«Fábula privada»

Exhibición individual de pinturas y acuarelas donde personajes antropomórficos habitan escenas barrocas invadidas por vegetaciones y vegetales, transformando la clásica imagen ilustrativa de los cuentos infantiles en escenas pictóricas liberadas de narración.

Una serie de pinturas y acuarelas de la última producción de la destacada artista nacional Marcela Trujillo,  se presenta como la segunda muestra de la temporada 2019 de Sala Gasco Arte Contemporáneo,  bajo el título “Fábula Privada”.

En esta exhibición individual, Marcela retrata a diferentes personajes que asumimos son humanos por sus vestimentas o poses, pero que, en realidad, son animales. Cada figura retratada ha sido obtenida de recortes de revistas, de ahí sus gestos tan bien personificados y su empatía con nuestra mirada.

Siempre insertas en una frondosa y colorida vegetación, cuyo protagonismo visual compite con la figura misma, flora y fauna se aúnan en la superficie pictórica como un todo, de borde a borde. Las texturas y colores brillantes de plantas, flores y hortalizas generan así un campo denso donde habitan los personajes, y que ofrece a toda la escena una ambientación llena de tramas y riqueza cromática por descubrir.

Invitamos a los espectadores a maravillarse con este nuevo mundo posible, inundado de llamativas combinaciones y emoción. Desde el 15 de mayo al 5 de julio en Sala Gasco Arte Contemporáneo (Santo Domingo 1061), de lunes a viernes, de 9 a 17 horas.

Sobre Marcela Trujillo

Nacida en 1969 en Santiago de Chile, ha destacado como dibujante de cómics, pintora, columnista y docente de artes visuales. Ampliamente conocida bajo el apodo de “Maliki”, además de exponer su obra en diversos países americanos, es aficionada a la literatura y entusiasta de la escritura, destacando por su participación en la revista Brígida, realizada sólo por mujeres. Ha publicado 6 libros de cómics, uno de los cuales, el último, ganó el Premio Municipal de Literatura de Santiago (2018).

Luego de residir siete años en Nueva York y dos en Hamburgo, Alemania, actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile

«El Encuentro»

Desde el 14 de junio hasta el 18 de agosto, de martes a domingo, de 9:00 a 19:00 horas:

– El joven artista chileno llega al Centro Cultural El Tranque con su muestra “El Encuentro” de la mano de varias pinturas de gran formato.

– En esta exposición, Lorca no solo exhibe una técnica pictórica impecable y de gran oficio, sino que además invita al espectador a adentrarse en un mundo lleno de fantasías e imágenes sugerentes que no dejará indiferente a nadie.

El connotado pintor chileno Guillermo Lorca García-Huidobro es una de las jóvenes figuras de la escena artística nacional cuya obra no solo llama la atención en nuestro país, sino que además trasciende fronteras. Antes de viajar a Londres a trabajar con el subastador y coleccionista de arte suizo Simón de Pury, durante el segundo semestre de este año, el artista expondrá su trabajo en el Centro Cultural El Tranque entre el 14 de junio y el 18 de agosto de 2019. La muestra “El Encuentro” en el Centro Cultural El Tranque es de especial relevancia para su trayectoria como artista ya que se amplía a otras audiencias y públicos dentro de Santiago.

“Para la Municipalidad de Lo Barnechea es un honor contar con la exposición de este joven artista chileno, que es un gran referente del arte contemporáneo en Chile y en el extranjero. Sus obras adquieren un valor adicional por las referencias que hace a artistas barrocos como Rembrandt y Velásquez, incorporando también elementos del cine. Todos estos ingredientes convierten a Guillermo Lorca en un revolucionario del arte” comenta el alcalde de Lo Barnechea, Felipe Guevara.

Por su parte, el artista explica que su actual exposición se debe a que “formalmente yo siempre voy pintando ideas que tenía hace mucho tiempo o que surgieron ya hace varios años. Y voy retomando esas notas y voy con el proceso en la parte concreta en que se arma el cuadro y todos los cambios que puedan tener en ese momento. No es que haya una temática en específico. Hay una temática evidente, generalmente, con animales, niños, mujeres en los cuadros y es porque esos elementos y esas imágenes me han servido para hablar de este imaginario mejor que otros.”

Y agrega que “siempre he pensado las exposiciones como un paseo en donde algunos personajes tienen cierto protagonismo y estos van pasando de cuadro en cuadro como si fueran de una novela o una película, pero no sabemos de qué parte es, así que, al quedar fragmentada, eso deja que el espectador pueda tener una sensación de inventar una historia”.

