«Paisajes»

Muestra de acuarelas y acrílicos de Carlos Martner y Andrea Jadresic

La colección de 40 obras compuestas por las acuarelas del reconocido arquitecto, escultor y pintor Carlos Martner y acrílicos de la destacada artista Andrea Jadresic, ganadora del  innovador  concurso “Art Takes Times Square” en Nueva York, está disponible para todo público a partir del viernes 17 de marzo, hasta el lunes 17 de abril.

La fusión de colores, texturas y formas, representan la emocionalidad, que a través de su experiencia y viajes imaginarios, conectan con la esencia de la naturaleza.

Quiénes son los pintores?

Carlos Martner, arquitecto referente en Latinoamérica por ser pionero de la arquitectura del paisaje en Chile y por considerar el entorno y su historia en sus obras.

Entre sus principales obras se encuentran la piscina Antilén y Tupahue, el Anfiteatro Pablo Neruda, la Casa de la Cultura Anáhuac, todas ubicadas al interior de Parque Metropolitano de Santiago, Parquemet.  En el 2007 ganó Premio América, otorgado en el Congreso de Arquitectura Latinoamericano.

Andrea Jadresic, artista visual chilena, ha expuesto sus pinturas en EEUU, Europa y países latinoamericanos, generando colecciones privadas en los países nombrados, además de Australia.

[EXPOSICIÓN EXTENDIDA HASTA EL DOMINGO 28 DE MAYO]

«A través de los ojos del pintor»

  • Viernes 20 de enero al domingo 16 de abril de 2017 / martes a domingo, 10:00 a 18:45 horas / Sala Chile Museo Nacional de Bellas Artes.

Cristales de sal, ramas, objetos encontrados, pinturas acrílicas y fotografías son los elementos que Raimundo Rubio utiliza para su exposición A través del ojo del pintor, propuesta con la que el artista chileno manifiesta una crítica a la destrucción de la naturaleza causada por la avaricia que conlleva el sistema capitalista.

Fue después de un viaje por el desierto de Atacama que el artista chileno Raimundo Rubio (1956), consideró utilizar los cristales de sal como material en sus instalaciones. La primera de ellas surgió en la ciudad donde reside, New York, a partir de un encargo de No Longer Empty (NLE), una organización sin fines de lucro, que organiza eventos culturales y programas educacionales en edificios desocupados. Desde ese entonces, Rubio desarrolló una línea de trabajo caracterizada por el despliegue de ramas y delgadas fibras desde pinturas acrílicas abstractas, algunas acompañadas de objetos encontrados como zapatos viejos, bisutería y piezas de computador o también elementos de la naturaleza como bichos, mariposas y flores. En esta especie de escenarios suspende delgados hilos que con paciencia y disciplina rocía más de 200 veces con agua salificada. Así, va formando cristales de sal condenados a la autodestrucción ante cualquier aumento de humedad que pueda ocurrir en el ambiente.

Por esta razón, un día comenzó a fotografiar sus instalaciones y captar la belleza de estos lienzos tridimensionales. Este registro le reveló su propio punto de vista, en el que persistía la forma de mirar de un pintor. Quedó maravillado por el potencial de estas imágenes que él define como metáforas de uno relato del Antiguo Testamento. “Mediante la utilización de la sal como medio artístico y los títulos escogidos para la obra -Sodoma y Gomorra- Rubio pretende conectar al espectador con la narrativa bíblica en la cual Dios, en castigo a la avaricia y codicia de sus habitantes, destruyó esas ciudades”, explica la curadora de la muestra Manon Slome, quien actualmente es la curadora jefa del proyecto No Longer Empty, y ha trabajado con el artista en NY durante los últimos 13 años.

Para el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Roberto Farriol, “esta exposición es precisamente una operación de desplazamientos disciplinares y de cruces de medios con tecnologías que el artista establece entre la fotografía y la pintura. Rubio captura y detiene el paso de los acontecimientos, con el fin de transformarlos en imágenes irreales. O dicho de otro modo, se trataría de un intento por alcanzar, por medio de la fotografía, una dimensión de imagen des-fotografiada; es decir, la revelación de una realidad interna que anhela superar la apariencia de lo real”.

