«Tiempo Local: arte y activismo para una memoria fronteriza»

 

  • Desde el 21 de agosto a las 19:30 hrs en el CCESantiago se puede visitar la exposición Tiempo Local: arte y activismo para una memoria fronteriza, de la curadora nacional, Mane Adaro. La muestra exhibe las investigaciones y obras de las artistas Laura Anderson Barbata (México) y Liliana Angulo Cortés (Colombia). Entrada liberada.

 

Trabajos sensibles y con gran peso histórico, discursivo y biográfico es lo que se ofrece en la nueva muestra del CCESantiago. Por un lado, Anderson Barbata pone en sala la historia de Julia Pastrana, quien en el siglo XIX fue llevada a Europa para ser exhibida como objeto de estudio y por otro lado ¡Quieto Pelo! de Liliana Angulo exhibe creaciones capilares realizadas por peluqueras afrodescendientes.

Los trabajos de estas dos artistas internacionales confluyen bajo la mirada de la curadora de la muestra, Mane Adaro, que, al alero de la innegable presencia de narrativas hegemónicas en el arte, puso a dialogar estas dos investigaciones, en sus cruces con las estéticas coloniales, la producción de nuevas memorias y el problema en el arte de los sujetos representados.

El trabajo de Laura Anderson Barbata consiste en un rescate histórico de la figura e iconografía de Pastrana. A través de diversas piezas audiovisuales de corte semi-documental pero también de video arte, la artista mexicana realiza una invitación a cuestionar los mecanismos que construyen la memoria y configuran cómo contamos la historia.

Por otro lado, la obra de Liliana Angulo, articulada a través de la video-producción documental y fotografías, retrata el trabajo de peinados realizados por mujeres vinculadas a la diáspora americana. ¡Quieto Pelo! exhibe como los peinados realizados por mujeres afrodescendientes son una expresión única de identidad, y una poderosa respuesta a las imposiciones estéticas del colonialismo occidental.

Esta exposición dual del CCESantiago es particularmente sensible en momentos en que nuestra sociedad comienza a cuestionarse fuertemente sus desigualdades y derechos. En la crisis de nuestro acervo cultural, impulsada en parte por la globalización además del lento pero progresivo despertar de conciencia sobre nuestras raíces historicas, la muestra configura una apuesta que busca cuestionar los relatos y mitos heredados que configuran nuestra identidad.

En el trabajo de Anderson Barbata observamos el proceso colectivo de repatriación del cuerpo de Julia Pastrana desde Europa a Sinaloa, México; Por otro lado, en ¡Quieto Pelo! se ponen en jaque las tradiciones estilísticas y los relatos clásicos de la apariencia personal, ya qua mediante la visibilización de tradiciones relativas al diseño capilar, podemos apreciar la importancia performática de los peinados en diversos pueblos, y cómo existen imposiciones hegemónicas del mundo occidental sobre ambos temas: cabello e identidad.

Los trabajos de ambas artistas se abrirán al público el 21 de agosto a las 19:30 horas, y permanecerán en exhibición continua hasta el 20 de octubre, de lunes a viernes de 11 a 20 horas, y los sábados de 11 a 14 horas. La entrada es liberada. El CCESantiago queda ubicado en Providencia 927, cerca de metro Salvador.

Proyecto desarrollado en colaboración con la Macroárea de artes de la visualidad del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

La exposición se podrá visitar, de forma gratuita, de lunes a viernes de 11 a 20 horas, y los días sábados de 11 a 14 horas en Providencia 927. 

