«Vida onírica»

El artista canario Francis Naranjo, que ha decidido desde su Fundación, mirar a Latinoamérica como un “nuevo centro” que surge de una ruptura de las hegemonías europeas, en busca de miradas nuevas que nutran a un cansado Viejo Continente y al mundo todo.

Chile es sin duda, dentro de Latinoamérica, un referente con el cual ha establecido vínculos artísticos y de fuerte amistad.

“Naranjo plantea tres estadios o territorios interconectados en el espacio galerístico, los cuales en su recorrido permiten comprender la suerte de irrealidad contemporánea en una búsqueda desenfrenada por una individualidad que es esencialmente un sueño. Y el entorno del Barrio Franklin
resulta propicio escenario para la construcción de realidades oníricas, donde ¿quizás? podamos encontrar nuestras ausencias.”

Francis Naranjo con Carmen Caballero

curador: Carlos Javier Núñez

«Historia de un destino imposible»

28 de junio – 6 de octubre de 2019 / MAC Parque Forestal – Zócalo
Inauguración: Inauguración: 27 de junio 19:30 hrs.

Museo de Arte Contemporáneo
– Sede Parque Forestal
Ismael Valdés Vergara 506, metro Bellas Artes.

Horarios:
11 a 19 horas, martes a sábado.
11 a 18 horas, domingo.

El MAC es el espacio escogido por la artista finlandesa Mia Makela para estrenar su obra más reciente, un viaje visual y sonoro por la vida de la Apis mellifera, que indaga en la historia de las relaciones interespecies en el mundo antropoceno. Controlada y domesticada para beneficio humano, la abeja melífera se nos revela en el lente de Makela como una subjetividad compleja, como una especie hermana con la cual hemos interactuado cultural e históricamente hasta someterla a la condición de recurso natural explotable.

A lo largo de tres años y apenas portando su celular como cámara de registro, la artista documentó la historia de la apicultura europea a partir de los estudios críticos de animales, de la exploración de apiculturas en Finlandia, Alemania, Eslovenia, Polonia y Lituania, y de un modo de observación sensible, íntimo y prolongado que le permitió descubrir conductas insospechadas al interior de la colmena. Un ensayo audiovisual que incorpora el humor y la dimensión fantástica de la realidad.

«Vencidos»

Muestra «VENCIDOS» por José Luis Martinat (Perú).

Este acontecimiento celebra la primera exposición de un artista extranjero parte del programa de residencias en Sagrada Mercancía.

«RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano»

En 2013, UNESCO declaró como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad a cuatro fiestas religiosas italianas (Santa Rosa di Viterbo, Festa dei Gigli di Nola, Varia de Palmi y Faradda di candareri de Sassari), que utilizan colosales estructuras procesionales, las famosas Máquinas al Hombro. Ése es el punto de partida de RACCONTI (IN)VISIBILI, la muestra internacional de arte contemporáneo italiano que llega a Chile para iniciar aquí un recorrido por Latinoamérica, incluyendo Argentina y México.

Concebida como un viaje multisensorial al corazón y al alma de Italia, la exposición –promovida por el Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, con la curaduría de Micol Di Veroli y Dominique Lora, y patrocinada por la Embajada de Italia en Chile- se presenta en nuestro Centro Cultural. También colabora en esta exposición Alessia Autuori, quien fuera curadora de la exitosa muestra Occhio Mobile, de arte cinético italiano, que se exhibió en 2014 en las mismas salas de exposición.

RACCONTI (IN)VISIBILI. Patrimonio inmaterial y Arte contemporáneo italiano reúne piezas procedentes del Museo de Arte y Tradiciones Populares de Roma, en especial maquetas, modelos a escala y audiovisuales de las Máquinas al Hombro, y obras de quince destacados artistas italianos contemporáneos, que en su producción se han interesado en temáticas inspiradas en la identidad y patrimonio histórico. Se trata de pinturas, instalaciones, collages, esculturas, fotografías, cerámicas y videos, que reinterpretan dicha tradición, demostrando que lo contemporáneo es un lenguaje cuyas raíces se pierden en la historia. Es decir, el arte, pasado, presente y futuro se funden en una sola obra.

