«Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad»

Michelangelo Pistoletto, ícono italiano del Arte povera, llega al MAC con su primera exposición individual en Sudamérica

• A partir de octubre, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), se exhibe Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad, en su sede de Parque Forestal. La muestra es curada por el brasileño Marcello Dantas.

• En esta oportunidad, se presentarán las obras más reconocidas de uno de los artistas italianos vivos más prolíficos, incluyendo instalaciones en gran formato y performances con participación ciudadana como The Third Paradise, Walking Sculpture y Love Difference. Siguiendo su línea creativa siempre vinculada al Arte povera, las obras propician la acción del espectador rompiendo con la pasividad usual de los museos, al tiempo que transmiten mensajes simples y concretos.

• Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad, la primera muestra individual de Michelangelo Pistoletto en Sudamérica, es posible gracias a una alianza entre la Embajada de Italia en Chile, el Instituto Italiano de Cultura de Santiago y el MAC, con el apoyo de Galleria Continua. A su vez, la exhibición se enmarca en la XIV Giornata del Contemporaneo, gran hito expositivo organizado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia (MAE), que promueve y difunde el arte contemporáneo italiano a nivel mundial.

Exhibición: Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad
Duración de la muestra: 27 de octubre – 2 de diciembre de 2018 / extendida hasta el 31 de enero de 2019
Lugar: MAC Parque Forestal
Performance inaugural: 27 de octubre en Plaza de la Ciudadanía

La Embajada de Italia en Chile, el Instituto Italiano de Cultura y el Museo de Arte Contemporáneo presentan Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad, del artista italiano Michelangelo Pistoletto (Biella, Italia, 1933). La muestra, que será exhibida en la sede de Parque Forestal, se compone de una selección de obras claves de uno de los artistas italianos vivos más importantes. La muestra cuenta con la colaboración de Galleria Continua, el programa de difusión cultural Vivere all’Italiana y se enmarca en la XIV Giornata del Contemporaneo. Con un conjunto de instalaciones y performances, el artista invita al espectador a la acción, descartando así la tradicional contemplación pasiva de las obras. Esta exhibición se configura como una experiencia que transforma al público en un agente activo de la sociedad. Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad es curada por el brasileño Marcello Dantas.

Ícono del Arte povera

Michelangelo Pistoletto tiene una trayectoria de más de 60 años, convirtiéndose en uno de los artistas italianos vivos más importantes. En 2003 recibió el León en Oro en Lifetime Achievement en la Bienal de Venecia, reconociendo su vasta carrera. Diez años más tarde presentó Michelangelo Pistoletto, année un – le paradis sur terre, una exhibición individual en el Museo del Louvre en París. En los últimos años ha presentado muestras en museos, galerías y otros importantes espacios expositivos en Alemania, Cuba, Estados Unidos, Francia, Hong Kong, Inglaterra e Italia.

Pistoletto es uno de los principales exponentes del Arte povera. Traducido literalmente como arte pobre, se trata de un movimiento artístico italiano que surge a mediados de los años sesenta, cuyos representantes trabajan con elementos simples de fácil acceso, son materiales no industriales o desechos, como madera, lana y hojas. Las obras usualmente se alejan de la comercialización del arte e incitan a una acción directa del espectador, generando una reflexión en torno al objeto y a la forma. El Arte povera busca una armonía entre el artista, la obra, la audiencia y la naturaleza, entregando mensajes simples y concretos.

Pistoletto por primera vez en Sudamérica con una muestra individual

La presencia de Michelangelo Pistoletto en Chile se articulará a lo largo de tres días donde al artista italiano protagonizará varias performances y acciones colectivas junto al público, tanto dentro como fuera del museo.

Uno de los trabajos que llegan es Love Difference, una mesa de gran tamaño con una superficie de espejos, creada especialmente para esta exhibición, con la forma de Latinoamérica. Alrededor de ella se distribuirán 33 sillas de diferentes características, representando diferentes culturas y expresiones de la sociedad. Es en este contexto que, el día jueves 25 de octubre, el artista propondrá la celebración de la diversidad, del diálogo, de la unidad y del contacto, gracias a la realización de un conversatorio cuya idea será fomentar el encuentro entre distintas fuerzas de cambio y agentes de la sociedad civil. “Michelangelo Pistoletto postula que desde todos los países de Latinoamérica, por su historia y cultura, puedan surgir energías nuevas y positivas que brindarán una enorme contribución a la regeneración de la sociedad mundial. Para liberar estas energías hay que construir y multiplicar los puentes para que la cultura pueda circular sin obstáculos alrededor del planeta”, explica Lorenzo Fiaschi de Galleria Continua.

