“Escuelita de Artes y Oficios”

“Escuelita de Artes y Oficios” es un proyecto del artista chileno Enrique Flores en donde trabaja a partir de las nociones de la original Escuela de Artes y Oficios, EAO, proyecto educativo de carácter gubernamental que funcionó por más de un siglo y que dio origen a la USACH. La EAO buscaba instaurar una enseñanza en lo técnico e industrial, “la regeneración del pueblo” a través de la educación popular.

Escuelita de Arte y Oficios desarrolla la ficción de una institución educacional que pretende demostrar a través de una exposición / taller las posibilidades de integrar el arte en las tecnologías o viceversa, asumiendo criterios mayoritariamente razonados hacia lo práctico y funcional, haciendo un guiño al sueño de una industria nacional local y rescatando el rol de la EAO en la construcción de ese imaginario. Escuelita de Artes y Oficios propone un cruce entre las técnicas provenientes de oficios como la herrería, carpintería, mecánica y electricidad y las nociones de arte contemporáneo, recordándonos que en la base de todo arte existe un oficio, y que la línea entre artesanía, arte popular, oficios artísticos y trabajos manuales es, en extremo, difusa.

SOBRE EL ARTISTA
Enrique Flores (1982) Licenciado en Arte Pontificia Universidad Católica de Chile, su trabajo responde a una constante investigación a la memoria y al imaginario popular Chileno, su obra se desarrolla en distintas técnicas y formatos tales como la pintura, instalación, video, performance, editorial y narrativas. Ha sido miembro de agrupación artística Galería Daniel Morón.
www.enriqueflores.cl

JUEVES 7 DE DICIEMBRE
19 HORAS
SALA RECICLA 
(Facultad de Administración y Economía FAE)
Alameda 3363, metro Estación Central 
ENTRADA LIBERADA

“La Ruta del Olvido”

Patrimonio del Olvido, invita a ud. a la inauguración de la exposición en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile. En esta ocasión presentaremos “La Ruta del Olvido”, proyecto ganador del Concurso Fernán Meza 2017,

Con el apoyo de la Dirección de Asuntos Estudiantiles (DAE) de la FAU. Esta exposición se realizará en el HALL CENTRAL a las 19:00.

Luego de la presentación, se ofrecerá un vino de honor.

“ESPECTAR. Juan Harris, 1897 / Sebastián Jatz, 2017”

La instalación establece un diálogo de obras creadas con 120 años de diferencia. Desde el 17 de noviembre de 2017 hasta el 21 de enero de 2018 en la sala Chile.

La pintura Une Matinée au café-concert, óleo sobre tela, perteneciente a la colección del MNBA, fue realizada por Juan Eduardo Harris Flores en 1897. La obra sonora Tropel, es una creación reciente de Sebastián Jatz Rawicz, que en un loop o bucle de cuatro minutos, superpone más de doscientas canciones populares.

La instalación se presenta en la sala Chile MNBA en alianza con el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), a partir del trabajo curatorial realizado por Gloria Cortés Aliaga, curadora MNBA, y Alessandra Burotto, coordinadora de Anilla Cultural MAC.

“Dos artistas chilenos, uno del siglo XIX y otro del siglo XXI, exhiben en la misma sala del Museo obras de diferente factura, pero vinculadas con los aportes de la tecnología. Es decir, en el caso de Harris, sin duda el encuadre de su pintura plantea una mirada fotográfica, un corte de la escena con el fin de ir más allá de la imagen representada. En este potencial fuera de campo, la obra de Jatz logra complementarse a través del sonido en off, transformando la dimensión fija de la pintura de Harris a un devenir en permanente cambio. Así, esta exposición afianza nuestra vocación compartida con el MAC en torno a la valoración de los creadores chilenos”, explica Roberto Farriol, director del MNBA.