El itinerario se realiza dentro de un entorno audiovisual –de carácter inmersivo con cámaras oscuras y lluvia de sonido- creado por los documentales de Francesco De Melis en las procesiones católicas más famosas de la tradición italiana, como la loca carrera del Ceri di Gubbio; el culto de la Madonna del Soccorso, una estatua de mármol de los años 1500 que navega por las calles de Sciacca sobre los hombros de ciento cincuenta marineros descalzos; la danza de los ocho obeliscos de Nola con su música ensordecedora; el impresionante transporte de la «Varia di Palmi» en honor a Nuestra Señora de la Sagrada Carta; el colorido y animado Descenso de los Candelabros de Sassari; el asombroso transporte de la Máquina de Santa Rosa, una torre de 30 metros de altura, sobre los hombros de 100 hombres en honor al santo patrón de Viterbo.

Del museo romano llegan modelos a escala de diferentes estructuras procesionales que alguna vez se usaron en las mencionadas fiestas. Estas estructuras, que asombran por su complejidad y formato, son fabricadas durante todo un año, y si alguna vez utilizaron maderas y materiales nobles para su construcción, hoy se valen de fibra de vidrio y metal, aprovechando los beneficios de la nueva tecnología.

Los artistas contemporáneos en tanto representan a cabalidad el estado actual del arte, donde las fronteras entre una y otra disciplina son cada vez más difusas, permitiendo la experimentación y el diálogo. Participan Giampaolo Bertozzi (1957) & Stefano Dal Monte Casoni(1961); Tommaso Cascella (1951); Flavio Favelli (1967); Dario Ghibaudo (1951); Silvia Giambrone (1981); Maria Lai (1919-2013); Francesco Lauretta (1964); Davide Monaldi (1983); Luana Perilli (1981); Rosaria Bosso (Roxy in the box); Marinella Senatore (1977); Giuseppe Stampone (1974); Sergio Tumminello (1974); Angelo Marinelli (1979), y Zaelia Bishop (1977).

12 de junio al 28 de julio de 2019
Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Av. Apoquindo 6570.

«Del futuro al pasado: 200 años del Museo del Prado, artistas contemporáneos españoles»

Lo Matta Cultural, en colaboración con la Fundación Amigos del Museo del Prado, presenta la exposición Del futuro al pasado. 200 años del Museo del Prado. Artistas españoles contemporáneos.

Esta iniciativa cultural ha sido promovida por Claudio Engel, miembro del Patronato Internacional de la Fundación desde su creación en 2006, como homenaje al Museo del Prado con motivo de este acontecimiento histórico.

La muestra, que se celebra coincidiendo con la conmemoración del bicentenario del Museo del Prado, ofrece al público una oportunidad única de comprobar cómo la pinacoteca ha sido y sigue siendo, una fuente de constante inspiración. Los 24 artistas que participan aportan un total de 50 obras que, ante todo, muestran un intenso diálogo entre el arte del pasado y el actual. Esta exposición es fruto de sendas iniciativas de confrontación de artistas contemporáneos y del pasado llevadas a cabo en el Museo del Prado en 1991 y 2007.

“Para Vitacura es un orgullo y privilegio traer una muestra que proviene de uno de los museos más importantes del mundo” enfatiza Raúl Torrealba, destacando además la posibilidad que tendrá el público de acercarse a algunas de sus obras más significativas.

“Tendremos una exposición en la que importantes artistas contemporáneos revisitan trabajos indispensables del Prado, como Las Meninas de Diego Velásquez o Las tres gracias de Rubens que son a la vez obras trascendentales de la historia del arte,” recalca el alcalde.

Sin lugar a dudas, la contemplación de las obras que se exhiben en Lo Matta Cultural, nos introduce en un íntimo diálogo y nos convierte en oyentes de esta conversación que nos ofrece una enriquecedora y personal visión del arte. Del mismo modo, la amplia nómina de artistas representados, todos ellos indispensables en el panorama artístico español, junto al variado arco cronológico que recogen sus fechas de nacimiento, ya que abarcan cuatro generaciones, otorgan a esta muestra la categoría de acontecimiento.

