«2054»

  • Inauguración Jueves 15 de diciembre de 2016, 19:30 horas.
  • Jueves 15 de diciembre de 2016 al jueves 26 de enero de 2017.
  • Galería Metales Pesados Visual. Merced 316, Santiago.
  • Martes a viernes, de 11 a 20 horas; sábado de 11 a 14 hrs y de 17 a 20 horas; domingo de 16 a 19 horas.

Del 15 de diciembre al 26 de enero Galería Metales Pesados Visual exhibirá la muestra 2054 del artista chileno Francisco Papas Fritas. En esta muestra, por primera vez se expondrán al público archivos de la Comisión Nacional de Prisión Política y Tortura durante la dictadura cívico-militar en Chile – conocidos como Valech I – que siguen estando en secreto por 50 años.

Este proyecto comenzó el 2014 con Desclasificación Popular donde se construyó un sistema de desclasificación, cuya segunda etapa, iniciada a partir del año 2015, ha consistido en la difusión y sistematización del proyecto por parte de un equipo multidisciplinario. Este último ha sido el encargado de la generación de accesos de ex presos y ex presas políticas a sus archivos mediante recursos de protección contra el Instituto de Derechos Humanos, custodio legal de los archivos Valech.

Bajo este mecanismo se han logrado desclasificar las primeras carpetas, poniendo en entredicho el secreto e impunidad que pesa sobre dicha Comisión. Estos archivos serán dados a conocer por primera vez en la exposición 2054, y de forma posterior en el sitio web de desclasificación popular. Con ello se dará inicio a la tercera etapa del proyecto que consiste en la triangulación de la información, tanto para la apertura de causas judiciales como para distintos tipos de investigación que contribuyan tanto a la verdad, justicia como a la memoria histórica.

De acuerdo con la descripción realizada por la académica y teórica feminista Alejandra Castillo, la instalación 2054 – año del supuesto fin del secreto – consiste en un conjunto de cuadros que en su mayoría no tienen más imagen que la del reflejo, otros, los menos, contienen piezas de los archivos de los testimonios de aquellas y aquellos que sufrieron de prisión política y tortura durante la dictadura militar iniciada el año 1973. Cerca de aquellos cuadros, se instala otra serie de imágenes con las fotografías oficiales de quienes han gobernado Chile desde la 1990 hasta hoy; más los afiches del SI y del No de la campaña electoral de 1989 en forma invertida, volviendo visible la siguiente leyenda: is on. Más claramente se deja leer: The Secret is on. El secreto está, el secreto es visible, el secreto es ahora instalado a plena luz.

Frente a aquellas imágenes se exhibe un video-performance cuyo foco de atención no es otro que un cuerpo. Un cuerpo violentado; el del autor de la obra, Francisco Papas Fritas quien simula ser parte de una escena de tortura. Esta escena se entrecruza con una sesión de tatuaje que va escribiendo letra a letra un testimonio del Informe Valech sobre la espalda del artista. Este cuerpo —el de la tortura y el del artista— pese a su fragilidad resiste al silencio impuesto por la lógica del secreto inscribiendo en sí un testimonio del horror. Más aún, es un cuerpo que trae de vuelta al presente historias, memorias y heridas.

¿Dónde empieza el arte, dónde acaba la política? El propio dispositivo visual se resiste a operar en la distinción y la clasificación, su proceder es más cercano a la infiltración y al contagio. 2054 más que ser sólo el año propuesto por el Estado chileno para la desclasificación de los archivos del Informe Valech se vuelve una clave de acceso al presente. Un presente que se describe en dos planos: uno, el del secreto; el otro, el de la resistencia política de la desclasificación popular. Para la resistencia política estética, 2054 es entonces la cifra que inicia el movimiento del dispositivo político visual de la desclasificación popular. Su tiempo es ahora el del presente-pasado.

CV

Francisco Tapia Salinas, conocido como Francisco Papas Fritas (8 de noviembre de 1983, San Miguel, Santiago de Chile) es un artista visual y activista, reconocido nacional e internacionalmente por un estilo artístico de profundo sentido político radical.

Su trabajo de orden multidisciplinario se caracteriza por un alto contenido político y mediático, desde el cual busca intervenir y modificar la realidad proclamando la desobediencia civil. Esta propuesta artística se inscribe dentro del denominado arte operacional; arte puesto al servicio de la crítica al orden social establecido.

