«Arquitectura para Piano»

Fotografía y escultura digital de Alfredo da Venezia

30 de marzo al 14 de mayo de 2017. Galería Bicentenario, Centro Cultural Estación Mapocho. Martes a domingo, 11:00 a 20:00 horas. Días lunes la exposición permanece cerrada al público.

Arquitectura para Piano, un proyecto del artista visual Alfredo da Venezia, que tardó un año en concretarse y que define como una declaración de principios.

Mediante pequeñas esculturas digitales de impresión tridimensional y registros fotográficos impresos en metacrilato, el autor, entrega una re interpretación de la arquitectura moderna basado en tres partes: paradigmas de la modernidad, las utopías históricas y la mediagua chilena.

«La oscuridad visible»

Sábado 18 de marzo al domingo 14 de mayo de 2017 / martes a domingo de 11:00 a 18:30 horas / Domingos es gratis. Museo de Artes Visuales. José Victorino Lastarria 307. Plaza Mulato Gil De Castro. Metro Universidad Católica.

Exposición individual del artista nacional Matías Movillo, surgida de su reencuentro casual con la casa en la que vivió cuando joven y que estaba siendo entonces demolida, “La Oscuridad Visible” consiste en una veintena de obras de mediano y gran formato que conforman en conjunto una elaboración cronológica y simbólica a partir del uso de la cinta de enmascarar, masking tape. Esta exposición da  continuidad a su trabajo anterior, “La casa con el cielo en el suelo” (2013), con la que rompió con su  característico realismo para dar paso a una obra con mayor abstracción.

«Luz común, la seducción de lo cotidiano»

Sábado 25 de marzo hasta el sábado 6 de mayo de 2017.
Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 horas.
Sala de Arte MNBA Mall Plaza Vespucio.
Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida. Metro Bellavista de La Florida.

Sesenta fotografías revelan la vida al interior de un edificio residencial.

La curiosidad de lo que sucede puertas adentro de un hogar es el motor que da sentido a la exposición de la artista visual Carola Sepúlveda. Las fotografías dan cuenta de cómo se vive puertas adentro en un edificio residencial, ilustrando las intimidades de la vida en comunidad, pero separadas por muros divisorios.

El proyecto, ganador de un Fondart 2016, busca poner en imágenes, aquellos instantes en que desde sus propios espacios las personas presienten las vidas de sus vecinos y brevemente los imaginan en la intimidad de sus movimientos cotidianos.

Desde una mirada íntima e incluso experiencial, ya que el escenario para el rescate de estas historias comunitarias fue el mismo edificio donde habitó la artista, explora el interior de los departamentos de un edificio capitalino, adentrándose en sus entornos personales y familiares, captando cómo organizan sus espacios, la manera que disponen la mesa en la que comen, dónde instalan sus computadores, dónde se reúnen. Un ejercicio por descubrir quiénes son los dueños de esos sonidos y voces que se cuelan como murmullos entre un departamento y otro; cómo es la existencia del hogar del martilleo incesante y la identidad de aquellos rostros que se topan en los pasillos.

Para su desarrollo, Carola Sepúlveda recurre a la innovación experimental del arte fotográfico, utilizando una cámara estenopeica híbrida que fusiona la técnica análoga con la tecnología digital, a través de la cual indaga en el pensamiento reflexivo y formas de representación. Así, captura rincones y escenas que suceden en los departamentos que, sin ser evidentes ni literales, entregan imágenes difusas, contornos irregulares, con poca nitidez y definición. «La fotografía se revela como un tamiz de la realidad, haciendo que la imagen no se presente como verificación sino como posibilidad», explica la artista.

«En estos espacios vivimos la dualidad de estar a centímetros de distancia y conceptualmente aislados. Necesariamente protegemos nuestra intimidad de la vista o la conciencia del ´otro’, el vecino, aquel extraño que encontramos de pasada en las escaleras o accesos.»