Rubio toma las fotografías de sus instalaciones con la salida del sol, ya que para él representa “la esperanza en la vida y en la renovación”. El artista explica que el conjunto de obras que presenta en la muestra se caracteriza por una profunda preocupación por el medio ambiente: “Mi intención es representar el caos económico y medio ambiental causado por la codicia y avaricia existente en el sector financiero, el consumismo y la producción industrial de alimentos. Nuestro sistema ecológico, tanto animal como vegetal, está pagando las consecuencias”.

Sobre el artista

Raimundo Rubio Huidobro nació en Santiago de Chile en 1956. Proviene de una familia de poetas: su padre Alberto Rubio, Premio de la Academia Chilena de la Lengua; su hermano Armando, Premio Municipal de Santiago de Poesía; su sobrino Rafael, Premio Pablo Neruda y descendiente por parte materna del poeta Vicente Huidobro. En Chile estudió en el Instituto Experimental de Arte en Santiago y en los talleres de pintura de Fred Jarvis y Kurt Herdan. En 1979 se trasladó a Washington D.C. y desde 1999 vive y trabaja en Nueva York.

Ha realizado diez exposiciones individuales y numerosas muestras grupales en Barcelona, Santiago, Washington D.C. y Nueva York. En 2013 expone en la Galería Isabel Aninat y en 2015 en la galería de la Embajada de Chile en Washington D.C. Rubio también ha sido parte de exhibiciones grupales en El Museo del Barrio, Nueva York; Corcoran Gallery of Art, Washington D.C. y en el Chelsea Museum of Art, Nueva York. En 2009 y 2010 participa en el proyecto No Longer Empty, a cargo de la curadora norteamericana Manon Slome.

«La ciudad de las mujeres»

  • Inauguración Sábado 14 de enero de 2017, 19:00 horas / Del Sábado 14 de enero al lunes 6 de marzo de 2017, 10:30 a 21:00 horas / Sala MNBA Plaza Vespucio

El artista Nicolás Franco realiza un cuestionamiento a las técnicas fotográficas y a los medios pictóricos.

Asistimos ante la obra de Franco a una suerte de recomposición crítica de la materialidad originaria de la fotografía, esa escritura de luz liquidada ante los efectos estandarizados de su impresión contemporánea. Ni analógica ni digital de modo rotundo, esta recomposición mediada por la película fotográfica, ocurre en el terreno alternativo de la pintura. Concretamente al interior de la tela de gran formato, proyección del histórico cuadro actualizado en sus más conspicua condición de campo de exploraciones para el ojo y la mirada.

Fragmentos de palabras editadas, fotografías impresas o fotogramas como retornos inesperados e inconexos de una memoria visual en blanco y negro, conforman por montaje el gran plano de la tela, casi esculpido por acumulación de capas sucesivas de adherencia. Una adherencia rugosa, discontinua, no ajena a múltiples desgarros y arrepentimientos, constituye el principal recurso de esta pintura mediata, ultra tecnificada y en cierto sentido también automática.

En la ciudad de las mujeres una serie que evoca tal vez la más fantasiosa película de Fellini, el cuerpo fragmentario de la mujer y el cuerpo perdido de la imagen conseguida por el trabajo de la luz se hacen guiños de identidad, funcionando como zonas problemáticas en composiciones abstractas, erosionadas por textos inconclusos o derruidos «campos de color». El rostro trágico de Romy Schneider, el drástico encuadre del brazo de la madre del artista en el día de su casa miento o las poses cliché del cine erótico europeo de los sesenta, surgen como verdaderos eventos visuales entre los craquelados y las costras de la pintura. Lo hacen al modo de la sombra de una experiencia visual alojada, como una caricia o un golpe, no en la memoria consciente del ojo contemporáneo sino en su piel.

El efecto pictórico espesa la presencia visual de las viejas y originalmente análogas fotografías y fotogramas, cuyos fragmentos figuran allí, en virtud de la rasgadura emotiva que dejó su exposición temprana ante la mirada del artista. A salvo de cualquier deglución rápida, estos fragmentos superpuestos pasan a conformar un acertijo visual. Si nos aproximamos, cobran una espesor tridimensional, por efecto de la pintura que Franco ha puesto cuidadosamente «debajo» de la película fotográfica antes de adherirla), o bien se desarman en el reguero de puntos que denuncia el paso inequívoco de la imagen por los consabidos procesos de impresión. Si, en cambio, tomamos distancia, estos fragmentos se hunden e incorporan como eventos de pintura al interior de una composición abstracta, que adquiere dimensiones gráficas e incluso constructivas en gran medida gracias a las cintas metálicas que ingresan abruptamente al plano más superficial, trayendo viejas resonancias vanguardistas y mensajes textuales aislados en los que resuena un tributo a la mayor conquista que la inteligencia visual alcanzara en el siglo XX: el montaje.