Papas fritas es autor de diversas obras polémicas donde ha puesto en el centro de la crítica ámbitos relativos a la cultura, la política institucional y judicial tanto chilena como internacional. Entre ellas, destaca la obra Ad Augusta Per Angusta que le otorgó visibilidad a nivel internacional.

Ha sido invitado a participar en exposiciones internacionales en China, Costa Rica, Italia, entre otros.

«Rutas de exploración»

  • Miércoles 14 de diciembre de 2016 al Sábado 28 de enero de 2017.
  • Galería La Sala. Francisco de Aguirre 3720. Vitacura.
  • Lunes a Viernes, 10:00 a 20:00 horas.
  • Sábado, 11:00 a 14:00 horas.

Exposición del artista peruano Carlos Llosa, actual director de la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna, ubicada en Miraflores, Lima.

Llosa suele realizar empleando materiales de uso diario o de tipo industrial, con tendencia a la expresión geométrica en tres dimensiones. En «Rutas de exploración» presenta los resultados de sus búsquedas geométricas, con empleo tanto de maderas terminadas en acabados de pinturas acrílicas, como de mangueras de alta presión trabajadas con su personal mirada.

Sobre Carlos Llosa: De formación autodidacta, Carlos Llosa nació en Lima en 1947 y fue cofundador en 1992 y actual Director General de la Escuela Superior de Artes Visuales “Corriente Alterna”. Ha venido realizando un metódico trabajo introspectivo de investigación personal, con el empleo de materiales de uso diario o de tipo industrial, con tendencia a la expresión geométrica en tres dimensiones. Su última muestra, realizada en la Feria Internacional Art Lima en abril de 2016, fue una instalación de gran formato (81 piezas bajo movimiento rotatorio en un área de 30 m2) que bajo el título “Des Urb” presentaba una crítica metafórica a el crecimiento desordenado de muchas grandes urbes. Esta muestra fue curada por el crítico Gustavo Buntinx.

“Picasso. Mano erudita, ojo salvaje”

Para finalizar la celebración de los 10 años del Centro Cultural La Moneda, llega desde el Musée national Picasso-París la exposición “Picasso. Mano erudita, ojo salvaje”, una muestra organizada en conjunto por ambas instituciones culturales y que visita Chile luego de un gran éxito en las ciudades de São Paulo y Río de Janeiro. 135 obras originales del artista español que incluyen piezas especialmente seleccionadas para exhibirse en Santiago.

La exposición de uno de los íconos artísticos más importantes del siglo XX llega a Chile gracias al importante aporte de Minera Doña Inés de Collahuasi y Abertis Autopistas Chile, a través de la Ley de Donaciones Culturales.

La muestra incluye 35 pinturas de mediano y gran formato, 41 dibujos, 20 esculturas, 20 grabados y 19 fotografías, dispuestas en nueve secciones que, en conjunto, abarcan la profusa carrera del artista en sus distintas etapas que permitirán a los visitantes descubrir el proceso creativo de Pablo Picasso en forma cronológica.

La curadora Emilia Philippot, conservadora responsable de las Artes Gráficas en el museo parisino, propone una aproximación cronológica y multidisciplinaria que permite un recorrido desde su juventud, donde ya se apreciaba la maestría de sus composiciones, hasta sus trabajos más experimentales y transgresores en la cima de su carrera.  También es posible recorrer las obras a través de las temáticas que fueron articulando su lenguaje artístico: la importancia de su núcleo familiar, su pasión por el universo femenino, la preocupación por el sufrimiento y sus denuncias frente a los abusos de los conflictos bélicos, en especial la guerra civil española y la ocupación alemana de Francia.

La exposición estará acompañada por recorridos mediados dirigidos a todo público y talleres en los que nuestros visitantes podrán experimentar las diferentes facetas del artista español. Los niños podrán conocer el collage, los autorretratos y la escultura cubista, mientras que jóvenes y adultos podrán interiorizarse en la cerámica, el retrato, la escultura cubista y distintas técnicas mixtas. Además, los sábados y domingos se realizarán ciclos especiales de Cuenta Cuentos Infantiles.

Todas estas actividades se acompañarán con folletos y cuadernos educativos, visita virtual, audioguías, módulos educativos y todas las actividades que tiene preparada la Zona Interactiva Mustakis de Fundación Mustakis.

