World Press Photo 2017

28 de julio al 27 de agosto de 2017 / Lunes a viernes, de 9:00 a 20:00 horas; Sábados y domingos, de 11:00 a 20:00 horas / Espacio Fundación Telefónica. Av. Providencia 127. Metro Baquedano.

Lo mejor del fotoperiodismo mundial se presenta una vez más en Chile

WORLD PRESS PHOTO 2017 LLEGA NUEVAMENTE A ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA 

  • Edición Nº60 del concurso de fotoperiodismo profesional más prestigioso del mundo.
  • 143 imágenes en exposición.
  •  Desde el 28 de julio.
  • De lunes a domingo con entrada liberada.

 La muestra que estará en exhibición desde el 28 de julio en Espacio Fundación Telefónica, trae como World Press Photo of the Year a la fotografía de Burhan Ozbilici (arriba), quien también ganó el primer premio en la categoría de Spots News Stories.

Este reconocimiento, el de World Press Photo of the Year, se entrega al fotógrafo cuya creatividad visual y habilidades lograron una imagen que captura o representa un evento o tema de gran importancia periodística en el último año.

La fundación World Press Photo es un actor importante en el desarrollo y promoción del periodismo visual. A través de algunos de los premios más prestigiosos en fotoperiodismo y narración digital, es una exposición vista por más de cuatro millones de personas cada año en todo el mundo. Vía de debates globales y extensos programas de investigación y capacitación, buscan inspirar, educar y apoyar a los fotoperiodistas, entregando nuevos conocimientos y generando nuevas perspectivas.

TALLERES WORLD PRESS PHOTO 2017 PARA ESTUDIANTES Y DOCENTES

Junto a la exposición de WPPh 2017, se ha diseñado material educativo especial para estudiantes y docentes, en disciplinas tan variadas como: Artes Visuales, Lenguaje y Comunicación, Historia, Geografía y Ciencias Sociales, Tecnología y Ciencias Naturales.

Las inscripciones se pueden realizar en el correo espaciofundacion.cl@telefonica.com o al teléfono +56 2 2691 4432

Más información en http://espacio.fundaciontelefonica.cl/evento/world-press-photo-2017/

6ta Muestra Tripartita Opendark ART

[Sexta Muestra Tripartita Opendark ART]

Te invitamos a la inauguración de nuestra 6ta Muestra Tripartita, esta vez con la participación de tres increíbles propuestas artísticas que trabajarán con la luz, Francisca Valdivieso, Patrick Steeger y Marcos Sánchez.

El espacio dedicado a fusionar el arte, diseño e iluminación, que sorprende hace ya más de un año con intervenciones de artistas contemporáneos, abre sus puertas por sexta vez para presentar a tres artistas bajo la curatoría de César Gabler.

En esta sexta exposición el concepto será “Casi Oscuro” donde la oscuridad puede interpretarse al menos en dos sentidos. El primero y más evidente es la ausencia de luz. Una segunda acepción apela a aquellas situaciones que pueden resultar extrañas, desconocidas o incluso malignas.

“Casi Oscuro” presenta a artistas que trabajan en el límite entre la oscuridad y la luz, la figuración y la abstracción, el relato y el concepto, cuyos trabajos incorporan de un modo u otro el volumen y que en una ambiente casi oscuro, pueden potenciar el carácter formal y discursivo de sus obras.

“Una Nueva Abstracción”

La exposición se inaugurará el Martes 25 de julio a las 19:30 horas y estará abierta hasta el de Sábado 19 de agosto de 2017.

Se realizará una visita guiada el sábado 12 de agosto de 2017 a las 12:30 horas y contaremos con la presencia del curador Hernán Garfias y los artistas expositores Sergio Recabarren y Dante Mellado.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas. En: Francisco de Aguirre N°3720, oficinas 03 (nivel calle) y 13 (subterráneo), esquina Alonso de Córdova, comuna de Vitacura. Teléfono: 2- 2-2467207. Entrada: Liberada

Artistas expositores: Sergio Recabarren y Dante Mellado (curatoría Hernán Garfias)

Fecha Exposición: Martes 25 de julio al Sábado 19 de agosto de 2017

“Una Nueva Abstracción” se llama la exposición de los artistas visuales chilenos Sergio Recabarren y Dante Mellado, cuya curatoría es de Hernán Garfias.