Otra obra/performance que llega al MAC es Twenty Six Less One. Se trata de 26 grandes espejos enmarcados que bajo el vidrio esconden un mensaje de integración y hermandad escrito en los idiomas más extendidos en el mundo además que en las principales lenguas nativas de Latinoamérica. En una potente performance, todos los espejos –menos uno- serán quebrados por Pistoletto, revelando así los mensajes.

Finalmente el sábado 27 de octubre Michelangelo Pistoletto presentará Walking Sculpture; una de sus performances más conocidas a nivel mundial: el artista liderará un trayecto que partirá desde la Plaza de la Ciudadanía en el Palacio de La Moneda hasta llegar a MAC Parque Forestal. En el recorrido, Pistoletto llevará una gran esfera cubierta de papel, los transeúntes podrán sumarse, ayudando al artista.

Obras en exhibición

También se presenta The Third Paradise, una de las obras más recientes del artista. En 2003, Pistoletto escribió el manifiesto The Third Paradise y lo acompañó de un símbolo, tanto el texto como el dibujo abordan el conflicto y las disputas entre lo natural y lo artificial en el mundo. Este ha sido el punto inicial de una nueva fase en la trayectoria de Pistoletto, marcado por el trabajo colaborativo con individuos e instituciones de diversos campos del saber. Materialmente, The Third Paradise es una reconfiguración del símbolo infinito, esta vez con tres círculos. Los círculos de los extremos simbolizan la naturaleza y lo artificial, y el del centro es una conjunción entre los dos anteriores, generando un espacio de reflexión. La obra ha sido montada en diversos lugares, como el Louvre de París y el Consejo de la Unión Europea en Bruselas, y en diferentes soportes, como paja, plantas y hasta personas.

La exposición contará, además, con otras obras de menor tamaño que dialogarán dentro del museo, generando así conexiones entre el pasado, el presente y el futuro. Se trata de Il Pozzo, The Cubic Meter of Infinity y de The Wall.

Cada punto es el centro del universo, cada persona es el centro de la sociedad estará abierta entre el 27 de octubre y el 2 de diciembre en MAC Parque Forestal y se enmarca en la XIV Giornata del Contemporaneo, un amplio programa, de difusión de la cultura italiana impulsado por los Ministerios de Cultura y del Exterior de Italia que se celebra simultáneamente alrededor del mundo bajo el lema de #VivereAllItaliana. Mediante el trabajo realizado por la red de Embajadas y de Institutos Italianos de Cultura se celebrarán eventos, exposiciones y encuentros centrados en artistas y creadores italianos, configurándose como embajadores del arte italiano en el extranjero.

Además, el jueves 25 de octubre a las 11:00 hrs. en MAC Parque Forestal el artista Michelangelo Pistoletto realizará una Conferencia de Prensa, antes de Love Difference.

Sobre el artista

Michelangelo Pistoletto (Biella, Italia, 1933) comenzó a exhibir sus trabajos en 1955, su primera exhibición individual fue en 1960, en la Galería Galatea de Turín. A comienzos de los sesenta, comienza la producción de sus Mirror Paintings, abriendo una perspectiva completamente nueva pues incluían al espectador en la obra, en tiempo real. Esta serie de obras le valió el reconocimiento mundial y numerosas exhibiciones.

Entre 1965 y 1966 produjo las obras Minus Objects, piezas fundamentales del Arte povera, movimiento del que el artista ha sido personaje clave, junto a otros exponentes como Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini y Giuseppe Penone. Desde los años noventa, mediante Project Art y sus creaciones en Biella de la Cittadellarte Fondazione Pistoletto y la Universidad de las Ideas, acerca el arte a una relación activa con diversas esferas de la sociedad, siempre aspirando a un constante cambio positivo.

En 2003 ganó el León en Oro en Lifetime Achievement en la Bienal de Venecia, reconociendo su vasta carrera. Diez años más tarde presentó Michelangelo Pistoletto, année un – le paradis sur terre, exhibición individual en el Museo del Louvre en París. Ese mismo año recibió el Praemium Imperiale de pintura, en Tokyo. En 2017 Pistoletto participó en la 57a Bienal de Venecia con One and One Makes Three.
Nota: Lista completa de exhibiciones individuales acá y colectivas acá.

Sobre el curador

Marcello Dantas es curador, diseñador escenográfico, director artístico y documentalista. Sus trabajos suelen ser un éxito de audiencias. En 2012 curó Still Being, muestra del artista británico Antony Gormley, que se transformó en la séptima exhibición más vista a nivel mundial ese año. En 2016 curó ComCiéncia, de la artista Patricia Piccinini, la muestra de arte contemporáneo más visitada ese año. En 2017 trajo por primera vez a Ai Weiwei a Latinoamérica, con muestras en Argentina y Chile. A lo largo de su carrera ha curado exhibiciones y trabajado con Anish Kapoor, Jenny Holzer, Gary Hill, Rebecca Horn, Laurie Anderson, entre otros.