Texto de Ana Maria Risco. Enero 2017

Sobre Nicolás Franco

Nacido en Santiago en 1973, realizó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Ha sido artista residente en De Ateliers, Amsterdam y Gasworks, Londres. Ha exhibido en forma individual para el proyecto Museo si Muros del Museo Nacional de Bellas Artes, Santiag, Museo de Artes Visuales; Santiago (2014); Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2014); Museo del Barro, Asunción (2009); Museo Blanes, Montevideo (2008) y Centro Cultural de España (2015).

Destaca su participación en la exposiciones colectivas: Resistance Performed – Aesthetic Strategies under Repressive Systems in Latin America, Migros Museum für Gegenwartskunst de Zurich (2015); Arte Contexto, Museo Universitario de Antioquia, Medellín; ARCO Solo Projects 2015, Galería AFA, Madrid; 12th Bienal de Video y Nuevos Medios, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2015); El final de la Historia o el Comienzo del Storytelling, La Conservera, Ceutí (2015); VOCES Latin American Photography 1980 – 2015, Michael Hoppen Gallery, London (2015); YAP – Constructo. Young Architects Program – PS1 MoMA, Santiago (2014); Ni Pena Ni Miedo, MEIAC Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz (2012); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, New York (2004) and Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).

Durante su carrera ha recibido reconocimientos como: Tecnologías Políticas de la Memoria – UAH y University of Oxford, UK; Nominado Prix Pictet, Fundación Pictet (Ginebra, 2016 – 2015); EFG Bank – ArtNexus Ch.ACO (Santiago, 2013); Beca AMA-Gasworks, Fundación AMA (Santiago, Londres 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (Nueva York 2010 – 2001); Union Latine culture et Comunicación (París, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2015, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); De- Ateliers, Mondrian Foundation y Ministerio de cultura y Ciencias de Los Países Bajos (NL, 2000).

«Paisajes imaginados»

  • Sala Artes Visuales (edificio B, piso -1) Centro GAM.
  • Viernes 6 al Domingo 22 de Enero de 2017
  • Martes a Viernes, 10:00 a 21:00 horas.
  • Sábado y Domingo, 11:00 a 21:00 horas.

De Edouard Duval-Carrié  

«Hay pocos artistas cuyas obras provocan simultáneamente el deseo de mirar y la oportunidad de pensar. Esa feliz coyuntura sucede a cada exposición de Duval-Carrié» – Diario Hoy

País Haití
Disciplina Artes visuales
Duración Indefinida
Recomendación Todo público
Idioma Sin texto

Como el “Nuevo Edén” y una tierra fértil de posibilidades se representaba en el siglo XIX al Caribe. Para promover el desarrollo económico de la zona, los intereses coloniales encargaban pinturas que mostraran un Caribe exuberante, tropical y prometedor. Inspirándose en aquellas pinturas, el artista haitiano Edouard Duval-Carrié ha desarrollado un trabajo de enfoque poscolonialista que ya es reconocido en todo el mundo.

La exposición Paisajes imaginados reúne pinturas, grabados, instalaciones y esculturas a gran escala producidas en la última década por el artista, donde adapta de manera innovadora la iconografía tradicional haitiana. Las obras de Duval-Carrié involucran extensas investigaciones sobre el tema del paisaje visto desde la periferia, sobre cómo el Caribe se sigue vendiendo como un paraíso tropical, oscureciendo las disparidades económicas y sociales existentes. Otra parte de la exposición se refiere, desde una visión contemporánea, al sincretismo religioso y social de Haití.

«La imagen material»

  • Inauguración Martes 3 de enero de 2017, 19:00 horas.
  • Martes 3 al jueves 26 de enero de 2017.
  • Lunes a sábado, 10:00 a 20:00 hrs.
  • Galería de Arte, Centro de Extensión UC. Alameda 390, Metro Universidad Católica.

