«Club Social y Deportivo Porvenir»

21 de noviembre de 2017 al 21 de enero de 2018 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00 horas / Domingo, 11:00 – 18:00 horas. MAC Quinta Normal.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta Club Social y Deportivo Porvenir del artista chileno Diego Santa María, exhibición que reflexiona en torno a la identidad de las ciudades a través de la pichanga y el fútbol.

Santa María trae al Club Social y Deportivo Porvenir a tres salas del MAC: una se transforma en cancha, otra funciona como camarín y en la última una instalación escultórica homenajea al fundador del club. La exposición, construida desde lo colectivo, releva el trabajo en equipo.

En el marco de la exposición el día jueves 7, a las 17:30 horas, se llevará a cabo una visita guiada gratuita junto a Diego Santa María, quien abordará los procesos creativos de la muestra.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta Club Social y Deportivo Porvenir, exhibición colectiva y colaborativa del artista chileno Diego Santa María que gira en torno a actividades profundamente arraigadas en nuestro país: el fútbol y la pichanga. La muestra funciona como un ejercicio de reflexión en torno a la identidad de las ciudades, la amistad y el trabajo en equipo.

Para la exhibición Santa María crea un club amateur que se instala en tres salas de la sede Quinta Normal. Durante el período de montaje se prepararon una serie de “pichangas” donde participaron estudiantes de escuelas del barrio Quinta Normal y Yungay, además de colectivos de arte, que jugaron durante las semanas previas a la inauguración.

De esta manera, la primera sala funciona como una cancha demarcada, con arcos hechos de mochilas y un audio que reverbera los gritos y vítores de los espectadores en los partidos, y que exhibe las huellas del juego. La siguiente es un camarín, donde fueron recibidos los equipos participantes con un gran cartel cordillerano que da nombre al club, con espacios para cambiarse de ropa y guardar objetos personales. La sala en sí forma parte de la configuración de la obra y las piezas utilizadas colindan entre la pintura y la escultura. Finalmente, en la más pequeña de las salas, el partido continúa pero las voces se repiten con un volumen sosegado, haciendo participar mediante una instalación escultórica a un jugador muy particular y quien se constituye como el fundador del club.

Club Social y Deportivo Porvenir de Santa María glorifica la narrativa sobre la identidad de nuestra ciudad y el territorio, reflexionando en torno a esas cosas que nos conectan unos con otros, como jugar a la pelota, y el compartir la tarea de hacer una obra de arte.

En el marco de la exhibición, el día jueves 7 de noviembre a las 17:30 horas el artista Diego Santa María realizará una visita guiada gratuita donde abordará los lineamientos de la muestra.

Sobre el artista

Diego Santa María (Santiago, 1982) es licenciado en Artes Visuales por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Desde 2007 ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales, donde destacan Interacciones múltiples, Centro Cultural Palacio de La Moneda (Santiago, 2011); Museo de la resistencia, Urgent Paradise – Lausanne (Suiza, 2012); exposición de las obras seleccionadas del concurso de Pintura Internacional de Fundación Guash Coranty (Barcelona, 2012), entre otras. Ha sido finalista para el Premio de Pintura Internacional de Fundación Guash Coranty (Barcelona, 2012) y del premio MAVI-Escondida, Museo de Artes Visuales (Santiago, 2014).

«Luxembourg»

25 de noviembre de 2017 al 21 de enero de 2018 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00 horas / Domingo, 11:00 – 18:00 horas. Museo de Arte Contemporáneo MAC Quinta Normal. Av. Matucana 464. Metro Quinta Normal.

  • El Museo de Arte Contemporáneo presenta Luxembourg de la artista chilena Catalina Donoso, instalación site specific que mediante contenedores emula los parques de las antiguas casonas chilenas inspiradas en los jardines de Luxemburgo en París.
  • La construcción de Luxembourg reflexiona en torno a dos conceptos antagónicos: el diseño ostentoso del ornamento y la basura, el último estado de la materia.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta Luxembourg, instalación de la artista chilena Catalina Donoso compuesta por alrededor de 50 contenedores de escombros y basura construidos con estructuras de fierro y malla. La obra, cuyo título hace referencia a los jardines de Luxemburgo en París, sigue los patrones de diseños florales de la industria textil para formar un sendero de boj.

