«El noveno arte. Historieta, cómic e ilustración en Chile, Siglo XX»

Una de las grandes revoluciones en el entretenimiento y en la cultura popular surge de la globalización del imaginario de los cómics, forma artística y popular, esencial del siglo XX y su cultura de masas, cuya presencia en el papel impreso lo transformó en el denominado «noveno arte».

Siguiendo en la línea de “coleccionables” –que se inició esta temporada con la exposición Coca-Cola. Objeto de deseo – presentamos en la sala de exposición de Casa-Museo la muestra EL NOVENO ARTE. Historieta, cómic e ilustración en Chile en el Siglo XX, que reúne una selección de noventa originales en tinta sobre papel y acuarela, que alguna vez fueron impresos, de autores tan conocidos como Pepo, Lukas, Themo Lobos, Vicar o Coke, entre muchos otros.

Martes a domingo, 10:30 a 19 horas.

«WantedDesign, Representación de diseñadores chilenos en la feria WantedDesign 2018»

WantedDesign, Representación de diseñadores chilenos en la feria WantedDesign 2018, exhibe por primera vez en Chile el trabajo que diseñadores locales llevaron a la prestigiosa feria del mismo nombre realizada en Nueva York, dedicada a promover y fomentar el trabajo creativo en diseño a nivel internacional.

La feria WantedDesign se realiza cada año en mayo; es una instancia única de colaboración, desarrollo, difusión e interrelación entre los diversos estamentos vinculados al diseño: profesionales, fabricantes internacionales, distribuidores, curadores, especialistas y público en general. La representación chilena en WantedDesign 2018 reunió a nueve estudios, quienes fueron seleccionados a través de convocatoria pública, organizada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y ProChile.

Esta exposición da cuenta de la representación chilena en esta feria y presenta lámparas, mobiliario, tejidos, cerámicas, contenedores y objetos ornamentales que reflejan los avances y renovaciones que experimenta el diseño local. El relato de la muestra presenta las acciones del proceso productivo, como plegar, moldear, tejer, tallar y ensamblar. Luego se descubre la experimentación de materiales nobles y autóctonos, incluyendo en algunos casos a las comunidades rurales e indígenas en un proceso de co-creación; el reciclaje; la valorización de la artesanía y los oficios tradicionales; y la posibilidad de capacitar y dar empleo a internos de un centro penitenciario chileno.

Además de dar cuenta de la representación chilena en WantedDesign 2018, la muestra es un reflejo de cómo la presencia chilena en encuentros internacionales de diseño se ha afianzado en los últimos años, A través del trabajo interinstitucional del sector público, mostrando en diversas plataformas lo que se produce y cómo se ha renovado esta disciplina en nuestro país, a partir de aspectos como la riqueza de materiales, el interés estético y valor utilitario de los objetos, como también de factores cualitativos que apuntan al trabajo con comunidades, exploración de identidades y compromiso socioambiental, entre otros factores.

La exposición cuenta con la colaboración del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y ProChile.

