La agenda cultural y gratuita de Chile
Exposición de Álvaro Bindis
En la oportunidad será presentado el libro «Santiago, encuadres de la memoria», de Origo Ediciones.
Presentan Isabel Cruz y Benjamín Lira.
Invita la Corporación Cultural de Las Condes.
8 de agosto al 23 de septiembre
Salas de Exposición. Centro Cultural Las Condes. Apoquindo 6570
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Entrada liberada
“Nawal, Sulma, Olga y todas las demás”: Exposición de fotógrafa española francesa Catalina Martín-Chico
En el marco del mes de la fotografía, Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo; la vicerrectora de Extensión y Comunicaciones de la Universidad de Chile, Faride Zeran; el gerente de Marketing y Comunicaciones de Canon Chile, Pablo Rothmann; y el académico del ICEI de la Universidad de Chile, Miguel Ángel Larrea, tienen el agrado de invitarlo/a a la inauguración de la exposición “Nawal, Sulma, Olga y todas las demás”, de la fotógrafa franco española Catalina Martín-Chico, ganadora del premio a la mujer fotoperiodista Canon 2017, entregado en el Festival de Fotografía Visa pour l’image, en Francia.
La inauguración se realizará el jueves 2 de agosto, a las 19:00 horas, en el Museo de Arte Contemporáneo, Sede Parque Forestal, ubicado en calle Ismael Valdés Vergara 506.
Reseña:
La exposición es una selección de fotografías y reportajes sobre mujeres de distintos países en un registro documental, que en general viven en situaciones de conflicto y que la autora ha ido rescatando durante más de 10 años en sus múltiples reportajes. Estos han sido principalmente encargos de diarios y revistas destacados mundialmente.
Su área principal de trabajo ha sido el Medio Oriente y en especial Yemen, no obstante en la muestra se presentan además trabajos realizados sobre América Latina y Estados Unidos.
La exposición
En el marco del mes de la fotografía, esta muestra de Catalina-Martín Chico intenta dar cuenta de la realidad que viven las mujeres en distintas partes del mundo y en sus distintas situaciones, en especial en zonas de conflicto. Por la cobertura que realizó a la guerra civil que se vivió en Yemen, en 2011, fue premiada con la Visa de Oro Humanitaria que otorga el prestigioso festival de Fotoperiodismo Visa Pour L’Image.
Estas fotografías que empezó a trabajar hace diez años tienen una especial significación ya que logra entrar a un desconocido mundo de la mujer Yemení, con tradiciones muy arraigadas que plantean cuestionamientos a la mirada occidental en relación a la discriminación que viven cotidianamente las mujeres.
Catalina relata: “Llegué allí la primera vez hace diez años. Lo primero que me llamó la atención es que la mitad de la población vive escondida bajo opacas velas negras. En las calles de Sana’a, la capital, las mujeres circulan como fantasmas”.
Las fotografías no solo muestran este lado de la vida de las mujeres, también exponen su lucha durante la revolución del 2011 en la cual tuvieron un rol protagónico.
En 2017 realizó un reportaje sobre las ex guerrilleras de las FARC en Colombia, que le valió el premio Canon en Visa pour la I´mage, Francia a la Mejor Fotoperiodista Mujer de Canon de ese año. Esta historia que se exhibe en la muestra, trata sobre la transición de paz entre el gobierno y las FARC, desde un punto de vista de las mujeres: Más de trescientas mujeres se quedaron embarazadas y cambiaron las armas por sus hijos. “Para mí es una historia de reencuentros, porque muchas son chicas que se quedaron embarazadas durante la guerrilla, no abortaron y dejaron a los niños con sus familias y llevan diez años sin verles”, dice Catalina.
“Este premio de Canon me da la fuerza y la fe para continuar. Cada vez es más difícil ser fotoperiodista si no tienes otra fuente de ingresos. Necesitamos este tipo de reconocimientos; en primer lugar, es una motivación psicológica y, en segundo, es una ayuda económica crucial. Una revista puede darte dinero para contar una historia en cinco días pero esta historia no puede contarse en tan poco tiempo. Es duro trabajar en una historia de una manera tan profunda. Nunca dejé de intentarlo con la esperanza de este premio algún día. Estoy muy contenta, y muy agradecida”, agraga.