Vertical y horizontalmente se despliegan cotidianos, dinámicas e intimidades de forma simultánea, tal como George Perec lo grafica en su obra La vida instrucciones de uso: «Los vecinos de una misma casa viven a pocos centímetros unos de otros; los separa un simple tabique; comparten los mismos espacios repetidos de arriba abajo del edificio; hacen los mismos gestos al mismo tiempo: abrir el grifo, tirar de la cadena del wc, encender la luz, poner la mesa, algunas decenas de existencias simultáneas que se repiten de piso en piso, de casa en casa, de calle en calle».

Sobre Carola Sepúlveda

Oriunda de la comuna de Pinto, en la VIII región, estudió Artes Visuales en la Universidad de Chile. Es parte de la generación de mujeres artistas entre las que destacan Cecilia Avendaño, Antonia Daiber, Bárbara Oettinger, Camila Pino Gay e Inés Molina.

Desde 2006 ha participado en exposiciones individuales y colectivas, tiempo en que comenzó su tránsito de la pintura a la fotografía, siendo esta última la que ha definido su labor de los últimos años en cuanto a experimentación técnica. Sus temas de interés han sido la reflexión sobre los medios de representación y la mirada sensible al entorno y elementos del cotidiano, objetos y espacios que se invisibilizan en su funcionalidad, pero que sin embargo dan soporte al movimiento de la vida.

«Taller Roca Negra»

Miércoles 22 de marzo al domingo 28 de mayo de 2017 ; Martes a domingo de 11:00 a 19:30 horas / CA660 Itaú Corpbanca, Fundación CorpArtes. Rosario Norte 660, nivel -2, Las Condes.

CorpArtes presenta: Taller Roca Negra, gran retrospectiva del reconocido escultor chileno Federico Assler

El Premio Nacional de Arte 2009, llega a la sala de arte del centro cultural de CorpArtes con una retrospectiva que sumergirá al público en su mundo más íntimo. Los objetos que lo mueven, los materiales que utiliza, sus bocetos y técnicas, serán algunos de los elementos de esta muestra que se extenderá desde el 22 de marzo al 28 de mayo y que tendrá entrada liberada.

Un viaje por las inspiraciones, procesos creativos y obras de Federico Assler (Santiago de Chile, 1929), es el interesante recorrido que trae Taller Roca Negra, la nueva exposición del reconocido escultor chileno.

Roca Negra, el taller y museo de Assler ubicado en el Cajón del Maipo -y que hoy alberga más de 300 de sus trabajos-, se trasladará por primera vez desde su espacio originario para conformar esta impresionante exhibición, con piezas que van desde los inicios de su carrera hasta hoy.

La muestra estará compuesta por más de 30 obras, creadas desde 1964 al 2017, entre las que se contarán pinturas, dibujos, esculturas blancas en madera -primeros trabajos donde usa la tridimensionalidad- así como volúmenes de hormigón en pequeño y gran formato. Además, se incluirán piezas nunca antes exhibidas, y que fueron creadas especialmente para esta ocasión.

Por primera vez, CorpArtes habilitó no sólo la galería de arte de su centro cultural, sino también un espacio exterior (ubicado en el nivel 1) donde se instalarán nuevas esculturas de gran formato, hechas en hormigón pigmentado.

Un homenaje en vida a este gran artista que, a través de su original uso del hormigón, se ha consagrado como uno de los referentes de la escultura en Chile.

La exposición

La exhibición se dividirá en tres sectores y recorrerá la obra de Federico Assler a partir de su proceso creativo: inspiración, proceso y creación.

El recorrido comenzará con dos esculturas de hormigón (una blanca y la otra, gris grafito) hechas para la exposición. La siguiente sala incluirá obras en madera y arena volcánica, entre las que destaca Cruz Corteza, una pieza de 5 metros. En este sector, titulado Inspiración, el público podrá conocer obras de experimentación creadas con técnicas mixtas y diferentes materiales -como maderas, hojas, huesos, caracoles, entre otros- además de dibujos, maquetas y cuadros preparativos.

La sala del “proceso”, proyectará un video que dará a conocer el trabajo de Assler, su proceso de creación, maquetas y croquis.

Entre las obras que se exhibirán se cuentan Salamanca, Puerto Octay y La Pastora. Destaca Viaje a la Luna, por no haber salido nunca antes del taller.