Los estudios participantes de la muestra son:
  • 1a10 Design: Es un estudio y marca de diseño de autor del arquitecto Felipe Arriagada (Santiago, 1986) , que se inicia a fines del año 2013 en Santiago, desarrollando productos de mobiliario y proyectos de arquitectura e interiorismo. Dentro de sus reconocimientos destaca el Premio Excelencia en Diseño, Categoría Innovación, entregado por el Consejo Nacional de la Cultura en la Bienal de Diseño (2017) y el Premio Nacional De Innovación Avonni en categoría Diseño, ambos por el proyecto
    Cocinas Incrementales Yungay.
  • Kalofisha®: Es la marca de diseño de Nury Lagos (Santiago, 1973).El concepto viene de los términos Kal: lana o pelo y Ofisha: oveja en mapuzungun. Trabaja productos artesanales contemporáneos, concebidos a partir de lana natural de oveja como material predominante. Desde aquí se crea indumentaria, como también objetos didácticos y educativos para la infancia.
  • Krause Chavarri: Katja Krause (Temuco, 1986) y Pedro Chávarri (Santiago de Chile, 1985), se asocian y fundan en 2015 Krause Chavarri. Estudio de diseño enfocado en el desarrollo de objetos y proyectos que tienen por propósito desplegar las cualidades que refuerzan la habitabilidad, señalando al diseño como un intermediario entre la persona y el espacio arquitectónico. Entre sus reconocimientos destacan el Premio Imagen de Chile (2018) por Paloma, la selección de Corcova en la Bienal Iberoamericana de Diseño (2018) y el primer Lugar en el Concurso Dutch Design Made in Chile (2019).
  • MAIA Design: María Jesús Seguel (Santiago, 1983) es una artista chilena y MAIA nace de su trabajo con comunidades en el sur del país, a partir del que propone una nueva mirada del diseño de objetos inspirada en la artesanía tradicional, donde el diseño actúa como un canal de difusión cultural. En 2018 fue parte de la exposición Lámparas, diseño chileno del CCLM. Recientemente se adjudicó dos Fondart, uno Regional en la línea de Artesanía Contemporánea y el otro Fondart Nacional en la línea de Diseño y Creación.
  • Moshi Moshi: Es una marca que desde 2015 fabrica, produce y vende luminarias de diseño influenciadas, tanto estética como constructivamente, por la técnica del origami. Fundada por la diseñadora y arquitecta chilena de origen japonés Mitsue Kido (Santiago, 1983), la marca pretende plasmar una herencia cultural familiar con una interpretación latinoamericana. Han expuesto en NY NOW! (2016), Semana del Diseño de Milán en Ventura Lambrate (2016), Expo lighting América (Ciudad de México, 2017), entre otros eventos.
  • Medular: Fundada en septiembre de 2006 por los diseñadores industriales Pablo Llanquín (Santiago 1976)  y Alejandra Mustakis (Santiago, 1976), quienes desde sus inicios se destacaron por sus productos con un fuerte valor agregado con un estilo urbano y moderno. Se ha destacado por democratizar el diseño, llevando a muchos hogares chilenos productos que construyen espacios más agradables y armoniosos.
  • Qstudio: En septiembre de 2012 Gonzalo Santana (Santiago 1976) y Estefania Johnson (Santiago, 1987), se asocian para fundar Qstudio, empresa dedicada al diseño y fabricación de objetos de cobre, que une exclusividad y sostenibilidad: cada pieza es distinta, utilizan las láminas de cobre con menor huella de carbono del mundo, y además, capacitan y dan empleo a los internos del Centro Penitenciario Colina 1. Han expuesto en diversas ferias internacionales de diseño desde que en 2013 fueron invitados al Salón Satélite del Salón del Mueble de Milán 2013.
  • Trufquén: Fundada en 2014 por el diseñador industrial Raúl Hernández Tralma (Santiago, 1986), y su significado es ceniza, trufken en mapuzungun. Desde entonces se ha dedicado a la experimentación material, enfocándose principalmente en la greda, que cohesiona de manera única con cristal soplado a boca. Se adjudicó dos Fondart Nacional en Diseño (2017 y 2018), pudiendo generar piezas ciento por ciento a mano por artesanos nacionales. Trufquén ha expuesto su trabajo en Estados Unidos, España, Italia y Australia, recibiendo además algunos reconocimientos Internacionales Clap.
  • TUCA DESIGN: Ángeles Tuca (Santiago, 1975)  es diseñadora industrial con experiencia en proyectos de interiorismo, mobiliario y objetos desarrollados en Santiago y Barcelona. Ganadora de 3 premios nacionales: Espejo Polar fue premiado en el IV Encuentro de Objetos de Diseño con Reciclaje, de Revista Ambientes y Recycla (2007); Cell Wall fue destacada en la muestra Experimenta el material en Stgo.Diseño (2009); y la línea de Mesas Origami recibió el primer premio en la categoría Mobiliario de Chile Diseño 2011.
Coordenadas

21 de junio al 21 de noviembre | 2019
Galería del Diseño | Nivel -2
Lunes a domingo | 9:30 a 19:30 horas
Entrada gratuita

«Razón de morir mi vida»

“Razón de morir mi vida” es el nombre de la nueva obra política y artística de Francisco “Papas Fritas” Tapia. La instalación expone parte de lo que ha sido el proyecto “Amortanasia”, que por más de un año ha acompañado a enfermos terminales y de sufrimiento prolongados que, en el padecimiento doloroso e irreversible de sus enfermedades, han requerido junto a sus familias, ante el abandono del Estado, información, compañía y asesoría para concretar una muerte digna (eutanasia y/o suicidio asistido). La acción en sí misma marca una ruptura y subvierte el orden imperante actuando en el límite del marco legal vigente en momentos en que, paralelamente, se discute por primera vez en Chile un proyecto de eutanasia en el Congreso Nacional.

La obra nos plantea la lucha por la libertad y la autodeterminación del ser humano, pero no desde un punto de vista liberal, sino más bien, desde lo colectivo, la auto determinación como acción colectiva y subversiva donde el cuerpo, terreno en disputa, es el escenario de una batalla por la dignidad y la auto consciencia y la voluntad de decidir -dentro de una comunidad- el final propio, singular.

Información y un dispositivo para realizar eutanasia y/o suicidio asistido, son puestos a disposición del público en la instalación, de los cuales algunos ya han sido subidos a la página «amortanasia.com» que, durante más de un año fue recopilando información y perfeccionando manuales confeccionados por diversas organizaciones en todo el mundo, tanto de aquellas presentes en países en donde ya está legalizada la eutanasia y/o suicidio asistido, como de organizaciones que, clandestinamente, han asistido a enfermos terminales fuera del marco legal en sus respectivos países.

Además, por primera vez en el país, la obra hace público testimonios de personas chilenas que optaron por la eutanasia y/o el suicidio asistido, previo a la concreción de la acción. Los registros (audios y video) se plantean así mismos, como testimonios discursivos que interpelan directamente al Estado y sus autoridades para legislar y despenalizar cuanto antes la eutanasia y el suicidio asistido, y que permita la muerte digna y sin dolor a pacientes terminales.