La vida de las mujeres Amish es otra de las historias de la exposición. Ellos son exiliados en los Estados Unidos desde el siglo XVIII, que viven fuera de nuestro mundo. Su vida transcurre entre la agricultura, la familia y su comunidad. Guiado por una fe infalible en Dios y la esperanza de la vida eterna. Esta secta está ubicada en el condado de Lancaster, Pennsylvania, hasta Lynn en Indiana. Es un regreso a otra época, donde el tiempo parece suspendido.
“Intento ser una ventana abierta a un mundo que la gente no ve. Me gusta contar historias que no han sido contadas y arrojar luz sobre zonas de oscuridad. Relatar, por ejemplo, una historia que me parece injusta sobre gente que no tiene voz y tratar de conmover”, concluye Catalina.
Junto a la exposición, la fotógrafa está realizando un workshop dirigido a fotógrafos y fotógrafas nacionales y dictará una conferencia el sábado 4 de agosto a las 12 horas en el nivel 2 del Museo de Arte Contemporáneo, abierto a todo público.
La fotógrafa ha sido invitada por Canon Chile y cuenta con el apoyo de la Vicerrectoria de Extensión y Comunicaciones de la Universidad de Chile.
Catalina Martín-Chico
Fotógrafa franco-española vive actualmente en París.
Se graduó en el Centro Internacional de Fotografía (ICP) en Nueva York, donde vivió durante varios años.
Su trabajo es parte de la tradición de la fotografía humanista y del fotoperiodismo documental e investigativo. Es una de las pocas fotoperiodistas que trabaja regularmente en el país de Yemen, donde acude desde 2007, realizando reportajes que son publicados en distintos medios internacionales.
Su inmersión en el corazón de la revolución yemení le valió la Visa Humanitaria 2011 del CICR y fue exhibida en el Festival Internacional de Visa pour l’Image de Perpignan en 2011.
Ella es la ganadora del Premio de fotoperiodista mujer Canon 2017 por su proyecto sobre
excombatientes de las FARC en Colombia. Producido durante varios meses, su obra se exhibirá en la edición de 2018 del Festival Visa pour l’Image de la ciudad de Perpignan, Francia.
Catalina Martin-Chico publica en la prensa francesa y extranjera (Le Monde, Geo, Der Spiegel, New York Times, Le Figaro Magazine, Le Nouvel Observateur, VSD, Marie-Claire, ELLE).
COORDENADAS
Jueves 2 de agosto al domingo 21 de octubre de 2018 / Horarios: 11 a 19 horas, martes a sábado; 11 a 18 horas, domingo. Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal.
Paisajes, personajes y objetos propios de la Europa de inicios del Siglo XX son los protagonistas de las interpretaciones de la artista visual Jacinta Besa, quien pone en evidencia el potencial pictórico de la plasticina en 23 obras de pequeña y gran escala en la exposición “Herencia contradictoria”.
Esta muestra, que se presenta entre el 2 de agosto y el 28 de septiembre de 2018 en Sala Gasco, Arte Contemporáneo – espacio situado en Santo Domingo 1061, Santiago Centro – surge de la residencia artística de Besa en Berlín, ciudad en la que recorrió los mercados de las pulgas y ferias de antigüedades con la idea de presentar el legado, la herencia familiar, los constructos sociales y nexos culturales presentes en la sociedad actual, a partir de una apropiación y reinterpretación de personajes y objetos en plasticina.
Para la artista, esta materialidad representa el eje central de su propuesta pictórica, que explota este objeto cotidiano y versátil. “La plasticina es un pigmento volumétrico, por ende al igual que en la pintura, puedo mezclar color e imitar texturas. Reorganizo colores para construir escenarios y situaciones. Me interesa que la gente se acerque, se sorprenda con las posibilidades de este material, ya que todos en algún momento hemos trabajado con ella, lo que lo hace muy cercano a las personas”.