La última sala se ambientará tal como es actualmente el taller de Federico en Roca Negra, con sus materiales, afiches y todos los elementos que diariamente lo inspiran. Un detalle importante es que el público podrá ver cómo trabaja este artista e incluso llegar a conocerlo, pues estará constantemente visitándolo.

Sobre Federico Assler

Nacido el 24 de abril de 1929 en Santiago de Chile, Federico Assler es un reconocido escultor nacional. Con una trayectoria de más de 60 años, en 1954 comenzó sus estudios en arquitectura en la Universidad Católica de Valparaíso, participando luego en los talleres de dibujo de la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, donde fue alumno del artista y profesor alemán Hans Soyka. Los primeros 14 años de su carrera se dedicó a la pintura, participando en exposiciones internacionales como la Bienal de París (1963) y la Bienal de Sao Paulo (1965). Luego, su interés por la creación en volumen lo llevó, a mediados de la década de los 60, a la escultura; primero con sus obras en madera aglomerada y después a través de la exploración del hormigón, creando una técnica única que desarrolla hasta hoy. Junto con la creación artística, Assler también se desempeñó como secretario ejecutivo (1964-1966) y luego como director (1968) del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Posteriormente, fue profesor de escultura en la Escuela de Artes de la Universidad Católica (1970) y de paisajismo en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile (1971). En 1973 se radicó en España, donde residió durante 10 años. Desde entonces ha emplazado sus obras en hormigón tanto en Chile como en el extranjero. Merecedor del Premio Nacional de Arte 2009 por su trayectoria artística, también ha recibido el Premio Altazor en tres ocasiones (2004, 2005 y 2010). Actualmente reside en el Cajón del Maipo, Chile. Desde 1983 tiene allí su taller y casa museo llamada Roca Negra.

«Rutas en exploración»

22 de marzo al 30 de abril de 2017. Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas. El día lunes la exposición permanece cerrada al público. Salas de Exposición. Centro Cultural Las Condes. Apoquindo 6570.

Carlos Llosa es hoy uno de los escultores más reconocidos del Perú y llega a Las Condes con RUTAS EN EXPLORACIÓN, en su versión completa, una muestra que es el resultado de sus búsquedas geométricas y en la que utiliza novedosos materiales.

En la exposición, que transita entre lo orgánico y lo industrial, el autor explora las diferentes posibilidades de los materiales y el volumen, potenciando su constante juego con la tridimensionalidad y la interrelación entre lo cóncavo y lo convexo.

Parte de la muestra se exhibió en enero inaugurando la nueva sede de galería La Sala, pero ésta es la primera vez que se exhibe en nuestro país la serie completa. Por ello, las obras ocupan todas las salas del primer piso de nuestra casona. Allí, los materiales interactúan con el espacio; son volúmenes dinámicos que funcionan de distintas maneras – pueden disponerse sobre una superficie o bien colgarse en los muros – y, finalmente, las obras se arman con el espectador.

El propio Llosa, de formación autodidacta, se refiere a los materiales que ocupa, señalando que descubre “cosas simples como mangueras, cajas porta huevos, mallas de metal, tubos, piezas de maquinarias o postes de luz abandonados, que siento que me invitan a que los tome en cuenta, que los mire y estudie con el espíritu abierto hasta llegar a encontrar la mejor forma de trabajar con ellos, para obtener lo que en silencio me estaban proponiendo”.

Y agrega: “Allí es cuando siento que transito realmente por lo que considero las rutas en exploración: caminos que no han sido antes recorridos; o si lo han sido, no se han conocido mayormente. A diferencia del caso de las obras en que se utilizan los materiales usuales para los procesos de creación artística, en mi caso, busco experimentar pacientemente, en forma silenciosa pero persistente, con el uso de materiales y procesos diferentes, no importando el tiempo que me tome, pues al final, -ya lo he comprobado-, ello en algunos casos te puede llevar a resultados finales diferentes a lo ya visto, gratamente sorprendentes”.