Inauguración 20 de junio 20:00 horas.

La instalación “Razón de morir mi vida” estará de manera gratuita en el Centro Cultural GAM (Espacio B, Edificio B, Ingreso Plaza Central, Piso 1) desde el 21 de Junio al 25 de Julio de Martes a Viernes de 10 a 21 horas y Sábados y Domingos de 11 a 21 horas.

«Ecosistema»

Podrá visitarse desde el 20 de junio hasta el 2 de agosto de 2019:

SALA DE ARTE CCU PRESENTA EXPOSICIÓN “ECOSISTEMA”, DEL ARTISTA BERNARDO OYARZÚN

  • Mediante una instalación de gran formato, el autor plasma el paisaje nativo del sur de Chile, el cual describe como “abatido y rediseñado por la propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares”.

Desde este jueves 20 de junio, la Sala de Arte CCU exhibirá “Ecosistema”, una exposición del destacado artista visual Bernardo Oyarzún, quien a través de una instalación de gran formato plasma su visión de los aspectos natural, humano y social de su lugar de origen en el sur de Chile y los trastornos que este lugar ha sufrido en el tiempo.

Hasta la colonización alemana a mediados del siglo XIX, el sur de Chile estaba aislado, bellamente huérfano y desprovisto del Estado. Eran tiempos donde la naturaleza abrazaba a sus habitantes e imponía sus reglas; tabúes y un paisaje hegemónico que no daba tregua, al mismo tiempo que sostenía una relación de divina reciprocidad.

El hacer y el azar del proceso de colonización levantó en este lugar una impronta cultural, un pensamiento y lenguaje que se fundió con el mundo indígena y dio paso a una formación cultural única en Chile, que alcanza su plenitud en el archipiélago de Chiloé.

En ese sentido, la obra es, según palabras del propio autor, un viaje de regreso a un lugar trastornado por los vicios del progreso y la industria sin regulaciones. “Hoy el paisaje nativo está abatido y rediseñado por una cuadrícula de propiedad privada, maltratada por la agroindustria, la deforestación y la contaminación de la tierra, ríos y mares, algo que se puede definir en dos palabras: contaminación y colapso”, expresa.

Bernardo Oyarzún, nacido en Los Muermos, Región de Los Lagos, es Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile, con mención en grabado y pintura. Ha participado en diversas bienales de arte -Praga, Valencia, La Habana, y convirtiéndose en el envío nacional bajo la curatoria de Ticio Escobar en la Bienal de Venecia 2017, entre otras- y ha realizado múltiples exposiciones individuales y residencias. Premio Art Forum Competition, Harvard en 2007, Altazor en 2011, su obra está presente en más de 40 catálogos y libros de arte y en las colecciones de Daros Latinoamérica y Blantom Museum.

A lo largo de su obra, Oyarzún ha explorado temáticas vinculadas a contextos populares, problemáticas acerca de la identidad, las raíces y el mundo indígena. “Ecosistema” es una reedición de la muestra realizada en 2005 en la Galería Gabriela Mistral. En ambas, trabajó la noción de paisaje de un modo autobiográfico y sociocultural, mostrando la realidad y el conflicto a escala real de localidades despobladas y con problemas graves en su configuración.

SOBRE LA SALA DE ARTE CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

«Entre dos Aguas»

Proyecto Colectivo de Fotógrafas Fronterizas

Trayectoria colectiva

Desde el año 2015, las fotógrafas Cecilia Hormazábal Hevia y Patricia Pichun Carvajal, ambas de la ciudad de Temuco, junto a Mabel Ruiz García de Puerto Montt, estuvieron presentando la obra “Fronteriza/ fotografía + poesía femenina del sur de Chile” en Santiago y en distintos espacios de su zona geográfica. Hasta entonces Colectivo Fotográfico Pewma y concibieron este trabajo a partir de la interpretación que cada una de ellas hizo de los textos de Gloria Dünkler, Roxana Miranda Rupailaf y Dafne Meezs, todas poetas también oriundas del sur.

En el 2017 con la adjudicación de un fondo DIRAC, viajaron a España para debutar internacionalmente. El trayecto de la muestra “Fronteriza” se realizó  con la presentación del catálogo en la Galería-Librería La Fábrica de Madrid, continuando en la Mantis Gallery de Zaragoza, para concluir en la Asociación Cultural Porta Roja de Barcelona.   

Debido al éxito de la muestra y la necesidad de seguir planteando un cuerpo de obra desde la mirada femenina y contemporánea, el mestizaje e hibridez, que se pone en escena desde múltiples capas y  referencias de una identidad propia, donde la frontera es un corte, una herida y un espacio de resistencia.

Posteriormente se siguió trabajando en el proyecto durante el 2017 y 2018 esta vez con nuevas integrantes Lissette Ruiz artista visual y fotógrafa de Temuco y como invitada especial para el proyecto  “Entre dos Aguas” Cristina Muñoz Artista Visual y fotógrafa de Santiago, quien ya venía trabajando la temática del agua. También con la incorporación de las fotógrafas mencionadas se decidió cambiar el nombre del colectivo de Pewma a Fronterizas.