“Para el MAC Espectar es particularmente destacable dado su carácter interdisciplinar. La exhibición no sólo repone ante el público la obra de Juan Harris, producida a fines del siglo XIX, sino que también la ofrece en interacción con una de las últimas producciones de Sebastián Jatz, artista sonoro que ha sido parte de diversas curatorías llevadas a cabo por Anilla Cultural MAC, que entre sus objetivos tiene el fomentar y difundir las artes mediales. Además, la muestra se inscribe, y fortalece una vez más, la alianza entre los dos museos, ya explícita con la apertura del Corredor y cuyo ejemplo anterior más reciente ha sido la Primera Editatón de Mujeres en el Arte Chileno”, comenta Francisco Brugnoli, director del MAC.

El diálogo

La relación formal entre ambas piezas, pintura y sonido, junto a sus contextos de producción de los siglos XIX y XXI, además de algunos elementos proporcionados en préstamos por el  Teato Municipal de Santiago, proponen un pasaje en el que los artistas se encuentran en torno a la noción de “muchedumbre”, aquel gentío que constituye al sujeto moderno que protagoniza los accionamientos culturales, políticos y estéticos que siguen irradiando hasta el presente.

Juan Eduardo Harris (1867-1949) es un artista del que se cuenta con poca información, a pesar de que la colección del MNBA cuenta con tres de sus obras. Nacido en Copiapó y formado en la Academia de Bellas Artes, viajó a Francia donde alcanzó relativo éxito con sus escenas teatrales que circularon en Francia mediante postales impresas. En 1897 exploró la vida bohemia de Montmartre (París), influenciado por los efectos de los géneros teatrales de entresiglos y la literatura de Émile Zola. Este registro de la red de sociabilidades francesas se proyecta en el café concert, símbolo de la vida moderna, que llega para desplazar a los salones del antiguo régimen a través de canciones y espectáculos de feria u obras de teatro cortas, destinadas a la masa obrera y a la pequeña burguesía. Esta pintura opera como espejo de los profundos cambios socioculturales enmarcados en la primera fase de la Revolución Industrial.

En 2017, Sebastián Jatz (1980) plantea un contrapunto a partir de la superposición incesante de más de doscientas canciones recopiladas del acervo popular chileno, una pieza musical que se vuelve ininteligible, extremando por repetición el bullicio propio de los escenarios populares. Un sensor infrarrojo interrumpe la reproducción para generar intervalos aleatorios de silencio y sonido cada vez que el espectador se aproxima al cuadro, es decir cada vez que se detiene a observar. La relación entre ambas piezas –pintura y sonido– junto a sus contextos de producción, proponen un pasaje donde ambos artistas se encuentran en torno a la muchedumbre, aquel gentío que constituirá al sujeto moderno, movilizador de los accionamientos culturales, políticos y estéticos que asumirán en plenitud las vanguardias con toda aquella potencia que sigue irradiándose hacia el presente.

Mientras Harris fija la mirada en lo que no se ve de una función de variedades, a través de las conductas de los asistentes al espectáculo matutino, Jatz remueve e interviene las voces vernáculas para tensionar, aún más allá del lienzo y los medios digitales, los destiempos históricos por medio del ocultamiento de la fuente sonora con el afán de hacer manifiesto aquello que no se puede espectar. Este descalce engarza con la visión selectiva e inmediata del fláneur que ensalzaron los poetas franceses Honoré de Balzac y Baudelaire, el explorador sensible de las calles, el observador apasionado de la vida urbana y fragmentaria.

Actividades de extensión

Como una manera de activar esta mise-en-scène, se desarrollarán tres “funciones únicas” en la sala Chile con artistas invitadas de diversos géneros artísticos que escenificarán, de manera ecléctica el canto, la palabra y el cuerpo.

1ª función: Palabra 
Invitada: Carmen Berenguer, el  sábado 2 de diciembre a las 17:00.

2ª función: Canto
Invitada: Carmen Beuchat, el sábado 13 de enero de 2018 a las 17:00

3ª función: Cuerpo
Invitada: Emma Madariaga, el sábado 20 de enero de 2018 a las 17:00

Ficha técnica

Juan Eduardo Harris Flores (Chile, 1867 – Francia, 1949)
Une Matinée au café-concert. París, 1897, óleo sobre tela, Colección. MNBA, Surdoc: 2-5022.