La muestra, que se inaugurará este martes 3 de enero a las 19 horas en el Centro de Extensión UC  y se extenderá hasta el 26 del mismo mes,  se compone de pinturas y dibujos donde los artistas promueven una sofisticada lectura del expresionismo con las condiciones histórico-sociales que hoy actúan en el arte contemporáneo.

Esta exhibición de pinturas y dibujos, que se configuran en base a diversas técnicas sobre papel y tela como acrílico, oleo, collage, lápiz grafito, gouache, entre otras, se articula bajo principios estéticos descendientes del vitalismo expresionista. Bajo este paradigma teórico formal, crucial para entender el progreso del arte en el Siglo XX, se exhibe una selección de obras realizadas por los artistas en los últimos 20 años.

“El expresionismo genera unas dimensiones expresivas y estéticas siempre sorprendentes. Mucha energía, vitalismo, fuerza material y un trabajo emancipado sobre la imagen”, explica Claudio Herrera. “El concepto que hay detrás es básicamente una reinterpretación siempre actual de la pintura, de lo manual, lo antropológico, lo sensible, lo sensual”, agrega.

Las obras que acuden a esta muestra conviven en ese pasaje hacia lo indescifrable; hacen que la imagen auto-consciente y material ponga en escena una micro-ideología disruptiva y amiga de los márgenes. Posibilidad ya acaecida; estas pinturas afectan críticamente la notoriedad del conservadurismo ya emancipado. Se trata con estas de pulverizar ciertos contornos de la realidad, decirle a la comunidad que con todo se puede jugar, pues la cultura académica prescribe aquí por ficticia, es una farsa más sobre el imaginario cultural.

El publico se encontrará con trabajos honestos, directos, reales, con el aura de cierto radicalismo cultural y estético. Debería venir, pues puede ver en estas obras algo muy directo y potente, un tipo de arte que lo puede dejar extrañado, sorprendido e interesado”, señala Herrera.

Joe Villablanca

Artista visual y músico nacido en Santiago en 1971. Se licenció en Arte con Mención en Grabado en la Universidad Católica. Además, ha sido integrante gestor de Galería Chilena y posteriormente de Galeria YONO. Algunas de sus muestras han sido “Efemérides”, Museo Histórico Nacional, Santiago, 2014;“Naturalezas Muertas”, Galería Metropolitana, Santiago,2008; “Face it”, Elektrohaus, Hamburgo, Alemania, 2005; “Condoros”, Galería Metropolitana, Santiago y en Calle Union Walk, Londres, Inglaterra, 2004; “Debajo del puente”, Espacio La Rebeca, Bogotá, Colombia, 2003; “Especes d´Espaces”, Swiss Institute, Nueva York, 1998, entre otras. Ha obtenido en tres ocasiones el Fondo Nacional de las Artes (Fondart) otorgado por el Ministerio de Educación.

Claudio Herrera

Artista visual nacido en 1968. Su obra ha sido exhibida en Chile y el extranjero en exposiciones individuales y colectivas siendo premiada por prestigiosas instituciones como: The Pollock-Krasner Foundation en 1997, 2008 y 2015, Casa de Velázquez en Madrid en 2006 y Fundación Andes en 2005. En 2011 y 2013 fue invitado por B.a.d. Stichtung (Roterdam) a realizar una residencia artística. Ha obtenido en tres ocasiones el Fondo Nacional de las Artes (Fondart) otorgado por el Ministerio de Educación.

«Tiro al blanco»

  • Inauguración Martes 3 de enero de 2017, 18:30 horas.
  • Martes 3 de enero al jueves 10 de enero de 2017.
  • Lunes a viernes, 10:00 a 21:00 horas.
  • Sala Juan Egenau. Departamento de Artes Visuales (DAV) Facultad de Artes Universidad de Chile. Las Encinas 3370. Ñuñoa.

«Tiro al blanco» se titula la exposición que reúne una serie de óleos hechos por el artista visual y docente del Departamento de Artes Visuales, Andrés Bortnik, que desde el 3 al 12 de enero serán exhibidos en la Sala Juan Egenau.

Desde fotografías tomadas por el propio autor a imágenes recogidas de internet o sacadas de alguna película, forman parte del imaginario que Andrés Bortnik toma como fuentes de referencia para la creación de sus pinturas al óleo.

