“Colección Al Límite, Sin Límites”

Más de 100 obras de la colección de arte contemporáneo de Arte Al Límite saldrán a la luz por primera vez con una serie de exposiciones desarrolladas en Santiago de Chile.

8 artistas de trayectoria internacional participarán presencialmente en la muestra “Colección Al Límite, Sin Límites”.

Marisa Caichiolo, radicada en Los Ángeles, Estados Unidos es la curadora de esta relevante gestión cultural.

Espacio Fundación Telefónica, Fundación Cultural de Providencia, Centro Cultural Estación Mapocho, Galería de Arte Posada del Corregidor, y espacios públicos de las comunas de Santiago y Providencia serán el epicentro de las muestras que estarán abiertas de forma gratuita al público desde el 5 de septiembre al 5 de noviembre.

Desde el 7 de septiembre al 5 de noviembre en Espacio Fundación Telefónica se vivirá un verdadero encuentro de arte contemporáneo internacional, organizado por el medio especializado en arte visual en Chile, Arte al Límite (AAL). En este evento inédito, se presentará parte de su colección que incluye a destacados artistas mundiales.

Esta muestra, además, contará con nuevas tecnologías, por medio de lentes 360 VR de Samsung, los que permitirán al espectador vivir una experiencia de realidad virtual al ver y sentir que está dentro de la obra, en una nueva forma de explorar e interactuar con el arte.

“Colección Al Límite, Sin Límites”, expondrá al público más de 60 obras de artistas de gran trayectoria provenientes de 40 países. Muchos de ellos llegan por primera vez a Chile y participarán en las actividades ligadas al encuentro. Están invitados por AAL: Antuán (Cuba), Heide Hatry (Alemania), Adriana Ramírez (Colombia), Diana Drews (Colombia), Maquiamelo (Colombia), Christian Fuchs (Perú), Sol Mateo (Bolivia), Paula Swinburn, Ismael Frigerio y Camila Lobos de Chile.

Compuesta por fotografía, instalación, pintura y video arte, la muestra tiene como objetivo difundir el arte contemporáneo, fomentar la educación en artes visuales, democratizar el arte acercándolo a la sociedad y exponer por primera vez la colección de AAL, cuyas obras se caracterizan por sus distintas miradas sobre la realidad, dejando mensajes y cuestionamientos en los espectadores, junto a la reflexión sobre el mundo en que habita el ser humano.

Las exposiciones incluirán una decena de charlas gratuitas para todo público  desde el 13 de septiembre, tales como conversaciones con la curadora, y con artistas nacionales e internacionales. Marcela Cabutti (Argentina) y Grimanesa Amorós (Estados Unidos), además de coleccionistas y académicos como el crítico argentino Julio Sapollnik y el español Andrés Isaac.

Las charlas más destacadas son Video Arte con Grimanesa Amorós el 13 de septiembre a las 18:00 horas, Charlas con Artistas Internacionales (Diana Drews, Antuán y Sol Mateo) el 14 de septiembre a las 10:00 horas y una segunda Charla con Artistas Internacionales (Maquiamelo y Adriana Ramírez) el 15 de septiembre a las 09:30 horas.

Tanto las charlas como los workshops son con inscripción previa en el siguiente link: http://www.passline.com/sitio/174169-arte-al-limite

Para más información sobre charlas y workshops ingresa a www.arteallimite.com

Espacios expositivos

Espacio Fundación Telefónica / Colección Al Límite, Sin Límites

Desde el 7 de septiembre al 5 de noviembre

Lunes a viernes, 9:00 a 20:00 horas; Sábado y domingo, 11:00 a 20:00 horas

En Espacio Fundación Telefónica se presentará gran parte de la colección de AAL con más de 60 obras de artistas provenientes de todo el mundo. Dentro de las obras más destacadas se encuentra la del artista cubano Antuán, con una instalación de un punching ball que incorpora el rostro de diversas figuras políticas famosas a nivel internacional, como Donald Trump, George W. Bush, Dick Cheney, Nicolás Maduro, Fidel Castro, Vladímir Putin y Bashar al Ásad. Otra obra destacada será la de la artista colombiana, Diana Drews, a través de una obra conceptual aborda lo precario y las problemáticas de la educación.