14 de Diciembre de 2016 hasta 5 de marzo de 2017.

Salas de exposición: Andes y Pacífico | Nivel -3

Lunes a domingo, 10:00 a 13:00 horas, GRATIS.

«Ofrenda»

El reconocido artista nacional, Andres Duran, ganador de certámenes en Photo España, Ch.ACO & Finlandia, y nuestra Beca Arte CCU 2015, nos invita a reflexionar sobre el lazo afectivo entre el espacio y los habitantes de la comuna La Dehesa, con su nueva exposición “Ofrenda”.

La obra muestra el peregrinaje de una mujer que carga y deposita una corona de flores conmemorativa en distintos momentos de su recorrido. El registro se realizó en La Dehesa, que se muestra como una comuna donde escasean los peatones y abundan los automóviles. Su protagonista es un personaje que deambula solitario y se reconoce como foráneo del lugar.

Te invitamos a la inauguración de la obra, el próximo lunes 12 de diciembre, a las 19:30 horas, en Sala de Arte CCU, Vitacura #2670, piso -1. Inscríbete en: http://bit.ly/ExpoOfrenda ¡Te esperamos!

Andrés Durán
www.andresduran.cl

Andrés Durán (1974) ganador Beca Arte CCU 2015 Vive y trabaja en Santiago de Chile. Licenciado en Bellas Artes de la Universidad ARCIS y con estudios previos de Arquitectura.

Entre sus exposiciones individuales destacan: Monumento Editado (2014-2016), se ha expuesto en Galería Gabriela Mistral (Chile), Galería Metales Pesados Visual (Chile), Festival Guatephoto (Guatemala) y proximamente en el Museo FoLa (Argentina). Ejercicios para distraer la mirada (2012) Museo Nacional de Bellas Artes (Chile), Jardín se arrienda (2009) MAC (Chile), Delay (2005), Ménsulas (2003) MAC (Chile), Terreno Baldío (2002) Galería Gabriela Mistral (Chile) y Casa Cartel (2001). Ha participado en varias exhibiciones tanto en Chile como en el extranjero, tales como: Latin American Photography 1980-2015, Michael Hoppen Gallery (Londres), IV Bienal del MERCOSUR (2001), Porto Alegre (Brasil). Territorios Fronterizos. La fotografía más allá de la imagen (2014), Centro Cultural Matucana 100 (Chile).Travesías: Chile-Asia Pacífico (2005), Museo Nacional de Arte Contemporáneo (Corea). Ha sido ganador del Premio Descubrimientos PhotoEspaña 2016, de la BecaArte CCU 2015 y fue nominado al Altazor como mejor instalación (2005). Ha recibido el financiamiento de Fondart el 2001, 2003, 2009, 2012, 2015.

«Antonio de Matta»

Los invito a una muestra en donde no sólo podrán conocer mi obra en primera persona, sino que también podrán conocer un espacio en donde están sucediendo situaciones interesantes de la escena artística de Santiago.

 

«Historia violenta y luminosa»

Con alrededor de cincuenta obras recientes el artista José Pedro Godoy explora la cultura camp. En el ala sur, primer piso, desde el 7 de diciembre de 2016 hasta el 19 de marzo de 2017 (martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas).

Tomando elementos de la cultura pop, cargado de referencias a las teleseries, el porno soft y la estética camp y con colores saturados el artista crea encuentros sexuales dentro de paisajes nocturnos, algunos de abundante vegetación o en parajes indeterminados en los que ocurren choques o explosiones.

En muchas escenas el pintor se cita a sí mismo aportando un imaginario propio de animales, pájaros, flores, autos en destrucción y cuerpos desnudos o semidesnudos de parejas de distintas identidades y orientaciones sexuales, que miran al espectador sin inhibiciones. «Me interesa la estética del mal gusto, me interesa lo que pasa con las teleseries, donde está la mala que se está muriendo, con los ojos pintados y la uñas recién hechas, hay algo falso en eso que me atrae y trato de representar. Retrato la sexualidad frontalmente, pero también está idealizada, la idea es estetizar las relaciones, el sexo, el horror», cuenta Godoy.