Proyecto “Entre dos aguas”

El proyecto “Entre dos aguas” plantea una mirada desde el paisaje y lo femenino, por medio de la fotografía y la incorporación de textos poéticos de destacadas escritoras chilenas. El proyecto es una reflexión visual, una puesta en escena de ríos y mares en su amplitud conceptual abarcándolo desde la mirada y la producción de obra de cinco fotógrafas chilenas contemporáneas, que trabajan en su repertorio el arte, la memoria y el territorio, ellas son Patricia Pichun, Mabel Ruiz, Cristina Muñoz, Lissette Ruiz, Cecilia Hormazábal, y la colaboración de  Claudia Cofre.

Explorando en los territorios e imaginarios poéticos femeninos actuales que vinculan en su producción simbólica el agua como metáfora de un territorio, de un cuerpo femenino, que trabajan en torno a las temáticas que reflexionan sobre el territorio CENTRO SUR DEL PAÍS. Es un diálogo IMAGEN-ESCRITURA, un relato visual, un cruce transfronterizo, trans- disciplinar, con textos del poemario RÍO HERIDO, de la poeta y filósofa Mapuche Daniela Catrileo; FUEGO FRÍO, de la poeta y traductora Verónica Zondek y PERRIMONTUN, de Maribel Mora Curriao.

Se plantea desarrollar un cuerpo fotográfico que tenga como eje central “El agua” y sus relaciones político-ambientales, representaciones culturales del campo y la ciudad, un flujo dinámico y contemporáneo. El agua fuente de vida, límite, recurso natural sobre- explotado en crisis, sumergir al espectador en los imaginarios de cada una de las autoras, desde su relación con un territorio de FRONTERA. La frontera tiene la connotación de ser el límite entre una y otra cultura, entre este y el otro lado; es la separación de dos lugares culturales divididos por una línea, la que separa el todo.

“Entre dos aguas”, hace una reflexión visual en torno a las relaciones posibles de la inter- culturalidad, entre la visión de una memoria histórica ligada a un territorio indígena y sus relaciones poscoloniales, también sobre el rol de la mujer en este río horadado que es Chile.

De este modo cada fotógrafa plantea su propia mirada autoral en torno al agua. Así, Lissette Ruiz nos presenta la warria desde el borde del río Cautín y del estruendo del progreso fallido encarnado en la construcción del puente Tren Tren y Kay Kay. Con imágenes arquitectónicas, vemos grandes barras de cemento que cortan el cielo e interrumpen la contemplación al infinito. La documentación del conflicto, del fallido proyecto de integración que nos lleva a pensar más allá del puente, es la metáfora de todo un territorio, de siglos de historia de sumisión, injusticias, y dominación, integración dictaminada por los que no escuchan, no ven, ni quiere conocer al Otro.

A su vez, Patricia Pichún, con una estética intimista contemporánea, nos propone adentrar- nos en los humedales, fuente de vida primordial para nuestro ecosistema. Sus imágenes bordean lo documental y la puesta en escena, bordes de árboles, cerros aparecen y desaparecen en la geografía de la niebla.

La obra de Mabel Ruiz surge a partir de acontecimientos de contaminación en el mar del sur de Chile, en su caso, en un interesante cruce entre la puesta en escena y el documental, sus obras nos hablan de los conflictos medioambientales desde lo femenino, desde la imagen de mujeres senadoras y creadoras de vida en contraposición a la destrucción y la muerte que causa la dominación. Sus obras son actos preforman, cargados de tragedia y simbolismo, donde se hacen presente también el cruce entre lo poético, casi literario y lo político del conflicto.

A su vez Cristina Muñoz se sumerge en la historia del canal San Carlos que utiliza como metáfora de la vida dentro de una sociedad que restringe y amolda, en este caso, el libre curso de las aguas en función de su explotación y el beneficio de unos pocos. Mediante diversas acciones performáticas realizadas en distintas partes del río, recoge las huellas de la historia. El río lleva la historia negra de nuestro territorio; de la colonia y sus abusos; a las desapariciones en dictadura, donde los cuerpos eran tirados al canal, transformándolo en un lugar de muerte; y la explotación de las aguas en el presente.

Por último, Cecilia Hormazábal, entre la puesta en escena y lo documental conforma un relato visual en diálogo con textos. Una mujer mapuche flota en el río con sus vestimentas, como Nicolasa Quintreman Calpán, dirigente pehuenche, símbolo del conflicto medioambiental de Ralco, quien fuera hallada muerta flotando en el río. Aquí, en la puesta en escena, Ofelia-mapuche ya no representa a una mujer sumisa, virginal, controlada y manipulada, ella resiste en estas aguas. La propuesta retoma al arquetipo de Ofelia, actualizándola como una mujer indígena que recupera su identidad.