 

Fundación Cultural de Providencia / Del pasado y el ahora

Desde el 5 de septiembre al 29 de septiembre

Lunes a sábado, de 11:00 a 19:00 horas

En Fundación Cultural de Providencia se expondrá la obra fotográfica del español Lluis Barba, quien hace un guiño al arte pop y cuestiona desde íconos de Hollywood hasta transeúntes, junto a la sociedad actual. Además, se presentará la fotografía del peruano Christian Fuchs, cuyo trabajo pone en valor la historia de nuestros antepasados a través del autorretrato.

 

Centro Cultural Estación Mapocho / Divas

Desde el 7 de septiembre al 25 de septiembre

Martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas.

En el Centro Cultural Estación Mapocho el artista colombiano, Maquiamelo, expondrá sus fotografías lenticulares, las que a través una visión distinta del retrato, cuestionan el poder que ejercen diversos íconos culturales y políticos en la población.

 

Centro Cultural Estación Mapocho/ Dos Caras

Desde el 7 de septiembre al 15 de octubre

Martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas.

Además, la chilena Paula Swinburn,  presentará sus pinturas abstractas al óleo con las que explora el color, el movimiento y el volumen para crear obras que dan cuenta de mundos llenos de armonía y equilibrio.

 

Galería de Arte Posada del Corregidor / Lo que esconde la belleza

Desde el 9 al 30 de septiembre

Lunes a viernes de 10:00 a 13:30 hrs. / 14:30 a 17:30 hrs. Sábados de 11:00 a 13:30 y de 14:30 a 17:30 horas.

Se presenta la alemana Heide Hatry y el boliviano Sol Mateo, ambos con obras que abordan temáticas como la ética y los conflictos sociales, a través de la belleza y el cuerpo femenino.

 

Galería de Arte Posada del Corregidor / Entre náufragos y luces

Desde el 5 al 28 de octubre

Lunes a viernes de 10:00 a 13:30 hrs. / 14:30 a 17:30 hrs. Sábados de 11:00 a 13:30 y de 14:30 a 17:30 horas.

La Galería de Arte Posada del Corregidor, abre sus puertas a los chilenos Ismael Frigerio con obras que abordan la identidad latinoamericana y Camila Lobos, quien a través de los nuevos medios e instalaciones crea propuestas cuestionadoras y reflexivas en torno al ser humano.

 

Comunas de Providencia y Santiago / Yo voy a ser

9, 12 septiembre y 5 octubre

En el espacio público de las comunas de Providencia y Santiago, la artista colombiana Adriana Ramírez, presentará por primera vez en Chile su obra interactiva donde invita a los transeúntes a participar en un juego del lenguaje que permite reflexionar sobre el poder del pensamiento y las palabras.

“Exposición Colectiva Homenaje a los 50 años del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles”

Inauguración Sábado 12 de Agosto de 2017, 12:00 horas. La exposición estará abierta al público hasta el viernes 25 de agosto de 2017 / Las Condes Design, Av Las Condes 9765, local 115, “Sala En Tránsito” / Horario: Lunes a viernes de 9:00 a 19:00 hrs. Sábados de 10:00 a 19:00 hrs.

1967 fue un año clave para toda una generación de jóvenes en el mundo. Ese año se lanzó el disco que iba a marcar para siempre, no solo la historia de The Beatles, si no la de toda una generación… Y los jóvenes chilenos de esos años, vibraron con sus canciones!
Hoy, 50 años después, algunos de esos jóvenes son grandes artistas.

La convocatoria tenía sus condiciones: cada artista debía elegir una de las canciones del disco, inspirarse en ella y pintarla en un formato redondo (tamaño mínimo, un vinilo).

Así, los artistas chilenos de mayor renombre aceptaron el desafío de pintar una de las canciones del mítico disco de The Beatles.

Artistas participantes:
Hugo Marín
Bororo
Matías Pinto D’Äguiar
Paz Lira
Isabel Viviani
Totoy Zamudio
Cata Abott
Pancha Núñez
Edwin Rojas
Alex Chellew
Marcela Orroño
Nico De la Puente
Francisco Salas
Antonella Gallegos
Andreas Von Gehr
José Fernández
Sebastian Riffo
Mikele Orroño
M Gracia Basso
Cata Rojas
Lorenzo Moya
Rodrigo Fernandez
Javiera Edwards
Guillermo Grebe
Cristian Elizalde
Malu Stewart
Julita Luco
Fernanda Saldivia
Paloma Maturana
Felipe Achondo
Entre otros…

World Press Photo 2017

28 de julio al 27 de agosto de 2017 / Lunes a viernes, de 9:00 a 20:00 horas; Sábados y domingos, de 11:00 a 20:00 horas / Espacio Fundación Telefónica. Av. Providencia 127. Metro Baquedano.