Andreu Alfaro, Eduardo Arroyo, Isabel Baquedano, Miquel Barceló, Carmen Calvo, Naia del Castillo, Eduardo Chillida, Cristina García Rodero, Ramón Gaya, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Eva Lootz, Blanca Muñoz, Ouka Leele, Guillermo Pérez Villalta, Isabel Quintanilla, Albert Ràfols-Casamada, Manuel Rivera, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Soledad Sevilla, Susana Solano y Gustavo Torner, con distintos estilos y técnicas, aportan todo su bagaje para ofrecer al espectador un especial recorrido a través de la historia del arte.

Claudio Engel siempre se ha mantenido muy activo en lo que respecta a la difusión de propuestas dirigidas a acercar el arte y las colecciones del Museo del Prado a la sociedad chilena y muy especialmente, a los escolares. Gracias a su compromiso, más de diez mil alumnos han podido disfrutar de un patrimonio cultural universal de incalculable valor.

Lo Matta Cultural: A través de eventos, charlas y exposiciones en las áreas del cine, teatro y el arte en sus distintas técnicas, busca ser un espacio referente a nivel comunal y nacional de la cultura y las artes, en el marco de una experiencia integral que incorpora un conjunto de actividades complementarias a la creación, entretención, patrimonio y vanguardia. Mediante exposiciones de creación propia, muestras traídas del extranjero y exhibiciones de artistas nacionales consolidados y en ascenso, pone a disposición del público una variada oferta visual con el propósito de acercar el arte, la cultura y la educación a la sociedad.

Fundación Amigos del Museo del Prado: Creada en 1980, esta institución cultural privada sin ánimo de lucro trabaja para vincular a la sociedad con el Museo del Prado y difundir el extraordinario patrimonio cultural universal que custodia la pinacoteca. Cerca de 39.000 Amigos, entre particulares, empresas e instituciones, forman parte de este proyecto de mecenazgo colectivo en favor del Museo del Prado.

Dónde: Lo Matta Cultural, Av. Kennedy 9350, Vitacura, Santiago de Chile.

Cuándo: del 10 de mayo al 4 de agosto 1 de septiembre de 2019 / Lunes a domingo, 10:00 a 19:00 horas.

 

«Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)»

Obras de destacadas artistas de América Latina, junto a una selección de autoras nacionales de la colección MNBA, se exhibirán entre el 17 de abril y el 30 de junio. Inauguración: Martes, 16 de abril, 19:15 horas.

Entre el 17 de abril y el 30 de junio, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición internacional «Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939)», que por primera vez en Chile y en el cono sur exhibe obras de las más destacadas artistas de América Latina.

La muestra incluye una selección de pinturas de autoras nacionales pertenecientes a la colección MNBA, evidenciando una red de mujeres creadoras preocupadas por relevar la identidad y el rol femenino en la sociedad de su tiempo.

Esta exposición que nace de una alianza curatorial y de gestión entre el Museo Nacional de Bellas Artes y Kugi Projects-Arttena (España), que es financiada por el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, y se enmarca en el sello Mujeres Creadoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

De esta forma, con la dirección de contenidos de la curadora MNBA Gloria Cortés, llegan a Chile alrededor de 40 pinturas, dibujos y objetos pertenecientes a prestigiosas colecciones privadas, museos e institucionales de diez países de la región.

Por primera vez la obra de importantes artistas como Frida Kahlo (México), Leonora Carrington (Reino Unido, avecindada en México) o Tarsila do Amaral (Brasil), se exhibe en Chile dando cuenta de una comunidad de mujeres, que si bien se encuentran vinculadas a las vanguardias europeas y a los influjos de la guerra, fueron agenciadoras de lo subalterno desde su triple condición de género (mujeres), clase (latinoamericanas) y sujetos sociales (no-ciudadanas).

Ello cobra relevancia a 100 años del término de la Primera Guerra Mundial (noviembre, 1918) y a 70 del sufragio femenino para las elecciones presidenciales chilenas (enero, 1949). De forma especial, este grupo indagó en las temáticas corporales y la construcción cultural de la identidad femenina, reflejada en la frase de Frida Kahlo que da nombre a la exposición: «Yo soy mi propia musa. El tema que mejor conozco».

«Como Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio este 2019 nos hemos propuesto relevar el rol de las mujeres creadoras en el desarrollo cultural de la sociedad. Esta muestra que reúne la obra de intelectuales valientes y visionarias, que se ocuparon de dar cuenta de las desigualdades sociales de su época, es una excelente oportunidad para reconocer su aporte, así como el de las autoras chilenas que se vincularon a estas potentes creadoras que cambiaron la historia de las artes visuales«, explica la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés.

«Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un logro destacable y también un orgullo la inauguración de esta exposición. Ella traza un mapa inédito de un momento clave de la producción artística latinoamericana. Este hace evidente un diálogo tan rico como variado de un notable contingente de pintoras con las propuestas del arte de vanguardia«, dice el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Fernando Pérez Oyarzún.

«Se permite así a la ciudadanía -agrega Pérez Oyarzún -contemplar una rica producción nacional, no siempre bien conocida, en un contexto internacional. Hay que destacar el trabajo de curaduría, producción y montaje que, en conjunto con un amplio equipo y el apoyo del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio, ha logrado construir una exposición tan significativa y tan compleja en un plazo muy breve».

La curadora Gloria Cortés precisa que «aunque las omisiones historiográficas han marginado su estudio y reconocimiento, las actuales investigaciones llevadas a cabo por una generación de historiadoras del arte aportan una nueva perspectiva que ha permitido presentar a las mujeres como sujetas de historia y de expresiones. De ahí que este ejercicio de recuperación de memorias femeninas en clave latinoamericana, en el que participaron investigadoras del MNBA y relevantes académicas internacionales, resulta de especial relevancia», comentó.

En tanto que en la gestión de esta muestra Julio Niebla, director Kugi Projects-Arttena, destaca «la articulación de una vasta red de contactos con colecciones internacionales públicas y privadas de alto nivel. Ha significado una extensa labor para la coordinación de préstamos, permisos y seguros, bajo el resguardo legal de los distintos países de origen de estas significativas obras».

Secciones

  • Encuentros en París: Los encuentros en esta ciudad, especialmente al interior de las academias de la Grande Chaumière y Colarossi o el taller de André Lothe -uno de los pocos espacios donde las artistas pudieron ensayar el dibujo con modelos vivos-, motivaron el surgimiento de exposiciones y talleres compartidos, relaciones afectivas y redes de solidaridad.
  • Leonora, Remedios, Maruja: el exilio en América: debido a la Primera Guerra Mundial y a la Guerra Civil Española muchas mujeres se refugiaron en Buenos Aires, Santiago y Ciudad de México, donde reforzaron vínculos afectivos y creativos.
    La inglesa Leonora Carrignton y la española Remedios Varo, se conocieron en París en 1937 y se reencontraron en México en 1942, país en el que compartieron intereses y procesos artísticos fuera del canon establecido por la academia. Asimismo, Maruja Mallo llegó a Buenos Aires en 1937 y en 1945 realizó un breve viaje a Chile, incorporando parte del imaginario de Isla Negra, retratándose como una deidad vestida de inmensas algas.
  • El cuerpo como resistencia: El autorretrato y la representación del cuerpo permitieron a las mujeres proyectar su identidad y sus problemáticas, conformando una nueva consciencia individual femenina, ajenas a la mirada masculina.
    Disruptivas de las normas morales y sociales, mirarse a sí mismas y mirar sus propios cuerpos se convirtió en un puente de transformaciones; el desnudo femenino reflejó el auto-erotismo, la libertad sexual, el reconocimiento de la propia corporalidad o la denuncia sobre las violencias reales y simbólicas.
  • El género y la piel: durante las primeras décadas del siglo XX el habitante indígena fue tema en diversos ámbitos de producción cultural, para alzar un ideal al servicio de una revolución social, ajeno a la visión exótica y eurocentrista. Surgió entonces un corpus de obras de creadoras que pusieron en el centro de la discusión la otredad femenina, en tanto mujeres marginadas de la propia estructura social.
    De esta forma, se manifestó la mirada de autoras que rescataron sus raíces indígenas y afro-brasileñas, así como sus escenarios domésticos y cotidianos o los paisajes naturales de su entorno, a modo de imaginario personal, político y abstracto-ornamental.

Artistas

Argentina: Raquel Forner (1902-1988) y Norah Borges (1901-1998).

Brasil: Tarsila do Amaral (1886-1979), Georgina de Albuquerque (1885-1962), Lucy Citti Ferreira (1911-2008), Noemia Mourão (1912-1992) y Anita Malfatti (1889-1964).