Sebastián Jatz Rawicz (Chile, 1980)
Tropel, 2017. Superposición de más de doscientas canciones populares. Loop 4 minutos.

Etiquetas:  #Espectar  #ColecciónMNBA

“El Mito de Roma. Colección Museos Vaticanos”

El Centro Cultural La Moneda presenta su nueva gran exposición, El Mito de Roma. Colección Museos Vaticanos, la primera muestra significativa de los Museos Vaticanos que llega a América Latina con una selección exclusiva que comprende 146 piezas, entre las que se encuentran pinturas, frescos, estatuaria, mosaicos, relieves, bustos, cerámica y otros diversos objetos atesorados por más de 500 años por los pontífices.

Un recorrido por más de 1.000 años de historia, desde la fundación de Roma como un pequeño asentamiento a orillas del río Tíber, sobre el monte Palatino (siglo VIII a. C.), hasta la caída del gran Imperio Romano, durante la propagación del cristianismo (siglo V d. C.), un viaje en el tiempo que da cuenta de la conexión entre civilizaciones y lugares diversos, alcanzando tal extensión y poder, que revolucionó el modo de concebir el mundo, nuestra concepción de belleza y arte.

La exposición ocupa las dos salas principales del Centro Cultural La Moneda, (Andes y Pacífico), más de 1.200 metros cuadrados dispuestos y ambientados especialmente para recibir las piezas que viajaron exclusiva y directamente desde el Vaticano hasta Santiago de Chile para esta exposición, un orgullo para el Centro Cultural La Moneda y una gran oportunidad para todos los chilenos que podrán disfrutarla durante la temporada de verano junto a una serie de actividades permanentes para toda la familia, que se difundirán a través del sitio web (centroculturallamoneda.cl) y redes sociales (twitter, instagram y facebook).

En esta exposición se aprecia con especial énfasis la estética y la belleza clásica, una selección realizada especialmente para el público chileno por el curador de la muestra, Giandomenico SpinolaJefe del Departamento de Arqueología y Antigüedades Griegas y Romanas de los Museos Vaticanos.

La invitación es a descubrir la historia de Roma y las formas de vida de los antiguos romanos, su filosofía, sus divinidades y ritos, permitiéndonos así ser parte del invaluable legado de la Antigua Roma, cuna de la cultura occidental y que hoy es posible conocer y disfrutar en el Centro Cultural La Moneda.

Museos Vaticanos

Ubicados en la ciudad-estado Vaticano, es considerado el complejo de museos más grande y antiguo en el mundo. Recibe anualmente a más de 4 millones de personas situándolo dentro de los 5 más visitados. Sus diversas y numerosas colecciones albergan un número de piezas incalculables de un valor patrimonial universal.

Desde el 7 de noviembre de 2017 al 11 de marzo de 2018
Salas de exposición: Andes y Pacífico | Nivel -3
Lunes a domingo | 9:00 a 19:30 horas
Entrada general $3000, estudiantes, tercera edad y convenios $1500
¡Gratis todos los días hasta 12:00 horas!

“Volver a la luz”

TÓTILA ALBERT EN SALA GASCO: “VOLVER A LA LUZ”

  • Reflexivo y espiritual, desde los inicios de su formación como escultor, Tótila Albert rompería con los cánones de la academia de su tiempo.
  • Por décadas un valioso conjunto de obras del artista, en su mayoría en yeso,  permaneció en manos de su hija Luz. Las esculturas que se presentan hoy en Sala Gasco son versiones fundidas en bronce de estos originales y pertenecen a un coleccionista privado.
  • Obras como Las Mujeres de la Montaña, La Tierra y La Florentina se expondrán desde el 4 de octubre al 1 de diciembre, en Santo Domingo 1061.

Cerca de 35 piezas en bronce se exhibirán a partir del 4 de octubre en Sala Gasco. La muestra, que tiene como curadora a Marisol Richter, nos permitirá recorrer la vida artística de Tótila Albert, talentoso escultor, poeta y músico.

