edades. Una selección de las imágenes enviadas por el público formará parte de una exposición en el museo, a inaugurarse con ocasión del Día Mundial de la Fotografía.  Entre las imágenes recibidas se realizará una selección que se exhibirá en la sala de Mediación y Educación del MNBA. 

Fecha: inauguración de la exposición 18 de agosto a las 12:00 horas. Se exhibirá hasta el 6 de octubre. Horario: martes a domingo de 10:00 a 18:45 horas. Calle José Miguel de La Barra 650.

Además, el MNBA ofrecerá el Conversatorio y lanzamiento de catálogo de la exposición “Monumento editado” del artista Andrés Durán. La muestra, que contó con la curatoría de Andrea Josch, se plantea como una reflexión sobre cómo funcionan hoy los monumentos conmemorativos en el espacio público de Chile, Argentina, Bolivia y Perú. En la actualidad, la mayoría tiene poca visibilidad producto de cómo se ha estructurado la ciudad contemporánea. “Monumento editado” trabaja con la utilización de material fotográfico y audiovisual de los monumentos para intervenirlos y generar ficciones de manera realista, de esta forma se presenta la ficción al interior del Museo y el real en el espacio público.

Jueves 22 de agosto, a las 19:00 horas, en el Salón Auditorio José Miguel Blanco del MNBA. Cupo: 130 personas.

MUSEO DE ARTE POPULAR AMERICANO (MAPA)

El Museo de Arte Popular Americano invita al público a participar durante todo agosto de: “Yo comparto mi indumentaria, mi historia” compartiendo en Instagram fotografías que tengan relación con la temática de la exposición actual del MAPA: “Traje e Indumentaria Latinoamericana”. 

Las imágenes pueden ser de prendas típicas o modernas, amuletos, sombreros, abalorios, personas creando indumentaria o simplemente la pieza que más les gustó de la exposición. Diariamente las subirán en la cuenta @mapamuseo y las que obtengan más reacciones cada semana, recibirán un set de libros del MAPA. Usar el hashtag #indumentariaMAPA. Alameda 227, piso -1.

EKHO GALLERY

El primer día de agosto, a las 19:00 horas, la Galería Ekho inicia el Mes de la Fotografía con la inauguración de la exposición “Paisaje expuesto, Dimensiones limítrofes” de Sady Mora. Además, el 6 a las 19:00 horas, proyectarán una serie de seis documentales dedicados a las fotógrafas chilenas Catalina de la Cruz, Verónica Soto, Julia Toro, Cholita Chic, Kena Lorenzini y Gabriela Rivera. Este proyecto es parte de la serie web Rectángulo en el Ojo. Por último, el 8 a las 19:00 horas, se inaugurará la exposición “Geometría del instante: Rapa Nui”, del fotógrafo Pablo Valenzuela. Calle Merced 349 local 12.

FLACH TIENDA GALERÍA

La Galería FLACH tendrá una programación especial durante el Mes de la Fotografía con exposiciones, charlas y proyecciones relacionadas con esta disciplina. Presentará la exposición “Periscopio” del fotógrafo brasileño José Diniz que será inaugurada el 14 de agosto, a las 19:30 horas y el día 16 de agosto ofrecerá una charla del artista. Para cerrar el mes, FLACH y Colectivo Migrar, realizarán la proyección fotográfica callejera “Proyectil”. Esta actividad al aire libre será el sábado 31 de agosto, a las 19:30 horas en la entrada de Flach Tienda Galería, en el Pasaje Luciano Kulczewski. Calle Villavicencio 301.

GALERÍA BECH

Con la exposición colectiva “Cuerpos maternos, una travesía de lo íntimo a lo social”, de Marcela Bruna, Paula López Droguett, Macarena Peñaloza, Gabriela Rivera y Tatiana Sardá Yantén, la Galería BECH celebrará el mes de la fotografía. Esta muestra, cuya curatoría fue realizada por Andrea Josch, presenta la obra de cinco artistas que trabajan a partir de la fotografía y desde ahí se expanden al video y la instalación. Articula propuestas creativas que nacen desde la experiencia biológica de la maternidad, a través de imágenes que invitan a la introspección estética y a la reflexión acerca de la realidad social como espacio donde los roles de madre-hija(o) son esenciales en la sociedad. 