World Press Photo 2018

Aisha, age 14, stands for a portrait in Maiduguri, Borno State, Nigeria on Sept. 21, 2017. Aisha was kidnapped by Boko Haram then assigned a suicide bombing mission. After she was strapped with explosives, she found help instead of blowing herself and others up. Photo by Adam Ferguson for The New York Times
Credit: Thomas P. Peschak/www.thomaspeschak.com
Credit: Thomas P. Peschak/www.thomaspeschak.com
Falmata, age 15, stands for a portrait in Maiduguri, Borno State, Nigeria on Sept. 22, 2017. Falmata was kidnapped by Boko Haram then assigned a suicide bombing mission. After she was strapped with explosives, she found help instead of blowing herself and others up. Photo by Adam Ferguson for The New York Times

La mejor exposición fotográfica del mundo

COORDENADAS

Jueves 26 de Julio al Domingo 26 de Agosto de 2018 / lunes a viernes de 9:00 a 20:00 horas, sábados, domingos y festivos de 11:00 a 20:00 hrs.

CUERPO

4548 fotógrafos, 125 países, 73044 fotografías.

Como novedad, este año, en su edición número 61, la exhibición incluirá una retrospectiva que presentará las mejores fotografías de todos los tiempos desde la creación del concurso, reuniendo, por primera vez en una exposición, a los ganadores del World Press Photo of the Year de los últimos 60 años.

Como en todos los concursos de World Press Photo, la discusión implica una combinación de los aspectos periodísticos de las historias, de las dimensiones estéticas y de las técnicas utilizadas en la imagen.

GANADOR LATINOAMERICANO

La foto del año de World Press Photo rinde homenaje al fotógrafo cuya creatividad visual y habilidades crean una imagen que captura o representa un evento o tema de gran importancia periodística en el último año. Este año, por primera vez, el jurado eligió a 5 nominados para la Foto del año de World Press. El ganador fue anunciado durante el mes de abril en la premiación realizada en Amsterdam.

“Venezuela Crisis” por Ronaldo Schemidt, tuvo ese privilegio. José Víctor Salazar Balza (28) encendido en llamas en medio de violentos enfrentamientos con la policía antidisturbios durante una protesta en Caracas, Venezuela.

JURADO

El jurado seleccionó nominados en ocho categorías. Son 42 fotógrafos de 22 países: Australia, Bangladesh, Bélgica, Canadá, China, Colombia, Dinamarca, Egipto, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Noruega, Rusia, Serbia, Sudáfrica, España, Suecia, Países Bajos, Reino Unido, Estados Unidos y Venezuela.

Sobre World Press Photo

World Press Photo es una organización independiente y sin fines de lucro fundada en 1955, cuyo principal objetivo es apoyar y promover el fotoperiodismo en todo el mundo. De esta manera, busca generar interés público, así como promover el libre intercambio de información. Su oficina central está ubicada en Amsterdam, Holanda.

«De Santiago a Santiago»

ARTISTAS BOLIVIANOS PRESENTAN EN ESPACIO O PLATAFORMA DE ARTE CONTEMPORÁNEO MUESTRA “DE SANTIAGO A SANTIAGO”

23 de julio al 3 de agosto de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00h.

En la inauguración: Contaremos con una performance de Ana Barros, a las 20 horas. ¡Los esperamos junto a Tuborg y Misiones de Rengo! 

  • La muestra es el resultado de una investigación que los artistas bolivianos Mateo Caballero, Andoro, y Liliana Zapata, que conforman la comunidad M.A.L., realizaron en Santiago de Llallagua, localidad altiplánica ubicada a 60 km. al sur de La Paz, y el cruce con su experiencia en Santiago de Chile.
  • Se trata de una triple instalación en video y una serie de intervenciones con registros sonoros, imágenes y objetos de esa localidad boliviana que hablan de la tradición aymara y su imaginario y cómo se integra y enriquece el pensamiento y la sensibilidad del colectivo.