En “Herencia Contradictoria”, Jacinta Besa presenta objetos que abordan el rol de la mujer, y “su deber” a lo largo de la historia, una mirada que se contradice con la realidad actual. A partir de esto, las anécdotas, la nostalgia y los recuerdos están presentes en el trabajo de la artista e instan a reflexionar sobre cómo nos construimos cómo sociedad.
Según lo que escribe en el catálogo de la exposición Catalina Mena, “su obra asume la contradicción como estado vital y creativo, como posibilidad emancipatoria que hace posible que el juego continúe, que el deseo, el pensamiento y el amor sigan circulando. Su acercamiento al feminismo se desarrolla como un proceso de individuación que va articulando un imaginario propio a través de una práctica artística que involucra el cuerpo, la emoción y el pensamiento. En su obra Jacinta va desmontando y recomponiendo símbolos que encarnan estereotipos de género, modulados por el estigma que significa, en un país como Chile, pertenecer a una determinada clase social y sobrellevar los valores de la familia, que legitiman ciertas elecciones de vida, creencias religiosas e identificaciones políticas. Desde su propia experiencia, va articulando una reflexión más amplia sobre los condicionamientos que limitan la libertad de las mujeres en la sociedad chilena. Esta tensión entre lo individual y lo social se despliega en la iconografía de su obra. Pero también allí introduce un elemento de contradicción, cuestionando las múltiples formas, conscientes o no, en que las propias mujeres colaboramos a mantener el statu quo. Su obra pone en escena un juego entre continuidad y cambio que opera desde el nivel mental, corporal y biográfico para expandirse a la cultura”.
En ese sentido Mena explica que la materialidad, en este caso la plasticina que elige la artista para llevar a cabo este debate, desde su obra resulta cotidiana, doméstica e incluso un tanto infantil, lo que la hace más cercana al público.
Sala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte, en pleno centro de Santiago. Está abierta de lunes a viernes, entre 9:00 y 17:00 hrs, en Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas.
En cada una de las exposiciones de la sala, Fundación Gasco ofrece un programa de Recorridos Didácticos gratuitos para grupos de adultos y estudiantes. La exposición “Herencia Contradictoria” de Jacinta Besa contará con Recorridos Didácticos especialmente diseñados para personas en situación de discapacidad visual, los que se basarán en actividades sensoriales de acercamiento al arte y a las obras de la muestra.
Para participar en estos recorridos es necesaria una reserva previa a través de inscripcionessalagasco@gestocultura.cl o al 22 2479297. Los recorridos se adaptan a las características de los asistentes, por lo cual están disponibles no sólo para alumnos de colegios sino también para adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales (NEE), instituciones, vecinos y familias, entre otros.
«La frase “El mejor amigo de una mujer es un buen cuchillo”, parece acompañar gran parte de la obra de Catalina Mena. Una mujer con un cuchillo restituye la imagen de los viejos gestos femeninos anidados en la cocina: cortar, pelar, trinchar, descuerar, probar los alimentos; pero una mujer con un cuchillo como artefacto de defensa y ataque, es una figura que tensa y aleja la noción de mansedumbre que la tradición asigna a su género.»
Sonia Montecino
«El peso de las alas o el vuelo de los cuchillos».
Catalina Mena Ürményi
“El peso de las alas”
SALA PRINCIPAL
Desde el 19 de julio al 20 de agosto 1 de agosto al 22 de septiembre
Galería Isabel Aninat / Horarios: Lunes a jueves de 10:00 a 20:00 hrs. Viernes de 10:00 a 19:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 horas.
En “El peso de las alas” la artista Catalina Mena nos invita a reflexionar en torno a dos objetos con significados simbólicos disímiles: los cuchillos y las alas, ofreciendo al espectador un trabajo de gran valor estético y emocional, en donde la violencia y la sutileza se conjugan en piezas que nos resultan cotidianas, ligadas al imaginario doméstico y también con una clara alusión al mundo mitológico y religioso.
Dentro de los referentes en la creación de su obra, la artista toma el mito de Icaro y Dédalo como metáfora de la búsqueda y transgresión necesaria que se debe tener para alcanzar nuevos conocimientos y paradigmas. En el mito, Icaro cae al mar y muere luego de que sus alas (hechas de cera) se derriten al intentar volar cerca del sol, es por ello que las alas presentes en las obras de Catalina Mena son manifestaciones de este deseo de libertad y ascenso que lleva esperando por tanto tiempo la mujer.