Así surge Tiro al blanco, una muestra donde toman presencia escenas ambiguas y confusas que tras la acción pictórica de trasformación, deformación, borroneos, superposiciones y uniones, crean una mezcla iconográfica que también es abordada desde situaciones y personajes que emergen directamente desde el pintor, sin tener relación directa con una imagen concreta.

“Me llaman la atención justamente las imágenes que no lo dicen todo, que son abiertas. No las que dan una instrucción a quien observa. Entonces más que presentar una idea en un cuadro, pienso que lo fundamental es que prime el lenguaje de la pintura y que ésta pueda dar cuenta del hecho pictórico mismo”, aseveró el pintor para referirse a sus obras.

Precisamente ese conjunto de acciones pictóricas le da el nombre a la exposición Tiro al blanco, en la que según el propio Andrés Bortnik, “cada pintura es un intento de algo. La tela en blanco es una superficie donde se prueban cosas, donde se intenta sobreponer a los lugares comunes que se acarrean. Son ensayos de aciertos y errores.  Y muchos de los primeros, si suceden, vienen dados por los segundos. De este modo la concentración y desconcentración; estar presente y no estarlo, juegan también un rol importante”.

Motivado principalmente por el acto mismo de pintar, el docente de Taller Complementario y Pintura del DAV, a través de la exposición de sus obras busca crear espacios y escenas que surgen por distintos factores. “Me llaman la atención ciertos libros, ciertas películas, así como ciertas imágenes. Eso se mezcla con las personas que conozco, las situaciones que veo y que he vivido. Todo esto, que viene absorbido desde la realidad o el acontecer cotidiano, termina en un cuadro como una imagen”, señaló el artista.

El poder de invocar de la pintura

Para Bortnik, el acto de pintar le permite trabajar desde distintos planos, “desde un cerebro que crea y piensa y desde el cuerpo que es el que se mueve permanentemente, lo que culminará en una gestualidad expresada por la mano”, dice.

Otro de los factores que motivan la pulsión de sus obras es la atracción que siente por la realidad que surge de una tela en blanco donde no había nada, lo que él describe como, “el poder de invocar de la pintura”, es decir, “entrar en esa otra realidad, lo que puede interpretarse como un momento de evasión sólo hasta cierto punto, porque el óleo y el pigmento son elementos súper materiales y concretos. Esta técnica exige estar ahí presente; lo pintado luego se vuelve un objeto a ser visto, una cosa tangible y física que existe, que tiene la posibilidad de generar la detención de alguien en el”, manifestó.

De allí que en Tiro al blanco se puedan observar cuadros con muchas figuras aisladas, objetos, personas o animales como extraviados en la espacialidad y entre ellos, unidos a fondos que muchas veces tienden a lo indiscernible. “En algunos cuadros el espacio se cierra, aparecen delimitaciones, que sin embargo no están definidas claramente. En general, puede que un ámbito vacío o nebuloso tome presencia ocasionando que la atmósfera adquiera más fuerza”, aclaró Bortnik.

Finalmente, al ser consultado por las motivaciones que tuvo para exhibir por primera vez individualmente en la Sala Juan Egenau, el artista indicó: “Por la trascendencia, tradición e historia de la escuela de Arte de la Universidad de Chile y también porque egresé hace poco de pintura en la misma, y me hace sentido exponer por primera vez individualmente en el lugar donde estudié y trabajo actualmente”.

«Rutas de exploración»

  • Miércoles 14 de diciembre de 2016 al Sábado 28 de enero de 2017.
  • Galería La Sala. Francisco de Aguirre 3720. Vitacura.
  • Lunes a Viernes, 10:00 a 20:00 horas.
  • Sábado, 11:00 a 14:00 horas.

Exposición del artista peruano Carlos Llosa, actual director de la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna, ubicada en Miraflores, Lima.

Llosa suele realizar empleando materiales de uso diario o de tipo industrial, con tendencia a la expresión geométrica en tres dimensiones. En «Rutas de exploración» presenta los resultados de sus búsquedas geométricas, con empleo tanto de maderas terminadas en acabados de pinturas acrílicas, como de mangueras de alta presión trabajadas con su personal mirada.