En el catálogo de la exposición, el periodista Óscar Contardo explica que además del softporn que es una versión más suave o menos literal del porno, el artista se nutre de la estética camp. «La irrupción del adjetivo camp en el ámbito del debate intelectual, gracias al famoso ensayo de Susan Sontag, iluminó aquello que antes había permanecido en la oscuridad, en la zona clandestina donde la sexualidad disidente se resguardaba de la policía social. Lo camp era hasta ese momento el espíritu que surgía a contrapelo del gusto oficial y los patrones de comportamiento convenidos como apropiados por una comunidad», aclara el autor.

Con el mismo título de la exposición, la obra central de la muestra es una pintura de tres por once metros. Se trata de un políptico de siete paneles unidos que cumplen el rol de los antiguos carteles de las películas, que se pintaban en grandes lienzos y se instalaban en la fachada de los cines. En esta obra, Godoy representó dos escenas antagónicas que muestran dimensiones negativas y positivas del mundo actual.

Sobre el artista

José Pedro Godoy, nació en Santiago de Chile en 1985. Es Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Ha expuesto individualmente en Santiago y Nueva York y en muestras colectivas en Chile como también en Panamá, Canadá (2013), Bolivia (2010), Argentina (2008).

Entre sus premios destaca la adjudicación del Fondart en los años 2012 y 2015. En 2010 obtiene una mención honrosa en el concurso Entre Ch.ACO y Finlandia. En el año 2008 gana el segundo lugar en el concurso Cabeza de Ratón organizado por el Museo de Artes Visuales de Santiago, por su obra Naturaleza Quieta/Paisaje. Además ha sido finalista a los premios Illy Sustain Art (ARCO Madrid, 2015) y Arte (Cutlog París, 2013).

Cuenta con dos publicaciones monográficas: los catálogos de El Progreso del Amor (2012) y Heliogábalo (2010), y su obra ha sido incluida en libros de arte y teoría como Sub30 (Jorge González Lohse Ed. Editorial Ocho Libros, Santiago, Chile, 2014), Revisión Técnica (Jorge González Lohse Ed. Editorial Ocho Libros, Santiago, Chile, 2010) y Desmemoria y Perversión (Fernando Blanco, Editorial Cuarto Propio, Santiago, Chile, 2010), además de estar incluida en numerosos catálogos y revistas de arte (Chaco, Galería Gabriela Mistral, Sala de Arte CCU, Sala Cero, Pinta NY, Picnic).

Ha participado en ferias de arte como ARCO Madrid sección Solo Projects Focus Latinoamérica, Pinta NY, Cutlog Paris, Cutlog NY, ArteBA, Ch.ACO, Art Scope y Art Miami.

«Ni lágrimas ni culpa»

  • Jueves 1 de Diciembre de 2016 al Viernes 6 de Enero de 2017.
  • Horario: Lunes a viernes, 10:00 a 19:00 horas; Sábados, 10:00 a 14:00 horas.
  • Fotogalería ARCOS. Santo Domingo 789. Metro Plaza de Armas o Metro Bellas Artes.

La reconocida fotógrafa nacional y dos veces finalista del premio Altazor Zaida González presenta su última obra visual, una colección de imágenes, que según la misma autora, es una muestra bastante personal que retrata momentos difíciles que ella ha vivido últimamente.

Las imágenes en blanco y negro fueron retocadas a mano mediante coloridas acuarelas, técnica personal de la artista que le ha validado admiración y reconocimiento. González reconoce que su mayor inspiración es el estilo y la estética que utilizan los mexicanos a la hora de retratar su arte.

«El riesgo de la luz»

  • Inauguración Jueves 24 de noviembre de 2016, 19:00 horas.
  • Jueves 24 de noviembre de 2016 al domingo 19 de febrero de 2017.
  • Sábado 24 y Sábado 31 de diciembre de 2016 abierto hasta las 16:00 horas.
  • Lunes a domingo, 9:00 a 19:30 horas
  • Galería de Fotografía Chilena, Nivel -3 Centro Cultural La Moneda.
  • Un nuevo espacio para la fotografía.

Fotografías de Hugo Ángel, a medio camino entre aparición y desaparición

Con obras de Hugo Ángel Gómez y Mauricio Duarte abre la nueva Galería de Fotografía Chilena del Centro Cultural La Moneda.