Lo mejor del fotoperiodismo mundial se presenta una vez más en Chile

WORLD PRESS PHOTO 2017 LLEGA NUEVAMENTE A ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA 

  • Edición Nº60 del concurso de fotoperiodismo profesional más prestigioso del mundo.
  • 143 imágenes en exposición.
  •  Desde el 28 de julio.
  • De lunes a domingo con entrada liberada.

 La muestra que estará en exhibición desde el 28 de julio en Espacio Fundación Telefónica, trae como World Press Photo of the Year a la fotografía de Burhan Ozbilici (arriba), quien también ganó el primer premio en la categoría de Spots News Stories.

Este reconocimiento, el de World Press Photo of the Year, se entrega al fotógrafo cuya creatividad visual y habilidades lograron una imagen que captura o representa un evento o tema de gran importancia periodística en el último año.

La fundación World Press Photo es un actor importante en el desarrollo y promoción del periodismo visual. A través de algunos de los premios más prestigiosos en fotoperiodismo y narración digital, es una exposición vista por más de cuatro millones de personas cada año en todo el mundo. Vía de debates globales y extensos programas de investigación y capacitación, buscan inspirar, educar y apoyar a los fotoperiodistas, entregando nuevos conocimientos y generando nuevas perspectivas.

TALLERES WORLD PRESS PHOTO 2017 PARA ESTUDIANTES Y DOCENTES

Junto a la exposición de WPPh 2017, se ha diseñado material educativo especial para estudiantes y docentes, en disciplinas tan variadas como: Artes Visuales, Lenguaje y Comunicación, Historia, Geografía y Ciencias Sociales, Tecnología y Ciencias Naturales.

Las inscripciones se pueden realizar en el correo espaciofundacion.cl@telefonica.com o al teléfono +56 2 2691 4432

Más información en http://espacio.fundaciontelefonica.cl/evento/world-press-photo-2017/

6ta Muestra Tripartita Opendark ART

[Sexta Muestra Tripartita Opendark ART]

Te invitamos a la inauguración de nuestra 6ta Muestra Tripartita, esta vez con la participación de tres increíbles propuestas artísticas que trabajarán con la luz, Francisca Valdivieso, Patrick Steeger y Marcos Sánchez.

El espacio dedicado a fusionar el arte, diseño e iluminación, que sorprende hace ya más de un año con intervenciones de artistas contemporáneos, abre sus puertas por sexta vez para presentar a tres artistas bajo la curatoría de César Gabler.

En esta sexta exposición el concepto será “Casi Oscuro” donde la oscuridad puede interpretarse al menos en dos sentidos. El primero y más evidente es la ausencia de luz. Una segunda acepción apela a aquellas situaciones que pueden resultar extrañas, desconocidas o incluso malignas.

“Casi Oscuro” presenta a artistas que trabajan en el límite entre la oscuridad y la luz, la figuración y la abstracción, el relato y el concepto, cuyos trabajos incorporan de un modo u otro el volumen y que en una ambiente casi oscuro, pueden potenciar el carácter formal y discursivo de sus obras.

“Una Nueva Abstracción”

La exposición se inaugurará el Martes 25 de julio a las 19:30 horas y estará abierta hasta el de Sábado 19 de agosto de 2017.

Se realizará una visita guiada el sábado 12 de agosto de 2017 a las 12:30 horas y contaremos con la presencia del curador Hernán Garfias y los artistas expositores Sergio Recabarren y Dante Mellado.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas. En: Francisco de Aguirre N°3720, oficinas 03 (nivel calle) y 13 (subterráneo), esquina Alonso de Córdova, comuna de Vitacura. Teléfono: 2- 2-2467207. Entrada: Liberada

Artistas expositores: Sergio Recabarren y Dante Mellado (curatoría Hernán Garfias)

Fecha Exposición: Martes 25 de julio al Sábado 19 de agosto de 2017

“Una Nueva Abstracción” se llama la exposición de los artistas visuales chilenos Sergio Recabarren y Dante Mellado, cuya curatoría es de Hernán Garfias.