Colombia: Débora Arango (1907-2005)

Cuba: Amelia Peláez (1896-1968).

México: María Izquierdo (1902-1955), Frida Kahlo (1907-1954), Rosa Rolanda (1895-1970), Lola Cueto (1897-1978), Aurora Reyes (1908-1985), Nahui Olin (1893-1978).

Perú: Elena Izcue (1889-1970), Julia Manuela Codesido (1883-1979) .

Reino Unido: Leonora Carrington (1917-2011).

Uruguay: Petrona Viera (1895-1960), Amalia Nieto (1907-2003).

España: Remedios Varo (1908-1963), Maruja Mallo (1902-1995).

Chile: Laura Rodig (1901-1972), Elmina Moisán (1897-1938), Emma Formas (1886-1959), Judith Alpi (1893-1983), Sara Malvar (1898-1970), Henriette Petit (1894-1983), Herminia Arrate (1896-1941), Raquel González (1922-1938), Ximena Morla (1891-1987), Ana Cortés (1895-1998), Luz Arrieta (1910-?), Marta Villanueva (1900-1995), María Aranís (1903-1966), Dora Puelma (1885-1972), María Tupper (1893-1965), Inés Puyó (1906-1996) Graciela Aranís (1908-1996).

«Joaquín Torres García. Obra Viva»

Obra Viva presenta un recorrido por la vida y el legado del artista con obras realizadas en una variedad de técnicas, como óleo sobre tela, pintura sobre papel, cartón, madera, juguetes articulados y publicaciones, que revelan su desbordante creatividad. La curaduría es un trabajo entre el Museo Torres García, que dirige Alejandro Díaz Lageard, y el equipo del Centro Cultural La Moneda, encabezado por su directora, Beatriz Bustos Oyanedel.

“Esta co curaduría ha permitido reunir una muestra única que incluye obras del Museo Torres García, piezas provenientes del Museo Nacional de Artes Visuales de Uruguay, del Museo de la Solidaridad y también de colecciones privadas, lo que transforma a esta exposición en una oportunidad para contemplar obras poco exhibidas, con una mirada integral al universo de Torres García”, explica Beatriz Bustos Oyanedel.

Obra Viva es un viaje por el mundo de Torres García, que revisa desde las creaciones del ámbito de lo familiar hasta su actividad como maestro y su evolución como artista y pensador, sus obras tradicionales y la creación del Universalismo Constructivo.  “Es una muestra inédita porque nunca se había llegado a mostrar los distintos universos de Torres García en relación entre ellos”, apunta Alejandro Díaz, director del Museo Torres García.

La muestra da cuenta de su trayectoria y sus facetas. Se exhibe desde su primera obra, Retrato del Señor Gandelbeu, realizada en 1886, cuando tenía tan solo 12 años; y se presenta también su escritorio original, traído desde Montevideo. Ocupan un lugar muy importante sus juguetes, que después se comercializarían como Juguetes Aladdin, y que revelan lo más lúdico del artista; esas creaciones incluyen los teatritos que construyó para sus hijos, que son expuestos junto a sus decorados y personajes intercambiables. Estas piezas, así como las de la sección dedicada a su familia, muestran la perspectiva más íntima de Torres García.

La exposición Obra Viva busca convocar tanto a los adultos como al público infantil: es así como en la Sala Pacífico se exhibe una mesa con réplicas de Torres García, que podrán ser manipuladas por los asistentes, para experimentar la creatividad a través del juego como motor del arte, una de las premisas del artista uruguayo. “Tanto en esta exposición, como en la de J.M.W Turner que está en Sala Andes, quisimos dar la señal de que con muy poco, con una materialidad mínima, se puede crear y construir grandes obras e interpelar las emociones”, agrega Beatriz Bustos.

Otro hito fundamental en Torres García es su faceta como pensador, rompiendo con el lenguaje imperante para pensar el Sur desde el Sur. En la muestra está presente su obra icónica América invertida (1943), con la que declara: “Nuestro norte es el Sur. No debe haber norte, para nosotros, sino por oposición a nuestro Sur. Por eso ahora ponemos el mapa al revés, y entonces ya tenemos justa idea de nuestra posición, y no como quieren en el resto del mundo. La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente el Sur, nuestro norte”. 