La obra de Guillermo Lorca, por un lado, recibe influencias de la pintura de fines de la época medieval y de inicios del Renacimiento y, por otro, hace un especial guiño hacia el mundo de las películas.

Según comenta la curadora de la muestra, Pabla Ugarte “la obra de Guillermo Lorca sigue la línea de la pintura narrativa que comienza en el Quattrocento, caracterizada originalmente por un racconto de acontecimientos bíblicos, hechos históricos y rituales colectivos. (…) La obra de Lorca está constituida por una temporalidad que se expresa a través de personajes, acciones, lugares, tiempos e intenciones. (…) Cada una de las pinturas de esta muestra nos enfrenta a imágenes sugerentes, complejas e inquietantes, compuestas por espacios controlados en los cuales los personajes y los objetos yacen en perfecto equilibrio. No obstante, en este contexto de control formal, resulta difícil determinar qué ocurre a nivel narrativo. Porque Lorca apela al misterio. Y lo cierto es que, como espectadores, nos entregamos con deleite a este espacio de dudas. (…) De algún modo, la duda y la indeterminación forman parte de la propuesta estética.”

En el texto curatorial que se puede ver en el folleto de la exposición, la experta en artes visuales explica que “cada obra pareciera ser un still frame de una película cuya críptica trama se va dilucidando en la medida que recorremos la muestra. Pero al final, la historia no llega a dilucidarse del todo. Algo queda sumido en la oscuridad de una relación amarga. La relación con el cine es tan relevante que, digámoslo de una vez, la muestra lleva por título “El Encuentro” porque explora la relación entre el cine y la pintura. Estamos de lleno en el campo de la intertextualidad. (…) Una vez más, Lorca nos recuerda estas palabras de Alfred Hitchcock: “una simple mirada al mundo nos prueba que el horror no es otra cosa que la misma realidad”.

SOBRE GUILLERMO LORCA

Guillermo Lorca nació en Santiago en 1984. Estudió arte en la Universidad Católica de Chile, pero se retiró el 2006 para estudiar con el destacado pintor noruego Odd Nerdrum. Ha realizado varias muestras individuales en Chile y en el extranjero, siempre con una masiva afluencia de público. Destacan las muestras individuales en la Sala CCU (2010), Galería Hilario Galguera (México DF 2012), Museo Nacional de Bellas artes (2014) y Centro Cultural Gabriela Mistral (2018), también ha participado en muestras colectivas en distintos museos junto a grandes exponentes de la pintura contemporánea y antiguos maestros. Destacando las muestras del Museo MEAM, Barcelona (2015), Castello di Lipardi, Sicilia (2015) y el Museo Venaria Reale, Turin (2018). Durante su carrera ha realizado murales y obras públicas como el de la viña Tabalí (2005) y el conjunto de retratos murales en la estación de Metro Baquedano (2010).

Ha recibido el reconocimiento de Jóvenes líderes de la revista del Sábado del Mercurio y el de jóvenes influyentes del Diario Financiero. Actualmente prepara exposiciones para Chile y el extranjero.

SOBRE CENTRO CULTURAL EL TRANQUE

El Centro Cultural El Tranque permite el acceso de la cultura y el arte a la comunidad, posicionándose como un punto de encuentro social y de formación, en el cual se desarrollan actividades artísticas y culturales, congregando a las distintas áreas de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, generando participación e integración ciudadana y un mayor consumo cultural.

«RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano»

En 2013, UNESCO declaró como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad a cuatro fiestas religiosas italianas (Santa Rosa di Viterbo, Festa dei Gigli di Nola, Varia de Palmi y Faradda di candareri de Sassari), que utilizan colosales estructuras procesionales, las famosas Máquinas al Hombro. Ése es el punto de partida de RACCONTI (IN)VISIBILI, la muestra internacional de arte contemporáneo italiano que llega a Chile para iniciar aquí un recorrido por Latinoamérica, incluyendo Argentina y México.

Concebida como un viaje multisensorial al corazón y al alma de Italia, la exposición –promovida por el Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, con la curaduría de Micol Di Veroli y Dominique Lora, y patrocinada por la Embajada de Italia en Chile- se presenta en nuestro Centro Cultural. También colabora en esta exposición Alessia Autuori, quien fuera curadora de la exitosa muestra Occhio Mobile, de arte cinético italiano, que se exhibió en 2014 en las mismas salas de exposición.

RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano reúne piezas procedentes del Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, en especial maquetas, modelos a escala y audiovisuales de las Máquinas al Hombro, y obras de quince destacados artistas italianos contemporáneos, que en su producción se han interesado en temáticas inspiradas en la identidad y patrimonio histórico. Se trata de pinturas, instalaciones, collages, esculturas, fotografías, cerámicas y videos, que reinterpretan dicha tradición, demostrando que lo contemporáneo es un lenguaje cuyas raíces se pierden en la historia. Es decir, el arte, pasado, presente y futuro se funden en una sola obra.