Museo de Arte Contemporáneo
– Sede Parque Forestal
Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.
– Sede Quinta Normal
Matucana 464, metro Quinta Normal.

Horarios:
11 a 19 horas, martes a sábado.
11 a 18 horas, domingo.

«Muebles Singal: Diseño chileno pionero en madera moldeada»

Desde el 26 de octubre se presenta la exposición que analiza el trabajo de Muebles Singal, empresa clave en el desarrollo del diseño nacional en la segunda mitad del siglo XX, gracias a su propuesta estética pionera. Bocetos, mobiliario y el ideario que impulsó su fundador, Jaime Garretón, forman parte de la muestra.

“Diseños modernos, pero típicamente chilenos” es una de las definiciones que dejó Jaime Garretón (1930-2003) para abordar el trabajo con su fábrica de Muebles Singal. Sus variados diseños en madera moldeada se transformaron en clásicos, subsistiendo actualmente en edificios públicos, oficinas y hogares del país.

La exposición Muebles Singal: Diseño chileno pionero en madera moldeada incluye la recuperación de moldajes y originales de estos icónicos muebles, junto con bocetos, planillas y la historia de su fundación y auge. La propuesta de Singal revolucionó la forma de producir y abordar el diseño de muebles en nuestro país, y conoció dos etapas de desarrollo: entre 1954 y 1965, sus años fundacionales, marcados por el diálogo entre el proceso artesanal y la masificación del diseño moderno en nuestro país; y el regreso entre 1989 y 2009, a cargo de Garretón y sus hijos.

Arquitecto, constructor civil, con estudios en Beaux Arts de París y en el Institute of Technology de Massachusets (MIT), además de desarrollar los oficios de pintor y diseñador de muebles, Jaime Garretón definió: “Los muebles son casi parte del hombre, al punto que uno convive con ellos. Por esta razón deben estar a su altura, ser perfectos”, resaltando así una propuesta que lo llevó con su fábrica Singal a cambiar el paradigma de acceso a muebles de diseño, llevándolos a hogares y oficinas de muchas familias chilenas.

Nombre del proyecto: Muebles SINGAL. Recuperación de un episodio pionero del diseño industrial chileno de la segunda mitad del siglo XX
Código proyecto FONDART: 0441-23-02-2018
Equipo: Ricardo Garretón, Carlos Sfeir, Cristián Schmitt, Franco Gnecco y Francisco Chateau.

26 de octubre, 2018 – 24 de febrero, 2019
Galería del Diseño | Nivel -2
Lunes a domingo | 9:30 a 19:30 horas
Gratis todos los días

«MATTA. Obra Gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la Revolución Intelectual del 68»

Inédita colección de grabados de Matta llega a MAC Parque Forestal

– MATTA. Obra Gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la Revolución Intelectual del 68, curada por Inés Ortega-Márquez, incluye litografías, aguafuertes, aguatintas, pruebas de artista e ilustraciones, pertenecientes a una colección privada nunca antes exhibida, y que exploran una de las facetas menos estudiadas de Roberto Matta: la de grabador.

– La exhibición está compuesta por más de 170 obras que abarcan diferentes etapas del artista, desde sus primeros grabados realizados en el mítico Taller 17 de Stanley William Hayter, hasta obras realizadas en la década de los sesenta, influidas por distintos fenómenos sociopolíticos como la Guerra de Vietnam, el movimiento hippie, entre otros.

Exhibición: MATTA. Obra Gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la Revolución Intelectual del 68.

Inauguración: 24 de octubre 19:00 hrs.

Fecha: 25 octubre- 20 Enero 2019

Lugar: MAC Parque Forestal

El Museo de Arte Contemporáneo presenta MATTA. Obra Gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la Revolución Intelectual del 68, curada por Inés Ortega-Márquez. Esta exhibición explora una de las facetas menos estudiadas de uno de los artistas nacionales más emblemáticos del siglo XX: la de grabador. La muestra incluye más de 170 obras entre litografías, aguafuertes, aguatintas, punta secas, pruebas de artista, ilustraciones, libros y otros objetos.

Se trata de una colección de grabados que van desde el mismo año en que Matta aprende a grabar, 1943, hasta finales de 1968, su período más creativo y de alta producción. Para Matta el grabado y la pintura constituyeron dos lenguajes diferentes y paralelos, lo que deja en evidencia las búsquedas, obsesiones, críticas, denuncias y tensiones propias del hombre contemporáneo.