Los artistas Caballero (Bolivia, 1980), Andoro (Bolivia, 1987) y Zapata (Bolivia, 1985) trabajan en comunidad desde hace varios años, en torno a proyectos de arte contemporáneo, que incluye un período de búsqueda en terreno, cuyos resultados comparten luego con el público en un proceso donde éste puede intervenir y ser parte del resultado final. Para la muestra que inauguran en Espacio O en Santiago de Chile se trasladaron a Santiago de Llallagua, en el altiplano boliviano, donde a través de fotografías, material audiovisual y objetos que allí recopilaron durante varios meses, crearon una obra que transforma el espacio de lo cotidiano en el escenario de lo extraño e impredecible. “De Santiago a Santiago” es un ejercicio de deconstrucción entre dos espacios homónimos que se inspira en el imaginario aymara a partir de personajes que cumplen roles clave en la cultura local, como los Kamanas (sabios de la comunidad) o los Wayraqas, (guardianes de la felicidad). Esto implicó empaparse de la cultura ancestral para incorporarla en su proceso de creación que dio como resultado la muestra que se inaugura. Así, mitos, rituales, destellos ceremoniales despiertan para evidenciar la trascendencia espiritual del arte. Además de la exhibición, los artistas también impartirán unworkshop de dos días donde expondrán el proceso y sus experiencias con la muestra, espacio en el cual el público podrá interactuar e intervenir.

En Bolivia, las prácticas ancestrales impregnan la vida cotidiana de sus sociedades. Estos saberes laten de manera muy cercana con el mundo “moderno”. Santiago de Llallagua es una comunidad compuesta por 380 familias que conviven con normas y costumbres propias a su herencia, que se mantiene vigente desde hace cientos de años. Figuras como Los Mallkus (autoridades políticas) Kamanas (autoridades de la producción agrícola) Wayraqas (autoridades culturales/artísticas), han prevalecido en el orden de su convivencia. Estas autoridades y sus profundos saberes se congregan en rituales y ceremonias como por ejemplo la fiesta de la Cruz, ritual en el que inician la temporada de cosecha con la construcción de un árbol de frutos, una ronda de la danza de Kusillos y otra de músicos, principalmente de instrumentos de viento tradicionales, todos reunidos para agradecer a la Pachamama (madre tierra). “Sumergidos en estos rituales, pudimos experimentar su verdadera conexión con la tierra, fuimos parte de sus diálogos con la lluvia y de profundas expresiones de respeto entre seres humanos y de ellos con la naturaleza”, relatan los artistas.

SOBRE LOS ARTISTAS

MATEO CABALLERO

Fotógrafo y músico, vive y trabaja en La Paz, Bolivia. Estudió Fotografía en EFTI Centro Internacional de Fotografía y Cine de Madrid, España.

“Trabajo la imagen buscando una musicalidad en la composición de cada cuadro, que sea capaz de trascender los límites del soporte físico. Me muevo entre las estructuras formales de la fotografía documental, y la de moda, y la libertad de la creación de historias que, probables o improbables, puedan generar identidad con el espectador. A veces procuro hacer de intermediario entre quien me cuenta su historia, y quien, a través mío, la recibe. Otras veces, manipulo y deconstruyo la historia a mi propia conveniencia, a fin de obtener un resultado nuevo, que permita libertad de lectura para quien observa”.

ANDORO

Nacido en La Paz, actualmente trabaja y reside en esa ciudad. Crea como artista visual, músico y performer. En 2017 lanzó el álbum visual “Inmortal” generando un encuentro entre el pop y el arte contemporáneo.

“Preciso acariciar constantemente, mi propio hábitat artístico y espiritual. Hablo desde el contorno de una montaña, el viento que canta, la historia hecha tejido. Desde el borde del carrusel de mi infancia, mi música y los dibujos de mi piel. Preciso también lo impreciso, entendiendo mi contexto espontáneo, inestable, desafiante, sonoro, con altas dosis de devoción y lo envuelvo en mis propios mantos de reflexión y de acción, haciendo de mi vivencia y mis procesos de intimidad una invitación y/o provocación, hecho que denomino experiencia artística. Andoro Construcción de delirios”.

