Fab Fest

Luego de #Fab13Santiago, ven al Centro Cultural Gabriela Mistral y ven a Fab Fest. Un evento destinado a toda la familia.

Tendremos un sin número de talleres gratuitos donde los niños y jovenes tendrán la posibilidad de tener sus primeros acercamientos en metodologías en fabricación digital (corte laser, fresadora de 3 eje e impresión 3D), actividades tecnológicas y hasta un desfile de modas.

¡Un evento que sin duda no te podrás perder!

Exhibición del documental «Las Danzas del Futuro»

19:30 Viernes 4 de agosto. NAVE – Libertad 410, Santiago Centro (Metro Cumming/Quinta Normal) / sala 2 / Actividad gratuita previa inscripción.

El proyecto LAS DANZAS DEL FUTURO (www.lasdanzasdelfuturo.cl) es la propuesta 2016-2017 del proyecto LAS DANZAS CALLE (www.danzascalle.wordpress.com), agrupación que lleva 7 años continuos de trabajo, consistente en una práctica de danza contemporánea en el espacio público, que busca a través de la relación arte-ciudadanía, generar un lugar de encuentro sensible entre los cuerpos y visibilizar la danza contemporánea en un contexto donde difícilmente constituye un referente. LAS DANZAS DEL FUTURO contó con el financiamiento FONDART 2016, cerrando este proceso con una temporada de 19 funciones entre abril y mayo (16 en Plaza de Armas, 1 en Festival Cuerpos en Lluvia de Chiloé, y por motivos de la celebración del Día de la Danza, 1 en GAM y 1 en Corporación Cultural de Recoleta).

La recepción ha sido muy satisfactoria por su carácter traspasable, inclusivo y democrático, lo que se traduce en el acercamiento de la danza contemporánea a personas que no están familiarizadas con la disciplina, permitiéndoles ser parte de la práctica y además que otros bailarines puedan integrarse también de manera rápida y directa, generando tanto en el equipo de trabajo, en el público, como en los bailarines invitados a lo largo del proceso creativo y funciones, una vivencia, más que el hecho de ir a ver una obra; y una situación de empoderamiento y de traspaso metodológico de la práctica LAS DANZAS DEL FUTURO que entrega herramientas concretas para concebir y crear una danza en el espacio público a otros bailarines.

La práctica de LAS DANZAS DEL FUTURO fue creada en una residencia permanente en la Plaza de Armas de Santiago, buscando generar una obra que estuviese en contacto con el público ciudadano desde sus orígenes, lo que se traduce en una propuesta cuyo objetivo es la mediación entre los bailarines y los transeúntes de la calle, generando diversas maneras de encuentro y participación social. Así busca establecerse un espacio ciudadano, donde la afluencia de personas es importante y la danza pueda instalarse en su calidad de bien social.

LAS DANZAS DEL FUTURO es un práctica cuyas funciones, de duración 90’, implican la instalación de la danza contemporánea en el espacio público, desplegando la danza, apoyados por los insumos del masking tape para delimitar espacios y escribir conceptos a movilizar y la utilización de parlantes que amplifican música escogida por el público a través de internet. A partir de esos elementos se instala una danza ciudadana que nace de la relación con el transeúnte, más el público que llega por la difusión, además de los intérpretes invitados de las agrupaciones locales y de otros bailarines que se interesen por bailar en este espacio democrático de danza en calle.

EQUIPO 

Dirección: Francisco Bagnara
Asistente: Camilo Fernández
Intérpretes: Andrea Amaro, Daniella Santibáñez. Francisca Lillo, Javiera González, Carmen Gloria Venegas, Francisco Bagnara, Ninoska Soto, Nelson Claude, Camila Soto, Alexandra Mabes, Sofía Delanoe y Rodrigo Chaverini.
Asesoras: Betania González y Celeste González
Registro Reflexivo: Chery Matus
Registro Poético: Angélica Panes
Diseño y Realización: Daniel Bagnara
Colaboraciones: Alexandra Mabes, Paulina Vielma, Josefina Camus y Pablo Zamorano
Producción: Gabriela Bravo
Sonido y Música Documental: Andrés Abarzúa
Audiovisual: Sebastián Arjona, Paulo Fernández y Rodrigo Susarte
Fotografía: Cristina Vargas y Fabián CamberoWeb: Cristina Vargas
Imagen Papelería: Joan José Velásquez (Tienda de Ropa Antítesis)
Prensa: Santi Teatro & Danza