Carlos Llosa Larrabure (1947) nació en Lima, estudió Economía en la Universidad Nacional de Ingeniería de dicha ciudad, pero se ha dedicado desde hace muchos años al arte. Fue cofundador en 1992 y actual Director General de la Escuela Superior de Artes Visuales “Corriente Alterna”, que se caracteriza por formar, en una carrera de cinco años, a los artistas visuales más contemporáneos de su medio.

Ha venido realizando un metódico trabajo introspectivo de investigación personal, con el empleo de materiales de uso diario o de tipo industrial, con tendencia a la expresión geométrica en tres dimensiones. Su muestra Des Urb, realizada en la Feria Internacional Art Lima, en abril de 2016, fue una instalación de gran formato (81 piezas bajo movimiento rotatorio en un área de 30 m2), que presentaba una crítica metafórica al crecimiento desordenado de muchas grandes urbes. Fue curada por el crítico Gustavo Buntinx.

«Reflejo involuntario»

Sábado 18 de marzo al domingo 28 de mayo de 2017 / martes a domingo de 11:00 a 18:30 horas / Domingos es gratis. Museo de Artes Visuales. José Victorino Lastarria 307. Plaza Mulato Gil De Castro. Metro Universidad Católica.

Exposición individual del reconocido fotógrafo nacional Mario Fonseca, bajo la curaduría de la investigadora de arte contemporáneo chileno Niki Raveau, la muestra incluye grandes vistas de Chiloé y la Patagonia, fauna acosada y otros paisajes que se proyectarán en pantallas, cajas de luz y cajas de agua. Esta  es la quinta exposición de Fonseca en toda su carrera.

«Puertas y ventanas de Chile»

18 de marzo al 28 de mayo de 2017. Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas. Salas de Exposición. Centro Cultural Las Condes. Apoquindo 9085. El día lunes la exposición permanece cerrada al público.

Un poético recorrido por Chile, desde Putre hasta Chiloé, realiza el expositor Germán Hevia (1963), quien estudió fotografía con el maestro Bob Borowicz. El autor elige puertas y ventanas, sólo detalles que a veces llegan casi a la abstracción, pero que entregan la clave para construir la escena completa. Así, se nos aparece el telúrico paisaje del norte, con sus casas de barro y su gente quemada por el sol altiplánico, o el húmedo entorno chilote, con las casas en alto cubiertas por añosas tejuelas.

Su primer encuentro profesional con la fotografía comenzó a fines de los años 80, realizando trabajos en el mundo del esquí de competición y bancos de imágenes para centros de esquí, lo que hizo que se especializara en la fotografía de deportes. En California trabajó fotografiando torneos de surf.

Por otra parte, su pasión por los viajes lo llevó también al mundo de la fotografía de paisajes, documental y de arquitectura (lugares, personas y culturas). “La fotografía siempre ha sido mi compañera. Nos vamos adaptando mutuamente, donde la vida nos va llevando. Es como una conversación constante entre los dos”, señala.

Así nació el proyecto de esta exposición, cuando viajaba por otros trabajos de fotografía, y en los lugares que visitaba, se obsesionaba con las casas, sus puertas y ventanas. “Empecé a notar que los materiales con los que estaban construidos dependían de la geografía, y de los materiales disponibles en el lugar. También expresaban la cultura y forma de ser de quienes habitaban esas construcciones. Por otro lado, el tiempo hacía lo suyo, aparecían las texturas y los colores, por lo que concentré la composición de este tema, dándole un carácter pictórico”.

Desde hace seis años vive en Pucón, al sur de Chile, junto a su familia, donde ha realizado un completo registro de fotografías digitales de paisajes y naturaleza de la zona, muchas en formato panorámico.

«Trama»

Exposición de Paula Blackburn

16 de marzo al 12 de abril 2017 / Lunes a Viernes de 9 a 18 horas / Espacio Vilches. Campus Oriente UC. Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia. Días sábados y domingos la exposición permanece cerrada al público.

TRAMA consiste en la estructuración de un trabajo visual por medio de la repetición y combinación de un objeto industrial de bajo costo. La reiteración arreglada de estos objetos entre sí, como si se tratase de módulos, permite la estructuración de una retícula que se extiende por la superficie de los muros del espacio de exhibición. Aquí, el posible orden y distribución de la obra se piensa de acuerdo con la geometría del espacio arquitectónico en el que se realiza para, así, establecer un diálogo entre artes visuales y arquitectura.