“Por primera vez se ofrece una visión completa del trabajo gráfico de Matta perteneciente justamente a su etapa más fértil y creativa. Una retrospectiva que muestra el 90% de la obra realizada y catalogada en L´oeuvre Gravé de Matta que recopiló Roland Sabatier y fue publicada en 1975 por Georges Visat, un grande del arte multidisciplinar y el más importante editor de arte. Los grabados exhibidos pertenecen a una colección privada chilena, y visibilizarla representa un compromiso con el arte y con Matta”, comenta Inés Ortega-Márquez, curadora de la muestra.

La muestra abre con la serie The New School que toma su nombre del movimiento artístico gestado en EEUU que vincula al expresionismo abstracto con el surrealismo. En 1943 Matta realizó sus primeros grabados gracias a la influencia del artista Stanley William Hayter, considerado uno de los grabadores más importantes del siglo XX y en cuyo mítico Taller 17 aprendieron también, Miró, Tanguy y Ernst.

La exhibición también abarca trabajos realizados a fines de la década de los cuarenta y comienzos de los cincuenta, período en que Matta vuelve a Europa y denuncia el fracaso de la tecnología y los poderes maquinales, poniendo de relieve los conflictos, ansiedades y tensiones. Su alejamiento de la abstracción para narrar con elementos más figurativos, le cuesta el repudio de la Escuela de Nueva York y es expulsado del Grupo Surrealista de Breton. En este tiempo su producción está ligada a su participación como grabador en libros, en colaboración con diferentes poetas y pensadores de la época.

Finalmente, la muestra cierra con obras realizadas en los sesenta, década que se podría identificar como su etapa más política. En este contexto el trabajo de Matta cruza exploraciones conceptuales como la del Cubo Abierto, el hiperespacio y la teoría de los grandes transparentes, con conflictos como la base estadounidense de Guantánamo, la Guerra de Vietnam y los Procesos de Nüremberg al concluir la II Guerra Mundial y el movimiento hippie. Esta es su época más prolífica destacando series, libros y grabados independientes. Estos trabajos dejan entrever el sello Matta, a veces solemnes y a veces llenos de humor, erotismo e ironía.

MATTA. Obra Gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la Revolución Intelectual del 68 se presentará entre el 25 de octubre y 20 de enero en el primer piso de MAC Parque Forestal. La inauguración se realizará el 24 de octubre a las 19:00 hrs.

Además este miércoles 24 de octubre a las 11hrs se realizará un recorrido previo con la curadora de la muestra (para participar por favor confirmar asistencia a este mismo correo).

Museo de Arte Contemporáneo

– Sede Parque Forestal

Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.

– Sede Quinta Normal

Matucana 464, metro Quinta Normal.

Horarios:

11 a 19 horas, martes a sábado.

11 a 18 horas, domingo.

«Colectiva Ganadores Premio Municipal Arte Joven 2018»

La muestra colectiva exhibe las obras ganadoras de cada categoría y menciones honrosas del Premio Municipal Arte Joven 2018 de la Municipalidad de Santiago, que este año celebró su vigésima versión. Como obras ganadoras exponen: Francisca Infante Lorca (Dibujo-ilustración); Antonio Castillo Coo (Escultura); Daniela Canales López (Fotografía); Jimena Tapia Peña (Pintura); Rodrigo Castro Torres (Performance); Felipe Lavín Valdivia (Artes mediales); Daniela Díaz Tapia (Instalación); Salvador Muñoz Toledo (Muralismo) entre otros.

Lugar: Galería de Arte Posada del Corregidor. Estación Metro Plaza de Armas (L5)

Dirección: Esmeralda 749. Santiago Centro.

Abierta al público: sábado 20 de octubre hasta el viernes 18 de enero 2019.

Horarios Galería: Martes a Sábado de 10:00 a 13:30 horas y de 14:30 a 17:30 horas. Domingos, lunes y festivos cerrado.

Entrada Liberada.

Desde la memoria escultórica: Bienal Nacional de Esculturas 2018

Organizada por la Sociedad de Escultores de Chile (SOECH) y seleccionada por el curador Ernesto Muñoz la bienal busca poner de manifiesto la rica tradición de quienes con su obra han ido construyendo lo que es el hoy de la creación volumétrica contemporánea. Sin ser una mirada exhaustiva, la presente exposición busca ofrecer una mirada a la historia y tradición escultórica hasta llegar a la actualidad.

La muestra albergará a más de un centenar de creadores, en donde se podrá admirar el tránsito de la escultura local cifrado en la figura de Lily Garáfulic y Marta Colvin a la creación de los grandes maestros en la segunda mitad del siglo pasado, como lo son: Federico Assler, Aura Castro, Francisco Gazitúa, José Vicente Gajardo, Osvaldo Peña, entre otros. Para luego observar la mirada de artistas tan disímiles como Carlos Fernández y Pilar Ovalle entre otros, hasta llegar a la creación joven y emergente.