LILIANA ZAPATA

Artista Visual vive y trabaja entre La Paz, Bolivia y Santiago de Chile. Egresada de la Academia Nacional de Bellas Artes en La Paz, con mención en escultura. En 2008 realizó estudios en la École Supérieure des Beaux-Arts, Le Mans, Francia.

“Me interesan los procesos naturales en relación a la creación artística. El valor intangible de lo que la naturaleza proporciona y el trabajo artesanal, en el sentido de que me gusta dedicarme a una tarea en la que exista una implicación y una relación directa y cercana con los materiales y las herramientas que manejo. Reflexiono en torno a lo efímero, lo frágil y a cómo el soporte en la obra se convierte en el fin y en la obra misma. En cada proyecto es tan importante el final como el propio proceso que exige la materia, siendo la contemplación final necesariamente más detenida para poder captar todo lo que se esconde. Considero que las pequeñas cosas a menudo pasadas por alto, tiene el potencial de cambiar nuestra forma de ver el mundo”.

SOBRE EL TRABAJO DE INTERCAMBIO LATINOAMERICANO DE ESPACIO O

ESPACIO O PLATAFORMA DE ARTE CONTEMPORÁNEO ha comenzado a desarrollar desde 2017 un trabajo de intercambio internacional entre artistas y creadores de Latinoamérica, generando un espacio de experimentación y de aprendizaje. En este contexto, este año ha gestionado la visita de artistas de Argentina, España, y para 2018 tiene contemplado proyectos con Venezuela, Bolivia y Ecuador. De esta forma ha creado lazos, por ejemplo, con curadores a través del continente convirtiendo a Chile en una eficiente plataforma de comunicación y gestión. Adicionalmente cada año Espacio O acoge el trabajo de agrupaciones artísticas extranjeras. Este año es el turno la agrupación ONG de Caracas, Venezuela, que ha creado su propia identidad en nuestro país de modo de articular un trabajo artístico y social en torno a un país en crisis. Espacio O crea de esta forma nuevos coleccionistas en torno a estos artistas y a su vez robustece su propia colección.

“Fronteras Naturales”

Inauguración Miércoles 13 de Junio | 7 pm / Calle El Pangue esq. Kennedy Edificio CV Galería / 13 de junio al 20 de julio / Galería Isabel Aninat / Horarios: Lunes a jueves de 10:00 a 20:00 hrs. Viernes de 10:00 a 19:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 horas.

Aninat Galería Exhibe la primera muestra en Chile del reconocido artista conceptual español

“Fronteras Naturales” del artista madrileño Mateo Maté nos plantea en el dilema de las fronteras físicas y los límites territoriales en donde la geografía pasa al servicio de fines políticos al instaurarse como una barrera natural, y una excusa para ejercer soberanía sobre una determinada territorialidad.
Zona restringida es un proyecto que reflexiona sobre cómo la vigilancia y el control, auspiciados por el argumento de la seguridad, han invadido el devenir cotidiano, impregnando una gran cantidad de ámbitos con alusiones a la guerra, a la necesidad de la conquista o a la militarización. En palabras del propio autor, “con la militarización total de todas nuestras fronteras, implantada con el pretexto de seguridad, todos nos preparamos para una movilización general.

No sabemos ni cuándo ni dónde surgirá el conflicto, pero tenemos que estar preparados”. Por su parte Paisajes uniformados intenta probar la tesis de como el camuflaje militar no existiría sin el descubrimiento y desarrollo de un lenguaje y una iconografía plástica particulares del pre impresionismo e impresionismo. Estos análisis despojaron a todos los elementos naturales del paisaje de su forma básica y los reinterpretaron como la impresión de manchas y colores tal y como la retina humana los percibe en un golpe de vista. A partir de la misma fecha de ese descubrimiento, y demostrándonos que no hay invento humano inocuo y con posibilidades de ser utilizado perversamente, los uniformes de los ejércitos de todo el planeta cambiaron radicalmente de planteamiento; pasaron de ser un elemento representativo y de poder a ser armas ofensivas, aunque pasivas. Desde ese mismo momento, mediante una iconografía básica pero muy sofisticadamente estudiada, los uniformes pasaron a imitar el entorno natural donde los diferentes cuerpos de los ejércitos iban a ser desplegados.