Amigo de la poetisa chilena Gabriela Mistral y cercano a Pablo Neruda y a Salvador Reyes, Albert vivió largos años de su vida en Berlín, en un período en que el movimiento expresionista alemán estaba en pleno desarrollo.

Influido por el psicoanalista Sigmund Freud y por el médico y psiquiatra Carl Gustav Jung, Tótila exploró el mundo de los símbolos del inconsciente, y dejó que el cuerpo humano fuese su centro de inspiración. El marcado erotismo y modernidad de su obra provocó más de alguna polémica; la más conocida es la que acompañó la inauguración del Monumento a Rodó (1944). En esos momentos Albert fue uno de los primeros artistas chilenos en optar por el desnudo en una escultura pública, que se ubica hasta hoy en el Parque Balmaceda de Providencia.

Tesoro  patrimonial y artístico

La exposición que se inaugura próximamente en la Sala Gasco es producto de la feliz coincidencia entre una investigación universitaria, la voluntad de un coleccionista y el apoyo de Fundación Gasco. A fines de 2015 cuatro profesionales egresados del Máster en Historia y Gestión del Patrimonio Cultural de la Universidad de los Andes, interesados en rescatar y “sacar a la luz” la obra de Tótila Albert, contactan a su única hija, Luz. En su casa de isla Negra encuentran un verdadero tesoro, compuesto por esculturas, manuscritos, libros de poesía autoeditados y álbumes familiares con más de 400 fotografías, recortes de prensa y cartas del artista, dirigidas entre otras personas a Gabriela Mistral. Frente a este descubrimiento eligen como proyecto de título realizar una investigación en torno a la vida y obra del artista. “La obra escultórica y poética de mi padre necesita urgentemente ser dada a conocer por nuevas generaciones…”, expresa Luz Albert a los investigadores.

Poco después el abogado y coleccionista de arte Luis Alberto Gatica conoce a Luz Albert y, cautivado con las obras de Tótila, le propone aportar el financiamiento para que los yesos sean fundidos en bronce. Encantada con la idea, su hija Luz accede a la propuesta, ya que “siempre había querido que las esculturas de mi padre quedaran en manos de un solo dueño”, señala.

Una vez cerrado este acuerdo la Fundación Gasco se suma al proyecto ofreciendo el espacio para exhibir estas obras hasta ahora inexistentes del gran escultor. Hasta el 1 de diciembre la Sala Gasco Arte Contemporáneo albergará las piezas facilitadas por Luis Alberto Gatica, además de otras pertenecientes al coleccionista Roberto Grimberg. Las obras irán acompañadas por dos audiovisuales realizados por la artista Mariana Silva, que recogen el proceso de fundición de los bronces en el taller de Luis Montes, y las distintas etapas de la vida de Tótila Albert, respectivamente.

Vida y obra

Chileno de nacimiento, pero de ascendencia alemana, Tótila Albert Schneider nace en Santiago  el 30 de noviembre  de 1892.  A temprana edad su madre lo envía a Berlín para iniciar su carrera  de artista.  Dentro de su primer viaje a Alemania -entre  1916 y 1923- destaca una corta estadía en el taller del escultor Franz Metzner, logrando una rápida consagración en el medio artístico berlinés. Su obra plástica más importante durante ese período fue Las Mujeres de la Montaña, elaborada en 1918 en plena “Gran Guerra”, como fue conocida la Primera Guerra Mundial.

Esta obra, incluida en la muestra de Sala Gasco, consiste en cuatro figuras sentadas que representan el dolor, el pensamiento, la lucha y la acción creadora, coronadas por una quinta figura de pie que alude a la perfección. Cada figura es un templo dedicado al cultivo de un arte: el primero a la música, el segundo a la lectura de los libros sagrados y a la de la literatura mundial, el tercero a la discusión libre, la cuarta a las representaciones dramáticas en el estilo clásico primitivo y finalmente el templo de la perfección a la danza religiosa. Sin embargo, tras el término de la guerra esta obra no pudo ser construida como se proyectó inicialmente por el artista, quedando de ella sólo su maquette y versiones en pequeño formato, en yeso y bronce, que son posteriormente expuestas en Chile.