La comuna de Cerrillos tiene una especial importancia en esta exposición, ya que ha tenido un rol ineludible e histórico respecto a la tradición del volumen, ejemplo de ellos es la instalación durante los años sesenta que hizo Federico Assler de su primera obra en hormigón armado en las amplias dependencias de la fábrica CIC, hoy convertida en una reliquia moderna, la que puede ser observada desde la carretera.

Fecha: 6 de octubre 2018 a 6 de enero 2019 / Martes a domingo de 10:00 a 18:30 horas.
Lugar: Centro Nacional de Arte Contemporáneo en Cerrillos
Dirección: Pedro Aguirre Cerda 6100, Cerrillos.
Metro línea 6, estación Cerrillos.

Inauguración: 6 octubre de 2018
Horario: 12:00 horas

“Flores sagradas en la pintura virreinal”

Guirnaldas de flores y frutas deslumbran en exposición de la UC

Dalias, narcisos, jazmines, amapolas, rosas y dátiles son algunos de los protagonistas de “Flores sagradas en la pintura virreinal”, nueva muestra de arte colonial de la Colección Joaquín Gandarillas Infante. Con entrada liberada, se inaugurará el 12 de septiembre a las 18.30 horas en el Centro de Extensión.

Múltiples significados han tejido el simbolismo universal en torno a las flores, al relacionarlas a nociones naturales y estéticas, a rasgos psicológicos, virtudes y defectos. La exposición “Flores sagradas en la pintura virreinal” aborda cómo la naturaleza se fue incorporando y transformando en la pintura creada en Latinoamérica entre los siglos XVII y XVIII.

Símbolos de fecundidad, de celebración y triunfo, estos marcos esplendorosos y floridos acompañan a la Sagrada Familia, a la Virgen y a San José con el Niño y se despliegan con todos sus colores por la sala Joaquín Gandarillas Infante del Centro de Extensión UC en un bello montaje,

Expertos participaron del análisis interdisciplinario de las guirnaldas de flores y frutas que rodean a las figuras retratadas. Se trata una mirada desde la botánica, la antropología estética y la historiografía artística, que se traduce en una catalogación y descripción de las flores y una descripción de su simbología y propiedades medicinales.

“Las guirnaldas de flores y frutas que enmarcan las figuras de la Virgen con el Niño, la lluvia de pétalos sobre la Sagrada familia o la Trinidad terrestre, así como las coronas de los angelillos en su celestial vuelo o los florecidos senderos que transitan Jesús, María y José en su retorno de Egipto, exaltan y enaltecen en la pintura virreinal surandina la milenaria simbología que enlaza el mundo vegetal y la sacralidad, transmutada en estos territorios por el proceso cultural del mestizaje”, explica Isabel Cruz de Amenábar, curadora permanente de la colección Joaquín Gandarillas Infante.

La botánica y doctora Gloria Montenegro, profesora de la Facultad de Ciencias Agrarias UC; el taxónomo Miguel Gómez, de la misma Facultad y la licenciada y máster en Estética Daniela Cross, conservadora del Museo de Arte Precolombino, que estudia el mundo vegetal en las culturas originarias de la región, conformaron el equipo que, junto a la curadora, llevó adelante la investigación. Inscripción a visitas guiadas gratuitas: artesvisuales@uc.cl

“Flores sagradas en la pintura virreinal”

13 de septiembre de 2018 al 26 de enero de 2019.

Lunes a viernes, 10 a 20 horas. Sábado, 11 a 19 horas.

Sala Joaquín Gandarillas Infante, Centro de Extensión. Alameda 390, Santiago.

Entrada liberada.

«Haciendo barrio» + «Hidroscopía / Loa»

Ambas exposiciones se inauguraron el sábado 1 de septiembre de 2018 al mediodía, y se podrán visitar hasta el domingo 3 de febrero de 2019. Los días domingo la entrada es liberada, de 11:00 a 19:00 horas de noviembre a febrero y en abril a octubre de 10:00 a 18:00 horas.

«Haciendo Barrio»

Fruto de un trabajo transversal de vinculación con el barrio República, esta exposición reúne textiles, videos, textos, publicaciones y fotografías que abordan el pasado, presente y futuro de este céntrico barrio patrimonial, donde se sitúa el MSSA desde 2006.