Sergio Recabarren (1984) artista visual, con formación en diseño gráfico y fotografía. Socio fundador del estudio de diseño AWAYO. Es parte del colectivo Área.

Dante Mellado (Alzzio), nacido en 1980, estudió arquitectura y se inició en el diseño gráfico de manera autodidacta. El dibujo, la pintura y el lenguaje plástico lo ha desarrollado de manera amateur y en paralelo a su oficio gráfico. Sólo ha sido exhibido al público, por primera vez en FAXXI 2016 y posteriormente en Faxxi 2017.

La serie “Rombos” -primera del autor-, propone distintas composiciones geométricas a partir de la investigación de tramas inscritas en un rombo.

Hernán Garfias es diseñador gráfico de la Universidad Católica de Valparaíso, docente titular UDP y UDD y Consejero Corporación Antenna, entre otras múltiples actividades, además de recibir numerosos premios.

Sergio Recabarren

Mi obra explora desde la abstracción, nociones de psicodelia inspiradas en simbolismo chamánico y arte visionario. Proponiendo un nuevo lenguaje formal post-cinético para referirse a estados alterados de conciencia y viajes hacia dimensiones inmateriales.

A partir de la creación y manipulación de pixeles, transformaciones, errores digitales y procesos generativos, se obtienen imágenes desconocidas e inmersivas, que plantean una experiencia de contemplación.

 

Curriculum

Dentro de su trabajo se destaca la participación en la exposición “The New Psychedelica” en Eindhoven (2011) curada por Francesca Gavin. Es parte del colectivo Área donde ha participado en exposiciones en Santiago y Buenos Aires (2012 – 2015) curadas por Patricio Pozo. El año 2013 fue parte de Bienal Internacional “The Wrong” Curada por David Quiles, director de ROJO Magazine. Participó en la muestra digital “When Analog was Periodical”, en Berlín curada por Anthony Antonellis (2013) y en la exposición colectiva United Notions curada por el estudio The Bakery (2016), en San Petersburgo, Moscú y París. El 2016 participó en la Bienal de Diseño de Londres con la charla “The Utopia of Psychedelia”.

 
Dante Mellado (Alzzio)

La serie Rombos, primera del autor, propone distintas composiciones geométricas a partir de la investigación de tramas inscritas en un rombo. La repetición de un módulo construye una totalidad que, con una misma ley geométrica, genera un trama de llenos y vacíos, de profundidades y volumetrías, de luces y sombras, que construyen un tejido de fragmentos, donde el material –como soporte de la obra– mediante la substracción, completa la totalidad de ésta, rompiendo el borde del rombo, interrumpiendo el límite de la obra. En su segunda serie, Líneas, investiga sobre el uso de la forma más sencilla y pura, la línea, buscando en su simpleza lo dinámico y el movimiento. Aparece la diagonal como el resultado del encuentro de sucesivos vértices en movimiento conformados sólo por trazos verticales y horizontales, la ausencia del trazo diagonal como tal, pero si su presencia óptica. La misma cantidad de líneas, y todas inscritas en un formato cuadrado, muestran la infinidad de posibilidades con geometrías y leyes básicas, como lo son la línea, el cuadrado, la vertical y la horizontal. En estas series, además de los dibujos pintados a mano en acrílico sobre tela, experimenta las técnicas de serigrafía, cuño seco, grabados en metal; como el bronce y el aluminio, como también en materiales perforados como la madera y el acrílico. Distintos soportes que aportan variantes a la experimentación de la geometría plana y volumétrica.