Los cuchillos por su parte nos remiten a la violencia y al mundo doméstico. La artista toma cuchillos de uso cotidiano para realizar sus trabajos: cuchillos de mesa, corvos y machetes los cuales emplea en diferentes medios: dibujo, instalación, escultura; ampliando así las posibilidades de investigación estética de este objeto y sugiriendo narrativas ligadas a la violencia doméstica y al imaginario popular religioso latinoamericano.
“El peso de las alas” es una muestra extensiva del trabajo de investigación reciente de Catalina Mena en donde la violencia doméstica se presenta de manera sutil en objetos con gran carga iconográfica.
PROMISORIA ARTISTA MARIANA NAJMANOVICH EXHIBE Y REVELA PERTURBADORAS REPRESENTACIONES DE LOS CONFLICTOS ARMADOS EN EL NUEVO ESPACIO DE ANINAT GALERÍA.
BAJO EL NOMBRE DE “OTRO ATLAS”, NAJMANOVICH REPRESENTA CON IRONIA PROTOTIPOS DE JUEGOS BÉLICOS EN DONDE LA VIOLENCIA SE CONVIERTE EN UN PRODUCTO DE CONSUMO MASIVO.
Mariana Najmanovich
“Otro Atlas”
SECCIÓN GABINETE
Desde el 19 de julio al 20 de agosto 1 de agosto al 22 de septiembre
Galería Isabel Aninat / Horarios: Lunes a jueves de 10:00 a 20:00 hrs. Viernes de 10:00 a 19:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 horas.
En el marco de los conflictos armados que actualmente se desarrollan en el mundo y luego de un proceso de investigación de más de cinco años, Mariana Najmanovich encuentra una serie de juguetes bélicos con imágenes de distintos soldados y figuras de guerras en Medio Oriente. Los juguetes reúnen una serie de personajes de guerra como soldados de diferentes rangos, rehenes y armamento; protagonistas de guerra que muchas veces conocemos a través de medios de comunicación, la TV, el cine, la prensa y las redes sociales. Este hallazgo sorprendente es el puntapié para la realización de un cuerpo de trabajo que bajo el título de “Otro Atlas”, incorpora pintura, dibujos, documentos e instalaciones de diferentes piezas, dispuestas en este nuevo espacio de experimentación. Para apreciar este proceso de investigación y poner en contexto las obras, la artista desarrolla un interesante proyecto que se despliega en la Sección Gabinete de la nueva Aninat Galería.
Sección Gabinete es un espacio diseñado para que el público en general, pueda presenciar el proceso creativo y de investigación de un artista. Mariana Najmanovich ha tomado este desafío con un tema contingente, que muchas veces aterra y que por lo mismo no queremos ver.
Desde fines de 2017, Mariana Najmanovich forma parte de los artistas representados por Aninat Galería. Este año realizó una exhibición individual en el Museo de La Solidaridad, participó de la muestra “Desórdenes Sistémicos” en el Centro Cultural Matta en Buenos Aires, a cargo del curador peruano Miguel López. Mariana ha participado en exhibiciones colectivas en diferentes galerías e instituciones como: MAVI, M100 y MAC en Santiago de Chile; Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Museo de América en Madrid, Sobering Gallery en Paris y la Tyler Art Gallery de la Universidad Estatal de Nueva York (SUNY). En su obra utiliza la fotografía como antecedente documental, elaborando imágenes que deforman y manipulan las escenas a través de distintas estrategias pictóricas. Los trabajos que construye reflexionan sobre la distorsión psicológica del ser humano en distintos contextos ligados a la violencia y a la identidad de género.
“NATURALEZA INDÓMITA” se titula la próxima exposición de la escultora Constanza Mayo que se presenta en la Galería de Arte La Sala. Con más de 20 años de trayectoria, la artista nos invita a realizar un recorrido orgánico a través del espacio como si se tratara de un jardín moderno que se articula de manera luminosa y jugada.