“La basura es un asunto que está sensible últimamente gracias a las imágenes impresionantes que vemos en los medios de comunicación: el desierto de Antofagasta tapizado de bolsas plásticas, islas de basura que tienen kilómetros de diámetro flotando en el océano… y que nos interpelan con la pregunta sobre cómo se maneja esto. Sin embargo, hay otro aspecto más sociológico. La basura es un indicador infalible del tipo de consumo y de gasto que efectúa una comunidad: si la miras, estás escaneando las preferencias y los mercados. Luxembourg es un ejercicio de alto contenido simbólico”, explica Donoso.

La construcción de estas instalaciones hace una reflexión que conecta dos conceptos antagónicos: el diseño del ornamento, elemento ostentoso; y la basura, que es el último estado de la materia, la presencia no deseada. A través de las mallas de contención que permanecen abiertas en la superficie, los visitantes podrán observar los desechos recolectados por la artista y voluntarios en las caleteras urbanas, bordes de río y en el vertedero de las comunas de Pudahuel y Lo Barnechea, entre otros, mientras pasean por el hall del MAC Quinta Normal.

En un gesto irónico, el patrón que siguen las estructuras intenta replicar los senderos de los antiguos parques en las casonas de familias acomodadas de nuestro país, por lo que los contenedores están “recortados” a la misma altura de estos jardines. Para Catalina Donoso, la exhibición permite contemplar la paradojal imagen latinoamericana, que muestra enormes brechas económicas y donde barrios periféricos colindan con vertederos. Además, la artista aventura una mirada hacia el carácter aspiracional de la sociedad.

“Así mismo, propongo ver la obra como una gran vanitas barroca actualizada donde la basura, como la calavera y el gusano, también recuerda que moriremos, la futilidad de la vida” finaliza.

Sobre la artista

Catalina Donoso (Talca, 1958) es licenciada en Artes Plásticas con mención en Pintura y académica de la Universidad de Chile desde 1984. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y grupales desde 1989 en Chile, Alemania y Corea, como La hija del panadero y otras tribulaciones, Goethe Institut (Santiago, 1989), Paño para cortar, Centro de extensión Universidad de Talca (1998), El inglés sin esfuerzo, Museo de Arte Contemporáneo (Santiago, 2013), Desde otro lugar/sitio, National Museum of Contemporary Art, Seúl (2005), entre otras.

 

«Los cimientos, los pilares y el firmamento»

25 de noviembre de 2017 al 21 de enero de 2018 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00 horas / Domingo, 11:00 – 18:00 horas. MAC Quinta Normal.

Artistas nacionales e internacionales llegan al MAC Quinta Normal para reflexionar sobre los efectos de las industrias en el medio ambiente

  • El Museo de Arte Contemporáneo presenta Los cimientos, los pilares y el firmamento, una exhibición colectiva que reúne obras experimentales en torno a distintos elementos, como el litio, granito, madera y deshechos, abordando la vinculación y valoración de estos en la vida cotidiana.
  • La muestra, curada por Àngels Miralda, es el resultado de su investigación realizada durante su estadía en Chile como residente de Molten Capital.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta Los cimientos, los pilares y el firmamento, exposición curada por Àngels Miralda que congrega a un grupo de artistas nacionales e internacionales que investigan los elementos y la botánica.

Las obras de la exposición, compuestas por materiales como el litio, el granito, el caucho, la madera y los deshechos, exploran las ramificaciones sociales y políticas de la materia, con especial enfoque en los efectos de las industrias globales en el medio ambiente. Al mismo tiempo, los artistas indagan en la invisibilidad de los bienes naturales como el suelo mismo y el follaje.

La muestra reúne a los artistas chilenos Alejandra Prieto, Alejandro Leonhardt, el Círculo de Ilustradores Naturalistas de Chile (Andrea Lira, Andrea Ugarte, Francisca Espinoza, Geraldine MacKinnon, Javiera Delaunoy Sepúlveda, Magdalena Perez de Arce, María José Herrada, Patricia Domínguez, Silvia Lazzarino), Elizabeth Burmann, Miguel Soto; al italiano Giuseppe Licari; y a la venezolana Lucía Pizzani.

Además del uso de los objetos mencionados, la muestra incluye materiales provenientes de la botánica y otras áreas de la ciencia, incluidos los dibujos del Círculo de Ilustradoras Naturalistas de Chile y los cianotipos de Lucía Pizzani, que aluden a la botánica Anna Atkins. El recorrido de Los cimientos, los pilares y el firmamento se organiza por capas: las obras van desde la faz de la tierra —con las plantas— a los submundos —donde se encuentran los minerales, los gases y el fuego—. También, la muestra se acompaña por el texto enciclopédico Embajada de las plantas (Embassy of the plants), que entrega información sobre los elementos utilizados y su relación con las obras.