Sergio Recabarren (1984) artista visual, con formación en diseño gráfico y fotografía. Socio fundador del estudio de diseño AWAYO. Es parte del colectivo Área.

Dante Mellado (Alzzio), nacido en 1980, estudió arquitectura y se inició en el diseño gráfico de manera autodidacta. El dibujo, la pintura y el lenguaje plástico lo ha desarrollado de manera amateur y en paralelo a su oficio gráfico. Sólo ha sido exhibido al público, por primera vez en FAXXI 2016 y posteriormente en Faxxi 2017.

La serie “Rombos” -primera del autor-, propone distintas composiciones geométricas a partir de la investigación de tramas inscritas en un rombo.

Hernán Garfias es diseñador gráfico de la Universidad Católica de Valparaíso, docente titular UDP y UDD y Consejero Corporación Antenna, entre otras múltiples actividades, además de recibir numerosos premios.

Sergio Recabarren

Mi obra explora desde la abstracción, nociones de psicodelia inspiradas en simbolismo chamánico y arte visionario. Proponiendo un nuevo lenguaje formal post-cinético para referirse a estados alterados de conciencia y viajes hacia dimensiones inmateriales.

A partir de la creación y manipulación de pixeles, transformaciones, errores digitales y procesos generativos, se obtienen imágenes desconocidas e inmersivas, que plantean una experiencia de contemplación.

 

Curriculum

Dentro de su trabajo se destaca la participación en la exposición “The New Psychedelica” en Eindhoven (2011) curada por Francesca Gavin. Es parte del colectivo Área donde ha participado en exposiciones en Santiago y Buenos Aires (2012 – 2015) curadas por Patricio Pozo. El año 2013 fue parte de Bienal Internacional “The Wrong” Curada por David Quiles, director de ROJO Magazine. Participó en la muestra digital “When Analog was Periodical”, en Berlín curada por Anthony Antonellis (2013) y en la exposición colectiva United Notions curada por el estudio The Bakery (2016), en San Petersburgo, Moscú y París. El 2016 participó en la Bienal de Diseño de Londres con la charla “The Utopia of Psychedelia”.

 
Dante Mellado (Alzzio)

La serie Rombos, primera del autor, propone distintas composiciones geométricas a partir de la investigación de tramas inscritas en un rombo. La repetición de un módulo construye una totalidad que, con una misma ley geométrica, genera un trama de llenos y vacíos, de profundidades y volumetrías, de luces y sombras, que construyen un tejido de fragmentos, donde el material –como soporte de la obra– mediante la substracción, completa la totalidad de ésta, rompiendo el borde del rombo, interrumpiendo el límite de la obra. En su segunda serie, Líneas, investiga sobre el uso de la forma más sencilla y pura, la línea, buscando en su simpleza lo dinámico y el movimiento. Aparece la diagonal como el resultado del encuentro de sucesivos vértices en movimiento conformados sólo por trazos verticales y horizontales, la ausencia del trazo diagonal como tal, pero si su presencia óptica. La misma cantidad de líneas, y todas inscritas en un formato cuadrado, muestran la infinidad de posibilidades con geometrías y leyes básicas, como lo son la línea, el cuadrado, la vertical y la horizontal. En estas series, además de los dibujos pintados a mano en acrílico sobre tela, experimenta las técnicas de serigrafía, cuño seco, grabados en metal; como el bronce y el aluminio, como también en materiales perforados como la madera y el acrílico. Distintos soportes que aportan variantes a la experimentación de la geometría plana y volumétrica.