Biografía Dante Mellado

Nace en Santiago de Chile en 1980. Estudia arquitectura y se inicia en el diseño gráfico de manera autodidacta. Trabaja de manera freelance por más de 10 años, desarrollando la imagen corporativa para varias empresas y proyectos culturales. Destacan GNL Quintero, Terminal de Gas Natural, donde ejecuta de manera integral, desde el 2008, el diseño corporativo tanto de elementos de comunicación interna como externa. Desde el 2012 está a cargo de la identidad gráfica de FAXXI, Feria de Arte XXI, donde además del diseño de cada versión, desarrolla el diseño editorial de los catálogos, libros, gráficas en medios y vía pública. También para el FIFV, Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso, en donde ha trabajado, desde la primera versión (2010), en la creación de múltiples materiales gráficos; desde la imagen gráfica de cada versión, la revista oficial, hasta libros de fotografía de FIFV ediciones, entre los que destacan los de la serie “Valparaíso” de autores nacionales e internacionales, tales como Bertrand Meunier, Anders Petersen, Alberto García-Alix, Claudine Doury, Paolo Verzone, Juan Manuel Castro Prieto y Gilles Favier, entre otros. En agosto del 2015, es invitado por el Centro de Fotografía de Montevideo a impartir un workshop junto a Rodrigo Gómez Rovira y Nicolás Wormull, sobre el proceso de edición y creación de un fotolibro, resultado que terminó en la impresión del libro “Estada”. También estuvo a cargo del diseño editorial del libro “Séte #16” del festival de fotografía Imagesingulières, lanzado e impreso en Francia. A finales del 2016, junto a Cristóbal Amigo, forma el estudio de diseño “AA estudio”, con la finalidad de formar equipo y continuar de una manera más sólida en el oficio gráfico. En mayo del 2017 es invitado por el Festival Imagesingilières, Sète, Francia, a impartir un workshop sobre edición y diseño editorial de fotolibros, taller que culmina con la publicación del libro “Atelier 1 Sète”, editado, impreso y lanzado en Francia. La investigación de nuevos métodos y soportes gráficos, de soluciones simples, con carácter propio y de geometrías puras, además del interés tipográfico y del uso del color, son conceptos e inquietudes presentes en su investigación gráfica actual. 

Currículum Hernán Garfias

Hernán Garfias Arze título Diseño Gráfico Universidad Católica de Valparaíso. Director de Arte diario El Mercurio, fundó AG&P asociados. Director de Arte Campaña Presidencial Patricio Aylwin. Crea la revista Diseño y la dirige por 10 años. Socio fundador y presidente  Asociación Empresas de Diseño QVID. Decano fundador Facultad Arquitectura, Arte y Diseño UDP. Ha dictado conferencias en más de 40 países. Premio Pericles CAYC Argentina, Premio Bienal de Quito, Premio Mauricio Amster, Premio Asociación Internacional Críticos de Arte, Premio Colegio de Diseñadores de Chile, Premio Colegio de Diseño, Cavalieri di la Orden di la Stella di Italia, Curador Pabellón Chileno en Milán, Director Escuela DAC AIEP. Curador de exposiciones de arte, diseño y arquitectura. Ha escrito más de 300 artículos sobre estos temas. Docente titular UDP y UDD. Sello Excelencia Diseño CNCA 2013. Fundador Galería del Diseño CCPLM. Curador expos GAM Atelier Mendini, 2013; Sottsass y Memphis, 2014; Nórdico. Diseño Escandinavo 2016. Consejero del CNCA. Consejero Corporación Antenna.

Sergio Recabarren exhibirá 10 obras de la serie “Dimetiltriptamina”, impresiones digitales de hiper-resolución en diversos formatos que van desde los 75 x 75 cm hasta 110 x 165 cm.

Dante Mellado presentará más de 25 obras, en las siguientes técnicas: serigrafía, grabado sobre metal, acrílico y cuño seco. Las medidas varían desde gran formato (100 x 100 cm), formato medio (75 x 75 cm y 60 x 60 cm) y pequeño formato (30 x 30 cm y 35 x35 cm).