Entre dos aguas, evidencia una condición micropolítica de la práctica de la fotografía, que amplia un campo de percepción y acción de los efectos y de la producción de subjetividades, de las relaciones de poder y de aquello que revela la impotencia del sujeto frente al origen de su condición. Como sabemos el arte no tiene que reafirmar el orden establecido de las cosas. Su potencia radica en su posibilidad de alterar nuestra manera de ver y pensar el mundo sensible. En este sentido, constituye siempre una nueva configuración de elementos sensibles múltiples y hace compatibles realidades dispares, creando la posibilidad de una singularidad nueva.  (Claudia Cofré Cubillos, Curadora e investigadora, 2019) Extracto texto curatorial “Entre dos aguas”.

Inauguración jueves 20 de junio, 19 horas.

Desde el viernes 21 de junio al domingo 4 de agosto, de martes a domingo de 11 a 19 horas.

«Otras mareas también suben»

Otras mareas también suben

Instalación fotográfica de la artista Daniela Canales que aborda la necesidad de predecir el futuro y el miedo a la incertidumbre que posee la sociedad contemporánea. Tomando como eje central las mareas, Canales basa su obra en estudios científicos que aseguran un aumento de siete metros en el nivel del mar para el año 2050.

A través de una serie de imágenes que se traducen en un montaje de 50 metros, la fotógrafa logra recrear el océano, a escala, que dejará a 9 mil ciudades bajo el agua. Utilizando métodos no convencionales, la obra es expuesta de manera vertical en la Galería Bicentenario del centro cultural.

Inauguración jueves 20 de junio, 19 horas.

Desde el viernes 21 de junio al domingo 4 de agosto, de martes a domingo de 11 a 19 horas.

«Tribu»

El día 19 de junio, galería AMS presentará la muestra llamada «Tribu» de la artista chilena Isabel Klotz. Esta instalación multimedia busca recrear la playa de Cáhuil en la VI región e invita al espectador a una experiencia sensorial inmersiva.

Con la creación de un entorno a gran escala, Klotz busca producir una experiencia corporal. 42 ballenas en cerámica y gres oxidado laminadas en plata se instalarán colgando de ramas recogidas de un bosque aledaño al taller de la artista, estas ramas evocan el ritmo de las corrientes por donde migran las ballenas al norte.

En esta oportunidad, Isabel Klotz invitó a la artista Macarena Irarrázabal, para que la acompañe con dos piezas escultóricas de piedra, e instalará “Nidos de Agua”, dos contundentes esculturas construidas con granito de la zona.

Las esculturas de Klotz irán montadas sobre sal de Cáhuil, una oda a este elemento primordial tanto en el campo electromagnético de nuestro cuerpo, al igual como las ballenas limpian y oxigenan los océanos. En armonía con el espíritu de Cáhuil, esta forma fluctuante une todos los componentes del microcosmos. Combinando formas con lo sagrado de la naturaleza, Klotz crea un ambiente seductor tanto de color, como textura y aroma, disolviendo la distancia entre el espectador y la obra de arte que alude a un lugar distante.

La muestra consistirá de 6 trabajos sobre papel, 1 pieza de fotografía, 1 escultura móvil de cerámica, y 12 ballenas de cerámica individuales. Estará abierta al público hasta el sábado 27 de julio.

Horarios: lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:30 / sábados de 11:00 – 14:00

“La otra luz de Dinora”

MUSEO ANDINO EXHIBE COLECCIONES INÉDITAS DE LA ARTISTA NACIONAL DINORA DOUDTCHITZKY

  • “La otra luz de Dinora” es el nombre de la exposición temporal que reúne obras realizadas por esta destacada artista en diversas técnicas, como dibujo, acuarela, grabado y pintura, así como documentos, apuntes, fotografías y otros testimonios de su trayectoria, hasta su fallecimiento en 2004.

De espíritu curioso y afable era Dinora Doudtchitzky, la pintora y grabadora que nació en Odessa, Ucrania en 1914 y que llegó a Chile, desde Buenos Aires, en 1939. Aquí estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, en Santiago, y fue amiga y ayudante de grabado de Nemesio Antúnez, al que, posteriormente, ayudó a fundar el mítico Taller 99.

Además de la creación artística, le apasionaban la música y la naturaleza, participando como flautista en conjuntos que ejecutaban música antigua e integrando grupos que realizaban largas caminatas y excursiones en la pre cordillera de Santiago. También le apasionaba la enseñanza, y durante veinte o más años fue profesora de grabado en la Escuela de Arte de la Universidad Católica.

Afable y maternal, en sus trabajos siempre buscó transmitir un mensaje de serenidad y ternura, equilibrio que reconocía en la naturaleza y en todas las expresiones de la belleza.

El aporte de Dinora al desarrollo del arte nacional, como maestra y autora, es todavía poco conocido. Por eso, el Museo Andino de la Fundación Claro Vial, en conjunto con la Fundación Casa de la Acuarela, se vincularon con Silvia Quiroga, única hija de Dinora, quien puso a disposición la colección personal de su madre. Lamentablemente Silvia falleció, pero sus hijos, como homenaje a su memoria, dieron continuidad a esta iniciativa.