Inauguración 8 de agosto, 19:30 horas. Abierta hasta 29 de agosto. Horario: lunes a viernes de 10:00 a 19:00 horas. Alameda 123.

GALERÍA DE ARTE MONTEGRANDE

El fotógrafo Pablo Cortés Rivera realizará la exposición “Los Cielos de la Mistral” con fotografías y astro fotografías de los cielos de la comuna de Paihuano y Valle de Elqui, cuna de Gabriela Mistral.

Fecha: viernes 2 de agosto. 

Horario: 11:00 a 21:00 horas. 

Calle Victoria Subercaseaux 295.

COLMADO COFFEE & BAR

Con el lanzamiento del fotolibro de Felipe Prado (SurNorte Editores), Colmado Coffee & Bar conmemorará el Mes de la Fotografía. En el encuentro se llevará a cabo un conversatorio acerca del proceso creativo del artista y de la editora, se presentarán visuales a cargo del artista y el fotolibro estará a la venta.

Fecha: jueves 29 de agosto. Horario: 20:00 horas. Calle Merced 346 local E2-E3.

«O si no»

Inauguración Jueves 25 de julio de 2019, 19:15 horas. La exposición permanecerá abierta hasta el 22 de septiembre de 2019, de Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas.

Tras 12 años el artista chileno Carlos Altamirano regresa al Museo Nacional de Bellas Artes con la exhibición O si no, en la que actualiza, activa y vuelve a presentar una selección de sus trabajos realizados entre 1976 y 2019, a los que se suma la inédita instalación 1.044 flores, La historia de un hoyo y Cuarenta relatos inconclusos.

Ocupando el primer piso sur y la Sala Matta del Museo, se incluyen obras del artista pertenecientes a la Colección MNBA y la presentación del sitio www.revisioncritica.cl. El conjunto ha sido concebido como una sola obra, que se transforma y reactiva en sus significados.

Tal como lo hizo en 1979, cuando envió a varias personas un cuestionario en el que les preguntó «¿Existe el arte nacional?», en Si o no el artista invita al público a participar contestando la misma interrogante a través de dispositivos conectados a internet. Hace 40 años en las respuestas que obtuvo por parte de artistas, escritores y teóricos, se desprendía que no existía un arte chileno y por consiguiente se tenía el deber de construirlo. Desde ese ejercicio, que denominó Revisión crítica de la historia del arte chileno como trabajo de arte y exhibió en la galería CAL, ha expuesto en tres ocasiones en el MNBA; en 1991 con la muestra Pintor de domingo; en 1996 con Retratos y en 2007 con Obra completa. El hilo conductor en todo su quehacer ha sido abordar críticamente la historia y tradición del arte chileno.

Conversatorio | Sin inscripción | El 29 y el 30 de agosto, desde las 15:30 h, se llevará a cabo un encuentro concebido como extensión de la muestra, que nuevamente lanza la provocación de preguntar y debatir acerca de la revisión crítica de la historia del arte en Chile y Latinoamérica. Altamirano, al completar el proceso de convocatoria, 40 años después, invita a pensar cómo y por qué pasamos de la pintura de la historia -que motivó los afanes formativos de la Academia en 1849-, a la historia como problema de obra. Con la participación de Hervé Fischer, Fernando Balcells, Nelly Richard y Ticio Escobar.

Sobre el artista | Además de su quehacer artístico, Carlos Altamirano (Santiago, 1954-) se ha dedicado al diseño y la publicidad. Actualmente forma parte del equipo editorial de Ocho Libros y del directorio del periódico digital Eldesconcierto.cl. En dos ocasiones ha recibido el Premio Altazor en la Categoría de Instalación y Videoarte. En su obra recurre a distintos medios como la pintura, la fotografía, la instalación, la imagen digital, el objeto y las plataformas de internet, con los que propone un imaginario de alta resonancia social, referido a la tradición del arte, la cultura masas y los símbolos de la historia chilena. A fines de los años 70 y comienzos de los 80, junto a la crítica de arte Nelly Richard y el artista visual Carlos Leppe, desarrolló una serie de proyectos editoriales y expositivos. Por este trabajo se le considera parte de la Escena de Avanzada, agrupación artística que luego del Golpe Militar de 1973, cuestionó las nociones tradicionales del arte académico. Así, abandonaron el formato tradicional del lienzo, para elaborar nuevos lenguajes visuales y modificar las estrategias discursivas del arte en Chile.