Ciclo de teatro «6 Historias de Dictadura» 2017: «Operación Hamlet»

«6 Historias de Dictadura» es el nuevo ciclo de teatro gratuito que organiza el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos. Son 6 obras que rescatan hechos simbólicos, cotidianos y noticiosos ocurridos durante y después de la dictadura, y que buscan promover la memoria a través del lenguaje de artistas emergentes. La actividad se realizará entre el 6 de julio y el 13 de agosto, con funciones de jueves a sábado a las 20.00 horas y los domingos a las 19.00 horas.

Entrega de entradas es por orden de llegada, puesto que se cuenta con cupos limitados (99 butacas) desde las 18:30 hrs de jueves a sábado y desde las 17:30 hrs los domingos. Se pueden retirar máximo 2 entradas por persona.

En la función del sábado se desarrollará un conversatorio con el público asistente.

«Operación Hamlet» 3 – 6 de agosto

Reseña de la obra:

Junio de 2017. Un joven actor sueña con su padre muerto. Se aparece frente a él como un fantasma, exigiendo venganza. Como muchos otros chilenos, desapareció en tiempos de dictadura a manos de agentes del estado. Aunque se conoce el nombre de cientos de ellos, solo 73 han sido encarcelados. A fines de 2016, un grupo reducido decidió pedir perdón –públicamente- en una misa de navidad. Una semana después, contraviniendo tratados internacionales y la propia ley chilena, se les otorgó la libertad. El asesino del padre de este joven actor camina hoy, sin culpas, por las calles de Santiago.

«El peso de las cosas»

Jueves 3 de agosto al 22 de septiembre de 2017 / Lunes a Viernes de 9:00 a 17:00 horas / Sala Gasco Arte Contemporáneo. Santo Domingo 1061. Metro Plaza de Armas.

  • En la muestra la artista propone una manera distinta de aproximarse a la materia, a la relación con el mundo interno y externo; para ello deja su rol modelador y toma distancia al observar el acontecer de los procesos.
  • “Mi interés por la educación es el mismo que el de la cerámica. El educar tiene que ver con un proceso, con dar forma; al igual que la cerámica, con modelar”, señala la directora de Fundación Nube.

A partir del 3 de agosto al 22 de septiembre la artista Paula de Solminihac,  bajo la curatoría del colombiano José Roca, expondrá en Sala Gasco quince piezas  que nacen a partir de la utilización de residuos de obras anteriores y de su metodología de trabajo que se sustenta en la observación de la transformación de la materia.

En una antigua panadería de los años 30, hoy adaptada para talleres que albergan a un grupo de artistas, se encuentra creando desde el 2010, la artista visual y profesora de la Universidad Católica, Paula de Solminihac.

Para la expositora todo residuo da vida a nuevos proyectos, todo sirve, todo se recicla y si no partimos de esta premisa, el arte de  de Solminihac no se entiende. Testigo de ello es su taller inundado de paños, diarios, arcilla cruda, saquitos, envolturas de distinto tipo o cuanto material  ya utilizado y reutilizado en obras anteriores exista.

La propuesta de Paula para esta muestra es distinta, hoy quiere tomar un rol de espectadora de ciertos procesos, tomar distancia, dejar que las cosas pasen y que sea el propio peso de las cosas las que hablen. Por ello, la artista  aprovecha –por ejemplo– lo que pasa en el oculto y oscuro  mundo subterráneo y deja que la putrefacción haga lo suyo.  