En 1923 Tótila regresa a Santiago y realiza su primera exposición, la que es objeto de una bullada crítica por el marcado  erotismo de sus obras.

Durante el Gobierno  de Carlos Ibáñez del Campo y tras el cierre de la Academia de Bellas Artes (1929), Albert es becado para estudiar escultura ornamental en Europa junto a otros treinta artistas nacionales, conocidos como la “Generación del 28”. Los apremios económicos de esa década y su frustrado intento por proyectar su obra en Chile hacen de Tótila un hombre silencioso, retraído y de bajo perfil. En Berlín conoce a quien será su esposa, Ruth Ehrmann, pero el avance del nazismo impide que el artista se radique en Europa, viéndose obligado a regresar a Chile al estallar la II Guerra Mundial (1939).

En Santiago Tótila es catalogado como un excéntrico, debido principalmente a su nueva concepción estética en el ámbito de la escultura nacional y su desapego por la idea de belleza, que imperaba sobre la figura humana impuesta por la academia.

“Nunca he podido estar en una academia. No sé si hago bien o mal las cosas, pero hago lo que siento. Toda mi vida he sido enemigo del aprendizaje de las academias. El artista necesita libertad…  y allí sólo saben a uno cortarle a las alas”, señala  a la prensa chilena de su época.

Durante los años 50 se desempeña como profesor en la Universidad de Chile y de ahí se autodestierra del mundo artístico nacional. Crea además su obra cúlmine, La Tierra, que también será expuesta en Sala Gasco. Tótila enseñará escultura hasta su muerte, en 1967, en su propio taller de calle Huérfanos.

“Desconocido para muchos quizás por su carácter complejo, que lo llevó a no relacionarse con los artistas de la época ni con la colonia alemana, o por la recepción por parte del público y la crítica, un tanto desconcertada por el planteamiento estético que su obra exhibía, Tótila silenciosamente decide, sin embargo, seguir adelante con su trabajo escultórico de gran carga simbólica”, señala Marisol Richter, historiadora del arte,  académica e investigadora de la Universidad de los Andes, quien tuvo a su cargo la curatoría de esta exposición.

“Fui escultor, poeta y músico de mí mismo para la gloria de Dios”,

Tótila Albert.

VOLVER A LA LUZ: TÓTILA ALBERT

Sala Gasco Arte Contemporáneo

Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas), Santiago

4 de octubre al  1 de diciembre 2017

Lunes a Viernes de 9:00 a 17:00 horas.

www.salagasco.cl

ENTRADA LIBERADA

RECORRIDOS DIDÁCTICOS: inscripcionessalagasco@gestocultura.cl

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS son totalmente gratuitos y guiados por un equipo de mediadores artísticos especialmente capacitados con amplia experiencia en atención de grupos, quienes, más que comunicar contenidos de manera tradicional o académico – enciclopédica, buscan formar espectadores críticos.

Los recorridos son creados para cada una de las exposiciones y los diversos públicos que recibe la Sala Gasco, incluyendo estudiantes desde 3° Básico a IV° Medio, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales y público general.

El objetivo principal de este programa, que utiliza una metodología lúdica y participativa, es potenciar la curiosidad y habilidades sociales de los estudiantes, así como la capacidad de expresar ideas y creencias y poder reflexionar sobre éstas. 

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS requieren de inscripción previa (inscripcionessalagasco@gesto-cultura.cl) y se realizan para grupos de entre 10 y 40 personas.

LAS ACTIVIDADES DE LA SALA GASCO ARTE CONTEMPORÁNEO FORMAN PARTE DE UN PROYECTO ACOGIDO A LA  LEY DE DONACIONES CULTURALES

“La Nación: 100 años”

La exposición busca dar a conocer el Archivo del diario La Nación en el contexto de sus 100 años de historia, desde la creación del diario en enero de 1917 hasta el presente.