Los cimientos, los pilares y el firmamento homenajea a las materias primas nobles que son utilizadas en las diversas industrias, intentando desarrollar una comprensión naturalista del mundo que nos rodea puesto que, pese a los avances en la protección ambiental, aún no se han establecido procedimientos legales para proteger los recursos invaluables.

Sobre Molten Capital

Molten Capital es un programa artístico inaugurado en Santiago en abril de 2017 en la sede Quinta Normal del Museo de Arte Contemporáneo. Este consiste en una residencia, normalmente de un mes, en la que 2 a 3 artistas trabajan en un espacio compartido. Al finalizar el programa, los participantes exponen sus obras en el museo. Hasta la fecha Molten ha desarrollado 7 Open Studios.

«La imagen que desborda: viaje, diario y videoarte»

25 de noviembre de 2017 al 21 de enero de 2018 / Martes a sábado, 11:00 – 19:00 horas / Domingo, 11:00 – 18:00 horas. Museo de Arte Contemporáneo MAC Quinta Normal. Av. Matucana 464. Metro Quinta Normal.

BIENALSUR llega al MAC Quinta Normal con exposición en torno al viaje y el videoarte

  • El Museo de Arte Contemporáneo presenta La imagen que desborda: viaje, diario y videoarte, muestra que despliega una serie de registros de recorridos por diferentes países del mundo producidos entre las décadas de los 80 y 90.
  • Curada por Jorge Zuzulich, la exhibición se enmarca en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR, instancia de crea­ción artística e intelectual que estable­ce un diálogo entre diferentes puntos del planeta, pero con origen en el sur. Este año participan en simultáneo 32 ciudades, 16 países y más de 350 artistas y curadores de los cinco continentes.

En el marco de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR, el Museo de Arte Contemporáneo presenta La imagen que desborda: viaje, diario y videoarte, una exposición colectiva que presenta una serie de videos que registran diarios de viaje, creados prin­cipalmente entre las décadas de los 80 y 90. Las obras vinculan la lógica des­estabilizante del viaje con la construc­ción discursiva del diario, sumado a la experimentación propia del video.

La muestra está compuesta por once videos de artistas chilenos, franceses y argentinos, y una videoinstalación: Un monstruo de miradas. Un eje Norte-Sur. Pensada para generar una red global de colaboración que elimine distancias y fronteras, BIENALSUR propone un extenso territorio construido a partir del posicionamiento del arte en un “Sur Global”, ampliando las posibilidades de experimentación e interpretación por parte del espectador.

La exhibición en MAC Quinta Normal fue curada por el crítico argentino Jorge Zuzulich, y  su eje curatorial busca generar una mirada actual sobre la selección de videos del Archivo Gallet. La muestra reúne a los artistas chilenos Claudia Aravena, Francisco Arévalo, Gerardo Silva Sanatore, Jorge Said Maldonado, Juan Enrique Forch, Patricio Pereira Casarotto; los franceses Jean-Paul Fargier, Pascal Emmanuel Gallet, Robert Cahen; la argentina Sabrina Farji; y el alemán Michael Gaumnitz.

BIENALSUR es una instancia que desde 2016 toma como espacio de exhibición el territorio sudamericano y se enfoca en el proceso de creación artístico e intelectual. En esta ocasión, participan en simultáneo 32 ciudades, 16 países y más de 350 artistas y curadores de los cinco continentes, conectando sedes de variados paí­ses como Argentina, Brasil, Colombia, Japón, entre otros. En esta ocasión también estará presente en otras sedes del país como la Escuela Municipal de Bellas Artes de Valparaíso, el Espacio cultural Quinta de los Núñez, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia y la Sala Juan de Saavedra.

De esta manera, BIENALSUR instala una nueva forma para establecer vínculos artísticos y culturales entre los países del hemisferio sur, eliminando las fronteras y posicionando a Sudamérica en el mapa como gestor de arte contemporáneo.

BIENALSUR es una instancia organizada por UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero) y auspiciada en el Museo de Arte Contemporáneo por la Vicerrectoría de Investigación y Desarrollo de la Universidad de Chile.

«People I met / Gente que conocí»

Inauguración: 24 de noviembre, 19:30 hrs

Duración: 25 de noviembre de 2017 – 21 de enero de 2018 / Martes a sábado 11:00 – 19:00 horas; Domingo, 11:00 – 18:00 horas.