La historia de la exposición comienza con el recuerdo de un hecho anecdótico: una tarde su abuela le cuenta que el  palto (macho) tenía que tener una palta (hembra) para producir frutos. Buscando otro árbol que tuviera la misma condición, encuentra en el cerezo, el árbol que elegiría para su próxima obra.  “La idea era tomar distancia de mi rol modelador y dejar que las cosas se automodelaran. Quería ser espectadora de ciertos procesos que yo provocaba o estimulaba”, explica.

En ese contexto, comienza a  dar forma a lo que hoy  es su exposición. En el 2015 –tras haber expuesto en Paris, Nueva York, Bogotá, Lima y Buenos Aires–  vuelve a su taller y recicla toda la arcilla que tiene; arcillla cruda que durante muchos meses permanece en unos  saquitos y éstos en unos baldes con arena y agua. El ambiente húmedo las  automodela.  Y en ese afán de provocar es cuando decide comprar los cerezos.

Huellas que dejan evidencia

La cerámica la cautivó desde joven. Primero en sus trabajos de investigación; luego, como materia para su licenciatura; más tarde, en el magíster y hoy es  la  fiel protagonista de sus muestras.

Para la directora de Nube –fundación dedicada a  proyectos de arte y educación– la cerámica es valiosa no solo como material sino también en sus procesos, como cuando el fuego transforma al barro en cerámica. “Algo poco importante llega a ser  muy importante como por ejemplo desde el punto de vista arqueológico, que a partir de un fragmento de cerámica construyen toda la historia de una civilización o para convertirlo en un recipiente para almacenar el alimento”,  señala.

Para de Solminihac la cerámica tiene un rol mediador entre dos lenguajes, al igual que con los mapas y cartografías, otro elemento sobre el cual la artista ha trabajado mucho.

Exhibición, Sala Oriente

*Collar o  forma de la serpiente: consiste en una  serie de piezas con forma de cuencos que se van aplanando cuando se encuentran en el suelo. Lo cóncavo y lo convexo se convierten en el plano que puede darse vuelta. Tiene un rol simbólico que alude a la circularidad, a esa dicotomía entre el bien y el mal, entre el remedio y el veneno.

* Las orillas se organizan a partir de  una serie de planos  o dibujos que nacieron espontáneamente y que la artista llama los Remolinos. El rol que cumplen estas orillas de cerámica es de manifestar un cierto estado a la hora de hacer las obras que tienen que ver con los flujos de conciencia (como el pensamiento hablado).

*Invunche: decenas de pequeños sacos de restos de telas de algodón y lino envuelven restos de arcilla de procesos anteriores, transformandose en pequeños Invunches, denominación para el ser deforme y clausurado proveniente de la  mitológica mapuche, que se han amarrado entre sí para ser la evidencia mas clara y concreta del peso.

*El Descanso: son dos vigas de madera que cuelgan horizontales sobre las que descansan pequeños estuches de tela llenos de etiquetas con información guardada por la artista de procesos anteriores. Este punto da testimonio de la  obsesión que tiene la expositora por el archivo.

Sala Poniente

*Video: de aproximadamente 2 minutos de duración, esta cápsula es documentada por una alumna de la artista, que formó parte del equipo con la que trabajó gracias al apoyo de la propia universidad,  que “relata” la historia de los cerezos desde el día que se plantan hasta el día de su desentierro. Todas las capas de la filmación van superpuestas manifestándose las imágenes a veces  como dibujos, pinturas o acuarelas.

*Cortezas: dos impresiones de 3 x 3 metros en papel de algodón, dan cuenta de las multiples capas con que la artista construye la memoria de sus obras: estas imágenes son hechas a partir de la fotografía de las macetas de tela, abiertas y descompuestas, que contuvieron a los cerezos plantados, que una vez abiertas y fotografiadas, son luego invertidas digitalmente y el papel donde se han impreso, es usado para volver a envolver, ahora a sí mismas, inciando un nuevo ciclo de espera, hasta el día antes de la inauguración, cuando serán abiertos para ser expuestos.