Fundado en 1917 por el abogado y político liberal Eliodoro Yáñez Ponce de León, el diario La Nación ejerció un rol importante en el fortalecimiento del “periodismo moderno” en Chile durante las primeras décadas del siglo XX, al constituirse en un medio de prensa dinámico, innovador y atento a las transformaciones sociales, culturales, políticas y artísticas de la sociedad chilena. En ese sentido, el diario La Nación fue actor y testigo privilegiado del acontecer histórico nacional e internacional, participando activamente en el proceso de construcción de las representaciones periodísticas sobre los principales temas que afectaban a Chile y al mundo entero, ya sea la Revolución Rusa (1917), el primer gobierno de Carlos Ibáñez del Campo(1927-1931), la conformación de los gobiernos radicales en Chile (1938-1952), el ascenso de los totalitarismos (1930-1960), el quiebre de la democracia en Chile(1970-1973) y el periodo de la dictadura y la vuelta a la democracia (1973-1989), entre mucho otros.

Esta exposición cuenta con el apoyo de Fondart Regional 2016.

Desde el 11 de septiembre al 7 de diciembre de 2017. Lunes a viernes: 8:15 a 22:00 hrs. Sábados: 9 a 17 hrs.

Hall central Biblioteca Nicanor Parra, Vergara 324.

“El Santiago que se fue: Archivo fotográfico patrimonial”

Sábado 5 de agosto al Domingo 17 de septiembre de 2017 / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas / Casa Museo Santa Rosa de Apoquindo. Padre Hurtado Sur 1195 y Visviri 1200.

Siempre bajo el criterio de resaltar nuestro patrimonio, la Casa-Museo Santa Rosa de Apoquindo reabre su sala de exposiciones temporales con la muestra EL SANTIAGO QUE SE FUE, una selección de más de 60 fotografías antiguas de la ciudad, tomadas durante los primeros años del siglo XX y recopiladas durante años por el Centro de Restauración y Rescate Patrimonial Brügmann.

Durante varios meses, la Casa-Museo fue sometida a la reestructuración y reformulación de sus diferentes espacios, ordenando y ampliando la Colección de Pintura Chilena de Las Condes, y otorgando un lugar especial a las muestras temporales. Como la conexión con el patrimonio se vive muy fuerte en Santa Rosa de Apoquindo, se eligió la exposición de antiguas fotografías para inaugurar la nueva sala temporal. “La gran mayoría de las imágenes se muestran por primera vez y dan cuenta del impresionante cambio de la ciudad, producido en gran medida por los terremotos y, también por la ceguera histórica con respecto a la conservación del patrimonio urbano”, agrega Court.

Las fotografías provienen principalmente de donaciones anónimas de personas que conservaban imágenes fotografías familiares, de manera que muchas de ellas se exhiben por primera vez al público. Luego de seleccionarlas, limpiarlas y digitalizarlas, Brügmann las guarda celosamente en gavetas especiales, para que este invaluable patrimonio se conserve para la posteridad.

Integrado por los conservadores y restauradores Fernando Imas Brügmann, y Mario Rojas Torrejón, formados en la Universidad Internacional SEK, el centro Brügmann nació en 2008 con la intención de acercar el patrimonio a todos los chilenos. Una colección que permite al público conocer distintos fragmentos de nuestra historia, aprender en torno al patrimonio y así difundirlo, e incrementar la rica memoria histórica. Edificios, parques, calles y personajes olvidados o desconocidos, dan vida a una época que se fue.

Posiblemente el público se sorprenda al ver una ciudad tan distinta, edificada según la estética del París de Haussmann, con grandes avenidas flanqueadas por edificios de altura uniforme y extensos parques que contenían lagunas artificiales. Lamentablemente, producto de nuestra situación sísmica, todo ello se destruyó y ahora sólo nos quedan las viejas fotografías. Un inolvidable viaje al “Santiago que se fue”.

“Relieve y Transparencia: 100 años del vidrio”

La exposición estará abierta desde el viernes 4 de agosto de 2017 hasta enero de 2018, de martes a viernes 10:00 a 17:30 hrs.