Biografía Dante Mellado

Nace en Santiago de Chile en 1980. Estudia arquitectura y se inicia en el diseño gráfico de manera autodidacta. Trabaja de manera freelance por más de 10 años, desarrollando la imagen corporativa para varias empresas y proyectos culturales. Destacan GNL Quintero, Terminal de Gas Natural, donde ejecuta de manera integral, desde el 2008, el diseño corporativo tanto de elementos de comunicación interna como externa. Desde el 2012 está a cargo de la identidad gráfica de FAXXI, Feria de Arte XXI, donde además del diseño de cada versión, desarrolla el diseño editorial de los catálogos, libros, gráficas en medios y vía pública. También para el FIFV, Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso, en donde ha trabajado, desde la primera versión (2010), en la creación de múltiples materiales gráficos; desde la imagen gráfica de cada versión, la revista oficial, hasta libros de fotografía de FIFV ediciones, entre los que destacan los de la serie “Valparaíso” de autores nacionales e internacionales, tales como Bertrand Meunier, Anders Petersen, Alberto García-Alix, Claudine Doury, Paolo Verzone, Juan Manuel Castro Prieto y Gilles Favier, entre otros. En agosto del 2015, es invitado por el Centro de Fotografía de Montevideo a impartir un workshop junto a Rodrigo Gómez Rovira y Nicolás Wormull, sobre el proceso de edición y creación de un fotolibro, resultado que terminó en la impresión del libro “Estada”. También estuvo a cargo del diseño editorial del libro “Séte #16” del festival de fotografía Imagesingulières, lanzado e impreso en Francia. A finales del 2016, junto a Cristóbal Amigo, forma el estudio de diseño “AA estudio”, con la finalidad de formar equipo y continuar de una manera más sólida en el oficio gráfico. En mayo del 2017 es invitado por el Festival Imagesingilières, Sète, Francia, a impartir un workshop sobre edición y diseño editorial de fotolibros, taller que culmina con la publicación del libro “Atelier 1 Sète”, editado, impreso y lanzado en Francia. La investigación de nuevos métodos y soportes gráficos, de soluciones simples, con carácter propio y de geometrías puras, además del interés tipográfico y del uso del color, son conceptos e inquietudes presentes en su investigación gráfica actual. 

Currículum Hernán Garfias

Hernán Garfias Arze título Diseño Gráfico Universidad Católica de Valparaíso. Director de Arte diario El Mercurio, fundó AG&P asociados. Director de Arte Campaña Presidencial Patricio Aylwin. Crea la revista Diseño y la dirige por 10 años. Socio fundador y presidente  Asociación Empresas de Diseño QVID. Decano fundador Facultad Arquitectura, Arte y Diseño UDP. Ha dictado conferencias en más de 40 países. Premio Pericles CAYC Argentina, Premio Bienal de Quito, Premio Mauricio Amster, Premio Asociación Internacional Críticos de Arte, Premio Colegio de Diseñadores de Chile, Premio Colegio de Diseño, Cavalieri di la Orden di la Stella di Italia, Curador Pabellón Chileno en Milán, Director Escuela DAC AIEP. Curador de exposiciones de arte, diseño y arquitectura. Ha escrito más de 300 artículos sobre estos temas. Docente titular UDP y UDD. Sello Excelencia Diseño CNCA 2013. Fundador Galería del Diseño CCPLM. Curador expos GAM Atelier Mendini, 2013; Sottsass y Memphis, 2014; Nórdico. Diseño Escandinavo 2016. Consejero del CNCA. Consejero Corporación Antenna.

Sergio Recabarren exhibirá 10 obras de la serie “Dimetiltriptamina”, impresiones digitales de hiper-resolución en diversos formatos que van desde los 75 x 75 cm hasta 110 x 165 cm.

Dante Mellado presentará más de 25 obras, en las siguientes técnicas: serigrafía, grabado sobre metal, acrílico y cuño seco. Las medidas varían desde gran formato (100 x 100 cm), formato medio (75 x 75 cm y 60 x 60 cm) y pequeño formato (30 x 30 cm y 35 x35 cm).

 

 

Doble Inauguración: Rafael Parra Toro & Nicole Beaupuits

Ambas exposiciones podrán visitarse hasta el sábado 5 de agosto, de lunes a viernes, entre 11 y 19 horas.

Lunes, 19.30: PRESENTACIÓN AUDIOVISUAL conjunta entre DJ Juan Cacciuttolo y Rafael Parra Toro.

1 ES A 1
Rafael Parra Toro

Rafael Parra Toro, venezolano – argentino, artista de vocación e ingeniero de profesión. Un artista que se nutre de la ambivalencia para crear sus formas y hacernos ver cosas invisibles. Aterriza en Chile con un corpus de obra que hace una apología a la libertad interpretativa, enmarcada en su muestra 1 es a 1, en Espacio O.