El itinerario se realiza dentro de un entorno audiovisual –de carácter inmersivo con cámaras oscuras y lluvia de sonido- creado por los documentales de Francesco De Melis en las procesiones católicas más famosas de la tradición italiana, como la loca carrera del Ceri di Gubbio; el culto de la Madonna del Soccorso, una estatua de mármol de los años 1500 que navega por las calles de Sciacca sobre los hombros de ciento cincuenta marineros descalzos; la danza de los ocho obeliscos de Nola con su música ensordecedora; el impresionante transporte de la «Varia di Palmi» en honor a Nuestra Señora de la Sagrada Carta; el colorido y animado Descenso de los Candelabros de Sassari; el asombroso transporte de la Máquina de Santa Rosa, una torre de 30 metros de altura, sobre los hombros de 100 hombres en honor al santo patrón de Viterbo.

Del museo romano llegan modelos a escala de diferentes estructuras procesionales que alguna vez se usaron en las mencionadas fiestas. Estas estructuras, que asombran por su complejidad y formato, son fabricadas durante todo un año, y si alguna vez utilizaron maderas y materiales nobles para su construcción, hoy se valen de fibra de vidrio y metal, aprovechando los beneficios de la nueva tecnología.

Los artistas contemporáneos en tanto representan a cabalidad el estado actual del arte, donde las fronteras entre una y otra disciplina son cada vez más difusas, permitiendo la experimentación y el diálogo. Participan Giampaolo Bertozzi (1957) & Stefano Dal Monte Casoni(1961); Tommaso Cascella (1951); Flavio Favelli (1967); Dario Ghibaudo (1951); Silvia Giambrone (1981); Maria Lai (1919-2013); Francesco Lauretta (1964); Davide Monaldi (1983); Luana Perilli (1981); Rosaria Bosso (Roxy in the box); Marinella Senatore (1977); Giuseppe Stampone (1974); Sergio Tumminello (1974); Angelo Marinelli (1979), y Zaelia Bishop (1977).

12 de junio al 28 de julio de 2019
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Av. Apoquindo 6570.

«Fragmentos infinitos» + «Mundos paralelos» + «La penumbra del larimar»

«Fragmentos infinitos», Acuarela de Ximena García

La artista Ximena García, discípula del gran maestro Hardy Wistuba, despliega una serie de acuarelas que transitan entre lo atmosférico y lo abstracto, en la exposición FRAGMENTOS INFINITOS, que presenta en el Centro Cultural Las Condes.

La muestra está integrada por una serie de acuarelas que invitan, a través de una mirada contemplativa, a viajar por paisajes de nuestro territorio nacional, donde se marca la idea de continuidad de espacios que exhiben una inmensidad sugerente. La disposición de las obras supone un recorrido donde el extremo norte y sur se unen, tras un recorrido circular.

En rigor se trata de paisajes de Chile, pero en esencia, sus obras remiten a estados de ánimo y cambios lumínicos. Lo que vemos es un espacio universal y sólo el color actúa como referente de un imaginario compartido. Como en los Turner de su última época, es la sutilidad acuosa lo que define las formas.

“Para acercarse a la serie de 22 paisajes en lontananza de Ximena García es preciso dejarse tocar por la pequeña agua, o la sutilidad acuosa de la acuarela (del italiano acquarello, y éste del diminutivo de acqua, del latín aqua). El agua es el elemento vital de este flujo por Chile, y tras la levedad húmeda y silenciosa, se marca la idea de continuidad en una diversidad de espacios que exhiben una inmensidad sugerente”, señala la doctora Rosa María Droguett Abarca, del Instituto de Estética UC.

Y agrega: “Tras la levedad, íntima y mística en la acuarela de García, recorremos los espacios otros, contemplados por la artista, para ser revisitados en calma. En un periplo circular de retorno constante, somos invitados a realizar un viaje en el que norte y sur se encuentran en la sensación de la materia y de los elementos. Tras una mirada contemplativa adviene un paisaje interior, un sersaje para Roberto Matta, que se abre al infinito desde el agua, al más allá de un paisaje recóndito. Muy fuera. Muy dentro. Todo ocurre en Fragmentos infinitos”.

Ximena García. Con estudios de acuarela en los talleres de Hardy Wistuba y María Eugenia Terrazas en la Corporación Cultural de Las Condes, la artista ha presentado exposiciones individuales en Santiago y Pucón, y participado en numerosas colectivas desde 1998, entre las que se destacan Diálogos. Acuarelas de Chile, que itineró por diversas ciudades de México en 2012.