 

 

Doble Inauguración: Rafael Parra Toro & Nicole Beaupuits

Ambas exposiciones podrán visitarse hasta el sábado 5 de agosto, de lunes a viernes, entre 11 y 19 horas.

Lunes, 19.30: PRESENTACIÓN AUDIOVISUAL conjunta entre DJ Juan Cacciuttolo y Rafael Parra Toro.

1 ES A 1
Rafael Parra Toro

Rafael Parra Toro, venezolano – argentino, artista de vocación e ingeniero de profesión. Un artista que se nutre de la ambivalencia para crear sus formas y hacernos ver cosas invisibles. Aterriza en Chile con un corpus de obra que hace una apología a la libertad interpretativa, enmarcada en su muestra 1 es a 1, en Espacio O.

A través del cinetismo y como resultado de una pulsión instintiva de seguir atentamente aquello que se desplaza en el campo visual. ParraToro obliga al espectador a desplazarse por el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia, creando una danza entre espectador y obra.

Imponerte una interpretación sería ir en contra de la esencia de la obra y de la naturaleza de la vida. Sugerimos mirar la esencia e interpretar desde la erótica. Cada obra busca activar y construir nuevas apreciaciones a partir de la percepción, la sensación y el movimiento; creando una relación indisoluble entre obra y espectador.

Los opuestos se juntan y las dicotomías desaparecen, y aunque la misma historia nos dé todas las referencias, la interpretación es solo tuya y por más que se repita, el instante vivido, es único.

La obra se resignifica en tu presencia.

Presentación en vivo – Anclaje performático – Rafael Parra Toro en las visuales – Juan Cacciuttolo en la musicalización

Las cosas quedan grabadas a fuego
Salida de Emergencia
Nicole Beaupuits

“No he vuelto a ver nunca esta extraña morada… Tal como la encuentro en mi recuerdo infantilmente modificado no es un edificio, está toda ella rota y repartida en mí, aquí una pieza, allá una pieza y acá un extremo de pasillo que no reúne a estas dos piezas, sino que está conservado en cuanto que fragmento. Así es como todo está desparramado en mi.” (Rainer Rilke)

Inevitablemente la obra “Las cosas quedan grabadas a fuego” de Nicole Beaupuits habla de las relaciones humanas, de los recuerdos y como la memoria se presenta fragmentada, unificada por relaciones quebradas y esencialmente sentimentales, donde cada trozo, al parecer inconexo, construye la experiencia del pasado,

Las pinturas de la muestra no se centran en ser representaciones de situaciones especificas, sino que son atmosféricas en un sentido de la recreación y reconstitución de lo emocional de un momento, un instante primario en donde se establece la cercanía con otro, un vinculo.

Por esto es que la obra se vincula a las relaciones humanas, como estas se estrechan, se entrelazan, se graban en el cuerpo como marcas imborrables e imposibles de ocultar, como también en el caso de esta obra, relaciones que se perpetúan desde la necesidad en el cuerpo y la manera pictórica.

Sin embargo, estos lazos nacen desde las sombras y a la vez son parte de ellas. Fondos oscuros, manos que se iluminan como si se tratase de pequeños focos de luz, nos hacen reflexionar sobre la naturaleza efímera de los lazos y como estos – volviendo a la idea de la sombra- se constituyen como proyecciones de una vida física, que mantiene su forma moldeada solo en el recuerdo, como una sombra de un cuerpo construido del recuerdo físico, pero que a su vez mediante la operación pictórica vuelve a ser concreto e imperecedero.

Wladymir Bernechea
Artista Visual

Primer Museo Pop Up de la infancia

Museo Pop Up de la infancia
Root 563, esquina San Isidro, Metro Santa Lucía (Museo Taller).
Fecha: 22 de julio.
Horarios: de 17 a 21 horas.