Lugar: MAC Quinta Normal

Facebook, retratos y testimonios se unen en muestra que aborda el conflicto palestino-israelí en MAC Quinta Normal

El Museo de Arte Contemporáneo presenta People I met / Gente que conocí del fotógrafo argentino-israelí Miki Kratsman. Curada por Christian Viveros-Fauné, la muestra gira en torno a dicho conflicto, enfocándose en personas retratadas por casualidad en los más de 30 años de carrera de Kratsman como corresponsal de prensa.

La muestra nace como un proyecto paralelo a la página de Facebook “People I met”, donde Kratsman publica los retratos de la gente que fotografió mientras cubría los enfrentamientos, generando interacción entre los usuarios para responder preguntas como “¿qué estaban haciendo allí el día de la fotografía? ¿qué pasó con ellos desde entonces?”, entre otras.

El Museo de Arte Contemporáneo presenta la exhibición People I Met / Gente que conocí del artista Miki Kratsman, quien por más de 30 años ha trabajado como fotógrafo de prensa cubriendo el conflicto palestino-israelí y se ha transformado en uno de los principales narradores al respecto. A lo largo de su carrera Kratsman ha reunido un archivo fotográfico compuesto por más de veinte mil retratos, muchos de los cuales fueron trabajos publicados por los periódicos israelíes Hadashot y Haaretz. Aproximadamente tres mil de estas fotografías se exhiben en MAC Quinta Normal. Para este proyecto, en lugar de continuar con los retratos de periodismo tradicional, Kratsman se propuso rescatar rostros de hombres, mujeres y niños que no eran el centro de la foto, si no que segundos planos. De esta manera, su labor destapa historias personales y revela la violencia cotidiana a la que están expuestos los habitantes de dicho territorio.

Esta exhibición funciona como un proyecto paralelo al perfil de Facebook de Miki Kratsman “People I Met” —actualmente cuenta con más de 18 mil likes—, página que surgió como proyecto de investigación con el fin de reconocer a los sujetos en las fotografías y saber qué ha sido de ellos. En esta plataforma los usuarios interactúan e intentan reconocer a las personas, comentando si los han visto últimamente, si están con vida o no, entre otras respuestas.

La página de Facebook surgió luego de que Kratsman asistiese a una boda en un campo de refugiados y donde, gracias a las fotografías que cargaba en el aquel momento, los asistentes lograron reconocer a veinte combatientes palestinos muertos. Consciente de que no podía cargar los retratos por todo el mundo, el artista creó el perfil web.

Además de las fotografías, People I Met / Gente que conocí se compone de cien placas grabadas con los mensajes de usuarios en Facebook y un registro audiovisual del conflicto palestino–israelí llamado 70 meters… white t-shirt (70 metros… camiseta blanca).

Con esta exhibición, Kratsman aborda una situación que hoy es una preocupación mundial y, además, cuestiona algunas de las premisas que mantienen activas a las redes sociales como Facebook: ¿qué ocurre cuando a un “amigo” le “gusta” la foto de una persona que ha muerto?, ¿cómo debemos medir la distancia entre la presencia de una persona en la red y su vida bajo un régimen de ocupación violenta? El fotógrafo insta a los espectadores a responder estas preguntas y reflexionar en torno a este conflicto que, a fin de cuentas, no tiene rostros reconocibles.

Sobre el artista

Miki Kratsman nació en 1959 en Argentina y en 1971 inmigró a Israel. Entre 1985 y 2012, sus fotografías aparecieron regularmente en el periódico Haaretz. Entre 2006 y 2014, fue director del Departamento de Fotografía de Bezalel Academy of Arts, Jerusalem, donde aún enseña y diserta. Kratsman es el quinto beneficiado del Robert Gardner Fellowship en Fotografía, galardonado por el Peabody Museum of Archaeology & Ethnology de Harvard University. Además, fue ganador del premio Emet a Ciencia, Arte y Cultura en el año 2011. Su obra ha sido exhibida en la Bienal de Venecia de 2003 y la Bienal de Sao Paulo de 2006, entre otros lugares.

Miki Kratsman se ha dedicado a documentar la evolución del conflicto palestino-israelí y sus consecuencias sobre la vida cotidiana de los palestinos por más de treinta años. A partir del 2004, Kratsman se ha desempeñado como presidente del Consejo de Breaking the Silence (Romper el silencio), una organización compuesta por combatientes israelíes veteranos que reúne testimonios de soldados sobre su servicio en los territorios ocupados.