“Fronteras Naturales” pretende aproximar al espectador a las obras recientes de Mateo Maté, quién lleva trabajando con las cartografías, las fronteras, la vigilancia y la militarización de nuestra cotidianeidad desde hace ya un largo tiempo.

Mateo Maté (Madrid, 1964) utiliza objetos cotidianos, incluso a menudo ligados a su propia rutina doméstica, para explorar cómo en la modernidad tardía los espacios que habitamos están atravesados por tensiones y violencias en las que lo íntimo y lo social, lo político y lo existencial, lo individual y lo colectivo se entremezclan y confunden. Interesado por el potencial simbólico de la metáfora cartográfica, Maté crea espacios escultóricos y performativos que a la vez que nos resultan familiares, nos generan un profundo desconcierto, como si estuvieran plagados de peligros latentes, de enigmas perturbadores. En sus trabajos, el artista madrileño plantea que en un contexto como el actual, en el que nuestros entornos más inmediatos se han convertido en geografías indescifrables y llenas de amenazas e incertidumbres, tenemos que repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar nuestra mirada y devolverle la concreción a los espacios y objetos que nos rodean.

«A cien años de la muerte de Gustav Klimt»

De lunes a domingo, de 9:00 a 18:00 horas.

Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello y la Embajada de Austria invita a la comunidad a la exposición que conmemora los 100 años de la muerte del célebre artista austriaco Gustav Klimt. Esta muestra está compuesta por 40 reproducciones de obras, fotografías y dibujos que nos invitan a ingresar al mundo de creaciones de este artista.  La exposición estará abierta a todo público desde el 29 de mayo hasta el 6 de julio en el Salón Independencia de la Casona de Las Condes de la UNAB (Fernández Concha 700)  Posteriormente estará en el Campus República (10 de julio a 10 de agosto, Av. República 237), Campus Concepción (21 de agosto a 28 de sept) y Campus Viña del Mar (11 de oct a 12 de diciembre). La entrada es liberada.

Gustav Klimt (Viena, 1862 – id., 1918) fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista.

En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo.

Como consecuencia de este episodio, ya no volvió a recibir encargos oficiales. Fue en este período que Klimt realizó gran cantidad de pinturas, en las que plasma paisajes en los que predominan las tonalidades verdes y figuras femeninas que constituyen lo más conocido y valorado de su obra.

En estas obras combinó el realismo del retrato con un decorativismo extremo plasmado en los fondos y vestidos, cargados de tonos amarillos y dorados y con motivos inspirados en las alas de mariposa o las colas de pavo real.

«Inoculación»

Fundación CorpArtes, presenta [Inoculación], la primera exposición en nuestro país de uno de los artistas más relevantes de la escena contemporánea: Ai Weiwei.

En el arte de Ai Weiwei (1957) se confunde su obra con su vida. Ambas van por el mismo camino y una determina a la otra. Este artista, nombrado la persona más influyente en el mundo del arte en 2011 por la revista ArtReview, se ha convertido en una figura inestimable de la escena del arte internacional y en una voz que se rebela contra el régimen de su país. Sus obras han pasado a formar parte de prestigiosas colecciones de arte como en el Centro Pompidou, Museo Guggenheim, MoMA, y en la Tate Collection, entre otras.