El 1er Museo Pop-Up aparecerá (y desaparecerá) el sábado 22 de julio. Con sólo cuatro horas de vida irrumpirá desde 17 horas hasta las 21 horas en el Museo Taller, ubicado en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

La muestra fotográfica se realiza gracias a la colaboración del público. Un centenar de personas participaron, la diversidad de historias y generaciones permitirá que la muestra abarque cinco décadas, desde 1950 al 2000.

La iniciativa es la primera intervención urbana organizada por el colectivo VAM! (Vamos al Museo) y está inspirada en los recintos que se encuentran cerrados tras el terremoto de 2010, entre ellos el Museo Infantil, ubicado en el Parque Quinta Normal.

No hay plazo que no se cumpla, ni museo que no se aparezca.

El sábado 22 de julio a las 17:00 podrán conocer y ser parte del 1er Museo Pop Up de la Infancia, organizado por el colecitvo VAM! (Vamos al museo).

Tras una convocatoria abierta entre mayo y junio, se recibieron un centenar de fotos en las que el público compartió sus imágenes más queridas y las historias tras ellas. Ahora llegó el momento de conocer las que han sido seleccionadas y que son parte de la muestra de 65 registros de la infancia chilena. “Estamos muy emocionadas y agradecidas por el recibimiento y la confianza que la gente a puesto en nosotras, entregándonos parte de sus recuerdos, para hacer todos juntos este museo ciudadano”, explica el equipo organizador.

La muestra será un recorrido nostálgico, gracioso y emocionante que abarcará un periodo de cincuenta años, desde 1950 hasta el 2000.

El museo fugaz aparecerá en el Museo Taller, quienes colaboran con el proyecto facilitando sus salas de exhibición. A partir de las cinco de la tarde y hasta las nueve de la noche, encontrarán el Museo Pop Up, cuya vida será de cuatro horas en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

Parte de la apuesta es que el público, su familia y amigos, sean tanto espectadores como creadores y que además jueguen a ser niñ@s nuevamente. Durante la apertura del museo habrán distintas instancias de participación: juegos, disfraces, pintacaritas, retratos, cuentacuentos y la presentación en vivo de Niña Tormenta, quien tocará a las 19 horas.

La muestra busca poner en el centro a las personas y como éstas se vinculan afectivamente con la colección y contenidos de los museos del país. El 1er Museo Pop-Up de VAM! está inspirado en las instituciones cerradas tras el terremoto del 2010, entre ellas, el Museo Infantil ubicado en el Parque Quinta Normal.

La muestra cuenta con la colaboración Migo Laboratorio, gracias a ellos, las fotos estarán a la altura del mejor de los museos breves.

¡L@s esperamos!

“El peso de la Nación”

El 23 de julio de 2016, las artistas Luna Acosta y Paula Baeza Pailamilla iniciaron en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos la performance duracional “El Peso de la Nación”, una acción que vincula el concepto de nación, migración y explotación laboral. Durante un año, las artistas han estado tejiendo una enorme bandera junto a diversas agrupaciones y público en general, con ropa donada por personas migrantes, en diversos espacios públicos tanto de Chile como de Colombia. Este 21 de julio se pondrá fin al proyecto a través de la instalación de la bandera en el Museo y una muestra fotográfica del proceso.

“7 paisajes”

(o también “Siete paisajes”)

Desde el 20 de mayo hasta el 23 de julio de 2017 / Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio. Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida. Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 horas.

Museo sin Muros presenta un proyecto del curador Carlos Montes de Oca, con obras de Luis Ladrón de Guevara, Marina Piracés, Francisca Montes, Roberto Pasminio, Felipe Lavín, Patricio Vogel y Luis Weinstein.