Fue seleccionada en 2015 en la IV Bienal Iberoamericana de la Acuarela, Madrid, España. Su obra ha sido incluida en los libros Acuarela, una imagen sensible de Chile, 2013, y en Mujeres del agua, la acuarela como lenguaje, 2015, y una de ellas, Andes, forma parte de la colección permanente del Museo de la Acuarela, Ciudad de México. En 2007 publicó el libro Conversaciones con grandes acuarelistas chilenos (Editorial Ocho Libros), proyecto ganador del FONDART.

«Mundos paralelos», Pintura y dibujo de Sergio Soza

MUNDOS PARALELOS es el nombre de la exposición con que el pintor Sergio Soza vuelve al Centro Cultural Las Condes y que constituye una invitación a adentrarse en un mundo mágico, lleno de simbolismos y seres enigmáticos, que a ratos se tornan pesadillezcos.

Fundador del mítico Instituto de Arte Contemporáneo y docente en importantes universidades, Soza es un artista atípico, que ha desarrollado una obra portentosa y silenciosa, a la que muy pocos han tenido acceso. Viajero incansable, en su imaginario conviven todas sus experiencias, proponiendo nuevas formas de abordar al hombre y la naturaleza, no sólo desde el contacto, sino desde la emoción y el misticismo.

Como explica el propio autor: “He viajado desde siempre, mirando mapas, leyendo historias y aventuras de hombres mágicos, desde ahí comencé a imaginar el mundo y a unir el día y la noche como realidades indisolubles, despierto en la noche y dormido de día”.

Sergio Soza Bustos (1946) hizo sus estudios de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y fue becado por el gobierno francés donde realizó estudios de grabado en la Universidad de Vincennes y dibujo científico en el Museo de Historia Natural de París. Es director, socio-fundador y docente del Instituto de Arte Contemporáneo, y ha sido profesor en importantes universidades del país. Ha sido premiado en varias ocasiones y realizado numerosas exposiciones tanto en Chile (Museo Nacional de Bellas Artes y Centro Cultural Estación Mapocho) como en el extranjero (Bienal de La Habana o Centro de Arte Ateneo de Maracaibo).

Ha vivido en Paris, Francia; Maracaibo, Venezuela; Ghana, África, y ha realizado innumerables viajes alrededor del mundo. Actualmente trabaja en su taller en Santa Sofía de lo Cañas.

«La penumbra del larimar», Fotografía de Francisco Urzúa

Especializado en turismo aventura, el fotógrafo chileno Francisco Urzúa ha tenido acceso a lugares extraordinarios del mundo. Uno de ellos, una mina en la sierra de República Dominicana, le produjo un fuerte impacto, al contrastar las duras condiciones de extracción de una piedra semipreciosa con la belleza implícita en ella. Fue así como surgió este fotorreportaje de profunda belleza y humanidad, que presentamos en nuestro Centro Cultural.

Conviviendo con los mineros, el autor pudo constatar las precarias condiciones laborales que éstos deben enfrentar, desprovistos de toda indumentaria de seguridad y en túneles carentes de una adecuada ventilación y deficientes instalaciones eléctricas, lo que ha costado más de una electrocución o asfixia.

“La vida en el asentamiento parece transcurrir sin estrés, parece no haber un horario estipulado, y el millardo de personas se mueve entre los túneles y los colmados (especie de pulpería). Se puede ver a grupos de amigos conversando o jugando cartas, acomodándose a la ignorancia laboral y a la indefensión total que los subyace”, relata Urzúa.

Éste, además, intenta develar lo paradójico que resulta que el larimar sea una piedra a la que se atribuyen cualidades sanadoras.

Sin duda, la serie de imágenes en blanco y negro da cuenta de un trabajo elaborado, en que se nota experiencia acumulada por Urzúa, y cómo logra conectarse con sus retratados.

“Mi búsqueda está inspirada en narrar historias de la sociedad, un misterio que nunca lograré entender del todo”, remata el artista.

Francisco Urzúa comienza su trabajo fotográfico en los viajes que realiza motivado por su pasión por la naturaleza y el rafting. En ese entonces toma talleres fotográficos, de cine y de escritura de guión, para perfeccionarse. Después de trabajar por 16 años como guía de turismo aventura, comienza a hacer fotos de manera profesional, tanto de forma independiente como para la Revista Tell Magazine.

Su fotografía de enfoque documental queda plasmada con su viaje a Nepal (2013), y con la visita al pequeño villorrio al norte de Chile llamado Chulluncane (2015). En 2018 es parte del rodaje del documental “Dame la mano”, que narra la historia de los 40 años de las colonias urbanas.