Hay que mencionar, además, la participación en esta exposición de la Ley de Donaciones Culturales, y el interés de la representación diplomática de Ucrania en Chile, por participar en el reconocimiento de una artista que nació en su territorio. Destacar, igualmente, la curatoría y textos de la exposición, realizados por la Historiadora del Arte Macarena Murúa.

“La otra luz de Dinora” es el nombre de la muestra temporal que se exhibe en el Museo Andino, al interior de la Viña Santa Rita, que permite una mirada íntima a esta artista nacional a creaciones y aspectos biográficos y espirituales que son esenciales para comprender el imaginario que la acompañó durante toda su trayectoria, hasta su fallecimiento en 2004.

Algunas de las obras exhibidas estarán a la venta. La exposición se encuentra abierta a público hasta el 1 de septiembre. 30 de septiembre.

Información General

El Museo Andino de la Fundación Claro Vial se encuentra ubicado al interior de Viña Santa Rita, en Camino Padre Hurtado 0695, Alto Jahuel, Comuna de Buin · Región Metropolitana

Horario de atención: martes a domingo de 10:30 a 17:00 horas. Entrada liberada.                                                                                                                  
Fono: + 562 2362 2524 / +569 6393 9496. Correo: museo@museoandino.cl

«Paisaje extendido»

Exposición de Isabel Cauas “Paisaje extendido”

  • Estará abierta desde el 19 de junio al 3 de agosto en la sala mayor de la Fundación Cultural (Av. Nueva Providencia 1995).

Cerca de 70 grabados y pinturas forman parte de la exposición “Paisaje extendido” de la artista chilena Isabel Cauas que se expondrán del 19 de junio al 3 de agosto en la Fundación Cultural de Providencia.

Están presentes todos sus lenguajes plásticos, hay grabados a buril con algunas de sus correspondientes matrices en cobre, litografías y xilografías creadas durante su residencia de grabado en la Printmaking Base de Guanlán, China durante 2016 y sus últimas monotipias de este año, acompañadas de pinturas sobre telas y paneles de madera.

“Desde un principio mi obra se ha relacionado con el paisaje, siendo el árbol el personaje principal. Construyo mis imágenes fragmentando el espacio de manera que micro mundos se van haciendo realidad. Ventanas son construidas y dejadas abiertas para dar la posibilidad de vislumbrar el paisaje de mi interior o de reflejar los paisajes exteriores que me rodean e inspiran en un juego continuo de abstracción y figuración”, explica Isabel.

“Invitamos a todos los vecinos y quienes nos visitan de otros lugares de Santiago a disfrutar del arte y conocer un poco más acerca de los grabados, litografías y xilografías que forman parte de la exposición de esta artista chilena. Siempre es reconfortante apreciar la belleza del arte”, señala la alcaldesa Evelyn Matthei.

Isabel Cauas nació en Santiago en 1966. Obtuvo su Licenciatura en Artes Plásticas con Mención en Grabado en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile en Santiago y desde 1990 ha cursado varios talleres y cursos de especialización en Chile y California, Usa.

Isabel ha tenido más de 15 exposiciones individuales y ha participado en numerosas bienales y exposiciones colectivas en Chile y el extranjero. Ha recibido varios premios, reconocimientos y becas a lo largo de su carrera. Entre éstas se encuentran dos Becas de Amigos del Arte 1989 y 1990, y la beca otorgada por The Pollock Krasner Foundation de N.Y. USA en 1993. Recibe en 2014 un reconocimiento especial de Taller 99 y es nombrada Socia Honoraria. En 2016 es invitada a realizar una residencia de tres meses en Guanlán Printmaking Base, China.

Ha sido profesora de grabado, dibujo y orfebrería en varias universidades e institutos y desde 1988 (con interrupciones) enseña Litografía en el Taller 99. Entre los años 1990 y 1993 trabaja como impresora de ediciones calcográficas y profesora de grabado en “Editions B&D” Print Studio, San Diego, California, USA. Link de la artista www.isabelcauas.cl

La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 10:00 a 19:00 hrs y sábados, de 11:00 a 19:00 horas. La entrada es liberada.

«Síntomas geográficos»

Siete artistas jóvenes toman el pulso a la identidad sudamericana en la Posada del Corregidor

El “cielo” y la “tierra” se pliegan en la Posada del Corregidor con la muestra “Síntomas Geográficos”, la cual inaugura el martes 18 de junio a las 19:00, en este un proyecto de exposición colectiva que reúne a siete jóvenes artistas sudamericanos: Aldair Indra Coronado (Bolivia), Carlos Heredia, Suamy Vallejo (Ecuador), Joaquín Henríquez, Fernanda López, N3T0 (Chile) y María Villanueva (Argentina).  