La exposición, que cuenta con la curatoría de Carlos Montes de Oca, reúne obras que aproximan al tema del paisaje, conectando imágenes del exterior donde surgen la naturaleza y la ciudad asociadas al recorrido de la mirada, centrándose preferentemente en el país que habitamos. En el vertiginoso siglo de las imágenes, estos artistas ofrecen momentos de aproximación al reconocimiento del mundo o una reflexión sobre lo que vemos, experimentando en los soportes, con técnica digital o análoga, y nos obligan a retomar el tema de la desconexión con que la sociedad avanza sin considerar nuestro alrededor.
Marina Piracés con tres fotografías nos introduce en la naturaleza, borda sobre imágenes de los valles. Organismos vegetales son demarcados o acentuados por la manualidad del bordado a modo de una intervención leve o tenue sobre la superficie de la imagen. Se podría establecer un paralelo entre el bordado y la pintura como señalando un segmento de este ciclo.
Francisca Montes realiza un recorrido aéreo por la latitud 33, la presencia de la geografía se hace visible y potente desde la altura. Desde el aire es posible introducirse por zonas ocultas o lugares inciertos, la imagen hace retornar a la territorialidad y ser protagonistas en medio de las alturas, anclados a la sola memoria entre el azar y lo predeterminado.
Luis Ladrón de Guevara presenta una obra contextualizada por los conceptos de orden y estructura, donde el tiempo va cediendo paso a la composición de líneas, sombras, reflejos de la luz sobre objetos cotidianos, llevando a otro lugar o haciendo revivir lo cotidiano, al incorporar faenas de la gran industria o el trabajo artesanal en el campo y el mar.
Roberto Pasminio fragmenta el Norte Grande de Chile, recorre una serie de visiones territoriales, que conectan al gran espacio del desierto y las cordilleras. Permite sobrevolar con la mirada las superficies abruptas y enarenadas, las rocas volcánicas y altas mesetas, que como escenarios abstractos, se van impregnando de la espacialidad y el silencio.
Felipe Lavín presenta la nueva arquitectura de la capital invitando a ser parte de las nuevas construcciones que rodean el cotidiano. Luego van apareciendo geometrías que agrupadas conjugan espacios comunes y lugares distantes.
Patricio Vogel lleva al gran exterior del poderío de Los Andes, la cordillera como cierre y la frontera, la expresión dura de la geografía, conectando los opuestos frío-cálido, sólido-líquido, irregular y plano, que van demarcando la extensión de otro territorio, allí donde este gran accidente rocoso, impenetrable, queda sostenido e iluminado solo por palabras.
Luis Weinstein presenta una panorámica del gran Santiago, tanto en el trazado como en su recorrido. Con una imagen secuencial acerca al movimiento del convulsionado mundo de la calle, escenario donde se plantea un juego entre el transcurso y la propia imagen, como si fueran palabras confundidas sobre un ruido de pasos.

“Taller 99 / 60 años Encuentros en diálogo”

Jueves 20 de julio al domingo 24 de septiembre de 2017 / martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas / Sala Matta Museo Nacional de Bellas Artes.

El colectivo celebra sus sesenta años de existencia con 99 grabados de destacados artistas consagrados y emergentes. Desde el 20 de julio al 24 de septiembre en la sala Matta.

Creada en 1956 por Nemesio Antúnez en la casa de calle Guardia Vieja de Providencia, el Taller 99 utiliza la figura de carpeta colectiva para dar a conocer el trabajo colaborativo y la trascendencia histórica de este fecundo espacio de creación dando a conocer su historia, el sentido de creación, las diferentes técnicas y a quienes han pasado por el taller que también custodia parte del patrimonio cultural e inmaterial de Chile.

Nemesio Antúnez intentó replicar la experiencia del famoso Atelier 17 de William Hayter en Estados Unidos y París, logrando insospechadas proyecciones para el desarrollo de las artes plásticas chilenas. Su sistema de trabajo único: la colaboración como eje central de creación, experimentación y formación; lo ha posicionado como un actor fundamental para la escena artística del país, convirtiéndose en un semillero que ha aportado importantes nombres para el arte chileno, marcando el desarrollo de un concepto moderno del grabado, disciplina artística que permite la creación de originales múltiples a partir del dominio de diversos procedimientos de relieve, hueco o plano, que generan variadas matrices con las que se imprime una obra sobre un soporte de papel, enriqueciendo los procesos de creación mediante instancias de reflexión.