Sobre Carlos Llosa: De formación autodidacta, Carlos Llosa nació en Lima en 1947 y fue cofundador en 1992 y actual Director General de la Escuela Superior de Artes Visuales “Corriente Alterna”. Ha venido realizando un metódico trabajo introspectivo de investigación personal, con el empleo de materiales de uso diario o de tipo industrial, con tendencia a la expresión geométrica en tres dimensiones. Su última muestra, realizada en la Feria Internacional Art Lima en abril de 2016, fue una instalación de gran formato (81 piezas bajo movimiento rotatorio en un área de 30 m2) que bajo el título “Des Urb” presentaba una crítica metafórica a el crecimiento desordenado de muchas grandes urbes. Esta muestra fue curada por el crítico Gustavo Buntinx.

“Picasso. Mano erudita, ojo salvaje”

Para finalizar la celebración de los 10 años del Centro Cultural La Moneda, llega desde el Musée national Picasso-París la exposición “Picasso. Mano erudita, ojo salvaje”, una muestra organizada en conjunto por ambas instituciones culturales y que visita Chile luego de un gran éxito en las ciudades de São Paulo y Río de Janeiro. 135 obras originales del artista español que incluyen piezas especialmente seleccionadas para exhibirse en Santiago.

La exposición de uno de los íconos artísticos más importantes del siglo XX llega a Chile gracias al importante aporte de Minera Doña Inés de Collahuasi y Abertis Autopistas Chile, a través de la Ley de Donaciones Culturales.

La muestra incluye 35 pinturas de mediano y gran formato, 41 dibujos, 20 esculturas, 20 grabados y 19 fotografías, dispuestas en nueve secciones que, en conjunto, abarcan la profusa carrera del artista en sus distintas etapas que permitirán a los visitantes descubrir el proceso creativo de Pablo Picasso en forma cronológica.

La curadora Emilia Philippot, conservadora responsable de las Artes Gráficas en el museo parisino, propone una aproximación cronológica y multidisciplinaria que permite un recorrido desde su juventud, donde ya se apreciaba la maestría de sus composiciones, hasta sus trabajos más experimentales y transgresores en la cima de su carrera.  También es posible recorrer las obras a través de las temáticas que fueron articulando su lenguaje artístico: la importancia de su núcleo familiar, su pasión por el universo femenino, la preocupación por el sufrimiento y sus denuncias frente a los abusos de los conflictos bélicos, en especial la guerra civil española y la ocupación alemana de Francia.

La exposición estará acompañada por recorridos mediados dirigidos a todo público y talleres en los que nuestros visitantes podrán experimentar las diferentes facetas del artista español. Los niños podrán conocer el collage, los autorretratos y la escultura cubista, mientras que jóvenes y adultos podrán interiorizarse en la cerámica, el retrato, la escultura cubista y distintas técnicas mixtas. Además, los sábados y domingos se realizarán ciclos especiales de Cuenta Cuentos Infantiles.

Todas estas actividades se acompañarán con folletos y cuadernos educativos, visita virtual, audioguías, módulos educativos y todas las actividades que tiene preparada la Zona Interactiva Mustakis de Fundación Mustakis.

14 de Diciembre de 2016 hasta 5 de marzo de 2017.

Salas de exposición: Andes y Pacífico | Nivel -3

Lunes a domingo, 10:00 a 13:00 horas, GRATIS.

Cierre de exposición de cerámica y pintura de artistas rusos

En nombre del Centro de Ciencia y Cultura de Rusia tenemos el agrado de invitarle a compartir el cierre de EXPOSICIÓN DE ARTISTAS RUSOS de cerámica y pintura.

El Cierre contará con la destacada presencia de los autores de las obras expuestas. Las obras expuestas estarán disponibles para compra. Luego de la función se ofrecerá un cóctel.

«4 esquinas»

Sala Andacollo te invita a la inauguración de la exposición 4 ESQUINAS.

Esta nueva muestra reúne cuatro miradas en torno a una misma disciplina: la pintura.

Las expositoras: Alejandra González, Tamara Rivadeneira, Bernardita Tagle y Tamara Müller presentan una relevante e imperdible presentación de la producción pictórica nacional.

La muestra permanecerá abierta los días viernes, sábado y domingo de 14 a 21 horas hasta el 11 de diciembre.