A través del cinetismo y como resultado de una pulsión instintiva de seguir atentamente aquello que se desplaza en el campo visual. ParraToro obliga al espectador a desplazarse por el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia, creando una danza entre espectador y obra.

Imponerte una interpretación sería ir en contra de la esencia de la obra y de la naturaleza de la vida. Sugerimos mirar la esencia e interpretar desde la erótica. Cada obra busca activar y construir nuevas apreciaciones a partir de la percepción, la sensación y el movimiento; creando una relación indisoluble entre obra y espectador.

Los opuestos se juntan y las dicotomías desaparecen, y aunque la misma historia nos dé todas las referencias, la interpretación es solo tuya y por más que se repita, el instante vivido, es único.

La obra se resignifica en tu presencia.

Presentación en vivo – Anclaje performático – Rafael Parra Toro en las visuales – Juan Cacciuttolo en la musicalización

Las cosas quedan grabadas a fuego
Salida de Emergencia
Nicole Beaupuits

“No he vuelto a ver nunca esta extraña morada… Tal como la encuentro en mi recuerdo infantilmente modificado no es un edificio, está toda ella rota y repartida en mí, aquí una pieza, allá una pieza y acá un extremo de pasillo que no reúne a estas dos piezas, sino que está conservado en cuanto que fragmento. Así es como todo está desparramado en mi.” (Rainer Rilke)

Inevitablemente la obra “Las cosas quedan grabadas a fuego” de Nicole Beaupuits habla de las relaciones humanas, de los recuerdos y como la memoria se presenta fragmentada, unificada por relaciones quebradas y esencialmente sentimentales, donde cada trozo, al parecer inconexo, construye la experiencia del pasado,

Las pinturas de la muestra no se centran en ser representaciones de situaciones especificas, sino que son atmosféricas en un sentido de la recreación y reconstitución de lo emocional de un momento, un instante primario en donde se establece la cercanía con otro, un vinculo.

Por esto es que la obra se vincula a las relaciones humanas, como estas se estrechan, se entrelazan, se graban en el cuerpo como marcas imborrables e imposibles de ocultar, como también en el caso de esta obra, relaciones que se perpetúan desde la necesidad en el cuerpo y la manera pictórica.

Sin embargo, estos lazos nacen desde las sombras y a la vez son parte de ellas. Fondos oscuros, manos que se iluminan como si se tratase de pequeños focos de luz, nos hacen reflexionar sobre la naturaleza efímera de los lazos y como estos – volviendo a la idea de la sombra- se constituyen como proyecciones de una vida física, que mantiene su forma moldeada solo en el recuerdo, como una sombra de un cuerpo construido del recuerdo físico, pero que a su vez mediante la operación pictórica vuelve a ser concreto e imperecedero.

Wladymir Bernechea
Artista Visual

Primer Museo Pop Up de la infancia

Museo Pop Up de la infancia
Root 563, esquina San Isidro, Metro Santa Lucía (Museo Taller).
Fecha: 22 de julio.
Horarios: de 17 a 21 horas.

El 1er Museo Pop-Up aparecerá (y desaparecerá) el sábado 22 de julio. Con sólo cuatro horas de vida irrumpirá desde 17 horas hasta las 21 horas en el Museo Taller, ubicado en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

La muestra fotográfica se realiza gracias a la colaboración del público. Un centenar de personas participaron, la diversidad de historias y generaciones permitirá que la muestra abarque cinco décadas, desde 1950 al 2000.

La iniciativa es la primera intervención urbana organizada por el colectivo VAM! (Vamos al Museo) y está inspirada en los recintos que se encuentran cerrados tras el terremoto de 2010, entre ellos el Museo Infantil, ubicado en el Parque Quinta Normal.

No hay plazo que no se cumpla, ni museo que no se aparezca.

El sábado 22 de julio a las 17:00 podrán conocer y ser parte del 1er Museo Pop Up de la Infancia, organizado por el colecitvo VAM! (Vamos al museo).