La Escultora en alambre de gran reconocimiento en el país, en esta ocasión nos hace partícipes de una nueva técnica a la hora de elaborar sensuales figuras con alambre, siempre con la imagen del árbol como protagonista. Esta técnica ha permitido que figuras realizadas a partir de un material tan poco amable para algunos como el alambre, transformen piezas de gran nobleza.
En esta nueva muestra se vuelca totalmente al jardín, deja entrar sin restricción a todas las plantas a su taller para salir transformadas en valiosas e inolvidables esculturas.
COORDENADAS
31 de julio hasta 27 de agosto de 2018 / Galería La Sala / lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas y los días sábado de 11:00 a 14:00 horas.
Guillermo Lorca y su pintura figurativa se instalan en GAM con obras, en su mayoría, de gran formato y que reúnen parte de su trabajo de los últimos cuatro años.
La exposición, titulada Animales nocturnos, estará en exhibición en la sala de artes visuales hasta el 21 de octubre.
Una decena de obras trae a GAM el joven artista chileno Guillermo Lorca (1984) para su última exhibición individual.
Con el nombre Animales nocturnos, Lorca instala obras realizadas a lo largo de los últimos años, donde el público podrá ser testigo de su evolución pictórica y temática. Habrá cuadros de colecciones privadas, otras exhibidas anteriormente y también algunas inéditas.
En esta muestra se refleja el equilibrio entre el orden y el desorden de su obra temprana y muestra las representaciones más intrincadas y complejas de sus trabajos posteriores. Asimismo, su pincelada va tomando fuerza, se hace más suelta y su paleta cromática más vibrante y rica.
Siempre trabajando en cuadros de gran escala, la muestra presenta un grupo de obras de variada interpretación, con imágenes oníricas y donde predominan escenas de naturaleza salvaje.
Algunas obras serán en formato más pequeño, pero siempre fiel a su estilo, inspirado en cuentos de hadas, y exponiendo construcciones de mundos, el inconsciente, la belleza de la muerte, los demonios y espíritus.
Sus obras son, según la curadora Pabla Ugarte, “instantáneas de una narrativa, donde cosas, frutas, verduras, plantas, animales y personajes tienen carácter y energía propia dentro de espacios cerrados, controlados y tensionados”.
Su método de trabajo comienza en su computador, donde tiene un banco de miles de imágenes. Una vez realizada una composición aceptable, se trasladada a la tela, donde va sufriendo cambios a medida que avanza en la pintura. En esa etapa puede volver al computador y tras recomponerse, vuelve a trasladarse a la tela.
Un trabajo disciplinado y sistemático que termina con estas obras figurativas de técnica realista, que recuerda a los maestros del barroco. El artista vuelve a la pintura clásica europea, pero la convierte en un híbrido para crear estos espacios claustrofóbicos y eclécticos llenos de seres y cosas de su propio mundo. El pintor vuelve así a la continuidad de formas y estilos del pasado, y el resultado es una exuberante mezcla de temas y formas, logrando un lenguaje y estilo propio y único.
Guillermo Lorca ha presentado su obra en Chile, México, Estados Unidos, España, Noruega e Italia. Probablemente sus obras más vistas son sus murales Retratos del Bicentenario, una serie de pinturas que están desde el 2010 en el metro Baquedano. Asimismo las expuestas en la exposición individual que hizo el 2014 en el Museo Nacional de Bellas Artes, siendo el pintor más joven en haber expuesto individualmente en ese lugar.
Recientemente se le dio la gran oportunidad de mano del curador Francesco Petrucci de ser el único artista vivo en participar, en una exposición en Turín (2018) junto a los grandes maestros de la historia del arte, Tiépolo, Rubens, Brueghel, entre otros sobre la temática de los perros en la historia de la pintura.
El artista comenta sobre el título de la expo: “Animales nocturnos tiene para mí un doble juego, por una parte es mi propia forma de ser, un creador nocturno, una persona que funciona de noche, cuando el silencio me rodea y las oscuridades y sombras se vuelven más sugerentes. Y por otro lado, están los rincones umbrosos del inconsciente y de los sueños de donde surge el material de mis pinturas. También esa búsqueda de los sutiles lazos entre la memoria y el olvido, las pulsiones y la contención, los miedos y los enfrentamientos, todo ello envuelto por la siempre hermosa y sugerente luz de la noche”.