Estos trabajos experimentales han sido generados colaborativamente por vecinos y vecinas, artistas y profesionales del museo, a través de una serie de encuentros de reflexión y talleres de creación realizados durante los últimos dos años, mediante el proyecto de investigación Mirada de Barrio. El proyecto, compuesto por un programa de co-creación barrial, busca activar los sentidos de comunidad, redes vecinales y valorización del patrimonio a partir del arte. Taller de textil comunitario, de intervención fotográfica, de escritura creativa, de arte postal y de publicación experimental, fueron algunas de las instancias que se generaron durante ese proceso.

Con una inédita curaduría participativa, la muestra rescata la mirada y relatos de los habitantes de este vecindario, un sector tradicional de Santiago de gran riqueza histórica y arquitectónica, que recompone su tejido social enfrentando desafíos en su habitar como el crecimiento inmobiliario, la heterogeneidad poblacional, la delincuencia y oportunidades de integración como las migraciones o la convivencia con la población universitaria.

Artistas, colectivos artísticos e instituciones participantes en talleres y obras: Iconoclasistas, Dudo Ediciones (María Paz Morales), Daniela Pizarro, Rafael Guendelman, Andrés Lima, Gabriel Larenas, Ignacia Biskupovic y Centro del Patrimonio Fotográfico de la Universidad Diego Portales.

«Hidroscopía / Loa»

El espacio destinado al arte contemporáneo del MSSA recibe a la artista Claudia González, quien propone una mirada crítica y poética a la relación física del agua, el cobre y la electricidad, a través de una instalación sonora con muestras tomadas en las aguas del río Loa, uno de los más contaminados en Chile.

Formulada desde una investigación que la artista realizó en la región de Antofagasta en junio de 2018, la exposición evoca el recorrido del agua por seis sitios: Taira, los puntos de encuentro del Loa con el río Salado, San Salvador, Quillagua y la desembocadura en la costa de Tocopilla.

Desde el 2015, González lleva adelante un proceso artístico que tensiona los conceptos de evolución y desarrollo tecnológico, haciendo surgir una mirada crítica hacia la explotación de los recursos naturales y sus consecuencias: la contaminación hídrica y la desertificación.

La exhibición incluye grabados con láser que muestran la conformación microscópica de las aguas de El loa y dos videos, que documentan mediante registros cenitales y de campo el proceso de investigación de la artista, en interacción con la comunidad y el territorio.

Esta exposición es posible gracias a aportes del Ministerio de Cultura, las Artes y el Patrimonio —a través del Área Nuevos Medios de la Macroárea de Artes de la Visualidad—, del concurso Investigación y Creación del Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chile (DAV2018) y Colectivo Se Vende.

Claudia González Godoy (CL) es artista medial independiente y gestora de proyectos educativos en Arte y Tecnología. Desde el año 2006 desarrolla una propuesta en torno a la noción de materialidad en los soportes tecnológicos analógicos y digitales, con procedimientos de la instalación sonora, la electrónica y el grabado. Ha participado en diversos encuentros y exposiciones como LIWOLI (Austria), SOL (España), EEII (Croacia), Tsonami (Chile) y la BVAM (Chile), Festival de la Imagen de Manizales (Colombia), entre otros. Fue co-directora del proyecto Laboratorio de Arte y Tecnología Chimbalab (2008-2012). Co-fundadora de Surófona, radio Latinoamericana de Artes Electrónicas. Actualmente se desempeña como académica del departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

«Los Matta de todos»

El Museo vuelve a exhibir su colección de obras de Roberto Matta. En el segundo piso, ala norte desde el 15 de junio hasta el ~~7 de octubre de 2018~~. 3 de marzo de 2019. Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas. Inauguración jueves 14 de junio, 19:30 horas.

“Primero tendríamos que saber con qué parte me radico en Chile. ¿Con mis ideas? ¿Con mi cuerpo? ¿Con mis pies? Porque si es con el alma, hace tiempo que ella está aquí”.

Con estas palabras Roberto Matta se refería a la relación con su país natal en el diario El Sur, un 13 de septiembre de 1970, en medio de un período cargado de efervescencia social y política.

Estos dichos dan cuenta de la mirada y reflexión de la curadora MNBA Paula Honorato, quien a través de publicaciones en los medios impresos y de otras fuentes, da cuenta de la figura del artista, con un enfoque que pretende traspasar la barrera de las afirmaciones comunes en las enciclopedias que lo sitúan como un creador que pasó de la periferia al centro, quedando inscrito en la historia del “arte universal” por su participación en el surrealismo europeo a principios del siglo XX y en el expresionismo abstracto que se desarrolló en Estados Unidos.