La muestra presenta obras de grabado tradicional, sistemas de estampación como serigrafía, técnicas digitales, offset, intervenciones y mixtos.

“El Taller 99 impulsó la valorización de los sistemas de reproducción y la experimentación con las técnicas del grabado, así como el compromiso con la libertad de los lenguajes de las distintas manifestaciones y tendencias del arte contemporáneo. Por lo tanto, aludir a este centro es citar un referente obligatorio con respecto al desarrollo de esta disciplina artística en Chile”, explica Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

“Nuestra forma de trabajo, búsqueda y creación nos enriquece como taller; procurando compartir las visiones y experiencias individuales, fortalecemos el cuerpo del lenguaje del grabado y significamos el sentido de orientación colectiva”, señala Rafael Munita, directivo de la Corporación Taller 99.

La opción de realizar una carpeta colectiva de grabados para conmemorar esta fecha pretende enlazar su historia con la actual vida del taller. Desde el año 1961, con la publicación El Cantar de los Cantares, sistemáticamente se ha desarrollado la idea de realizar trabajos conjuntos de temática unificada llamado “carpeta colectiva”, instancia de encuentro en reflexiones y oficio, donde se refleja el sentido primordial de creación en el Taller 99.  La carpeta 99 miradas en torno al Taller 99 da continuidad a esta línea de trabajo con énfasis en el taller de hoy.

La muestra comprende además un homenaje de agradecimiento y reconocimiento a Nemesio Antúnez y Roser Bru, como motores fundamentales en la definición del sentido y espíritu del Taller 99.

“Patagonia, paisajes y espíritus”

8 al 30 de julio de 2017 / Horario: Lunes a Viernes, 10:00 a 17:00 horas; sábados, domingos y festivos: 10:00 a 16:00 horas. Galería Arte & Diseño. Fernando Márquez de la Plata 0120. Barrio Bellavista.

Exposición colectiva de Rosa Olavarría, Manuel Castillo, Cecilia Heredia y Brisa Sánchez.

Exposición fotográfica y representaciones de espíritus Selk´nam (arte objeto).

“Movimientos de tierra. Arte y naturaleza”

Las experiencias de los artistas chilenos Cecilia Vicuña, Catalina Correa, Patrick Steeger, Cristián Velasco, José Délano y del británico Hamish Fulton, tras su exploración desde el Altiplano a la Patagonia. En el hall central y ala sur del primer piso MNBA, desde el 7 de julio hasta el 3 de septiembre, de martes a domingo, de 10:00 a 17:45 horas.

“Dadme una naturaleza salvaje que ninguna civilización pueda soportar”
Henry David Thoreau.-

La exposición responde al interés común por desarrollar distintos modos de visión y encuentro a través de las prácticas artísticas. Después de dos años de trabajo en distintos lugares del territorio chileno, seis artistas ofrecen una experiencia singular de procedimientos propios para indagar de manera personal su vinculación con el medio natural, cada día más amenazado y precario.

Estas experiencias artísticas recuerdan que si bien “lo natural” forma parte del origen del ser humano, también enseña lo que se ha abandonado al privilegiar el “desarrollo”. El conflicto entre naturaleza y cultura mantiene una tensión permanente en esta muestra que aborda temas como el modo de caminar y habitar un paraje y la lectura de los elementos. Antes que inclinarse por una filosofía o tendencia, la exposición busca volver a contemplar la asombrosa vastedad de un territorio poblado por relieves, texturas, sonidos y perspectivas heterogéneas.