Para dar cuenta de esta latencia sudamericana, la propuesta curatorial presenta en la planta baja  un conjunto de obras (Heredia, Vallejos, Henríquez y López) que aluden a los problemas terrenales que cruzan la Sudamérica contemporánea: la violencia política, el complejo desarrollo urbano de sus capitales, el conflicto ecológico y los sometimientos al cuerpo. Por su parte, en la segunda planta se presentan obras que toman como referencia el mundo espiritual (N3T0,  Indra y Vilanueva) desplegando trabajos con raigambre en la tradición cosmogónica andina y la herencia platónica en la cartografía producida en el cruce entre América y Europa por los conquistadores.

El carácter de los trabajos de estos jóvenes artistas transcurre por las prácticas del arte contemporáneo con obras en video, instalación, objetos escultóricos y gráficas de técnica mixta, hablando de ese modo, desde su propio territorio y a la vez buscan conocer otros. Finalmente, en ese tránsito que es tanto geográfico como desde el quehacer artístico, desde las técnicas, desde los espacios de circulación y exhibición, es en el que las obras, en tanto embajadores de los contextos, se devuelven con lo que se les ofrece.

“La riqueza es compartir” explicitan los artistas de esta muestra colectiva y este es el afán que moviliza “Síntomas Geográficos”: una deriva en el circuito artístico latinoamericano para unir lo que aparentemente está separado.

Inauguración

Martes 18 de junio.  2019 | 19:00h

Galería  de Arte Posada del Corregidor

Esmeralda 749. Estación Plaza de Armas – Bellas Artes (L5)

La muestra estará abierta al sábado 13 de julio.

Entrada Liberada

Martes a sábado de 10:00 a 13:30h – 14:30 a 17:30h

posadadelcorregidor@munistgo.cl – 226335573

Actividad Gratuita

Lectura de obra: “Deriva Trans América”

A partir de la premisa “la riqueza es compartir”, los artistas que forman parte de la muestra  “Síntomas Geográficos” Joaquín Henríquez, Fernanda López y N3T0 realizarán una “Lectura de Obras” para conversar con los visitantes en torno a las obras que forman parte da la muestra, sus propuestas creativas y la deriva  de este proyecto en el circuito artístico latinoamericano.

Jueves 27 de junio. 19:00 horas

Actividad gratuita. Sin inscripción previa

Galería de Arte Posada del Corregidor

Esmeralda 749. Estación Plaza de Armas – Bellas Artes (L5). Santiago

posadadelcorregidor@munistgo.cl – 226335573

Reseñas biográficas de los artistas

Aldair Indra Coronado (1989) — Bolivia

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes “Hernando Siles” y Sociología en la Universidad Mayor de San Andrés. Formación en video, accionismo, crítica y curaduría con otros artistas. En 2014 ganó el 2º Premio del Concurso Nacional Arte Joven Expres Arte de AECID con una Intervención Urbana: Memorias de la tierra.  Ha sido seleccionada en las residencias de Bolivia: mARTadero, Materia Gris y Sorojchi Tambo, Bienal SIART, Bienal de Santa Cruz de la Sierra, y Contextos.

Expone regularmente, de manera individual y colectiva, a nivel nacional e internacional destacando recientemente su presentaciones en Galería Temporal de Santiago,  Tokio Galería en Lima, Perú, 13 Bienal de Artes Mediales en Santiago (2017), Desiertos Intervenidos II del 7 Festival Semana de Arte Contemporáneo (SACO, Antofagasta. 2018). Exposiciones Individuales: “Fluido Vital”, MUSEF, 2014, “Un mensaje a las estrellas”, 2017, “El retorno de los elementos”, Galerìa Macchina, “De Orión a la Cruz del Sur”, Espacio Modelo, Antofagasta, 2018. Intervención-Interacción son palabras claves en su forma de trabajo.

Carlos Heredia (1995) — Ecuador

Su formación se ha desarrollado en la Escuela de Artes Visuales en la Universidad de Cuenca y en la carrera de Ingeniería Civil en la Universidad del Azuay. Colabora y participa de forma habitual en la realización de actividad transdisciplinares como el Simposium Internacional de Arte y Neurociencias, el Congreso de Ciclo de Cine Debate – Documental:  El Arte después de Duchamp: A 100 años de “la Fuente”. Colaborador del “1er Congreso de Crítica, Filosofía y Teoría de Arte Contemporáneo” Museo Nahim Isaías – Universidad Técnica Particular de Loja y Bienal de Cuenca. Actualmente está realizando la curaduría “Vista Previa” en  la recopilación de libros monográficos publicados con obras de artistas ecuatorianos y participa regularmente en varias exposiciones colectivas a nivel nacional como internacional.

Joaquín Henríquez  (1992) – Chile

Artista Visual egresado de la Pontificia Universidad Católica de Chile (2014).  Ha sido parte de exposiciones colectivas desde 2012, tales como Recolectores (2018), Bomba y medio (2017), Bienal internacional de performance Deformes (2016), Celebración Cortada (2016), IV Concurso Arte Joven (2015), Umbrales (2014), Miradas de entorno (2014) y Proyecto Cúmulo en Juventud Providencia (2012).

Actualmente complementa su producción artística con la realización de audiovisuales y documentales en diversas comunas de la ciudad de Santiago, abordando temáticas sociales y comunitarias, desde el trabajo colaborativo con los habitantes de cada sector.