El Crimen Presenta: Lágrimas de Sangre en la UAH

Como Secretaría de Género y Disidencia Sexual de la Universidad Alberto Hurtado tenemos el agrado de invitarlxs a todxs el día Jueves 23 de Noviembre a las 18:00 hras en la sala E11 a la obra de la compañía EL CRIMEN «LÁGRIMAS DE SANGRE Y UN PEQUEÑO VIAJE EN LA HISTORIA»

Una obra inspirada en la equidad de género y un episodio de la historia de Nabila Rifo

¡Entrada Liberada!

«Anarko: Historias de un encapuchado»

Invitación al examen práctico de la candidata a Magíster en Artes con mención en Dirección Teatral, Soledad Gaspar, quien presentará la obra: «Anarko: Historias de un encapuchado» en la Sala Agustín Siré los días Miércoles 22, Jueves 23, Viernes 24 y Sábado 25 de noviembre a las 20.00 hrs.

La entrada es liberada, pero deben confirmar asistencia al correo magisterdireccionteatraluchile@gmail.com

«Luis Poirot. ¿Dónde está la fotografía? 1964 – 2017»

Inauguración miércoles 22 de noviembre de 2017, 19:30 horas ; Jueves 23 de noviembre de 2017 al domingo 25 de febrero de 2018 / Martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas. / Museo Nacional de Bellas Artes. José Miguel de la Barra 650, Metro Bellas Artes.

Una reflexión provocativa en torno a la memoria y el sentido del drama en la fotografía. Sala norte, primer piso, desde el 23 de noviembre hasta el 23 de febrero de 2018.

La muestra se organizó tras un extenso trabajo de investigación y selección del Archivo Fotográfico del artista formado a lo largo de 53 años de oficio por la Pontificia Universidad Católica de Chile, con la participación de la Corporación Cultural de la Cámara Chilena de la Construcción. Fue liderada por María de la Luz Hurtado, investigadora de la Escuela de Teatro de dicha casa de estudios. La académica trabajó a lo largo de tres años con Luis Poirot en la revisión de imágenes para desentrañar junto a él la memoria de su Archivo Fotográfico. De esta forma, se gestaron cuatro documentales que se presentarán el 6 de enero en el Museo y que se emitirán a través de la señal de Canal 13 Cable.

El diseño museográfico, a cargo de Philippe Blanc, María José Concha y Miguel Luis Lagos, pone en diálogo obras inéditas nunca antes exhibidas y otras ya conocidas, con los relatos y conceptos evidenciados en los más de cuarenta mil negativos en blanco y negro, en su mayoría inéditos. “La memoria de mi Archivo está solo en mi cabeza. En estos momentos estoy siendo ese hechicero de la tribu que está transmitiendo oralmente: el cuento tiene que transmitirse mientras todavía lo puedo transmitir para que sea de otros y pase a memoria colectiva”, dice Poirot para explicar su necesidad de salvar y conservarlo, tal como como lo hizo en 1973 cuando partió por doce años al exilio, repartiendo sus negativos entre amigos y conocidos para que pudieran salvarse de la amenaza de destrucción recibida los primeros días de la dictadura militar.

Luz, búsqueda, memoria, subversión, incertidumbre, desamparo y esperanza son palabras que se reiteraron en esos verdaderos rituales narrativos que se llevaron a cabo para dar con la memoria que envuelve a cada registro. La exhibición se estructura en cuatro ejes: Violencia de la historia y la naturaleza, Conjuros al tiempo, Muerte y vida: entre el horror y la luz y El gran teatro del mundo.

El autor “nos plantea la interrogante sobre el sentido poético de este medio, situándose  entre el dispositivo tecnológico y la memoria. Ahondar en estas materias también es para él referirse al sentido de conservar un archivo. Es decir, desde su perspectiva, la fotografía no se reduce a la captura de una imagen percibida (luz), sino a su materialidad y la imperiosa necesidad de su conservación”, explica Roberto Farriol, director del MNBA.

Para María de la Luz Hurtado » la fotografía para este maestro es el despliegue de su subjetividad herida, acicateada por impulsos utópicos, derrotas y convicciones que acompañan su tiempo vital. La poética que funda la obra de Luis Poirot es su sentido de lo dramático afincado en su experiencia de la fragilidad de lo humano en el tiempo».

Retratos de personas destacadas en el ámbito social, político y cultural, así como escenas dramáticas y teatrales captados en parques, cárceles, iglesias, fábricas y casas confluyen en la exhibición que también incluye la mirada del artista desde su experiencia como director y fotógrafo teatral, entre las décadas del sesenta y noventa.