La muestra, organizada por Magnetoscópio y curada por el brasileño Marcello Dantas, forma parte de la primera itinerancia por Latinoamérica de la obra de Ai Weiwei e incluye varios de sus trabajos más emblemáticos, con instalaciones, esculturas, objetos, fotografías y videos, distribuidos en distintos puntos de Santiago. Nuestro Centro Cultural albergará más de 30 de sus obras, entre ellas Semillas de girasol (Sunflower Seeds, 2010), trabajo compuesto por 15 toneladas de semillas de porcelana, hechas a mano, que se esparcieron por primera vez en la Tate Modern de Londres. En el espacio público se expondrá la instalación Bicicletas “Forever” (Forever Bicycles, 2015), compuesta por más de 1.000 bicicletas unidas entre sí, la cual estará ubicada en la Explanada de CorpArtes. A su vez, el Archivo Nacional de Chile albergará, desde fines de mayo, una de las últimas instalaciones del artista, Safe Passage, compuesta por cientos de chalecos salvavidas -originalmente usados por refugiados- que cubrirán las columnas del edificio patrimonial.

Este mayo, los chilenos tendrán el privilegio de poder acceder a su obra y hacerse una idea más integral de este gran artista del siglo XXI.

HORARIOS:

MAR – DOM

11:00 A 14:00H
ENTRADA LIBERADA

14:00 A 18:30H
ENTRADA PAGADA

Adultos: $2.000
Niños, estudiantes y 3era edad: $1.000

DÍA DEL PATRIMONIO (Sábado 26) EN FUNDACIÓN CORPARTES

En este Día del Patrimonio, Fundación CorpArtes abre gratuitamente los recorridos por la exposición «Inoculación», del destacado artista chino Ai Weiwei. ¿Qué tienen que ver 2.000 cangrejos de porcelana con la censura? ¿te imaginas una instalación de más de 1.000 bicicletas unidas entre sí? Súmate a esta actividad y reflexiona sobre la democracia, los derechos humanos y las libertades civiles.

“País, homenaje en blanco y negro”

Sábado 5 al domingo 27 de mayo de 2018 / Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas / Apoquindo 6570.

El destacado fotógrafo colombiano Fernando Cano Busquets presenta en nuestro Centro Cultural parte de la serie País, homenaje en Blanco y Negro, que le permitió obtener el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de Colombia 2017.

La exposición es un doble homenaje a Colombia, eje fundamental de su trabajo por más de 40 años, y al Blanco y Negro, lenguaje que considera único, propio e insustituible.

La muestra –poética y profundamente humana- es posible gracias a la gestión de la Embajada de Colombia en Chile.

Esta serie de 20 imágenes forma parte fundamental del proyecto País, homenaje en Blanco y Negro, que contiene más de 150 fotografías realizadas entre los años 70 a nuestros días. “Está concebida en cuatro temáticas distintas que, sin embargo, se complementan en un recorrido visual que da pistas sobre el carácter propio de la colombianidad. Eso que nos hace únicos en un espacio, una geografía y unas costumbres históricas”, señala el autor.

La serie parte del paisaje mismo, montañas, ríos, mares, espacios en los que van apareciendo sus habitantes, sus conquistadores. El recorrido continúa por los entornos, registro de familias, de individuos en sus hogares, oficios anónimos o parcelas particulares sin los cuales no se entendería el tejido de nuestra sociedad. Luego viene una colección de fotografías realizadas en las fiestas populares y por último, se incluyen acercamientos precisos a las manos que trabajan, moldean, cosechan y tejen el sello especial de Colombia.

En cuanto al Blanco y Negro, el autor utiliza las prácticas más reconocidas del oficio, como la reportería gráfica, la visión contemplativa o reflexiva de lugares incomparables; la fotografía de calle como testimonio de una era y, por supuesto, el retrato, la huella digital de un pueblo.

Fernando Cano Busquets (1956) creció en medio de imprentas y periodistas. A los 18 años, interesado por reproducir a través del lente de una cámara todas esas imágenes que estaban en su mente, comenzó su carrera como fotógrafo en la escuela del laboratorio fotográfico de El Espectador. Trabajando allí, formó sus bases junto a los reporteros gráficos del diario. Escribió como columnista, cronista, y estuvo a cargo de la dirección general de 1987 a 1997. Ahora, su palabra es la fotografía y su visión del mundo es con imágenes.