El hombre universal

Desde su quehacer artístico, docente y filosófico, Torres García siempre abogó por la búsqueda de un arte puro, asentado en la comunicación entre el ser humano y el orden cósmico, desde donde surgió su concepto Universalismo Constructivo.

Nacido en Montevideo, hijo de padre catalán y madre uruguaya, mostró desde muy temprana edad su interés por la pintura. A los 17 años migró con su familia a Barcelona, donde descubrió de golpe una cultura y una ciudad intensa. El viaje se transformó en una constante en su vida: deambuló por otras ciudades del mundo como Nueva York y París.

Su rol como padre y docente lo alejó de la clásica imagen del artista solitario, para dar paso a la de un hombre simple y sencillo, que buscaba el sustento de su familia, junto a su mujer Manolita Piña de Rubíes.

En Nueva York fundó su fábrica de juguetes artesanales. Dichas piezas no eran de porcelana o de cartón, eran juguetes sólidos de madera, pintados con colores llamativos y diseñados para soportar los golpes y sacudidas de los niños, partiendo por sus propios hijos.

Posteriormente, residiendo en París, fundo el movimiento de artistas abstractos Cercle et Carré (Círculo y Cuadrado) del que fueron parte importantes artistas avant garde como Piet Mondrián, Michel Seuphor y Sophie Taeuber-Arp. De vuelta a Uruguay se dedicó a su taller, la Escuela del Sur, donde formó a generaciones de artistas con un sello tan particular que se define como un movimiento artístico propio.

12 de abril – 28 de julio | 2019
Lunes a domingo | 9:30 a 19:30 horas
Sala Pacífico | Nivel -3
Entrada general $3000, estudiantes y convenios  $1500
Tercera edad y niños menores de 12 años entrada liberada en todo horario
Público general entrada liberada todos los días desde las 15:00 horas

«Un Cierto Panorama. Reciente fotografía de autor en España»

El martes 9 de abril a las 19:30 horas se inaugurará, en el CCE Santiago, la exposición “Un Cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España”. Esta muestra fotográfica reúne la obra de 54 autores contemporáneos españoles, y visibiliza una generación joven de creadores que está siendo reconocida a nivel internacional. Participar de la inauguración y visitar la muestra, que estará en sala en hasta el 25 de mayo es gratuito y abierto a todo público.

Bajo curaduría del español Jesús Micó, los visitantes de esta exposición se encontrarán con una visión panorámica de la escena fotográfica actual española. La muestra exhibe el trabajo de 54 artistas en total, y 6 de ellos tendrán presencia impresa en sala, mientras que los 48 restantes se exhibirán en soportes audiovisuales. Pese a la diversidad de sus propuestas creativas, todos los fotógrafos aquí presentes comparten un mismo contexto, afectado por cambios profundos a los cuales han tenido que adaptarse, siendo los más significativos la grave crisis económica que ha vivido el país, y el desplazamiento de su disciplina de lo analógico a lo digital.

Los fotógrafos presentes en la muestra han enfrentado un doble desafío en su lucha por destacar sus diversas voces autorales, lo que ha significado la creación de prolíficas y variadas líneas estéticas. Por un lado, los fotógrafos de la muestra han tenido que encontrar estrategias para destacarse dentro del exponencial crecimiento de la fotografía amateur, y por otro han debido abrirse espacios a pulso dentro y fuera de los marcos expositivos tradicionales, que muchas veces ignoran a los autores noveles, a pesar de su innegable calidad y originalidad.

Las obras en “Un Cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España” se caracterizan por una marcada intención autoral y diversas estrategias conceptuales, formales y artísticas que articulan los discursos y creaciones de cada artista. Cinco claves para aproximarse a esta muestra es tener en cuenta que se trata de creaciones profundamente internacionales, permeadas por procesos de comunicación y distribución global a través de internet; que las creaciones se articulan bajo mecanismos de trabajo colectivo, manifiesto del espíritu inquieto y colaborativo de los artistas; la circulación de obra fuera de los estamentos oficiales de exhibición; la incorporación del fotolibro como uno de los principales soportes para su obra, abriendo nuevas dimensiones materiales para la fotografía; y la autoría por series, como línea recurrente dentro de las obras expuestas.