7 al 30 de junio de 2019.
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.
Apoquindo 6570. Metro Hernando de Magallanes.

“La forma habitada”

Hasta el próximo 12 de julio permanecerá abierta la exposición del artista visual Mario Gómez “La forma habitada” en Casa Autónoma, Arte y Cultura de la Universidad Autónoma de Chile en Santiago (Europa 1970, Providencia).

El montaje presenta una colección de más de 40 pinturas, construcciones volumétricas y gráficas, muchas de ellas inéditas, en distintas técnicas y formatos de hasta 3 metros de diámetro realizadas especialmente para los extensos muros de la casona, construida en 1902 y declarada Inmueble de Conservación Histórica en 1966.

Parte de la corriente artística latinoamericana del realismo mágico, en el trabajo de Gómez, el ser humano y la fotografía como objeto e imagen son elementos fundamentales, que se relacionan armónicamente sin restar interés o consistencia a las múltiples lecturas de su iconografía.

“Tiene una capacidad única de profundizar con sus temáticas y atmósferas”, explicó el curador de la galería, Jorge Berríos.

“Sus creaciones se perciben de manera sutil. Las escenas de seres descontextualizados logran una atmósfera sensitiva que está en espera, una calma que se puede romper en cualquier momento. Son escenarios posibles que están finamente cromatizados por una perfecta técnica neoclásica”.

Al inaugurar la exposición este miércoles, Gómez agradeció el compromiso de la Universidad Autónoma de Chile con la difusión de la cultural y ofrecer a los artistas un “espacio como este, rico en entorno y contexto”.

“Si hay un apellido que tiene esta muestra es familia. Tres de las obras que presento fueron hechas con mi señora y mis hijas cada una en su ámbito: cerámica, pintura y fotografía. Hay también una colaboración con Aaron Ortega, que es para mí muy importante”, añadió.

Por su parte, el Vicerrector de la sede Santiago, Francisco Baghetti, recordó que este 2019 la casa de estudios cumple 30 años desde su fundación en Temuco, ocasión en que renueva su vínculo con la promoción del patrimonio artístico, histórico y arquitectónico.

Mario Gómez estudió Licenciatura en Artes mención Pintura en la Escuela de Artes de la Pontificia Universidad Católica. Ha expuesto sus obras en Estados Unidos, Hong Kong, Italia, Noruega, Suecia, Suiza, Polonia, Rusia, y República Checa, entre varios otros países.

“La forma habitada” estará abierta a todo público en forma gratuita de lunes a sábado de 10.00 a 19.00 horas hasta el 12 de julio.

«La fragilidad del paisaje»

«La fragilidad del paisaje» de Amanda Rodríguez Solar 

El día jueves 30 de enero, a las 19.30 horas, inaugurará en BECH la exposición “La fragilidad del paisaje” de la artista Amanda Rodríguez Solar. Se trata de una muestra que recoge una serie de ocho pinturas, que abordan la ciudad de Santiago y sus intersticios a partir de una mirada que se centra en el cotidiano.

“La fragilidad del paisaje” se construye en torno a aquellas escenas propias de la vida en la capital, las que se han modificado en los últimos años, a partir de las transformaciones que ésta ha experimentado, a saber: el sistema de transporte público, la gran demanda e incremento del mercado inmobiliario, la cantidad de inmigrantes que ingresan al país, la precaria situación habitacional de algunos habitantes, etc. Al respecto la artista señala: “Este proyecto se constituye como una materialización de aquellas reflexiones personales al caminar rumbo a un lugar o al ir arriba de una micro”.

Las pinturas son realizadas sobre diversos soportes, tales como cartón corrugado, MDF, OSB y bolsos de nylon. Materiales precarios que forman parte del mismo entorno que observan. “La Fragilidad del Paisaje” invita al espectador a reflexionar sobre los tránsitos propios de habitar la ciudad, apelando a un imaginario colectivo del cual todos hemos sido testigos; filas de personas esperando el transporte, edificios abarrotados de ventanas, viviendas precarias instaladas en espacios públicos, entre otros.

La muestra estará abierta al público desde el viernes 31 de mayo hasta el jueves 27 de junio.

Sobre la artista

Amanda Rodríguez es Magíster en Artes, Universidad Católica de Chile. Licenciada en Artes y Pintora Profesional por la Universidad de Chile. Ha expuesto su trabajo en la La Galería Artespacio, Galería Posada del Corregidor, Castillo Wulff, Casa de la Cultura de Ñuñoa, Montecarmelo, Concurso Arte Joven MAc Quinta Normal, Sala Abate Molina de la Universidad de Talca, Sala Nemesio Antúnez, Maison du Chili (París, Francia), Galería Balmaceda Arte Joven, Sala Mariano Picón UMCE, Universidad de La Serena, Biblioteca Municipal de Puente Alto, Biblioteca de Santiago, Casona Nemesio Antúnez, Sala El Farol Valparaíso, entre otros.