*2 Victorias creadas con papel de diario pintado que imitan la estructura de la Victoria Regia, un loto gigante del Amazonas, que por su estructura permite sostener el peso incluso de un niño mientras flota. Son dos formas circulares que aparecen producto del pegado reiterado de pétalos de papel uno sobre otro en torno a su eje.

*Lo que Resta, son los restos de las macetas que son expuestas tal como quedaron, despues de seguir cuidados protocolares de restauración.

*De Aquí Saldrá Algo, y NaN son baldes, etiquetas y arcillas que están en pleno proceso de transformación y que buscan trasladar el proceso del taller al lugar de exhibición.

De esta forma ambas salas dan cuenta sobre cómo las cosas caen sobre su propio peso. Paula quiere que el público se dé el tiempo para mirar antes que pedir explicaciones; que se formulen preguntas antes de solicitar respuestas.

“Los invito a un viaje interno a partir de la mirada y de la compañía de las cosas que van a estar en cada espacio de Sala Gasco”, finaliza de Solminihac.

RECORRIDOS DIDÁCTICOS: inscripcionessalagasco@gestocultura.cl

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS son totalmente gratuitos y guiados por un equipo de mediadores artísticos especialmente capacitados con amplia experiencia en atención de grupos, quienes, más que comunicar contenidos de manera tradicional o académico-enciclopédica, buscan formar espectadores críticos.

Los recorridos son creados para cada una de las exposiciones y los diversos públicos que se presentan en Sala Gasco durante el año, que van desde estudiantes de 3° Básico a IV Medio, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales y público general.

El objetivo principal de este programa que utiliza una metodología lúdica y participativa es potenciar la curiosidad y habilidades sociales de los estudiantes, así como la capacidad de expresar ideas, creencias y reflexionar sobre éstas. 

Los RECORRIDOS DIDÁCTICOS requieren de inscripción previa (inscripcionessalagasco@gesto-cultura.cl) y se realizan para grupos de 10 personas como mínimo y máximo 40.

-Proyecto acogido a la LEY DE DONACIONES CULTURALES

-Obra realizada con el aporte de la Dirección de Artes y Cultura, Vicerrectoría de Investigación de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

«Condicio»

Con entrada liberada, Condicio se inaugura el jueves 3 de agosto, a las 19:00 horas, en Espacio San Isidro ESI (San Isidro 560, Santiago), donde permanecerá en exhibición hasta el viernes 6 de octubre, de lunes a viernes de 9:00 a 19:00 horas, y los sábado de 9:00 a 14:00 horas. Además, se realizará un conversatorio con la artista el 14 de septiembre, a las 10:00 horas, en el auditorio ubicado en el mismo lugar.

Ángela Ramírez muestra lo que permanece oculto en la creación de una obra en Condicio

  • Registros audiovisuales y algunos de los moldes usados en el proceso de construcción de la obra que Ángela Ramírez emplazará próximamente en el Centro de Justicia de Santiago se podrán apreciar en Condicio, muestra que el jueves 3 de agosto se inaugurará en Espacio San Isidro, ESI, de la Universidad Católica Silva Henríquez.
  • La obra sine qua non corresponde a un fragmento de la propuesta con que la artista ganó un concurso del Ministerio de Obras Públicas en 2005 y que este año será finalmente instalada en el espacio para el cual fue creada.

Condicio es el nombre de la muestra en que la artista Ángela Ramírez dará a conocer cómo fue el proceso de construcción de la obra que durante el segundo semestre de este año instalará en el Centro de Justicia de Santiago, una exposición que presentará en Espacio San Isidro y en la que buscará mostrar el lado de la obra que suele pasar desapercibido, destacando el número de personas implicadas laboralmente en el proceso y las condiciones de producción que permitieron la realización de su propuesta.

“Las feministas ya habían señalado en la década de los 70 que las condiciones de producción son demasiado importantes para el desarrollo del arte, pues sin condiciones mínimas no es posible crear”, explica la artista. “Sin embargo, cuando te enfrentas a la obra, parece como si todo hubiese sido fácil, cuando en verdad son muchas las horas de trabajo invertidas. Y justamente de eso queremos dar cuenta, de qué es lo que implica, en lo concreto, pasar de la idea a la materia”, añade sobre Condicio.