Animales nocturnos es una muestra reflexiva y oscura, curada por Pabla Ugarte, coordinada por Rosario Lorca y montada por Patricio Fernández.
1 de Agosto al 21 de Octubre de 2018
Martes a Viernes – 10 a 21 horas, Sábado y Domingo – 11 a 21 horas
GAM – Sala Artes Visuales
Exhibición: Reflex. Un jardín y otras cosas que atesorar
Inauguración: 26 de julio a las 19.30 hrs.
Fecha: 27 de julio – 21 de octubre / Horarios: 11 a 19 horas, martes a sábado; 11 a 18 horas, domingo.
Lugar: Sala Media MAC – Parque Forestal
El Museo de Arte Contemporáneo presenta Reflex. Un jardín y otras cosas que atesorarde la artista chilena Angie Saiz. La muestra se expone en la Sala Media MAC, espacio del museo dedicado a la escena de los nuevos medios a partir de una perspectiva curatorial crítica acerca de las implicancias y devenir de las tecnologías en la sociedad contemporáneo y su vínculo con la naturaleza.
“La instalación aborda el problema de la reconstrucción personal como una extensión subjetiva del derrumbre social, económico y ambiental, dando paso a una pulsión por andar, recuperar y recolectar experiencias, imágenes y objetos. Podría decirse que está más cerca de la arqueología artística que de la denuncia evidente”, explica su curadora Alessandra Burotto.
Presentada como una intervención, la muestra despliega en el acceso, el pasillo y en el interior de la sala, un jardín en ruinas construido a partir de ripio, tierra, escombros, plástico y algunas plantas. En medio de este universo, el visitante será sorprendido por videos editados, grabados durante decenas de viajes que la artista realizó a localidades del norte, centro y sur de Chile. Los elementos confluyen y se completan con la banda sonora de una pieza de piano y sonidos autorreferenciales concebidos a partir de ejercicios musicales en bajas frecuencias.
Los primeros registros para la obra fueron realizados en el año 2016, como parte de una residencia en nuevos medios desarrollada en el Centro de Arte Digital Juan Downey, ubicado en Puerto Varas. Tras haber sufrido el robo de todo su material meses después, Angie Saiz hace un gesto de inflexión a partir de la pérdida total resignificando el proyecto original, haciendo hincapié en volver a la búsqueda para atesorar lo nuevo.
“La obra expone un conjunto de ruinas que a momentos parecieran dar origen a un jardín, o bien, muestra un jardín muriendo entre ellas: un espacio indefinido al borde del colapso y la sobrevivencia. De alguna forma, es una metáfora del estado de limbo en que absurdamente el mundo se sostiene actualmente. Por un lado, bajo los escombros del problema medioambiental, la crisis migratoria y la insistencia en un modelo económico que devasta a la gran mayoría; y por otro, ciertos movimientos colectivos y continuas demandas sociales que buscan el cambio tan esperado, y que de alguna manera continúan una lucha por reinventar o quizás reconstruir lo perdido”, comenta la artista Angie Saiz.
La muestra se exhibe entre el 27 de julio hasta el 21 de octubre en la Sala Media MAC, ubicada en el segundo piso de la sede de Parque Forestal. La inauguración se realizará en 26 de julio a las 19:30 hrs.
Sobre la artista
Angie Saiz (Chile, 1977), se formó en Artes Visuales y Realización Cinematográfica en la Universidad de Chile. Su quehacer ha transitado desde la pintura hacia la fotografía, videoinstalación y arte sonoro, con obras que abordan problemáticas estéticas a partir del imaginario biográfico y el cruce y crisis entre las nuevas tecnologías y los conceptos de tiempo, limbo y ruina. Ha expuesto en importantes espacios dentro de Chile y el extranjero, en países como Argentina, Ecuador, Colombia, Brasil, México y Estados Unidos.
www.angiesaiz.cl
«Paz Errázuriz», la primera gran retrospectiva de la artista Premio Nacional de Arte 2017 en la sala Matta, entre el 27 de julio y el 14 de octubre de 2018.