Galería BECH

Alameda #123, Metro Baquedano

Lunes a viernes de 10.00 a 19.00 hrs.

Entrada Liberada

«Mírame sin mirar»

Horarios: Lunes a Jueves 11 a 20 horas / Viernes, 11 a 19 horas / Sábado, 11 a 14 horas.

La artista chilena radicada en Berlín Florencia Piriz (Santiago, 1987) inaugura su primera muestra individual en Aninat Galería: “Mírame sin Mirar”. La muestra estará abierta desde el 22 de Mayo en la nueva sede de la galería, ubicada en Alonso de Córdova 4355, edificio CV Galería.

“Mírame sin Mirar” plantea un recorrido por diferentes instantes plasmados por la artista, los cuáles van conformando una suerte de largometraje pictórico. Florencia nos narra una serie de historias exteriores e interiores en donde resaltan la acciones que suceden en cada escena, reflexionando sobre aquellos sucesos cotidianos que pasan la mayor parte del tiempo desapercibidos para el espectador. Utilizando una paleta pictórica de gran personalidad, la obra de Piriz nos recuerda a los trabajos de los norteamericanos David Hockney y Elizabeth Peyton, o a las narrativas de la fotógrafa Nan Goldin.

En “Mírame sin mirar” cada pintura y cada acción que representa se encuentra en constante estado de tránsito invitando al espectador a narrar su propia historia.

Hasta el sábado 15 de junio «Mírame sin Mirar» estará en la Galería Isabel Aninat.

«Naturaleza Quieta»

«Naturaleza Quieta» de Camila Montero
Galería AMS / XS
Juan de Valiente 3681, Vitacura
Inauguración jueves 25 de abril, 19:30 hrs

Galerías AMS y XS se alegran de presentar «Naturaleza Quieta» de la pintora chilena Camila Montero. En su segunda exposición individual, la artista retrata una serie de objetos de uso cotidiano al óleo sobre tabla entelada y en pequeño formato.

Los objetos en «Naturaleza Quieta» han sido escogidos principalmente por sus dimensiones: deben ser adaptables a la forma de la mano, abarcables y manipulables. La naturaleza quieta de la piedra, de un jarrón o de un zapallo, en general objetos de fácil disponibilidad, evocan la interacción entre la corporalidad de la artista y la del objeto, así como también el sentido del tacto.

Estos elementos han sido pintados alla prima, del italiano «a la primera», es decir, la pintura transcurre en un tiempo acotado y una vez terminada y seca, no se vuelve a intervenir. Se modelan las formas y figuras mediante pinceladas de color, húmedo sobre húmedo, y un soporte firme como la tabla entelada permite borrar y mover el óleo con soltura. Así, la composición pictórica es resuelta en una sola sesión.

En estos cuadros, cuadrados perfectos, la figuración del objeto se ubica al centro sobre un plano mayormente homogéneo. El fondo actúa como marco: busca aislar al modelo de su entorno, separándolo de su contexto ordinario. A veces, el plano se ve interrumpido por la sombra del objeto, o una línea de horizonte, pero la mirada tiende a volver al centro, en un movimiento de fuerza centrípeta, a la quietud y al silencio.

La muestra permanecerá abierta hasta el sábado 25 de Mayo, 2019.

Horarios:
lunes a viernes de 11:00 – 14:00 y 16:00 – 19:30
sábados de 11:00 – 14:00

«Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)»

Obras de destacadas artistas de América Latina, junto a una selección de autoras nacionales de la colección MNBA, se exhibirán entre el 17 de abril y el 30 de junio. Inauguración: Martes, 16 de abril, 19:15 horas.

Entre el 17 de abril y el 30 de junio, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición internacional «Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)», que por primera vez en Chile y en el cono sur exhibe obras de las más destacadas artistas de América Latina.

La muestra incluye una selección de pinturas de autoras nacionales pertenecientes a la colección MNBA, evidenciando una red de mujeres creadoras preocupadas por relevar la identidad y el rol femenino en la sociedad de su tiempo.

Esta exposición que nace de una alianza curatorial y de gestión entre el Museo Nacional de Bellas Artes y Kugi Projects-Arttena (España), que es financiada por el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, y se enmarca en el sello Mujeres Creadoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

De esta forma, con la dirección de contenidos de la curadora MNBA Gloria Cortés, llegan a Chile alrededor de 40 pinturas, dibujos y objetos pertenecientes a prestigiosas colecciones privadas, museos e institucionales de diez países de la región.