Tras una convocatoria abierta entre mayo y junio, se recibieron un centenar de fotos en las que el público compartió sus imágenes más queridas y las historias tras ellas. Ahora llegó el momento de conocer las que han sido seleccionadas y que son parte de la muestra de 65 registros de la infancia chilena. “Estamos muy emocionadas y agradecidas por el recibimiento y la confianza que la gente a puesto en nosotras, entregándonos parte de sus recuerdos, para hacer todos juntos este museo ciudadano”, explica el equipo organizador.

La muestra será un recorrido nostálgico, gracioso y emocionante que abarcará un periodo de cincuenta años, desde 1950 hasta el 2000.

El museo fugaz aparecerá en el Museo Taller, quienes colaboran con el proyecto facilitando sus salas de exhibición. A partir de las cinco de la tarde y hasta las nueve de la noche, encontrarán el Museo Pop Up, cuya vida será de cuatro horas en calle Root 563 (esquina San Isidro, Metro Santa Lucía).

Parte de la apuesta es que el público, su familia y amigos, sean tanto espectadores como creadores y que además jueguen a ser niñ@s nuevamente. Durante la apertura del museo habrán distintas instancias de participación: juegos, disfraces, pintacaritas, retratos, cuentacuentos y la presentación en vivo de Niña Tormenta, quien tocará a las 19 horas.

La muestra busca poner en el centro a las personas y como éstas se vinculan afectivamente con la colección y contenidos de los museos del país. El 1er Museo Pop-Up de VAM! está inspirado en las instituciones cerradas tras el terremoto del 2010, entre ellas, el Museo Infantil ubicado en el Parque Quinta Normal.

La muestra cuenta con la colaboración Migo Laboratorio, gracias a ellos, las fotos estarán a la altura del mejor de los museos breves.

¡L@s esperamos!

“El peso de la Nación”

El 23 de julio de 2016, las artistas Luna Acosta y Paula Baeza Pailamilla iniciaron en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos la performance duracional “El Peso de la Nación”, una acción que vincula el concepto de nación, migración y explotación laboral. Durante un año, las artistas han estado tejiendo una enorme bandera junto a diversas agrupaciones y público en general, con ropa donada por personas migrantes, en diversos espacios públicos tanto de Chile como de Colombia. Este 21 de julio se pondrá fin al proyecto a través de la instalación de la bandera en el Museo y una muestra fotográfica del proceso.

“7 paisajes”

(o también “Siete paisajes”)

Desde el 20 de mayo hasta el 23 de julio de 2017 / Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio. Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida. Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 horas.

Museo sin Muros presenta un proyecto del curador Carlos Montes de Oca, con obras de Luis Ladrón de Guevara, Marina Piracés, Francisca Montes, Roberto Pasminio, Felipe Lavín, Patricio Vogel y Luis Weinstein.

La exposición, que cuenta con la curatoría de Carlos Montes de Oca, reúne obras que aproximan al tema del paisaje, conectando imágenes del exterior donde surgen la naturaleza y la ciudad asociadas al recorrido de la mirada, centrándose preferentemente en el país que habitamos. En el vertiginoso siglo de las imágenes, estos artistas ofrecen momentos de aproximación al reconocimiento del mundo o una reflexión sobre lo que vemos, experimentando en los soportes, con técnica digital o análoga, y nos obligan a retomar el tema de la desconexión con que la sociedad avanza sin considerar nuestro alrededor.
Marina Piracés con tres fotografías nos introduce en la naturaleza, borda sobre imágenes de los valles. Organismos vegetales son demarcados o acentuados por la manualidad del bordado a modo de una intervención leve o tenue sobre la superficie de la imagen. Se podría establecer un paralelo entre el bordado y la pintura como señalando un segmento de este ciclo.
Francisca Montes realiza un recorrido aéreo por la latitud 33, la presencia de la geografía se hace visible y potente desde la altura. Desde el aire es posible introducirse por zonas ocultas o lugares inciertos, la imagen hace retornar a la territorialidad y ser protagonistas en medio de las alturas, anclados a la sola memoria entre el azar y lo predeterminado.
Luis Ladrón de Guevara presenta una obra contextualizada por los conceptos de orden y estructura, donde el tiempo va cediendo paso a la composición de líneas, sombras, reflejos de la luz sobre objetos cotidianos, llevando a otro lugar o haciendo revivir lo cotidiano, al incorporar faenas de la gran industria o el trabajo artesanal en el campo y el mar.
Roberto Pasminio fragmenta el Norte Grande de Chile, recorre una serie de visiones territoriales, que conectan al gran espacio del desierto y las cordilleras. Permite sobrevolar con la mirada las superficies abruptas y enarenadas, las rocas volcánicas y altas mesetas, que como escenarios abstractos, se van impregnando de la espacialidad y el silencio.
Felipe Lavín presenta la nueva arquitectura de la capital invitando a ser parte de las nuevas construcciones que rodean el cotidiano. Luego van apareciendo geometrías que agrupadas conjugan espacios comunes y lugares distantes.
Patricio Vogel lleva al gran exterior del poderío de Los Andes, la cordillera como cierre y la frontera, la expresión dura de la geografía, conectando los opuestos frío-cálido, sólido-líquido, irregular y plano, que van demarcando la extensión de otro territorio, allí donde este gran accidente rocoso, impenetrable, queda sostenido e iluminado solo por palabras.
Luis Weinstein presenta una panorámica del gran Santiago, tanto en el trazado como en su recorrido. Con una imagen secuencial acerca al movimiento del convulsionado mundo de la calle, escenario donde se plantea un juego entre el transcurso y la propia imagen, como si fueran palabras confundidas sobre un ruido de pasos.