Sus estudios en filosofía y letras le han permitido tener una visión más profunda de la realidad. Sus ojos han ido más allá y han encontrado entre la multitud a esos personajes que representan lo que es Colombia. “Quiero mostrarle a la gente lo que voy viendo de la realidad cotidiana”.

“¿Quién es el hombre de la Sábana Santa?”

La exhibición se podrá ver de manera gratuita en la Sala de Exposiciones de la Universidad Finis Terrae (Avda. Pedro de Valdivia 1509 Providencia, Santiago), a partir del 27 de abril hasta diciembre de 2018, de lunes a sábado entre las 10:00 y las 19:00 horas y los domingos de 10:00 a 13:00 horas. Además, contará con visitas guiadas previamente coordinadas. Las visitas guiadas duran aprox. 40 minutos, y se pueden coordinar para grupos sobre 6 personas en cualquiera de los horarios en que esté abierta la Sala.No tienen costo para el visitante, pero sí hay que enviar la solicitud al menos 48 horas antes indicando fecha, hora y número de personas a sabanasanta@uft.cl

Por primera vez en Chile como muestra permanente, la exposición del objeto arqueológico más estudiado en la historia, estará abierta al público de manera gratuita, a partir del 27 de abril en la Sala de Exposiciones de la Casa de Estudios.

En el marco de la celebración de los 30º de la Universidad Finis Terrae, la casa de estudios en conjunto con la Fundación Isabel Aninat Echazarreta presentarán el próximo 26 de abril la exposición permanente “¿Quién es el hombre de la Sábana?”, muestra que exhibe una réplica exacta del Santo Sudario y que tiene por objetivo invitar a la reflexión en torno al misterio que circunda a una de las piezas más estudiados de la historia.

“Como Universidad nos sentimos orgullosos y bendecidos por contar con una exposición como esta. Si bien existen diversas réplicas, es primera vez que el Santo Sudario llega de manera permanente a Chile, por lo que es una gran oportunidad para que los chilenos conozcan en mayor profundidad la historia de cada una de las piezas y, particularmente, el origen y el misterio que hay detrás de la Sábana Santa”, explicó Cristian Nazer, rector de la U. Finis Terrae.

Además de la Síndone que fue utilizada para envolver a Jesús después de haber sido descolgado de la cruz, la exhibición contará con réplicas del Santo Sepulcro, modelo a escala impreso en 3D; una escultura de bronce del cuerpo completo del hombre de la Sábana Santa del escultor Luigi Mattei; una réplica de la corona de espinas hecha en Israel y duplicados de otros elementos como clavos, látigos y punta de lanza fabricados en Panamá.

“El misterio de la Sábana Santa”

A lo largo de los siglos, las respuestas a las diversas preguntas que han surgido en torno a esta emblemática pieza, han apoyado la fe de millones de cristianos en el mundo; conmoviendo a miles de personas, creyentes y no creyentes, permitiéndoles conocer las dimensiones de la pasión que sufrió Jesús por la redención de todos los seres humanos.

Tal como lo afirmó San Juan Pablo II: “La Sábana Santa es un reto a la inteligencia. Ante todo, exige de cada hombre, en particular del investigador, un esfuerzo para captar con humildad el mensaje profundo que transmite a su razón y a su vida… La Sábana Santa nos presenta a Jesús en el momento de su máxima impotencia y nos recuerda que en la anulación de esa muerte está la salvación del mundo entero” (Palabras del Papa Juan Pablo II en la Catedral de Turín, domingo 24 de mayo de 1998)

«La ONG Santiago + De lo profano a lo sagrado» + «El dilema del erizo» + «Residencia Claro – González»

Inauguración Lunes 23 de abril, 19:30 horas; hasta el viernes 11 de mayo. Horario: Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas; Sábado 11:00 a 14:00 horas. Espacio O.