Por primera vez la obra de importantes artistas como Frida Kahlo (México), Leonora Carrington (Reino Unido, avecindada en México) o Tarsila do Amaral (Brasil), se exhibe en Chile dando cuenta de una comunidad de mujeres, que si bien se encuentran vinculadas a las vanguardias europeas y a los influjos de la guerra, fueron agenciadoras de lo subalterno desde su triple condición de género (mujeres), clase (latinoamericanas) y sujetos sociales (no-ciudadanas).

Ello cobra relevancia a 100 años del término de la Primera Guerra Mundial (noviembre, 1918) y a 70 del sufragio femenino para las elecciones presidenciales chilenas (enero, 1949). De forma especial, este grupo indagó en las temáticas corporales y la construcción cultural de la identidad femenina, reflejada en la frase de Frida Kahlo que da nombre a la exposición: «Yo soy mi propia musa. El tema que mejor conozco».

«Como Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio este 2019 nos hemos propuesto relevar el rol de las mujeres creadoras en el desarrollo cultural de la sociedad. Esta muestra que reúne la obra de intelectuales valientes y visionarias, que se ocuparon de dar cuenta de las desigualdades sociales de su época, es una excelente oportunidad para reconocer su aporte, así como el de las autoras chilenas que se vincularon a estas potentes creadoras que cambiaron la historia de las artes visuales«, explica la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés.

«Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un logro destacable y también un orgullo la inauguración de esta exposición. Ella traza un mapa inédito de un momento clave de la producción artística latinoamericana. Este hace evidente un diálogo tan rico como variado de un notable contingente de pintoras con las propuestas del arte de vanguardia«, dice el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Fernando Pérez Oyarzún.

«Se permite así a la ciudadanía -agrega Pérez Oyarzún -contemplar una rica producción nacional, no siempre bien conocida, en un contexto internacional. Hay que destacar el trabajo de curaduría, producción y montaje que, en conjunto con un amplio equipo y el apoyo del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio, ha logrado construir una exposición tan significativa y tan compleja en un plazo muy breve».

La curadora Gloria Cortés precisa que «aunque las omisiones historiográficas han marginado su estudio y reconocimiento, las actuales investigaciones llevadas a cabo por una generación de historiadoras del arte aportan una nueva perspectiva que ha permitido presentar a las mujeres como sujetas de historia y de expresiones. De ahí que este ejercicio de recuperación de memorias femeninas en clave latinoamericana, en el que participaron investigadoras del MNBA y relevantes académicas internacionales, resulta de especial relevancia», comentó.

En tanto que en la gestión de esta muestra Julio Niebla, director Kugi Projects-Arttena, destaca «la articulación de una vasta red de contactos con colecciones internacionales públicas y privadas de alto nivel. Ha significado una extensa labor para la coordinación de préstamos, permisos y seguros, bajo el resguardo legal de los distintos países de origen de estas significativas obras».

Secciones

  • Encuentros en París: Los encuentros en esta ciudad, especialmente al interior de las academias de la Grande Chaumière y Colarossi o el taller de André Lothe -uno de los pocos espacios donde las artistas pudieron ensayar el dibujo con modelos vivos-, motivaron el surgimiento de exposiciones y talleres compartidos, relaciones afectivas y redes de solidaridad.
  • Leonora, Remedios, Maruja: el exilio en América: debido a la Primera Guerra Mundial y a la Guerra Civil Española muchas mujeres se refugiaron en Buenos Aires, Santiago y Ciudad de México, donde reforzaron vínculos afectivos y creativos.
    La inglesa Leonora Carrignton y la española Remedios Varo, se conocieron en París en 1937 y se reencontraron en México en 1942, país en el que compartieron intereses y procesos artísticos fuera del canon establecido por la academia. Asimismo, Maruja Mallo llegó a Buenos Aires en 1937 y en 1945 realizó un breve viaje a Chile, incorporando parte del imaginario de Isla Negra, retratándose como una deidad vestida de inmensas algas.
  • El cuerpo como resistencia: El autorretrato y la representación del cuerpo permitieron a las mujeres proyectar su identidad y sus problemáticas, conformando una nueva consciencia individual femenina, ajenas a la mirada masculina.
    Disruptivas de las normas morales y sociales, mirarse a sí mismas y mirar sus propios cuerpos se convirtió en un puente de transformaciones; el desnudo femenino reflejó el auto-erotismo, la libertad sexual, el reconocimiento de la propia corporalidad o la denuncia sobre las violencias reales y simbólicas.
  • El género y la piel: durante las primeras décadas del siglo XX el habitante indígena fue tema en diversos ámbitos de producción cultural, para alzar un ideal al servicio de una revolución social, ajeno a la visión exótica y eurocentrista. Surgió entonces un corpus de obras de creadoras que pusieron en el centro de la discusión la otredad femenina, en tanto mujeres marginadas de la propia estructura social.
    De esta forma, se manifestó la mirada de autoras que rescataron sus raíces indígenas y afro-brasileñas, así como sus escenarios domésticos y cotidianos o los paisajes naturales de su entorno, a modo de imaginario personal, político y abstracto-ornamental.