“Vengo pues del teatro y no de las Bellas Artes y sus recientes teorías estéticas. Mis fotos no requieren explicación previa o manual de instrucciones para ser vistas. Como la poesía y la música quieren simplemente abrir una ventana que te permita imaginar o recordar libremente, dirigida a los sentidos y no a la lógica paralizante”, cuenta Poirot.

Gran parte de estas fotografías son fundamentales en la historia del teatro chileno. Algunas fueron realizadas por actores caracterizados y posando fuera del escenario, en otros contextos, como si el fotógrafo buscara una síntesis conceptual del retrato del actor y el personaje. Asimismo, Poirot evidencia algunos edificios destruidos o deteriorados por el paso del tiempo como si se tratara de escenarios, enfatizando el drama de esas construcciones.

“Mis fotos y los retratos en especial están impregnados de teatro, la dirección de actores es el método por el cual conduzco al interlocutor a descubrir el misterio que oculta, la luz o quizás el claroscuro en el que no todo se muestra, y otras ocasiones en que la persona está en un decorado que le pertenece”, detalla el autor.

Sábado 6 de enero 2018 : Presentación de documentales desde las 12:00

– Yo soy irremediablemente fotógrafo. Conversaciones con Luis Poirot
– Luis Poirot: Presencias de la ausencia
– Luis Poirot: Espesores y fisuras de la memoria amenazada
– Luis Poirot: Fotógrafo y hombre de teatro

Ciclo de cine chino: «Amor, vuelve»

De Junio a Noviembre, una película cada mes

Sobre «Amor, vuelve»:

Cuenta la historia de dos adolescentes, uno de Beijing, otro de Mongolia interior, que intercambian sus lugares de residencia durante las vacaciones y viven una experiencia de vida totalmente diferente que transforma sus miradas sobre el mundo y su ser..

«La unidad hace invencibles a los trabajadores»

22 de noviembre de 2017 al 4 de marzo de 2018 / Martes a domingo, 10:00 a 18:00 horas, Sala Tercer piso Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.

  • La exposición “La unidad hace invencibles a los trabajadores” es la última actividad que cierra el año dedicado al movimiento sindical, y que contó con ciclos de cine, música, teatro y una serie de conversatorios con respecto a su acción y su proyección.
  • La muestra propone un cruce disciplinario entre instalación e historia, generando una nueva experiencia para el espectador. Incluye también el resultado del trabajo interpretativo de estudiantes de 8° básico a IV° medio, de establecimientos educacionales de la Región Metropolitana.

La exhibición busca hacer visible la represión y desarticulación que sufrieron las organizaciones sindicales luego del golpe de Estado y la posterior batalla que llevaron a cabo los trabajadores durante la dictadura, para reconstituir el movimiento, reinstaurar la democracia y exigir el reconocimiento de sus derechos tras la imposición de un nuevo modelo político y económico. La frase de Clotario Blest, que da título a esta muestra, sintetiza sus intenciones y su espíritu: destacar la unidad que primó en el movimiento sindical para reconstituirse desde la mayor de las adversidades y hacer frente a la dictadura.

A través de documentos, actas y  material audiovisual – noticiarios nacionales e internacionales, documentales, archivos radiales-, el visitante puede ir experimentando un tránsito desde la desarticulación del movimiento en el Golpe, las primeras huelgas realizadas en fábricas y empresas, hasta su posterior rearticulación en protestas masivas de unidad y apoyo a otros movimientos sociales como estudiantes, pobladores, mujeres, en contra de la dictadura. También indaga en el importante rol que tuvieron las agrupaciones culturales, la Iglesia y las ONGs, el movimiento poblacional y la solidaridad  internacional al cobijar los problemas de los trabajadores y sus derechos humanos y laborales.

Algunas de las piezas donadas son de familiares, personas, organizaciones y extranjeros, que permiten rescatar la historia de la Coordinadora Nacional Sindical, en la cual se agruparon sectores de izquierda y el ala más progresista de la DC, el Frente Unitario de Trabajadores, con una base social cristiana, la Confederación de Empleados Particulares de Chile y la poderosa Confederación de Trabajadores del Cobre, que representaba a los sectores productivos más importantes del país. Todos ellos se unieron en mayo de 1983 en el Comando Nacional de Trabajadores (CNT), convirtiéndose en el órgano más representativo del sindicalismo chileno y la base para la construcción en 1988, de la Central Unitaria de Trabajadores CUT.