¡Los invitamos a nuestra triple inauguración!

«La ONG Santiago + De lo Profano a lo Sagrado» de Nelson Garrido, Julio Guardia y Carlos Santos.
«El Dilema del Erizo» de Kevin Parra, parte de la convocatoria Salida de Emergencia 2018.
«Residencia Claro-González» de los artistas Daniela Claro y Coco González

Por un lado, en Sala O, estará «LA ONG SANTIAGO + DE LO PROFANO A LO SAGRADO», que reúne los trabajos de Nelson Garrido (Caracas, VEN, 1952), Carlos Santos (Caracas, VEN, 1985) y Julio Guardia (Maracay, VEN, 1979). La muestra se concibe a través de dos núcleos de sentido, cuya confluencia curatorial generan un hilo conector significativo. Por una parte un conjunto de imágenes que pertenecen al creador Nelson Garrido, reunidas bajo el título De lo Profano a lo Sagrado cuya selección (1988-2018) agrupa y hace síntesis de sus proposiciones estéticas en torno a la puesta en escena, la representación del cuerpo, la imagen erótica, las estéticas populares, la reflexión visual sobre la violencia y, esencialmente, la imagen como forma de libertad y lenguaje trasgresor para la crítica social, cultural y política.

Junto a Nelson, se exhibirán los trabajos de Carlos Santos y Julio Guardia, jóvenes creadores que conforman la plataforma de La ONG Santiago, cuyas exploraciones indagan sobre las posibilidades del autorretrato (Individuación, Fotografía + Instalación, Carlos Santos) como vía de introspección individual y reflexión propiamente existencial; así como el paisaje urbano (Nuestras Cruces, Serie + Video, Julio Guardia) como estrategia para elaborar referentes que permitan enfrentar la desmemoria en el contexto de la crisis social y política de Venezuela.

En Salida de Emergencia, contaremos con «El Dilema del Erizo», muestra del artista Kevin Parra (1992). Esta exhibición busca explorar en la fragilidad de la condición humana, representada a través del ensamblaje de objetos encontrados o inventados; añadiendo distintas cuotas de humor y un exceso de conciencia, se puede apreciar la educación y el hogar, como los pilares fundamentales del desarrollo de la identidad.

Por último, en Sala de Estar, revisaremos lo realizado por Coco González y Daniela Claro durante su periodo de residencia, el cual se inauguró el jueves 12 de abril.

Además, tendremos ciclos de micro teatro, performance y conciertos para acompañar las muestras.

¡Los esperamos!

Espacio O Plataforma de Arte Comtemporáneo
Villavicencio 395, tercer piso, Barrio Lastarria

«Theo Jansen en Chile: algoritmos del viento»

THEO JANSEN

Algoritmos del viento. 

Una exposición de medio ambiente, arte y evolución

14 de abril al 1 de julio

Las extraordinarias creaciones de Theo Jansen (1948) llegan por primera vez a Chile en una gran exhibición que se presenta entre el 14 de abril y el 1 de julio en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos (CNACC), con acceso gratuito, y con énfasis, desde su diseño e implementación, en lo educativo. Sus Strandbeests, animales de playa, son extraordinarias construcciones móviles que han ido evolucionando orgánicamente en los últimos veintisiete años. Hechas con tubos de plástico y a partir de algoritmos, logran ser esculturas cercanas a la vida que alientan a descubrir y reflexionar desde el arte sobre la naturaleza y las formas en que nos relacionamos con el medio ambiente.

La muestra es organizada por Fundación Mar Adentro y el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Vistas guiadas para grupos | Inscripciones aquí.

Informaciones: mediacion.cerrillos@cultura.gob.cl

Más información en: www.theojansenchile.cl

Horario: Martes a Domingo 10:00 a 18:30 horas.