Artistas

Argentina: Raquel Forner (1902-1988) y Norah Borges (1901-1998).

Brasil: Tarsila do Amaral (1886-1979), Georgina de Albuquerque (1885-1962), Lucy Citti Ferreira (1911-2008), Noemia Mourão (1912-1992) y Anita Malfatti (1889-1964).

Colombia: Débora Arango (1907-2005)

Cuba: Amelia Peláez (1896-1968).

México: María Izquierdo (1902-1955), Frida Kahlo (1907-1954), Rosa Rolanda (1895-1970), Lola Cueto (1897-1978), Aurora Reyes (1908-1985), Nahui Olin (1893-1978).

Perú: Elena Izcue (1889-1970), Julia Manuela Codesido (1883-1979) .

Reino Unido: Leonora Carrington (1917-2011).

Uruguay: Petrona Viera (1895-1960), Amalia Nieto (1907-2003).

España: Remedios Varo (1908-1963), Maruja Mallo (1902-1995).

Chile: Laura Rodig (1901-1972), Elmina Moisán (1897-1938), Emma Formas (1886-1959), Judith Alpi (1893-1983), Sara Malvar (1898-1970), Henriette Petit (1894-1983), Herminia Arrate (1896-1941), Raquel González (1922-1938), Ximena Morla (1891-1987), Ana Cortés (1895-1998), Luz Arrieta (1910-?), Marta Villanueva (1900-1995), María Aranís (1903-1966), Dora Puelma (1885-1972), María Tupper (1893-1965), Inés Puyó (1906-1996) Graciela Aranís (1908-1996).

«Mirar desde arriba» y «Alturas»

Artistas registran Santiago desde lo alto

El jueves 11 de abril, a las 19:00 hrs. en Galería Casa Colorada inauguran las exposiciones “Mirar desde arriba” de Isabel Santibáñez y “Alturas” de Paulina Carreño, proyectos que fueron seleccionados en el marco de la Convocatoria de Exposiciones 2018-2019 de la Subdirección de Cultura de la Municipalidad de Santiago. A través de la pintura y el dibujo, ambas artistas dialogan a partir del estudio y registro del espacio urbano, un encuentro desde lo alto, entrecruzado por las especificidades de sus medios y lenguajes artísticos, como por sus intereses personales.

Santibáñez es Lic. en Educación de la Universidad Andrés Bello, Lic. en Artes con mención en Artes Plásticas de la Universidad de Chile y Magister en Artes Visuales de la misma institución. “Mirar desde arriba” es un trabajo que nace el año 2010 a partir de una investigación diaria realizada por la artista durante un mes por el centro de la comuna de Santiago. De este catastro surge la representación en pintura al óleo del mapa satelital del centro de Santiago, que va destacando, de manera análoga a como se visualizan los resultados de una búsqueda en Mapcity, los lugares donde se encuentran personas en situación de calle: el ícono de la estrella roja.

Por su parte, Paulina Carreño, Lic. en Artes Visuales de la Universidad Católica de Valparaíso y Lic. en Artes Plásticas con mención en Grabado de la Universidad de Chile, presenta “Alturas”, ejercicio de observación y representación de la ciudad de Santiago, mediante el cual busca registrar desde intersticios, calles y azoteas, su extensión y alcance. A partir de un video performático, la artista traza el plano de Santiago y una serie de dibujos en tinta china y plumilla, a modo de un zoom que se introduce en la ciudad alternando las distancias de registro, desde vistas más alejadas (mapas y planos), hasta escenas próximas a la superficie, con sus calles, personas y detalles.

Exposiciones: “Mirar desde arriba” | “Alturas”

Inauguración: jueves 11 de abril. 19:00 hrs.

Lugar: Galería Casa Colorada. Merced 860. Estación Plaza de Armas (L5)

Abierta al público: hasta el 16 de mayo.

Horarios Galería: Lunes a viernes de 11:00 a 13:00 h. / 14:00 a 18:00 h. Domingo, sábado y festivos cerrado.

Información y contacto: extensioncasacolorada@munistgo.cl / 22 6325623

Entrada Liberada.