La exposición de una de las fotógrafas chilenas de mayor reconocimiento internacional ha sido organizada por Fundación MAPFRE, con la colaboración del MNBA y financiada por la Subsecretaría de las Culturas y las Artes y el Servicio Nacional del Patrimonio.
Ya expuesta entre diciembre de 2015 y el febrero de 2016, en la sala Bárbara de Braganza de la Fundación MAPFRE en Madrid, España, esta retrospectiva se incorporó luego en el Festival Les Recontres d´Arles, Francia, y en el Museo Amparo de Puebla, México, completando su periplo en Santiago.
La curatoría corresponde al crítico de arte español Juan Vicente Aliaga, quien a través de la selección de obras da cuenta de cuarenta años de la dilatada trayectoria de la artista, abarcando desde sus primeros trabajos de mediados de los años setenta hasta sus series más recientes.
Con alrededor de 170 fotografías y algunos videos, la muestra se plantea desde una dimensión temática, teniendo en cuenta también la cronología.
Los ejes que estructuran la exposición y que dan cuenta de sus principales temas a lo largo de su carrera son: Agentes y espacios del devenir social; Las edades de la vida (y la muerte); Reclusión; Lucha y resistencia; El sexo, instrumento de supervivencia, Impedimentos de la mirada, La desaparición de una etnia, Fortaleza y debilidad, El circo, Exéresis.
Sobre la artista
Nació en Santiago de Chile en 1944. Inició su actividad profesional y artística en la década de los ochenta. Fue cofundadora de la Asociación de fotógrafos Independientes (AFI) y colaboradora de la revista Apsi y de diversas agencias de prensa. Sus fotografías y videos han abordado principalmente el género del documento social; entre sus videos, cabe mencionar El Sacrificio (2001). Su trabajo ha sido expuesto en Chile e internacionalmente, destacando su exposición Réplicas y Sombras en la sala de Fundación Telefónica en Santiago 2004; Poéticas de la disidencia en la Bienal de Venecia 2015 y la retrospectiva en la Fundación Mapfre de Madrid 2015-2016.
Entre sus libros destacan: El Infarto del Alma junto a Diamela Eltit, (1994/1999/2010); La Manzana de Adán con Claudia Donoso (1990/2014); Kawesqar: Hijos de la Mujer Sol (2005), Amalia (1975/2013) -libro para niños con imágenes y texto de Errázuriz- y una antología de su obra Paz Errázuriz, fotografía 1982-2002.
Paz Errázuriz se adjudicó las becas Guggenheim (1986), Fundación Andes (1990), Fulbright (1992), Fondart (1994 y 2009). Recibió el premio Ansel Adams, otorgado por el instituto Chileno Norteamericano de Cultura (1995); el Premio a la Trayectoria Artística del Círculo de Críticos de Arte de Chile (2005) y el premio Altazor (2005). En 2014 recibió el galardón Orden al Mérito Pablo Neruda y el Premio PhotoEspaña en 2015. Su obra se encuentra en colecciones particulares y los museos Guggenheim, MoMA de New York, Tate Modern Gallery de Londres y Museo Nacional de Bellas Artes, Chile.
En 2017 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, siendo la primera fotógrafa en obtener este reconocimiento. Política por naturaleza, trabajadora de lo incómodo y lo difícil, la obra de Paz Errazuriz centra su atención sobre aquellos márgenes de la realidad de los que siempre se desvía la mirada. Heredera de las consecuencias de la dictadura de Pinochet, la fotógrafa rompe el silencio establecido con su obra y pone el foco sobre los inadaptados, los que han sido obligados a enmudecer, los desahuciados. Centrando su mirada en ellos, recuerda la necesidad de proteger y preservar lo mejor de la naturaleza humana y defender a los frágiles, los débiles, los desvalidos. Vagabundos, ancianos, enfermos mentales y travestis perseguidos son algunos de los protagonistas de su obra.
http://www.pazerrazuriz.com/
Actividades
Para extender los alcances de la retrospectiva se publicará un material educativo, que contará con la edición de la autora Rita Ferrer, y una serie de actividades que incluyen una entrevista a la artista a cargo del curador; un encuentro con docentes de artes visuales de la Región Metropolitana, junto a artista-educadores del Programa Acciona de la Secretaría Regional Ministerial de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de la Región Metropolitana; además de un seminario abierto al público para reflexionar y dialogar en torno a la obra de Paz Errázuriz y sus alcances.