La muestra invita a disfrutar y reflexionar a partir de obras de Matta que principalmente forman parte de la Colección MNBA. Algunas fueron donadas por el artista al Museo, con plena conciencia de que pasarían a ser bienes de carácter público. Otras, fueron incorporadas a la Colección MNBA por diversas vías, sin embargo todas fueron realizadas en Chile o se relacionan significativamente con momentos de su historia. Por esta razón el título de la exhibición hace énfasis en la condición de las obras como parte del patrimonio del pueblo chileno.

Se exhiben ocho pinturas del MNBA, realizadas entre 1942 y 1972, proyecciones de dibujos y grabados producidos entre 1962 y 1997. Se incluye un video del Consejo de Monumentos Nacionales, sobre el mural El primer gol del pueblo chileno (1971), que también corresponde a uno de los trabajos que el autor destinó al acervo colectivo y que ejecutó junto a jóvenes de la Brigada Ramona Parra en la Granja, donde hoy se ubica Centro Cultural Espacio Matta.

“Esta vez la curadora del MNBA Paula Honorato propone mirar la obra de Matta desde la palabra del propio artista y la escritura establecida en el discurso público desde los medios de comunicación impresos. Se presenta al artista desde la dimensión de lo local, lo que tiene especial significancia y relevancia, permitiéndonos mostrar a un creador comprometido con nuestro país en importantes momentos históricos, lo que enriquece la lectura de su legado. Así, una vez más proponemos la puesta en valor de la colección (en) permanente (revisión) del MNBA”, explica el director del MNBA, Roberto Farriol.

Estas obras son “parte de un tejido compuesto por las visitas, los afectos, las utopías y los desengaños de un artista que puede considerarse tan chileno como extranjero. Nació y creció en este país, en el seno de una oligarquía de la que prácticamente huyó. Se unió con pasión al inédito proyecto de un gobierno socialista por la vía democrática como fue el de la Unidad Popular. Eligió ser ciudadano del mundo y su obra se forjó más allá de cualquier frontera. Las circunstancias históricas confabularon para que adoptara la ciudadanía en tierras lejanas, después de que la dictadura le negara la renovación del pasaporte en la década de 1980”.

“Hoy en día nos preguntamos: ¿Qué relato se desprende de Los Matta de todos? ¿Cómo su obra se incorpora al tejido cultural de nuestra historia? ¿Cómo lo hace a la experiencia del público actual? ¿Quién es el Matta de las pinturas que integran la colección?”, agrega Paula Honorato.

Sobre el artista

El pintor nació en Santiago en 1911 donde vivió hasta el año 1935, fecha en que se tituló como arquitecto en la Pontificia Universidad Católica de Chile y partió a Europa. Como parte de su formación chilena, había sido también alumno libre del artista Hernán Gazmuri en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y en su academia privada.

Entre la salida del país y el primer viaje de regreso, en 1948, desarrolló una exitosa trayectoria artística, inscribiendo su producción en circuitos europeos y estadounidenses. Inicialmente trabajó en los talleres de los arquitectos Le Corbusier en París y Walter Gropius en Londres. El año 1937 conoció a André Bretón y a otros miembros del movimiento surrealista, del cual fue parte colaborando en exposiciones y publicaciones, hasta su expulsión en 1948. En 1938 se radicó en Nueva York, como muchos artistas e intelectuales de vanguardia que huyeron de Europa en los inicios de la Segunda Guerra Mundial. Allí, se vinculó con algunos exponentes de la Escuela de Nueva York, especialmente a partir del interés que suscitaba en algunos de ellos el automatismo psíquico surrealista. En 1959 es reincorporado al movimiento surrealista.

En 1967 fijó su residencia en Tarquinia, cerca de Roma, distribuyendo su tiempo entre frecuentes estadías en París, Londres y Nueva York.

En la década de 1970 Matta se involucra con la revolución social, política y cultural que se vive en Chile, realizando varios viajes a su tierra natal en apoyo al gobierno de la Unidad Popular. Después del golpe militar, por diversas razones, no regresa a su país natal.

Recibió el Premio Nacional de Arte en 1990. Falleció el 23 de noviembre de 2002 en Civitavecchia, Italia.

“Yo casi puedo decir que me arranqué de Chile, un poco para arrancarme de una clase. Viví en Europa casi seis años solo, absolutamente desconocido, tratado como esos perros de la calle. Eso me hizo bien a mí para identificarme con todos los perros del mundo”, Roberto Matta revista Ahora, 14 de diciembre de 1971.