“Taller 99 / 60 años Encuentros en diálogo”

Jueves 20 de julio al domingo 24 de septiembre de 2017 / martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas / Sala Matta Museo Nacional de Bellas Artes.

El colectivo celebra sus sesenta años de existencia con 99 grabados de destacados artistas consagrados y emergentes. Desde el 20 de julio al 24 de septiembre en la sala Matta.

Creada en 1956 por Nemesio Antúnez en la casa de calle Guardia Vieja de Providencia, el Taller 99 utiliza la figura de carpeta colectiva para dar a conocer el trabajo colaborativo y la trascendencia histórica de este fecundo espacio de creación dando a conocer su historia, el sentido de creación, las diferentes técnicas y a quienes han pasado por el taller que también custodia parte del patrimonio cultural e inmaterial de Chile.

Nemesio Antúnez intentó replicar la experiencia del famoso Atelier 17 de William Hayter en Estados Unidos y París, logrando insospechadas proyecciones para el desarrollo de las artes plásticas chilenas. Su sistema de trabajo único: la colaboración como eje central de creación, experimentación y formación; lo ha posicionado como un actor fundamental para la escena artística del país, convirtiéndose en un semillero que ha aportado importantes nombres para el arte chileno, marcando el desarrollo de un concepto moderno del grabado, disciplina artística que permite la creación de originales múltiples a partir del dominio de diversos procedimientos de relieve, hueco o plano, que generan variadas matrices con las que se imprime una obra sobre un soporte de papel, enriqueciendo los procesos de creación mediante instancias de reflexión.

La muestra presenta obras de grabado tradicional, sistemas de estampación como serigrafía, técnicas digitales, offset, intervenciones y mixtos.

“El Taller 99 impulsó la valorización de los sistemas de reproducción y la experimentación con las técnicas del grabado, así como el compromiso con la libertad de los lenguajes de las distintas manifestaciones y tendencias del arte contemporáneo. Por lo tanto, aludir a este centro es citar un referente obligatorio con respecto al desarrollo de esta disciplina artística en Chile”, explica Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

“Nuestra forma de trabajo, búsqueda y creación nos enriquece como taller; procurando compartir las visiones y experiencias individuales, fortalecemos el cuerpo del lenguaje del grabado y significamos el sentido de orientación colectiva”, señala Rafael Munita, directivo de la Corporación Taller 99.

La opción de realizar una carpeta colectiva de grabados para conmemorar esta fecha pretende enlazar su historia con la actual vida del taller. Desde el año 1961, con la publicación El Cantar de los Cantares, sistemáticamente se ha desarrollado la idea de realizar trabajos conjuntos de temática unificada llamado “carpeta colectiva”, instancia de encuentro en reflexiones y oficio, donde se refleja el sentido primordial de creación en el Taller 99.  La carpeta 99 miradas en torno al Taller 99 da continuidad a esta línea de trabajo con énfasis en el taller de hoy.

La muestra comprende además un homenaje de agradecimiento y reconocimiento a Nemesio Antúnez y Roser Bru, como motores fundamentales en la definición del sentido y espíritu del Taller 99.