Fernanda López (1991) – Chile  

Artista visual, Licenciada en Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Su trabajo ha girado en torno a cuestionamientos que surgen entre el sujeto y el contexto cultural, social y político que habita. Ha participado en diversas exposiciones a nivel nacional e internacional, dentro de las cuales se destacan “ADN Mitocondrial” en el Museo Nahim Isaias, Guayaquil, Ecuador (2018), “Tiempo suspendido” en Centro Cultural Espacio Matta (2017), “Sísifo” en Corporación Cultural Las Condes (2016) y “(Des)confecciones” en Espacio Vilches (2014); exhibiciones bipersonales como “TRAMAS TEXTUALES” en Factoría de Arte Santa Rosa (2018); y colectivas como “Premio Municipal Artes Visuales Talento Joven” en Galería de Arte Posada el Corregidor (2018)

N3T0 (1991) – Chile  

Licenciado en Artes Visuales de la Universidad de Chile (2014) y Magister(c) en cine documental (2017) de la misma casa de estudios. Desde el año 2014 ha desarrollado un trabajo que aborda los problemas de la transdiciplinaridad, ha realizado más de una treintena de exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Chile, Argentina, Bolivia, Colombia, Ecuador y Polonia. Su obra se encuentra colecciones públicas y privadas en Chile, Colombia y Estados Unidos.

Ha sido destacado con diversos premios y seleccionado en concurso tanto en su país como en el extranjero. Además de su labor visual ha realizado una labor escritural que le ha permitido colaborar en proyectos audiovisuales, escritura de texto para medios digitales y catálogos de otros artistas, así como presentar asistencia docente en la Universidad de Chile y Universidad UNIACC.

Suamy Vallejo (1990) — Ecuador

Artista multidisciplinar, Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Cuenca.  Trabaja habitualmente con distintos procesos como: el video arte, la foto performance, la fotografía, y la instalación siendo esta última la de mayor interés. Sus procesos artísticos han guardado una relación entre lo efímero y lo lúdico, lo poético y lo político tratando de generar espacios de goce estético y de reflexión.

A lo largo de su carrera artística ha participado en diferentes exposiciones colectivas locales como nacionales e internacionales como: Exposición Ser ahí. (Galería de Arte No Lugar, Quito, 2015). Festival Internacional de arte acción (FAAC. Ecuador- España, 2015). Festival Nacional de Performance  ENAPE, México, 2016). Lenguajes del Deterioro (El Subsuelo, Casa de la Cultura Ecuatoriana, Cuenca, 2016). Self Identities. (Galería Laura Haber, Argentina, 2016). A lo otro o lo otro (Estudio N, Guayaquil, 2016). Vocación del Fracaso (Curare Alterno, Pereira – Colombia, 2016), Artefactos y Artilugios, Bienal de Cuenca 2017. Costearte (Saladentro, Cuenca- Ecuador. 2018). Dentro de su trabajo ha obtenido diferentes premios de fotografía así como ha trabajado en departamentos de coordinación de mediación educativa con públicos, en diferentes museos de la ciudad de Cuenca.

María Villanueva (1984) — Argentina

Estudio en el IUNA Artes Visuales, en la UBA “Diseño de imagen y sonido y escenografía” en el Teatro Colón de Buenos Aires. Trabaja hace 5 años en Ambos Mundos, Fondo de Arte  y Galería como productora y curadora, coordinando  la “Residencia Epecuen”, Buenos Aires. A nivel individual ha realizado las exposiciones “Diagnóstico” en Ambos Mundos (2015), “Mutaciones” en Estilo Rivera (2013), “Formúlemelo” en CC El árbol (Buenos Aires). Participó de exposiciones colectivas entre ellas “Las dos caras de la montaña” , El Faro, Chile, “Allanamiento” (2018), “Sagrado y Profano” (2017), ”Estado de la Cuestión” (2017) “Principio Activo” (2016) junto a Juan Carlos Romero y Jorge Garnica en Ambos Mundos, “Máscaras” Museo Raúl Lozza (2016), “Patria no lugar” C.C. Cooperación (2016) “Full de damas” Casa de la cultura de SI (2013), “Mixturas” CC Recoleta (2013). Participó con sus performances en “TEDx” 2016, “LODO” maratón de performance en el CC Matienzo (2015), Palais de Glace (2014) Participó de las residencias artísticas “La Macina di San Cresci” Italia y “Arquitectura de la Desolación”, Epecuen, Buenos Aires. Destacan también participaciones recientes en las  “Parte”  en Sao Paulo, “Faca”  de Buenos Aires y “Mercado de Arte”  en Córdoba.

Inauguración: Martes 18 de junio. 2019 | 19:00h
Galería de Arte Posada del Corregidor
Esmeralda 749. Estación Plaza de Armas – Bellas Artes (L5)

La muestra estará abierta al sábado 13 de julio.
Entrada liberada
Martes a sábado de 10:00 a 13:30h – 14:30 a 17:30h