La exposición “El riesgo de la luz”, de Hugo Ángel y el proyecto “True Colors”, presentados por las curadoras Carla Möller y Andrea Aguad, son los ganadores de la convocatoria de exposiciones fotográficas de la nueva Galería de Fotografía Chilena del Centro Cultural La Moneda.

El proyecto presentado por Carla Möller es una curatoría de las obras del fotógrafo Hugo Ángel, quien en 2016 participó en la muestra colectiva de Fotografía “Mercado Negro”, realizada en Montevideo, Uruguay. Además, en 2016 participó en la exposición “Álbum de Chile, Retrato de una Nación” del Centro Cultural La Moneda.

El proyecto de Andrea Aguad es una curatoría de las obras realizadas por Mauricio Duarte, que destaca el trabajo del fotógrafo que ganó el primer lugar del premio Sergio Larraín en 2014, y quien además ha expuesto en la Feria internacional de Arte Ch.ACO y en el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso (FIFV) 2014.

Los proyectos ganadores fueron seleccionados por un jurado compuesto por el Fotógrafo Mauricio Toro Goya; la Coordinadora de Exposiciones del Centro Cultural La Moneda, Macarena Murúa Rawlins; el Coordinador del Área de Fotografía del CNCA, Felipe Coddou Mc Manus; el Artista Visual Bernardo Oyarzún Ruíz, y el Curador y Artista Mario Fonseca Velasco.

La Galería de Fotografía Chilena del Centro Cultural La Moneda, que se inaugurará en noviembre, es un espacio inédito con financiamiento desde el Estado que cumple con el objetivo de dar circulación de autores a nivel nacional e internacional y asimismo de afianzar la asociatividad entre curadores y autores, fortaleciendo así el ciclo cultural de esta disciplina.

«Orillas, Puentes y el Torrente»

«Orillas, Puentes y el Torrente», del artista visual Anthony McInneny, es la exposición ganadora de la Convocatoria para Artistas 2016 realizada por el Museo Benjamín Vicuña Mackenna en marzo de este año. La muestra, que estará abierta al público entre el 24 de noviembre de 2016 y el 3 de marzo de 2017 (lunes a viernes, 9:30 a 17:30 horas), fue escogida de forma unánime por el jurado.

La exposición se basa en una investigación del río Mapocho en el imaginario colectivo de los Santiaguinos. McInneny se pregunta «¿Qué significa el río Mapocho en la realidad cotidiana y urbana de Santiago? ¿Una barrera, una herida, un basurero, un espacio público latente? Sus orillas, puentes y el torrente definen el río en el contexto urbano. Pero, a través de la manipulación de su cauce, más bien representa la ausencia de la naturaleza fluvial de la ciudad».

A través de intervenciones temporales, propuestas hipotéticas o físicas, e interpretaciones de las representaciones visuales del río, McInneny creó una instalación de diez ideas sobre el río Mapocho como un espacio público, pero ausente del Santiago de hoy.

El artista señala en la presentación de su obra que las «intervenciones temporales en el espacio público son percibidas a través de la experiencia subjetiva del paso de tiempo, de la duración objetiva del tiempo y de la presencia del espectador a través de su práctica espacial. La práctica espacial consiste en las asociaciones percibidas entre la vida diaria (el uso del tiempo) y la realidad urbana (Lefebvre 1974/1991). Podemos considerar el espacio público como una parte integral de la realidad urbana (las rutas y redes que se ligan a los lugares de trabajo, de vida «privada», de ocio). Espacios públicos, tal como los ríos de las ciudades, se convierten en lugares específicos culturalmente a través de su uso (o no uso) y de la percepción del tiempo presente».

El sábado 19 de noviembre, previo a la inauguración, McInneny instaló una de sus diez intervenciones en el puente Racalamac en Providencia, como parte del Festival 100 en un día. Su obra Contrapuente, parte de su trabajo «La Ciudad Enferma es Rescatable», consistió en 286 plomos suspendidos del puente, los que formaron un contrapuente. Este puente peatonal con una pendiente extrema, es formado por dos flujos – el agua y los autos -. La corriente del río y su viento son canalizados y se manifiestan en esta obra.

Durante el mes de enero de 2017, el artista realizó visitas guiadas por la muestra los viernes 6 Y 13 a las 11:00, y el sábado 7 de enero a las 11:00 ofreció una caminata a lo largo del río Mapocho, donde los participantes entraron en el cauce a través del único acceso, permanentemente abierto en esta sección canalizada del río Mapocho.