La muestra reúne una variedad de formatos, sin una pretensión unificadora ni planificada de la diversidad del entorno. Recordando algunas de las obras realizadas por generaciones previas, principalmente por el movimiento land art, cada participante se propuso abrir una ruta singular en distintos parajes de Chile, desde Parinacota, en el extremo norte, hasta la región de Aysén, pasando por la costa central. Cada proyecto ha sido realizado en un paisaje específico, buscando una lectura inesperada, incierta incluso, del entorno. Los resultados se materializan en distintos formatos, desde el registro en video hasta la instalación con materiales autóctonos como la lana, la piedra o la madera. En su mayoría, se trata de obras producidas específicamente para la muestra. Finalmente, en esta nueva expedición en el territorio, se trata de dar con una experiencia que permita el acceso a otra percepción de aquel mundo que se recuerda como “natural”.

Sobre los artistas

Hamish Fulton (Londres, 1946)
se le considera uno de los grandes representantes del Land Art británico, aunque él prefiere definirse como un artista caminante. Como parte de su trabajo realizado para Movimientos de tierra, realizó el ascenso a siete cumbres de volcanes repartidos en el altiplano, en la zona de Parinacota.

Locación: Altiplano, región de Parinacota.

Cecilia Vicuña (Santiago, 1947)
Transita entre la poesía, el cántico y la performance, elementos que están presentes en su participación en el proyecto. En esta ocasión ha diseñado el gran quipu Mapocho, una reactivación del atávico sistema de registro andino a través del cual la artista conecta con el curso de las aguas que bajan desde la montaña al mar.

Locación: El Plomo, sistema cordillerano central, río Maipo en la zona central.

Patrick Steeger (Santiago, 1970)
Escultor cuya obra vuelve a preguntar por las estructuras básicas para habitar el paisaje, para crear un espacio, el límite que nos separa de la intemperie. En su obra volumétrica Ventanas convierte una experiencia en el paisaje costero en una mirada reflexiva sobre el contraste entre la naturaleza, la industria y la historia de un lugar sin historia. Locación: Loncura, región de Valparaíso.

José Délano (Santiago, 1978)
Diseñador y artista, trabaja en gran formato la condición de fragilidad de un monumento a través de la figura clásica y reconocible del arco de triunfo. Su gran pieza descubre, apelando al ingenio, la contradicción entre renovación natural y estancamiento civilizado.

Locación: camino a Vilcún, región de la Araucanía.

Cristián Velasco (Santiago, 1971)
En colaboración con Totoral Lab el artista crea una pieza en video para traer al museo sus experiencias exploratorias realizadas en la costa central de Chile. La sala sirve para crear un puente único entre el interior del museo y el medio silvestre.

Locación: Tunquén, región de Valparaíso.

Catalina Correa (Santiago, 1984) 
Presenta el proyecto de residencia sobre prácticas y medios rurales realizado en la región de Aysén durante 2013, en colaboración con los artistas Olaf Holpzafel (GER), Sebastián Preece, Máximo Corbalán-Pincheira y Catalina Bauer.

Locación: región de Aysén.

Actividades programadas

Coloquio Movimientos de tierra. Arte, naturaleza y ciencias en diálogo, el 21 de julio desde las 9:30 hasta las 18:00
Organizado en conjunto con la Universidad Alberto Hurtado, con la participación de artistas, teóricos y científicos de distintas disciplinas, conversarán sobre la percepción del entorno natural.

Durante la sesión se proyectará un adelanto del documental en preparación Movimientos de tierra, de Matías Cardone.

Películas
El 22 de julio se proyectarán filmes originales de Robert Smithson, Nancy Holt y Simone Estrin, además del estreno en Chile del documental Troublemakers, sobre los grandes artistas del land art en la década de los 60 y 70. Actividad gratuita.

Performances
Hamish Fulton viernes 7 de julio a las 12:00, en el Hall del Museo. Para ser parte de esta actividad para la que hay  100 cupos, deben inscribirse en el correo hamishfultoncaminatas@gmail.com.

Cristián Velasco (5 de agosto) y Chimuchina con la obra Mapocho que contará con la presencia de Cecilia Vicuña (19 de agosto). En lugares y horarios por confirmar.

Movimientos de Tierra es un proyecto realizado por Matías Cardone (producción), José Délano (museografía) y Pedro Donoso (curatoría).