El Museo de Artes Decorativas de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos presenta la exposición Relieve y Transparencia: 100 años del vidrio, que reúne 44 piezas de su colección de objetos de origen Europeo y Americano.

A través de esta exposición, el museo busca visibilizar y difundir su colección, abordando de manera historiográfica y estética cada pieza presente en la selección. Los objetos seleccionados se organizan en base a tres ejes estilístico-temporales: Eclecticismo VictorianoArt Nouveau y Art Decó, dando cuenta de transformaciones que abarcan casi un siglo de producción.

El objetivo de esta exhibición es por una parte, el estudio e investigación de las obras de la colección, y por otra, brindar un espacio a investigadores emergentes para realizar un ejercicio curatorial a partir de una colección estatal. El estudio e investigación, permite relevar piezas que no han sido expuestas o bien fueron adquiridas recientemente, asumiendo la curatoria como la observación minuciosa de los diseños, técnicas y materialidades, sin perder de vista el periodo y contexto de producción.

Esta exhibición destaca por su valor estético ya que las piezas fueron hechas para seducir a los sentidos, especialmente, a la vista y el tacto. Asimismo, a través de esta muestra, es posible aprender sobre las formas en que los objetos de vidrio se han fabricado y decorado desde la antigüedad hasta el presente.

Relieve y Transparencia: 100 años del vidrio ofrece una excelente síntesis de la cultura material europea de fines del siglo XIX y comienzos del XX, la que puede ser visitada sin necesidad de moverse de Santiago.

La curaduría está a cargo de Manuel Alvarado, Licenciado en Historia y Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile quien actualmente cursa un Magister en Artes mención Teoría e Historia del Arte en la Universidad de Chile.

“Ferroviarios, Patrimonio del fútbol chileno”

Martes 1 de agosto al sábado 30 de septiembre de 2017 / Lunes a domingo, 10:00 a 14:00 y 15:00 a 21:00 horas / Galería de Arte Corporación Cultural de Estación Central. Alameda 3470, cuarto piso (Mall Plaza Alameda).

Esta iniciativa fue organizada por el ingeniero en gestión turística Andrés Sarmiento, quien es un experto en Turismo Deportivo y actualmente se encuentra desarrollando variados proyectos para el desarrollo de esta modalidad turística en nuestro país. Para esta actividad contó con el apoyo de la Corporación Cultural de Estación Central, Serincon Ltda y el Club Deportivo ferroviarios de Chile.

El objetivo es dar a conocer la historia del Club Deportivo Ferroviario de Chile, el cual acaba de cumplir 101 años el pasado 14 julio. “La exposición no solo busca dar a conocer la historia de uno de los clubes más longevos de nuestro país, sino también proponer al club como un patrimonio del fútbol chileno”, indicó Sarmiento.

“Para Nosotros es muy importante esta exposición porque permitirá que los que no conocen la historia del club puedan tener la oportunidad de hacerlo”, fueron las palabras del presidente Sergio Muñoz.

La exposición contará con fotografías, camisetas, trofeos y hasta maderos del extinto estadio Ferroviarios Hugo Arqueros Rodríguez; para que los visitantes puedan conocer con la historia del histórico Ferrito. La entrada es liberada y funciona de lunes a domingo, con horario de Mall (cerrado de 14 a 15 horas).

“Desacatos. Prácticas artísticas femeninas (1835-1938). Colección MNBA”

Jueves 13 de julio al Domingo 17 de septiembre de 2017 / Martes a domingo de 10:00 a 18:45 horas / Museo Nacional de Bellas Artes. José Miguel de la Barra 650, Metro Bellas Artes.

La muestra responde a la necesidad de otorgar una nueva lectura a la escasa presencia en la colección del Museo Nacional de Bellas Artes sobre esta producción femenina, instalarlas al interior de un relato que considere el esquema de la subjetividad y la circulación del cuerpo, del discurso y del territorio político implícitos en sus procesos creativos y de difusión de obra.