La muestra, que se inaugura el 3 de agosto en la sala de exposiciones de la UCSH, contempla la exhibición de registros audiovisuales del proceso, así como de algunos de los moldes utilizados para la creación de sine qua non, título de la obra que Ángela Ramírez emplazará en la base del espejo de agua del Centro de Justicia de Santiago y que corresponde a un relieve de fibra de vidrio traslúcida, escala 1 a 1, del centro de la fachada del edificio del Palacio de Tribunales de Justicia de Santiago.

De allí que, para la artista, Condicio opere como un gesto que viene a descentralizar la práctica artística al poner el foco no en la obra propiamente tal, sino “en el lugar de lo político, donde se mueven las voluntades y materialidades que hacen posible sine qua non”. Y es que, como explica, “una cosa es que la Constitución diga que hay libertad de expresión, pero si no se dan las condiciones para poder ejercer ese derecho, es poco lo que puedes hacer. Entonces, las condiciones de producción son una condición sine qua non”, concluye la artista.

Espacio San Isidro

Espacio San Isidro ESI es una sala de exhibición universitaria que depende de la Dirección de Vinculación con el Medio y la Escuela de Educación Artística de la Universidad Católica Silva Henríquez. Fue creada el año 2012 con el fin de promover los vínculos entre la universidad y el medio social. Su eje de trabajo se orienta a potenciar el conocimiento y apreciación del arte contemporáneo en sus diversas vertientes. Su enfoque de trabajo busca relevar y difundir el trabajo de creación realizado por estudiantes, académicos y artistas relevantes del medio local.

Espacio San Isidro aspira a ser un espacio de enseñanza y aprendizaje vinculado a la producción contemporánea. Esta labor se traduce en una propuesta educativa focalizada en la realización de visitas guiadas, talleres y conversatorios que tienen como objetivo la formación de audiencias en sus diversos niveles, tarea que es de vital importancia para una escuela que busca formar profesores mediadores que potencien el diálogo con los nuevos lenguajes artísticos.

Temporada de Conciertos IMUC 2017: Ciclo Música de cámara: Música contemporánea del Lejano Oriente

Martes 1 de agosto a las 19:30 hrs.
Centro Cultural Gabriela Mistral (sala A1), Av. Alameda 227, Santiago / Gratis previo retiro de tickets, desde media hora antes del concierto en Hall A. Cupos limitados.

Programa: https://goo.gl/Lr3teS

Parte I

Toru Takemitsu (1930-1996)
Quatrain II

Xiaoyong Chen (1955)
Evapora

Parte II

Yikeshan Abudashalamu (1985)
Fission

Isang Yun (1917-1995)
Oktett

Ensamble Contemporáneo UC

Karina Fischer, flauta
Dante Burotto, clarinete
Nelson Vinot, fagot
Ricardo Aguilera, corno
Claudio Anaís, trompeta
Luis Alberto Latorre, piano
Davor Miric, violín I,
Gonzalo Beltrán, violín II
Penélope Knuth, viola
Alejandro Tagle, violonchelo
Carlos Arenas, contrabajo

Dirección: Aliocha Solovera

Notas al programa

Sin duda, el interés de Occidente por el Lejano Oriente ha ido incrementando a partir de la apertura económica y cultural de China de las últimas décadas. Si bien la música occidental es llevada a China, Japón y Corea por los jesuitas entre los siglos XVI y XVII, no fue sino hasta el siglo XX que la práctica de esta música se masificó.

Japón fue el país líder en este proceso. El año 1907 se funda el Conservatorio de Tokio y, en 1926, la primera orquesta sinfónica profesional. Destacan compositores seguidores del Romanticismo europeo como Kosaku Yamada y Kunihiko Hashimoto.

Toru Takemitsu (1930-1993) es el representante de la música contemporánea japonesa más conocido en Occidente. Desde sus primeras obras se evidencia la influencia de la música francesa, particularmente de Debussy y Messiaen.