«Te Pito o Te Henua»

Exposición de fotografía de Luis Poirot

La Scuola Italiana y su Centro Cultural inaugurarán la muestra fotográfica “Te Pito o Te Henua”, del destacado fotógrafo nacional Luis Poirot, el miércoles 15 de marzo a las 12:00 horas en la Sala Terracota (Avda. Las Flores 12.707. San Carlos de Apoquindo).

El montaje estará exhibido hasta el 14 de abril, y puede ser visitado de lunes a viernes de 8:00 a 17:00 horas. Entrada liberada.

La exposición está conformada por una serie de 25 fotografías en blanco y negro, tomadas con cámara análoga (35mm, 6×6, panorámica) y ampliadas en papel fibra, que registran los numerosos viajes que realizó el artista a la Isla de Pascua, denominada Te Pito o Te Henua (el “ombligo del mundo”).

El primer encuentro que tuvo el artista con este lugar, fue el año 1969 y el último en 1999, retratando en diferentes períodos, los restos de esta cultura ancestral y compleja que hasta el día de hoy, en algunos aspectos, sigue siendo indescifrable.

Sobre el artista:

Luis Poirot, artista visual y fotógrafo chileno (Santiago, 1940), ha desarrollado una extensa y destacada carrera, siendo considerado un retratista fundamental del siglo XX de nuestro país, registrando a grandes figuras de la cultura y política chilena, como también momentos clave de nuestra historia.

Estudió Teatro en la Universidad de Chile y después Cine en Francia, dedicándose finalmente a la fotografía.

Su obra ha estado enfocada siempre en la técnica del blanco y negro, dándole a sus fotografías un sello de profundidad, intensidad y particular belleza.

A lo largo de su carrera ha recibido importantes y numerosos premios, tanto en Chile como en el extranjero, el último recibido fue el Premio a la Trayectoria en Fotografía Antonio Quintana 2016, reconocimiento entregado por primera vez por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), que busca valorar el trabajo fotográfico de quienes han hecho una propuesta significativa en esta disciplina.

«True colors»

Sábado 4 de marzo al domingo 9 de julio de 2017 / Lunes a domingo, 9:00 a 19:30 horas / Galería de la Fotografía Chilena | Nivel -3 / Centro Cultural Palacio La Moneda.

El Centro Cultural La Moneda en conjunto con el área de fotografía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) presentan True Colors, del fotógrafo Mauricio Duarte Arratia, segunda exhibición de la Galería Fotografía Chilena, espacio dedicado exclusivamente a esta disciplina.

La muestra True Colors, de Mauricio Duarte Arratia es una propuesta curada por Andrea Aguad en la que el color y la forma están por sobre el contenido temático de la imagen, y cuyos protagonistas son paredes, flores plásticas, sillas y artefactos en desuso, objetos propios de un cotidiano inerte que, a través del lente del artista, reflejan una luz cargada de significado.

El trabajo de Mauricio Duarte Arratia, quien ya ha expuesto en espacios como la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Ch.ACO y el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso (FIFV), y obtuvo el primer lugar del Premio Sergio Larraín 2014, es inspirado en los principios del Suprematismo Pictórico, logrando un nivel de abstracción en las formas retratadas que permite al observador desarrollar una percepción subjetiva del objeto que sostiene el color, en concordancia a lo expresado por Johann Wolfgang von Goethe, en el siglo XIX.

True Colors es la segunda exposición en presentarse en la Galería Fotografía Chilena del Centro Cultural La Moneda, y corresponde a una selección de fotografías en las que Mauricio Duarte construye una realidad paralela definida por sus propios conceptos y elementos.

Este trabajo fue presentado por Andrea Aguad en la primera convocatoria abierta de exposiciones fotográficas para la Galería Fotografía Chilena (ex Galería Túnel), un espacio de colaboración entre el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y el Centro Cultural La Moneda, que fomenta el trabajo de fotógrafos nacionales, uniendo el oficio de los curadores y autores chilenos, y que próximamente anunciará una nueva convocatoria.