Frente a la intención de documentar el mundo objetivamente, esta nueva generación de fotógrafos se enfoca en comprender el espacio donde habitan, planteándose preguntas en lugar de otorgar respuestas, y valiéndose para ello de todos los medios que estén a su alcance. Lo anterior contempla nuevas formas en la construcción de obra, que incluye apropiación de imágenes, uso de elementos audiovisuales, e incluso utilización de objetos no fotográficos, lo que expande lo entendido como la disciplina fotográfica en sí.

Esta muestra, organizada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), ha sido expuesta en diversos países como España y Perú, con gran recepción tanto de la crítica como del público, y continuará su itinerancia durante este año en Argentina y México, donde seguirá promoviendo la obra fotográfica de sus artistas. Visitar la exposición es gratuito en las salas del CCESantiago desde el 9 de abril hasta el 25 de mayo, de lunes a viernes de 11 a 20 horas, y los sábados de 11 a 14 horas, en Providencia 927, cerca de Metro Salvador.

Acompañando la exposición el miércoles 10 de abril a las 19:30 h en el curador de la la muestra ofrecerá una conferencia donde analizará los ejes centrales de la actual fotografía de autor novel en España, planteará los motores de su la línea curatorial y parte de la investigación teórica, de más de dos años, que da como resultado la diversidad de la muestra.

«Los últimos carboneros de Cuba»

Considerado uno de los fotógrafos europeos más relevantes de la escena actual, el artista belga STÉPHANE NOËL viaja por primera vez a Chile para inaugurar su exposición Los últimos carboneros de Cuba, que se presentará en nuestro Centro Cultural.

Se trata de una serie ejecutada entre 2011 y 2016 en las localidades de extracción del carbón en Cuba, y llega a nuestro país gracias a la Delegación Valonia-Bruselas y la Embajada de Bélgica en Chile con la participación de la gestora Verónica Besnier. Un tributo a los carboneros de la isla, antaño conocidos como “la gente de las marismas”, héroes anónimos que actuaron como refuerzos revolucionarios, contra la invasión anticastrista de 1961, en Bahía de Cochinos.

Con gran dominio del retrato como lenguaje artístico, el fotógrafo logra captar el universo y las duras condiciones en torno a la producción del carbón. Rostros ennegrecidos por el tizne, manos callosas por el uso cotidiano del hacha, reflejan la vida de estos seres de la ciénaga que desde el silencio y la mirada desafiante logran expresar sus emociones con crudeza.

“A través de este proyecto, he querido rendir homenaje a los trabajadores manuales que son símbolos de una profesión en peligro de extinción… Probablemente, esta es la última generación de hombres y mujeres que realizan incansablemente el mismo ritual para perpetuar este noble saber ancestral de la lenta metamorfosis de la madera en carbón vegetal…”, señala Noël.

El autor trabaja la técnica de cola bicromada, a medio camino entre la fotografía y la pintura, que otorga a las imágenes texturas y luces que potencian su dramatismo. Tiene una durabilidad sorprendente y permite intervenir directamente una imagen, para darle un toque personal y único en cada copia. A diferencia de los tirajes de copias a gran escala que son idénticas entre sí, aquí es imposible obtener un mismo resultado. Con mucha práctica y varios testeos, el expositor belga ha logrado adoptar esta técnica y desarrollado su propio método.

Nacido en 1969, en la región de Liège, Bélgica, Stéphane Noël encuentra su vocación en las artes gráficas y la fotografía luego de una etapa escolar calificada como “caótica”, donde no podía expresarse a su antojo. Temeroso de entregarse por completo al oficio, trabaja en la industria siderúrgica durante 20 años, durante los cuales ahorró lo suficiente para emprender sus proyecto y viajes fotográficos.

Ahora, dedicado enteramente a la fotografía y alentado por sus cercanos, realiza proyectos personales y por encargo, además de participar en numerosas exposiciones en su país y el extranjero.

En 2011 presentó su primera exposición individual en Bruselas, con sus series de cola bicromada. Luego vinieron muestras en las ciudades europeas de Ibiza, Seine sur Mer, Londres, Colonia, Arles, Szczwcin, Varsovia, Milán, Budapest y Paris, entre otras.

Temporada: 28 de marzo al 28 de abril (inauguración 27 de marzo, 19:30 horas)
Salas de Exposición. Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
22 896 98 00
Martes a domingo, 10:30 a 19 horas
Entrada liberada