Así como resulta evidente la influencia de Debussy en su trío Between Tides, es innegable la influencia de Messiaen en su obra Quatrain II. Tanto así que la obra Quatrain, escrita originalmente para cuarteto y orquesta, fue dedicada a Olivier Messiaen, lo que explica que la conformación del cuarteto coincida con la del Cuarteto para el fin de los tiempos del compositor francés. Quatrain II es una segunda versión de la misma obra pero sin orquesta. Si bien en ella hay una clara influencia de la música de Oliver Messiaen, también se reconoce la influencia de la música de Anton Webern.

El desarrollo de la tradición musical occidental en Corea es bastante similar a la del Japón, donde también hallamos importantes compositores vinculados al Romanticismo europeo, como Eak-Tai Ahn. Isang Yun (1917-1995) es, sin duda, el representante de la música contemporánea coreana más conocido en Occidente. Esto se debe, en parte, al hecho que estuvo radicado en Alemania desde el año 1964. La mayoría de sus obras fueron compuestas en Alemania, donde fue influenciado por las vanguardias de la época. Pese a ello, en su música hay rasgos, aunque sutiles, que lo relacionan con la tradición musical coreana. En su Octeto es posible identificar algunos de estos elementos, relacionados con la forma de usar los glissandos y los ornamentos melódicos.

Entre los tres países aquí representados, China es el país que más tardó en integrarse a la globalización musical del siglo XX. Esto se podría deber a las dificultades económicas que vivió el país a fines del siglo XIX y comienzo del siglo XX, como también a los efectos de la revolución cultural de Mao Zedong.

En esta ocasión se presentan dos compositores vivos, con importante trayectoria. Xiayong Chen (1955), cuya obra Evapora muestra una textura sencilla, con una mayor preocupación por el sonido que la forma y Yikeshan Abudushalamu (1985), joven compositor chino de la etnia Uyghur, cuya obra Fission destaca por la transparencia textural y la austeridad del material musical.

Talleres de cultura china

Cultura y etnias
Martes 1 y 8 de agosto
Jueves 3 y 10 de agosto

Caligrafía
Martes 1 y 8 de agosto
Jueves 3 y 10 de agosto

Ceremonia del té
Martes 1 y 8 de agosto
Jueves 3 y 10 de agosto

Todos los talleres son gratuitos, inscripción previa necesaria / ¡Cupos limitados!

Informaciones: (2) 29255560 / confuciosantiago@santotomas.cl

Ciclo Goethe Institut: Documentales Werner Herzog: «La transformación del mundo en música – Bayreuth antes del estreno»

Durante este invierno, la Cineteca Nacional de Chile y la Cinemateca del Goethe Institut presentan este ciclo que presenta diversos documentales del destacado director alemán. Werner Herzog es uno de los más reconocidos exponentes del Nuevo Cine Alemán, que sigue activo tanto en documentales como en ficción. Este ciclo permite recorrer su carrera desde fines de los años 60, con documentales que miran con curiosidad el mundo y que ya son grandes clásicos del cine.

Las funciones de este ciclo se realizarán del 12 de junio al 1 de agosto de 2017, todos los días lunes y martes a las 17:00 horas, en el Microcine de la Cineteca Nacional (nivel -2), con entrada gratuita.

Sobre: La transformación del mundo en música – Bayreuth antes del estreno / Die Verwandlung der Welt in Musik (1994) – estreno

El Festival de la Ópera de Bayreuth transforma, por unos días, la ciudad entera en música, y además, en un sitio más humano y quizás menos wagneriano. Recorriendo las bambalinas del teatro de la ópera, Herzog recorre un universo orquestal y confirma su teoría: la ópera es otro mundo. Parte de una cosa simple pero fundamental: transformar el mundo en música.

Ciclo Goethe Institut: Documentales Werner Herzog: «La salvaje y azul lejanía»

Durante este invierno, la Cineteca Nacional de Chile y la Cinemateca del Goethe Institut presentan este ciclo que presenta diversos documentales del destacado director alemán. Werner Herzog es uno de los más reconocidos exponentes del Nuevo Cine Alemán, que sigue activo tanto en documentales como en ficción. Este ciclo permite recorrer su carrera desde fines de los años 60, con documentales que miran con curiosidad el mundo y que ya son grandes clásicos del cine.