Sala Clásica | Colección Ralli

COMUNICADO DE PRENSA.- En el marco de nuestro 25 aniversario, el museo da a conocer un nuevo espacio expositivo en el segundo piso, 160 m2 distribuidas en 2 nuevas salas, ponen en relieve el gran acervo cultural de la Fundación Harry Recanati –creada por el propio Harry Recanati y su esposa Martine-. Una de éstas acoge la reincorporación de la sala de arte clásico perteneciente a la Colección Ralli. La cual se suma al recorrido de las 16 con las que contaba hasta hoy el museo en Santiago de Chile. Con este nuevo espacio que estuvo en desuso por algunos años Museo Ralli logrará exhibir más de 400 obras simultáneamente, albergar más cómodamente un mayor número de obras del acervo Ralli y hacer posible que un mayor número de personas visite las obras que componen esta importante colección de arte latinoamericano y europeo.

En esta sala se expone un conjunto de obras de una época de gran florecimiento del arte post-impresionista de Europa occidental y del período Renacentista, correspondiente entre los siglo XVII y XIX, compuesta por artistas italianos y alemanes.

Dentro de las obras seleccionadas, destacan: Marc Baets (1700-1749); Giacomo Cipper (1664-1738); Giovanni Dal Sole (1654-1719); Jacob de Heusch (1656-1701); Frans de Paula (1689-1740); Jan Josef Horemans (1682-1752); Carle Van Loo (1705-1765) y Francesco Zucarelli (1702-1788).

“Para quienes posiblemente se sienten sorprendidos por esta iniciativa tan lejana al propósito original de los Museos Ralli, me gustaría decirles que la teoría de Darwin sobre la evolución, al parecer también se aplica a los museos! El hecho que habiendo iniciado nuestra actividad en Punta del Este (1988), como museo de arte latinoamericano de artistas vivos, hemos ido gradualmente expandiéndola a la exhibición de colecciones de arte europeo de diferentes orígenes y períodos. Estamos encantados que nuestros museos, día a día entreguen, sin costo, alegría a nuestros visitantes, sean éstos: jóvenes o adultos”, palabras de Harry Recanati (2002).

Sala Clásica no pertenece a la colección permanente de arte latinoamericano por lo cual estará sujeta a cambios. Uno de los propósitos de Museo Ralli es fomentar el contacto directo entre el público y las obras, razón por la cual no hay visitas guiadas. Se pueden tomar fotografías (sin flash) y filmar durante el recorrido con total libertad.

ENTRADA LIBERADA

Horarios: Martes a Domingo de 10:30 – 17:00
Teléfono: (56)22206 42 24 – (56) 22208 1798
Dirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura, Santiago. Chile

www.museoralli.cl | www.rallimuseums.cl

La muestra permanecerá en exhibición desde el día jueves 22 marzo 2018 hasta marzo de 2021.

25 Años del Museo Ralli Santiago

Los Museos Ralli son una institución privada, sin fines de lucro, cuyo objetivo es, desde sus inicios, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay, 1988; Chile, 1992; Israel, 1993; España, 2000; Israel, 2007).

Museo Ralli Santiago, emplazado en la comuna de Vitacura, desde 1992 alberga cientos de obras en sus salas y en esta oportunidad celebra su 25 aniversario con una exposición que homenajea la trayectoria de artistas geométricos y cinéticos nacionales e internacionales pertenecientes a su colección.

Además de celebrar un nuevo aniversario, el museo da a conocer un nuevo espacio expositivo en el segundo piso, son 160 m2 distribuidas en 2 nuevas salas, para poner en relieve el gran acervo cultural de la Fundación Harry Recanati –creada por el propio Harry Recanati y su esposa Martine–, las cuales se suman al recorrido de las 16 con las que hoy cuenta el museo en Santiago de Chile. De éstas, una gran sala dedicada al arte geométrico y cinético junto a la reincorporación de la sala de arte clásico pertenecientes a la Colección Ralli. Estas salas no corresponden a la colección permanente de arte latinoamericano por lo cual estarán sujetas a cambios.

Los objetivos de Museo Ralli Santiago de ampliar sus instalaciones para incorporar nuevas salas han sido fortalecer la posición del museo en el panorama artístico y cultural del país, albergar más cómodamente la colección que ha crecido gradualmente y hacer posible que un mayor número de personas visite las obras que componen esta importante colección de arte latinoamericano y europeo. Con este nuevo espacio que estuvo en desuso por algunos años Museo Ralli logrará exhibir más de 400 obras simultáneamente.

El museo puede ser visitado de martes a domingo entre las 10.30 y 17.00 horas y su entrada es completamente gratuita. Uno de sus propósitos es fomentar el contacto directo entre el público y las obras, razón por la cual no hay visitas guiadas y se pueden tomar fotografías (sin flash) durante el recorrido con total libertad.

Horario: Martes a Domingo de 10:30 a 17:00 horas.
Dirección: Alonso de Sotomayor 4110 Vitacura, Santiago. Chile.

La muestra permanecerá en exhibición desde marzo 2018 hasta marzo de 2021.