27 julio a las 18:30. Entrevista a Paz Errázuriz a cargo del curador Juan Vicente Aliaga
Sin inscripción
10 agosto a las 15:00. Encuentro de Paz Errázuriz con Docentes de artes visuales. 120 Cupos
Inscripciones en este link
Seminario
Sin inscripción
28 agosto desde las 18:30 Mesa 1: Contextos y poéticas de la mirada y de los cuerpos en la obra de Paz Errázuriz
Rita Ferrer (ensayista). Introducción y moderadora; -María Iris Flores (historiadora del arte). Fotografía, campo cultural y contextos de producción simbólica; Jorge Díaz (biólogo, escritor). Género y poéticas de los cuerpos; -Malú Urriola (poeta y guionista). Poéticas de la mirada.
30 agosto Mesa 2: Imaginarios y prácticas fotográficas contemporáneas
Andrea Josch (directora magíster UFT). Introducción y moderadora; -Paula López Droguet (fotógrafa de la Cooperativa de Fotógrafas). Presentación de su obra y referentes; -Diego Argote (fotógrafo). Presentación de su obra y referentes; Zaida González (fotógrafa). Presentación de su obra y referentes.
6 septiembre Mesa 3: Visibilidad, circulación y recepción de la fotografía chilena contemporánea.
Jorge Gronemeyer (fotógrafo y editor). Introducción y moderador; Paulina Varas (académica y curadora); Catalina Mena (periodista y editora). Arte, comunidad y fronteras; Sergio Rojas (académico). Pensamiento crítico y fotografía
Memoria natural se compone de una serie de dibujos realizados con tinta china y carboncillo, además de instalaciones e intervenciones a muro. Relevando las acciones de caminar, observar, recoger, guardar y representar como una metodología clave del trabajo del artista, la muestra propone un cruce entre memoria, imaginación e imágenes.
La exhibición, llega a plantear un nuevo modelo de paisaje, diseccionando cada elemento y examinándolo acuciosamente con una precisión científica, configurándose como un estudio que entrelaza recuerdos con una rigurosidad geológica y botánica.
Exhibición: Memoria natural
Fecha: 21 de julio – 14 de octubre
Lugar: MAC Quinta Normal
El Museo de Arte Contemporáneo presenta Memoria natural del artista chileno Rolando Cisternas en su sede de Quinta Normal. La muestra, que propone un cruce entre paisaje, recuerdos, experiencia e imaginación, incluye una serie de dibujos a carboncillo y tinta china, instalaciones inspiradas en piedras recolectadas e intervenciones a muro. Memoria natural establece un recorrido para contemplar imágenes estáticas que se mueven y ubican en la memoria del espectador, siguiendo la premisa de que el dibujo es una actividad relacionada a la observación y a la reminiscencia.
El artista Rolando Cisternas explica que sus dibujos son la representación de su noción cultural de paisaje: los lugares dibujados no existen en la realidad, sino que forman parte de una construcción, a través de elementos básicos como plantas, tierra y piedras.
Además, el artista recalca la importancia de lo vivido y cómo aquello se hace imagen, considerando el caminar, observar, recoger, guardar y representar, como una metodología constante. Memoria natural se configura como un estudio que analiza los recuerdos con una rigurosidad geológica y botánica, diseccionando y examinando los elementos que componen el paisaje para construir un nuevo modelo de observación, contemplando no solo el presente, sino también remontándose al pasado, al origen, para representar el paisaje desde la perspectiva de los elementos naturales.
Memoria natural se exhibirá entre el 21 de julio y el 14 de octubre en MAC Quinta Normal.
Museo de Arte Contemporáneo
– Sede Parque Forestal
Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.
– Sede Quinta Normal
Matucana 464, metro Quinta Normal.
Horarios:
11 a 19 horas, martes a sábado.
11 a 18 horas, domingo.