Las funciones de este ciclo se realizarán del 12 de junio al 1 de agosto de 2017, todos los días lunes y martes a las 17:00 horas, en el Microcine de la Cineteca Nacional (nivel -2), con entrada gratuita.

Sobre La salvaje y azul lejanía / The wild blue yonder (2005):

Un grupo de astronautas queda vagando por el espacio, sin posibilidad de volver a la Tierra, pues el planeta ha quedado inhabitable…

«Otra manera de mirar el infinito»

Inauguración: 29 de julio, 12:00 horas / Del domingo 30 de julio al viernes 15 de septiembre de 2017 / Hall central MAC Parque Forestal. Martes a sábado, 11:00 – 19:00 horas / Domingo, 11:00 – 18:00 horas / Lunes y festivos el museo (ambas sedes) permanece cerrado.

Soledad Chadwick interviene el hall del MAC con estructura geométrica a gran escala

  • El Museo de Arte Contemporáneo presenta la exhibición Otra manera de mirar el infinito, donde la artista lleva a la tridimensionalidad la Alfombra de Sierpinski, figura matemática compuesta por cuadrados de diferentes escalas.
  • Especialmente pensada para el primer piso de la sede de Parque Forestal, la obra cruza la mirada artística con el rigor científico, para ofrecer una reflexión en torno a un objeto que hace referencia al infinito.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta la exhibición Otra manera de mirar el infinito de la artista Soledad Chadwick. Se trata de una instalación site specific, hecha a partir de cubos de madera, cuya marcada estética minimalista contrasta con la arquitectura neoclásica que alberga al MAC Parque Forestal.

La obra lleva a la tridimensionalidad la Alfombra de Sierpinski,  figura basada en la división de un cuadrado en nueve partes congruentes, donde se va eliminando el cuadrado central, y así recursivamente hasta agotar la superficie. Ideada en 1916 por el matemático polaco Waclaw Sierpinski, en geometría se le conoce como un conjunto fractal, es decir, un objeto formado por estructuras básicas iguales pero repetidas a diferentes escalas.

Siguiendo la máxima del matemático, Soledad Chadwick comienza con un cuadrado de 10,8 x 10,8 metros que se instala, girado a modo de rombo, en el hall central del museo para ocupar todo su ancho. Este se fragmenta en nueve partes iguales, y en vez de quitar la figura central, pone en ese lugar un cubo de aluminio de 3.6 x 3.6 x 3.6 metros. La artista realizó la acción reiteradamente, llegando a casi 600 cubos de madera de diferentes dimensiones.

Otra manera de mirar el infinito fue pensada especialmente para el hall del museo: los cubos de 40 x 40 x 40 cm. que la componen coinciden con las medidas de las baldosas del piso, acentuando el contraste con la disposición de las baldosas perimetrales.

Con su propuesta, Soledad Chadwick cruza la mirada artística con el rigor científico, en un trabajo que propicia una reflexión sobre cómo ciertos objetos hacen referencia al infinito, dirigiendo la mirada a las pequeñas partes que los construyen como tal.

Sobre la artista

Soledad Chadwick (Santiago, 1955) es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Chile, Magíster en Artes Visuales por la misma institución y Magíster en Ciencias de la Ingeniería por la Universidad Católica de Chile.

Entre sus exhibiciones más recientes se encuentran Una manera de mirar el infinito, en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia (2017) y Centricidad y Movimiento, en la Galería Artespacio (2013).

A lo largo de su carrera ha participado en ferias internacionales como Art Lima, SOFA en Nueva York y Ch.ACO  en Santiago. Entre sus obras más destacadas se encuentran Caracola magenta (2016) en el Hotel Isla Seca, Zapallar; y Tótem (2013), en el Parque Bicentenario, Santiago.