Anthony McInneny es diseñador de la Monash University, Australia; artista visual y doctorado en Arquitectura de la RMIT University, Australia; académico e investigador del Centre for Art, Society and Transformation (CAST) de RMIT University y Profesor Adjunto de la University of Newcastle (Australia). Sus investigaciones se basan en el espacio público a través del arte visual y la temporalidad. Ha vivido los dos últimos años en Santiago, Chile.

«Sebastião Salgado. Otras Américas»

12 de octubre al 11 de diciembre de 2016 / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.
Salas de Exposición Centro Cultural Las Condes. Apoquindo 6570.

A fines de 2015, la Corporación Cultural de Las Condes presentó la obra recién descubierta de la fotógrafa Vivian Maier, exposición que se constituyó en un verdadero suceso y durante sus casi dos meses de exhibición convocó a más de 50.000 personas. A raíz de ello, se propusieron finalizar este año con una muestra de similares características, que mantuviera o superara el interés del público.

De esta manera, y gracias al contacto de la gestora Verónica Besnier y el patrocinio de la Embajada de Brasil, la Municipalidad de Las Condes trae por primera vez a Chile una muestra individual del destacado fotógrafo y documentalista brasileño Sebastião Salgado, considerado uno de los más importantes fotorreporteros a nivel internacional, como lo fueron en su época Robert Capa y Henri Cartier-Bresson.

La muestra internacional está integrada por 65 fotografías en un formato especialmente diseñado para Chile y se complementa con la exhibición del documental La sal de la tierra, que dirigiera Wim Wenders (en cartelera 19 de octubre y 1 de diciembre, 19:30 horas / 3, 10 y 24 de noviembre, y 10 y 11 de diciembre, 17:00 horas); la venta del libro editado recientemente por Editorial La Fábrica; visitas guiadas y el foro El fotorreportaje como construcción de realidad, organizado en conjunto con Escuela de Periodismo UNIACC y conducido por Cristián Pino, periodista de Canal 13.

La serie Otras Américas que llega a Chile, fue realizada entre 1977 y 1984. Las imágenes evocan la perdurabilidad de las culturas campesinas e indígenas del continente, y en ellas, Salgado plasmó su visión de la vida de los agricultores y la resistencia cultural de los indígenas y sus descendientes en América Latina.

Se trata del primer libro del maestro brasileño, publicado en 1986 por la editorial francesa Contrejour y la española ELR. La obra tuvo un éxito inusitado que provocó su temprana traducción a cuatro idiomas, numerosos premios y la consideración como una de las obras fotográficas cumbre de la década del ochenta.

Sobre el trabajo, el escritor español Gonzalo Torrente Ballester señaló que logra sobrepasar lo meramente folclórico para incidir en lo profundamente significativo, creando formas de alma distintas, que elaboran distintas realidades y distintos símbolos, aunque la materia sea la misma.

Todas las imágenes son en blanco y negro, uno de los sellos de identidad de Salgado, lo que le permite centrar la mirada en detalles estéticos que con el uso del color se perderían. Como dijo Torrente, una vez vistas las imágenes del volumen conviene repasarlas una a una, en ciertos casos con la ayuda de una lupa. Sólo entonces se podrá ver lo que no es anécdota, sino mero arte.

El autor

Salgado nace el 8 de febrero de 1944 en Almorés, pequeño pueblo de Minas Gerais en Brasil. Es doctor en economía, doctorado que efectuó en Paris junto a su esposa Lélia Wanick. Fue en los años 70 que toma por primera vez la cámara y a contar de los años setenta comienza a trabajar como fotógrafo free lance. Fue así, como en 1975 decide ser fotógrafo y trabaja para diferentes agencias como Sygma y Gamma para integrar definitivamente la legendaria agencia gala Magnum-Photos. En 1994 crea su propia agencia junto a Lélia y se dedican a distribuir exclusivamente sus fotografías y editar sus libros.

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía socio-documental y en su obra se destaca el rescate de personas y pueblos menos desarrollados o en situación de pobreza. Por su trabajo, el galerista y curador norteamericano Hal Gould lo calificó como el mejor fotógrafo del mundo de los inicios del siglo XXI. Ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, entre los que se destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998. En tanto, por su labor social, en 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF.